Renesans to fenomenalne zjawisko w historii ludzkości. Dawno już nie było tak błyskotliwego błysku w dziedzinie sztuki. Rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (lista jest długa, ale dotkniemy najsłynniejszych), których nazwiska są znane wszystkim, dali światu bezcenne. Wyjątkowi i wyjątkowi ludzie pokazali się nie w jednej dziedzinie, ale w kilku od razu.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans ma względne ramy czasowe. Po raz pierwszy zaczęło się we Włoszech - 1420-1500. W tym czasie malarstwo i cała sztuka w ogóle nie różni się zbytnio od niedawnej przeszłości. Po raz pierwszy pojawiają się jednak elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. I dopiero w kolejnych latach rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (których lista jest bardzo długa) ulegali wpływom nowoczesne warunkiżycie i postępowe trendy ostatecznie porzucają średniowieczne fundamenty. Odważnie przyjmują do swoich dzieł najlepsze przykłady sztuki antycznej, zarówno w całości, jak iw poszczególnych szczegółach. Ich nazwiska są znane wielu, skupmy się na najjaśniejszych osobowościach.

Masaccio – geniusz malarstwa europejskiego

To on wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa, stając się wielkim reformatorem. Florencki mistrz urodził się w 1401 roku w rodzinie rzemieślników artystycznych, więc zmysł smaku i chęć tworzenia miał we krwi. W wieku 16-17 lat przeniósł się do Florencji, gdzie pracował w warsztatach. Donatello i Brunelleschi, wielcy rzeźbiarze i architekci, uważani są za jego nauczycieli. Komunikacja z nimi i nabyte umiejętności nie mogły nie wpłynąć na młodego malarza. Od początku Masaccio zapożyczył nowe rozumienie osobowości człowieka, charakterystyczne dla rzeźby. U drugiego mistrza – podstawa Za pierwsze wiarygodne dzieło badacze uznają Tryptyk San Giovenale (na pierwszym zdjęciu), który został odkryty w małym kościółku niedaleko miejscowości, w której urodził się Masaccio. Głównym dziełem są freski poświęcone historii życia św. Piotra. Artysta brał udział w powstaniu sześciu z nich, a mianowicie: „Cud z państwem”, „Wygnanie z raju”, „Chrzest neofitów”, „Podział majątku i śmierć Ananiasza”, „Zmartwychwstanie Syna Teofila”, „Św. Piotr swoim cieniem uzdrawia chorych” i „Św. Piotr na ambonie”.

Włoscy artyści renesansu to ludzie, którzy całkowicie poświęcili się sztuce, nie zwracając uwagi na zwykłe codzienne problemy, które czasami prowadziły ich do nędznej egzystencji. Masaccio nie jest wyjątkiem. mistrz geniuszu zmarł bardzo wcześnie, w wieku 27-28 lat, pozostawiając po sobie wielkie dzieła i dużą liczbę długów.

Andrea Mantegna (1431-1506)

To przedstawiciel szkoły malarskiej w Padwie. Otrzymał podstawy umiejętności od swojego przybranego ojca. Styl ukształtował się pod wpływem twórczości Masaccia, Andrei del Castagno, Donatello i malarstwo weneckie. To zdeterminowało nieco surowy i surowy sposób bycia Andrei Mantegny w porównaniu z Florentczykami. Był kolekcjonerem i znawcą dzieł kultury okresu antycznego. Dzięki swojemu stylowi, jak nikt inny, zasłynął jako innowator. Jego najsłynniejsze dzieła to: „Martwy Chrystus”, „Triumf Cezara”, „Judyta”, „Bitwa bogów morza”, „Parnas” (na zdjęciu) itp. Od 1460 roku aż do śmierci pracował jako nadworny malarz w rodzinie książąt Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli to pseudonim prawdziwe imię- Filippi. Nie od razu wybrał drogę artysty, lecz początkowo studiował jubilerstwo. W pierwszych niezależnych utworach (kilka Madonn) wyczuwalny jest wpływ Masaccia i Lippiego. W przyszłości wychwalał się także jako portrecista, większość zamówień pochodziła z Florencji. Wyrafinowany i wyrafinowany charakter jego pracy z elementami stylizacji (uogólnienie obrazów za pomocą konwencjonalnych technik - prostota formy, koloru, objętości) odróżnia go od innych mistrzów tamtych czasów. Współczesny Leonardo da Vinci i młody Michał Anioł pozostawili jasny ślad w sztuce światowej („Narodziny Wenus” (zdjęcie), „Wiosna”, „Adoracja Trzech Króli”, „Wenus i Mars”, „Boże Narodzenie” itp. .). Jego malarstwo jest szczere i wrażliwe, i ścieżka życia skomplikowane i tragiczne. Romantyczne postrzeganie świata w młodym wieku zostało zastąpione mistycyzmem i egzaltacją religijną w okresie dojrzałości. Ostatnie lata swojego życia Sandro Botticelli żył w biedzie i zapomnieniu.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Włoski malarz i kolejny przedstawiciel epoki wczesny renesans pochodzi z Toskanii. Styl autora ukształtował się pod wpływem florenckiej szkoły malarstwa. Oprócz talentu artysty Piero della Francesca miał wybitne zdolności w dziedzinie matematyki i ostatnie lata poświęcił jej życie, starając się ją z nią połączyć wysoki poziom artystyczny. W rezultacie powstały dwa traktaty naukowe: „O perspektywie w malarstwie” i „Księga pięciu prawidłowych brył”. Jego styl wyróżnia powaga, harmonia i szlachetność obrazów, równowaga kompozycyjna, precyzja linii i konstrukcji, miękka gama kolorystyczna. Piero della Francesca miał jak na tamte czasy niesamowitą wiedzę strona techniczna malarstwa i cech perspektywy, co przyniosło mu duży prestiż wśród współczesnych. Najsłynniejsze dzieła: „Historia królowej Saby”, „Biczowanie Chrystusa” (na zdjęciu), „Ołtarz Montefeltro” itp.

Malarstwo wysokiego renesansu

Jeśli protorenesans i wczesna epoka trwały odpowiednio prawie półtora wieku, to okres ten obejmuje tylko kilka dekad (we Włoszech od 1500 do 1527 roku). To był jasny, oślepiający błysk, który dał światu całą galaktykę wspaniałych, wszechstronnych i błyskotliwych ludzi. Wszystkie gałęzie sztuki szły ręka w rękę, więc wielu mistrzów to także naukowcy, rzeźbiarze, wynalazcy, a nie tylko artyści renesansu. Lista jest długa, ale szczyt renesansu zaznaczyły prace L. da Vinci, M. Buanarottiego i R. Santiego.

Niezwykły geniusz Da Vinci

Być może jest to najbardziej niezwykłe i wybitna osobowość w historii światowej kultury artystycznej. Był osobą uniwersalną w pełnym tego słowa znaczeniu i posiadał najbardziej wszechstronną wiedzę i talenty. Artysta, rzeźbiarz, teoretyk sztuki, matematyk, architekt, anatom, astronom, fizyk i inżynier - to wszystko o nim. Co więcej, w każdej z dziedzin Leonardo da Vinci (1452-1519) pokazał się jako innowator. Do tej pory zachowało się tylko 15 jego obrazów, a także wiele szkiców. Posiadając ogromną witalność i głód wiedzy, był niecierpliwy, fascynował go sam proces poznawania. W bardzo młodym wieku (20 lat) uzyskał kwalifikacje mistrza cechu św. Łukasza. Jego najbardziej najważniejsze dzieła stalowy fresk Ostatnia Wieczerza”, obrazy „Mona Lisa”, „Madonna Benois” (na zdjęciu powyżej), „Dama z gronostajem” itp.

Portrety artystów renesansu należą do rzadkości. Woleli zostawić swoje wizerunki na obrazach o wielu twarzach. Tak więc wokół autoportretu da Vinci (na zdjęciu) spory nie cichną do dziś. Przedstawiane są wersje, że zrobił to w wieku 60 lat. Według biografa, artysty i pisarza Vasariego, wielki mistrz umierał w ramionach swojego bliskiego przyjaciela króla Franciszka I w swoim zamku Clos Luce.

Rafał Santi (1483-1520)

Artysta i architekt pochodzący z Urbino. Jego nazwisko w sztuce niezmiennie kojarzone jest z ideą wysublimowanego piękna i naturalnej harmonii. Przez dość krótkie życie (37 lat) stworzył wiele światowej sławy obrazów, fresków i portretów. Fabuły, które przedstawił, są bardzo różnorodne, ale zawsze pociągał go obraz Matki Bożej. Absolutnie słusznie Rafael nazywany jest „mistrzem Madonn”, szczególnie znane są te, które namalował w Rzymie. W Watykanie pracował od 1508 roku do końca życia jako oficjalny artysta na dworze papieskim.

Wszechstronnie uzdolniony, podobnie jak wielu innych wielkich artystów renesansu, Rafał był także architektem, a także studiował wykopaliska archeologiczne. Według jednej wersji ostatnie hobby ma bezpośredni związek z przedwczesna śmierć. Przypuszczalnie podczas wykopalisk zachorował na rzymską febrę. Wielki mistrz jest pochowany w Panteonie. Zdjęcie przedstawia jego autoportret.

Michał Anioł Buoanarroti (1475-1564)

Długi 70-latek tego człowieka był bystry, pozostawił swoim potomkom niezniszczalne dzieła nie tylko malarstwa, ale i rzeźby. Podobnie jak inni wielcy artyści renesansu, Michał Anioł żył w czasach pełnych historycznych wydarzeń i wstrząsów. Jego sztuka jest pięknym zwieńczeniem całego renesansu.

Mistrz stawiał rzeźbę ponad wszystkie inne sztuki, ale z woli losu stał się wybitnym malarzem i architektem. Jego najbardziej ambitnym i niezwykłym dziełem jest obraz (na zdjęciu) w pałacu w Watykanie. Powierzchnia fresku przekracza 600 metrów kwadratowych i zawiera 300 postaci ludzkich. Najbardziej imponująca i znana jest scena Sądu Ostatecznego.

Włoscy artyści renesansu mieli wielostronne talenty. Tak więc niewiele osób wie, że Michał Anioł był także wielkim poetą. Ten aspekt jego geniuszu objawił się w pełni pod koniec jego życia. Do dziś zachowało się około 300 wierszy.

Malarstwo późnego renesansu

Ostatni okres obejmuje okres od 1530 do 1590-1620. Według Encyclopædia Britannica, renesans okres historyczny zakończył się upadkiem Rzymu w 1527 r. Mniej więcej w tym samym czasie w południowej Europie zwyciężyła kontrreformacja. Ruch katolicki z obawą patrzył na jakąkolwiek wolnomyślność, w tym na gloryfikację piękna. Ludzkie ciało i wskrzeszenie sztuki okresu antycznego – czyli wszystkiego, co było filarami renesansu. Doprowadziło to do powstania szczególnego nurtu – manieryzmu, charakteryzującego się utratą harmonii między duchowością a fizycznością, człowiekiem a naturą. Ale nawet w tym trudny okres niektóre znany artysta Renesans stworzył swoje arcydzieła. Wśród nich są Antonio da Correggio (uważany za twórcę klasycyzmu i palladianizmu) oraz Tycjan.

Tycjan Vecellio (1488-1490 - 1676)

Słusznie uważany jest za tytana renesansu, obok Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Jeszcze zanim skończył 30 lat, Tycjan był znany jako „król malarzy i malarz królów”. Zasadniczo artysta malował obrazy na mitologicznych i motywy biblijne poza tym zasłynął jako wspaniały portrecista. Współcześni wierzyli, że odciskanie pędzla wielkiego mistrza oznacza uzyskanie nieśmiertelności. I rzeczywiście tak jest. Rozkazy dla Tycjana pochodziły od najbardziej szanowanych i szlachetnych osób: papieży, królów, kardynałów i książąt. Oto tylko kilka najsłynniejszych jego dzieł: „Wenus z Urbino”, „Porwanie Europy” (na zdjęciu), „Nieśli krzyż”, „Koronacja cierniem”, „Madonna z Pesaro”, „Kobieta z lustro" itp.

Nic nie powtarza się dwa razy. Era renesansu dała ludzkości genialne, niezwykłe osobowości. Ich nazwiska złotymi literami zapisały się w światowej historii sztuki. Architekci i rzeźbiarze, pisarze i artyści renesansu – ich lista jest bardzo długa. Dotknęliśmy tylko tytanów, którzy tworzyli historię, przynieśli światu idee oświecenia i humanizmu.

SZTUKA RENESANSOWA

1. ogólna charakterystyka era.

2. Literatura.

3. Malarstwo.

4. Architektura. Rzeźba.

Ogólna charakterystyka epoki

Renesans (francuski renesans - „renesans”) - zjawisko rozwój kulturowy szereg krajów Europy Środkowej i Wschodniej Zachodnia Europa. Chronologicznie renesans obejmuje okres XIV-XVI wieku. Termin „renesans” pojawił się po raz pierwszy w XVI wieku. słynny włoski artysta, architekt i historyk sztuki Giorgio Vasari. Renesans to epoka wielkich przemian gospodarczych i społecznych w życiu wielu krajów Europy, epoka humanizmu i oświecenia.

W tym okresie historycznym w różnych dziedzinach życia ludzkiego społeczeństwa powstają sprzyjające warunki dla bezprecedensowego rozkwitu kultury. Rozwój nauki i techniki, wielkie odkrycia geograficzne, przesuwanie się szlaków handlowych oraz powstawanie nowych ośrodków handlowych i przemysłowych znacznie poszerzyły i zmieniły sposób rozumienia otaczającego go świata. Zmieniają się wyobrażenia o samej osobie. Najważniejszą cechą renesansowego światopoglądu był indywidualizm. Inną charakterystyczną cechą nowego światopoglądu było przebudzenie tożsamość narodowa. Ludzie mają poczucie patriotyzmu, kształtuje się pojęcie ojczyzny.

Periodyzacja:

1. Przedodrodzenie (ducento) - XIII wiek.

2. Protorenesans (trecento) - XIV wiek.

3. Wysoki renesans (quattrocento) - XV wiek.

4. Późny renesans (cinquecento) - XVI wiek.

Literatura

Francesco Petrarca był pierwszym poetą renesansu. Jest autorem zbioru wierszy "Canzonere" (zeszytu pieśni), poświęconego ukochanej poety - Laurze. Wiersze zawarte w zbiorze są zróżnicowane gatunkowo, ale w większości są to sonety. Doświadczenia miłosne są przez poetę nie tylko opisywane, ale również analizowane.

Niccolò Machiavelli był wybitnym pisarzem renesansu. Figura polityczna późny renesans, autor traktatu „Suweren”. W literaturze pojawia się nowy typ bohatera – bohater makiaweliczny. Pojawienie się tego typu bohatera było pierwszą oznaką kryzysu ideologii humanistycznej.

Największą postacią europejskiego renesansu był Erazm z Rotterdamu – pisarz, filolog, filozof, teolog, autor prac pedagogicznych, tłumacz z greki i łaciny.

Najjaśniejsze, najnowocześniejsze pomysły Francuski renesans zostały ucieleśnione w pracach F. Rabelais, autora słynna powieść Gargantua i Pantagruel. Rabelais postawił sobie za zadanie napisanie parodii heroicznej epopei. Główne różnice między powieścią a eposem są następujące:

Powieść nie jest ucieleśnieniem początku zbiorowego (bezosobowego), ale osobistego;

Bohater powieści jest indywidualnością, a nie uogólnionym obrazem;

Powieść zawsze koncentruje się na teraźniejszości.

W powieści Rabelais wyśmiewa z jednej strony liczne twierdzenia kościoła, z drugiej ignorancję i lenistwo mnichów. Rabelais barwnie ukazuje wszystkie wady duchowieństwa katolickiego, które wywołały masowe protesty w okresie reformacji – wygórowaną żądzę zysku, roszczenia papieży do politycznej dominacji w Europie, świętoszkowatą pobożność, która przykrywa zepsucie duchownych Kościoła. Mocno odwołuje się do scholastyki średniowiecznej – oderwanej od prawdziwe życie rozważań na temat miejsca Boga w ziemskiej egzystencji - aw szczególności słynnych filozofów scholastycznych. Rabelais przeciwstawia średniowieczny bezwład i bezprawie ideałom wolności i samowystarczalności człowieka. Autor najpełniej nakreślił swoją wizję tych idei w praktyce w odcinku z Theleme Abbey, który Brother Jean organizuje za zgodą Gargantua. W opactwie nie ma przymusu i uprzedzeń, a stworzone są wszelkie warunki do harmonijnego rozwoju osobowości człowieka. Statut opactwa zawiera jedną zasadę: „Rób, co chcesz”. Rozdziały o opactwie Theleme, a także o wychowaniu Gargantuy pod rządami Ponocratesa, są pełnym ucieleśnieniem zasad humanizmu w powieści Rabelais'go. Pod tym względem „Gargantua i Pantagruel” jest najjaśniejszy pomnik literacki renesansu, kiedy załamał się jeden paradygmat kulturowy, średniowieczny, i pojawił się inny, renesansowy.

Twórczość wybitnych hiszpańskich humanistów tamtej epoki, takich jak M. Cervantes, Lope de Vega i inni, charakteryzowała się głęboką treścią narodowo-historyczną, patriotyzmem i wysokim uznaniem godności człowieka.

Anglia również odnotowała największy wzrost twórczość literacka. Wystarczy wymienić nazwisko genialnego dramatopisarza i poety W. Szekspira. Istnieją cztery główne okresy w twórczości Szekspira:

1. 1590-1594. Początek twórczości dramatycznej Szekspira. Pierwsze utwory są zorientowane na starożytne próbki. Tak więc w kronikach „Henryk VI”, „Ryszard III” wpływ „krwawej tragedii” na ducha Seneki jest namacalny. W tym okresie Szekspir napisał także komedie Komedia błędów i Poskromienie złośnicy.

2. 1595-1600. Komedia „Two Veronians” to dzieło przejściowe. Okres romantyczny. Powstają komedie „Sen nocy letniej”, „Noc Trzech Króli”. Do tego okresu należy tragedia „Romeo i Julia”.

3. 1601-1609. Czas tworzyć wielkie tragedie. Sztuka Szekspira „Hamlet”, „Makbet”, „Otello”, „Król Lear” – odzwierciedla kryzys ideologii humanistycznej. Wiara w ideę pierwotnej dobroci człowieka została zachwiana, stało się oczywiste, że zło jest zakorzenione w samej naturze ludzkiej. Bohaterowie Szekspira są w mocy namiętności, są zdolni do zbrodni. Tutaj tragedia tkwi nie tylko w zderzeniu jednostki i społeczeństwa, ale także w wewnętrznych sprzecznościach duszy bohatera. Problem zostaje sprowadzony na ogólny poziom filozoficzny, a postacie pozostają niezwykle wieloaspektowe i psychologicznie obszerne. Jednocześnie bardzo ważne jest, aby w wielkich tragediach Szekspira całkowicie nie było fatalistycznego stosunku do losu, który z góry determinuje tragedię. Główny nacisk, podobnie jak poprzednio, położono na osobowość bohatera, który kształtuje własne przeznaczenie oraz losy otaczających go osób. Komedia się zmienia. Nazywano je „czarnymi komediami” lub „sztukami problemowymi”.

4. 1609-1613. Okres " dramaty romantyczne". Najbardziej uderzającym przykładem jest „Zimowa opowieść”. To poetyckie opowieści odrywające się od rzeczywistości w świat marzeń. Całkowite świadome odrzucenie realizmu i wycofanie się w romantyczną fantazję jest naturalnie interpretowane przez badaczy Szekspira jako rozczarowanie dramaturga humanistycznymi ideałami, uznanie niemożności osiągnięcia harmonii. Ta ścieżka - od triumfalnie radosnej wiary w harmonię do zmęczonego rozczarowania - faktycznie przeszła przez cały światopogląd renesansu.

Obraz

Era Ducento jest uważana za początek malarstwa renesansowego. Protorenesans nadal jest ściśle związany ze średniowiecznymi tradycjami romańskimi, gotyckimi i bizantyjskimi. Artyści końca XIII - początku XIV wieku. są jeszcze dalekie od naukowego badania otaczającej nas rzeczywistości. Wyrażają swoje wyobrażenia na ten temat, wciąż posługując się konwencjonalnymi obrazami bizantyjskiego systemu obrazkowego. Ale czasami wygląd konstrukcji architektonicznych jest tak dokładnie odtworzony, że wskazuje to na istnienie szkiców z natury. Tradycyjne postacie religijne zaczynają być przedstawiane w świecie obdarzonym właściwościami rzeczywistości - objętością, przestrzenną głębią, materialną materialnością. Rozpoczyna się poszukiwanie metod transmisji na płaszczyźnie objętości i przestrzeni trójwymiarowej. Ówcześni mistrzowie wskrzeszają znaną starożytności zasadę światłocieniowego modelowania form. Dzięki niej figury i budowle nabierają gęstości i objętości. Najwyraźniej pierwszym, który zastosował antyczną perspektywę, był florencki Cenny di Pepo, nazywany Cimabue. Niestety, jego najważniejsze dzieło – cykl obrazów o tematyce apokalipsy, życia Marii i Apostoła Piotra w kościele San Francesco w Asyżu – doszedł do naszych czasów niemal w stanie ruiny. Jego kompozycje ołtarzowe, które znajdują się we Florencji iw Luwrze, są lepiej zachowane. Nawiązują również do bizantyjskich pierwowzorów, ale wyraźnie wykazują cechy nowego podejścia do malarstwo religijne. Twórczość Cimabue była punktem wyjścia dla tych nowych procesów, które zdeterminowały dalszy rozwój malarstwa.

Wielcy artyści jawią się jako odważni innowatorzy, odrzucający tradycyjny system. Za takiego reformatora malarstwa włoskiego XIV wieku należy uznać Giotto di Bondone. Jest twórcą nowego systemu obrazowego, wielkim reformatorem całości malarstwo europejskie, prawdziwego przodka nowej sztuki. Najsłynniejsze z dzieł Giotta, które do nas dotarło, to cykl malowideł ściennych w kaplicy del Arena w Padwie, poświęcony ewangelicznym opowieściom o życiu Chrystusa. Ten malowniczy unikalny zespół jest jednym z kamieni milowych w historii sztuka europejska. Zamiast charakterystycznych dla malarstwa średniowiecznego odrębnych pojedynczych scen i postaci, Giotto stworzył jeden cykl epicki. Trzydzieści osiem scen z życia Chrystusa i Maryi („Spotkanie Marii i Elżbiety”, „Pocałunek Judasza”, „Opłakiwanie” itp.) łączy język malarstwa w jedną narrację. Zamiast zwykłego złotego tła bizantyjskiego, Giotto wprowadza tło krajobrazowe. Postacie nie unoszą się już w przestrzeni, lecz zyskują solidny grunt pod stopami. I choć wciąż są nieaktywne, wykazują chęć oddania anatomii ludzkiego ciała i naturalności ruchu. Giotto nadaje formom niemalże rzeźbiarską wyczuwalność, ciężkość, gęstość. Modeluje relief, stopniowo uwydatniając główne kolorowe tło. Ta zasada modelowania światła i cienia, która umożliwiła pracę z czystymi, żywe kolory bez ciemnych cieni dominował w malarstwie włoskim aż do XVI wieku. Z licznych późnych cykli fresków Giotta wymienianych w źródłach zachowały się jedynie malowidła dwóch kaplic florenckiego kościoła Site Croce. Poświęcone są św. Franciszkowi z Asyżu, założycielowi zakonu żebraków, który żył w r koniec XII- początek XIII wieku. To obrazowe gloryfikowanie nauk św. Franciszka nie jest przypadkowe. Św. Franciszek położył podwaliny pod nową postawę człowieka. Człowiek jest dla niego cudownym boskim stworzeniem, któremu powierzono swoją miłość, by ożywić świat. Uczył, że łaska Boża rozlewa się we wszystkim, co istnieje – w gwiazdach, roślinach, zwierzętach, które nazywał braćmi. Nie potępiał świata za jego grzeszność, ale podziwiał jego boską harmonię. Franciszkanizm był integralną częścią postawy protorenesansowej. Nie odnowienie starożytności i zaprzeczenie chrześcijaństwa, ale odrodzenie i oświecenie człowieka jest działaniem. To nowe słowo w światowej sztuce malarstwa.

Charakterystyka malarstwo późnego Quattrocento - różnorodność szkół i nurtów. W tym czasie powstały szkoły florenckie, umbryjskie (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), północnowłoskie (Andrea Mantegni), weneckie (Antonello da Messina, Giovanni Bellini). Jeden z najwybitniejszych artystów Quattrocento – Sandro Botticelli – przedstawiciel ideałów estetycznych dworu słynnego tyrana, polityka, filantropa, poety i filozofa Lorenzo Medici zwany Wspaniałym. W sztuce Botticellego dokonuje się swoista synteza średniowiecznego mistycyzmu z tradycją antyczną, ideałami gotyku i renesansu. W jego obrazy mitologiczne następuje odrodzenie symbolizmu. Przedstawia się pięknie starożytne boginie nie w zmysłowych obrazach ziemskiego piękna, ale w romantycznych, uduchowionych, wzniosłych obrazach. Dwa obrazy, które go gloryfikowały, to „Narodziny Wenus” i „Wiosna”. Widzimy w nich osobliwy kobiecy wizerunek Botticellego: wydłużony owal twarzy, długi nos z cienkimi nozdrzami, uniesionymi brwiami, szeroko otwartymi, zakłopotanymi, rozmarzonymi i jakby cierpiącymi oczami. Botticelli zaskakująco połączył pogańską zmysłowość i zwiększoną duchowość, rzeźbiarską sztywność i delikatną kruchość, wyrafinowanie, liniową dokładność i emocjonalność, zmienność. Obrazy Botticellego, oprócz bezpośredniej ekspresji, mają również ukryty emocjonalny dźwięk.

Renesans spowodował głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która coraz bardziej uniezależnia się od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć daleko jej jeszcze do pełnej samodzielności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odżywają nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył we Florencji Akademię Platońską, przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W okresie renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na uniwersytetach europejskich”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna czy filozofia przyrody. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich dziełach rozwijają się myśli, że filozofia nie powinna badać nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że przyroda podlega własnemu, prawa wewnętrzneże podstawą wiedzy jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury.

Rozpowszechnianiu się poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Najważniejszym z nich był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w wyobrażeniach o świecie.

Należy jednak zauważyć, że ówczesne poglądy naukowe i filozoficzne pozostają nadal pod zauważalnym wpływem religii i teologii. Takie poglądy często przybierają formę panteizm w którym istnienie Boga nie jest zaprzeczane, ale On rozpływa się w naturze, utożsamia się z nią. Do tego należy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych - astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to ma miejsce nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najistotniejsze zmiany przyniósł renesans kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.

W średniowieczu sztuka była w dużym stopniu stosowana w przyrodzie, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W renesansie sztuka po raz pierwszy nabiera samoistnej wartości, staje się samodzielną dziedziną piękna. Jednocześnie po raz pierwszy w postrzegającym widzu kształtuje się czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie dla celu, któremu ona służy.

Nigdy dotąd sztuka nie cieszyła się tak dużym szacunkiem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji praca artysty w swoim społecznym znaczeniu była zauważalnie gorsza od działalności polityka i obywatela. Jeszcze skromniejsze miejsce artysta zajmował w starożytnym Rzymie.

Ale już miejsce i rola artysty w społeczeństwie rosną niepomiernie. Po raz pierwszy uznawany jest za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, naukowca i myśliciela, wyjątkową indywidualność. W okresie renesansu sztuka postrzegana jest jako jeden z najpotężniejszych środków poznania iw tym charakterze utożsamiana jest z nauką. Leonardo da Vinci uważa naukę i sztukę za dwa całkowicie równe sposoby badania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Jeszcze wyżej ceniono sztukę jako twórczość. Pod względem zdolności twórczych artysta renesansu utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Rafał otrzymał dodatek „Boski” do swojego imienia. Z tych samych powodów Komedia Dantego była również nazywana „Boską”.

Sama sztuka przechodzi głębokie przemiany. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do realistycznego obrazu i wiarygodnego obrazu. Środki wyrazu artystycznego stają się nowe. Są one teraz oparte na liniowych i perspektywa powietrzna, trójwymiarowość objętości, doktryna proporcji. Sztuka we wszystkim dąży do wierności rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywizmu, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła swój największy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, artystów wielkich i po prostu utalentowanych. W innych krajach są też wielkie nazwiska, ale Włochy są poza konkurencją.

We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek.
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza tercja XVI wieku
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami protorenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantemu wiele prób. Był prześladowany za udział w walce politycznej, tułał się, zmarł w obcym kraju, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą języka włoskiego język literacki. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą nowożytności. Te dwa początki – stare i nowe – są w jego twórczości bardzo mocno splecione.

Pierwsze dzieła Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne wiersze o treści miłosnej poświęcone jego ukochanej Beatrice, którą poznał kiedyś we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował miłość do końca życia. Pod względem gatunkowym teksty Dantego nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, w której przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Spowodowane są one prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, nacechowanymi wyjątkową indywidualnością.

Szczytem pracy Dantego było "Boska Komedia”, która zajęła szczególne miejsce w historii kultury światowej. Również w swojej konstrukcji poemat ten jest zgodny z tradycjami średniowiecznymi. Opowiada o przygodach człowieka, który dostał się do środka zaświaty. Wiersz składa się z trzech części - Piekła, Czyśćca i Raju, z których każda zawiera 33 pieśni napisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzana liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej doktryny o Trójcy. W trakcie narracji Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie wpuszcza do raju swego towarzysza w dziewięciu kręgach piekła i czyśćca – rzymskiego poety Wergiliusza, gdyż poganin takiego prawa jest pozbawiony. Tutaj poecie towarzyszy jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w myślach i sądach, w stosunku do portretowanych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco nie zgadza się z nauką chrześcijańską. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu, mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest włączona w naturę samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paolo ze zrozumieniem i sympatią. chociaż ich miłość jest związana ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także przy innych okazjach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest również Franciszek Petrarka. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był wszechstronnym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Dzieło Petrarki mieści się też częściowo w ramach średniowiecznej liryki dworskiej. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka zdecydowaniej zrywa więzi z kultura średniowieczna. W jego pracach wyrażane uczucia - miłość, ból, rozpacz, tęsknota - wydają się znacznie ostrzejsze i bardziej nagie. Mają silniejszy charakter osobisty.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanni Boccaccio (1313-1375). światowej sławy autor Dekameron”. Zasada konstruowania swojego zbioru opowiadań i Zarys konspektu Boccaccio zapożycza ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami powieści są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie zawierają nudnego moralizatorstwa, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie kipi miłością do życia i zabawy. Działki niektórych z nich mają miłość i erotyczny charakter. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także historię Fiametta, która jest uważana za pierwszą powieść psychologiczna Literatura zachodnia.

Giotta di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu w sztukach wizualnych. Jego głównym gatunkiem były freski. Wszystkie są napisane na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje początek renesansu. W swojej twórczości Giotto odchodzi od średniowiecznych konwencji i zwraca się w stronę realizmu i wiarygodności. To dla niego uznawana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.

W jego pracach naturalny krajobraz jest dość realistycznie przedstawiony, na którym wyraźnie widoczne są drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, pojawiają się jako żywi ludzie obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkie uczucia i pasje. Ich ubrania zarysowują naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasną kolorystyką i malowniczością, delikatną plastycznością.

Głównym dziełem Giotta jest obraz Chapel del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Największe wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Opłakiwanie Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Pozycja ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze - wszystko to ukazane z rzadko spotykaną psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma niepowtarzalny klimat.

Tak więc w scenie „Lot do Egiptu” panuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwym dynamizmem, ostrymi i zdecydowanymi poczynaniami postaci, które dosłownie zmagały się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Scena „Opłakiwanie Chrystusa” odznacza się szczególnym dramatyzmem. Przepełnia go tragiczna rozpacz, nieznośny ból i cierpienie, niepocieszony żal i smutek.

Wczesny renesans ostatecznie zaakceptowany nowe estetyczne i artystyczne zasady sztuki. Jednocześnie nadal bardzo popularne są historie biblijne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele w nich zostało ze średniowiecza.

Ojczyzna Wczesny renesans stał się Florencją, a „ojcowie renesansu” to architekci Filipa Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny pod architekturę renesansu, odkrył nowe formy istniejące od wieków. Zrobił wiele, aby rozwinąć prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stanęło przed nim wyjątkowo trudne zadanie, gdyż wymagana kopuła musiała mieć ogromne rozmiary - około 50 m średnicy. Dzięki oryginalnemu projektowi wyłania się z blaskiem trudna sytuacja. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cały budynek katedry nabrał harmonii i majestatu.

Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielki, prostokątny budynek, nakryty pośrodku kopułą. Wewnątrz wyłożona białym marmurem. Podobnie jak inne budowle Brunelleschiego, kaplicę wyróżnia prostota i przejrzystość, elegancja i wdzięk.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza miejsca kultu i tworzy wspaniałe budowle. architektura świecka. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Najwięcej pracował różne gatunki wszędzie pokazując prawdziwą innowację. W swojej twórczości Donatello wykorzystuje antyczne dziedzictwo, opierając się na głębokim studium natury, odważnie aktualizując środki artystycznego wyrazu.

Jest zaangażowany w rozwój teorii perspektywa liniowa, ożywia rzeźbiarski portret i wizerunek nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Swoją twórczością Donatello wywarł ogromny wpływ na późniejszy rozwój rzeźby europejskiej.

Pragnienie Donatella idealizacji przedstawionej osoby przejawiało się wyraźnie w pomnik młodego Dawida. W tej pracy Dawid jawi się jako młody, piękny, pełen sił psychicznych i fizycznych młodzieniec. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada heroiczności jest silna i wyraźna w pomnik św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatello. Tutaj w pełni udało mu się wcielić w życie ten pomysł silna osobowość. Przed nami wysoki, smukły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby antycznej.

Klasycznym dziełem Donatello jest wykonany z brązu posąg komandora Gattamelatty – pierwszy pomnik konny w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga ostateczny poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co zbliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia się lakonicznymi formami, wyraźną i precyzyjną plastycznością, naturalną postawą jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad zranionym już Holofernesem. aby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy pochodzące od Giotta. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele zdziałał. Jednak freski, które stworzył, stały się prawdziwa szkoła malowanie na później włoscy artyści. Według Vasariego, współczesnego Wielkiego Renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie był tak blisko współcześni mistrzowie jak Masaccio.

Głównym dziełem Masaccia są freski w Kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji, które opowiadają o epizodach z legend o św.

Chociaż freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń wydają się całkiem ziemskimi ludźmi. Są obdarzeni cechy indywidualne i zachowywać się w sposób całkowicie naturalny i ludzki. W szczególności w scenie „Chrztu” nagi, trzęsący się z zimna młodzieniec jest zaskakująco autentycznie pokazany. Masaccio buduje swoją kompozycję nie tylko z perspektywy linearnej, ale i powietrznej.

Z całego cyklu na szczególną uwagę zasługuje fresk „Wygnanie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widoczne są postacie Adama i Ewy, którzy opuścili bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i wiarygodnie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i wymownie stan wewnętrzny bohaterowie. Adam, który szedł szeroko, ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Szlochając, Eve odrzuciła głowę do tyłu w rozpaczy. otwarte usta. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, kontynuowali tacy artyści jak Andrea Mantegna(1431-1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim z malowideł ściennych, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Botticelli preferował malarstwo sztalugowe. Jego najsłynniejsze obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiąga swój szczyt, Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy z Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, o dziwo, przeżywa bezprecedensowy rozkwit. To właśnie w tym czasie tworzyli tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek Wielkiego Renesansu wiąże się z kreatywnością Donata Bramantego(1444-1514). To on stworzył styl, który zdeterminował rozwój architektury tego okresu.

Jeden z jego wczesne prace stał się kościołem klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w refektarzu którego Leonardo da Vinci napisze swoją słynny fresk"Ostatnia Wieczerza". Jego świetność zaczyna się od małej kaplicy tzw Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie i stał się swoistym „manifestem” Wielkiego Renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką ekspresją. To jest prawdziwe małe arcydzieło.

Szczytem dzieła Bramantego jest odbudowa Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem projektu katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoski renesans zajmuje specjalne miejsce Wenecja. Rozwijająca się tu szkoła znacznie różniła się od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To było w tych szkołach Klasycyzm XVII w. i neoklasycyzm późniejszych wieków.

Szkoła wenecka była ich pierwotną przeciwwagą i antypodą. Panował tu duch nowatorstwa i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Od przedstawicieli innych szkoły włoskie najbliżej Wenecji był Leonardo. Być może właśnie tutaj jego pasja do badań i eksperymentów mogła znaleźć właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze między „starymi i nowymi” artystami ci drudzy powoływali się na przykład Wenecji. Tu zaczęły się trendy, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Veronese. W Wenecji dostałem swoją opłatę twórczą El Greco, co pozwoliło mu wstrząsnąć hiszpańskim malarstwem. Velazquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzcy artyści Rubense i Van Dyke.

Będąc miastem portowym, Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Doświadczyła wpływów północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Dürer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początku XVI wieku. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner słuchał tu śpiewu gondolierów (1857), z inspiracji których napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała raczej płynne i ruchome formy niż wyraźne geometryczne struktury. Wenecja ciążyła nie tyle do rozsądku ze swoimi surowymi regułami, co do uczuć, z których zrodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. W centrum tej poezji była natura - jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta - ekscytujące piękno jej ciała, muzyka - zrodzona z gry kolorów i światła oraz z czarujących dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej preferowali nie formę i wzór, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. piękno kobiece ciało widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w najbardziej żywym i czującym ciele.

Nie były wystarczająco realistyczną wiarygodnością i niezawodnością. Starali się ujawnić bogactwo tkwiące w samym malarstwie. To Wenecja zasługuje na to, by odkryć czystą zasadę malarską lub malowniczość w niej czysta forma. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malowniczości od przedmiotu i formy, możliwość rozwiązania problemów malarstwa za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość traktowania malowniczości jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na wyrazie i wyrazistości, pójdzie tą drogą. Według niektórych ekspertów można przejść od Tycjana do Rubensa i Rembrandta, potem do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne'a itd.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy działał jak prawdziwy innowator. W końcu wygrywa dla niego świecka zasada i zamiast tematów biblijnych woli pisać o tematyce mitologicznej i literackiej. W jego twórczości następuje ustanowienie obrazu sztalugowego, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy skupia się na mobilności, zmienności i płynności. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To właśnie Giorgione zaczął poszukiwać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, działając jako prekursor Caravaggia i Caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła różnych gatunków i tematów - „Koncert country” i „Judith”. Jego najbardziej znanym dziełem był „Śpiąca Wenus”". Ten obraz jest pozbawiony jakiejkolwiek fabuły. Śpiewa o pięknie i uroku nagiego kobiecego ciała, reprezentując „nagość dla samej nagości”.

Kierownikiem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – wraz z dziełami Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość jego długie życie przypada na późny renesans.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy rozkwit i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowacyjność Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Posiadają niezwykłą zmysłowość, dzięki czemu silnie oddziałują na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzykalne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało smaku, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna są malowane otwartym pociągnięciem pędzla, które jest zarówno lekkie, swobodne, jak i przezroczyste. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza się i wchłania formę, a zasada obrazkowa po raz pierwszy nabiera autonomii, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości przeradza się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach z pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Śpiewa o zmysłowej zasadzie, ludzkim ciele tryskającym zdrowiem, wiecznym pięknie ciała, fizycznej doskonałości człowieka. Jest to temat jego płócien takich jak „Miłość na ziemi i niebie”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

W obrazie dominuje zmysłowy początek „Pokutna Magdaleno”, choć poświęcony jest dramatycznej sytuacji. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, zniewalające, promienne ciało, pełne i zmysłowe usta, rumiane policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” jest wypełnione przenikliwym liryzmem.

W utworach drugiego okresu zachowana zostaje zasada zmysłowości, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do tego, co duchowe i dramatyczne. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne w ucieleśnieniu tematów i wątków, do których wielki artysta odnosił się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los opuszczonego przez ludzi samotnego cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i fizycznym pięknem. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze pierwszorzędny przykład mogą służyć jako warianty obrazu „Koronacja cierniem”, poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich, przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie przystojny i silny atleta, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W wersji monachijskiej, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazany o wiele głębiej, bardziej złożony i wymowny. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i poniżanie. Teraz najważniejsze nie jest koronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne ale psychiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych utworach Tycjana tragiczne brzmienie jest coraz bardziej nasilone. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.

Ciało ludzkie było głównym źródłem inspiracji i przedmiotem badań dla artystów renesansu, a nacisk kładziono na podobieństwo dzieł malarstwa i rzeźby z rzeczywistością.

Umiejętne posługiwanie się pędzlem, złożone kompozycje, perspektywa (malarstwo trójwymiarowe), kolor, światło, blask, gra światła i cienia, emocjonalność i skrupulatność w pracy, to wszystko były główne cechy sztuki renesansu. Postacie mitologiczne i biblijne były głównymi postaciami dla artystów tego okresu.

Rzeźba fałd ubrań. „Ćwiczenie przedstawiające siedzącą postać” Leonarda da Vinci. Zdjęcie dzięki uprzejmości Art Renewal Center Ciało ludzkie było głównym źródłem inspiracji i badań w sztuce renesansu. Podobieństwo do rzeczywistości osiągnęło taki stopień, że postacie przedstawione na pracach wydawały się żywe, w przeciwieństwie do sztuki XX wieku, gdzie np. na obrazach Georgesa Seurata ludzie są bardziej jak skamieliny.

Dla artystów i naukowców ludzkie ciało jest niewyczerpanym źródłem. Stale doskonalą swoją wiedzę i umiejętności poprzez badanie ludzkiego ciała. Fizyczna doskonałość odzwierciedlała panujące wówczas przekonanie, że człowiek został stworzony na obraz i podobieństwo Boga. Bogowie rzeczywiście byli personifikowani i przedstawiani jako ludzie, o cechach bardziej ludzkich, w przeciwieństwie do dzieł sztuki średniowiecza.

Bogowie byli ważnymi i głównymi tematami sztuki renesansu. Co wpłynęło na artystów, którzy przedstawiali bogów? Jak to wpłynęło na kulturę tamtych czasów?

Warto zauważyć, że renesans (po francusku „renesans” - renesans), który trwał od końca XIV do XVII wieku, był okresem, w którym obserwowano postęp w różnych dziedzinach: odkrycie Ameryki, odkrycia naukowe , poszukiwanie nowych materiałów, minerałów i produktów (np. herbaty i kakao). Początkowe elementy baletu pojawiły się w tańcach. Religia miała kluczowe znaczenie dla regulacji społecznych i życia codziennego. Ta sama religia stała się później pretekstem do popełniania okrucieństw i naruszania podstawowych wartości ludzkich.

Rozprzestrzenianie się białego człowieka na inne kontynenty, kolonizacja i zniewolenie tubylców i ich mieszkańców zasoby naturalne stawia pytania moralne. Widać silny kontrast między zniewoleniem a kwitnącą sztuką przesiąkniętą duchowością i kultem piękna.

W samej sztuce, w technice rysunku i malarstwa głównym wymogiem stawianym artystom była umiejętność najwyższy stopień. Malarze i rzeźbiarze stale doskonalili swoje umiejętności. Sztuka była zawodem, a artyści doskonalili swoje umiejętności nawet po tym, jak stali się sławni.

Udoskonalenie sposobów przedstawiania i perspektywy doprowadziło do stopniowego przejścia od sztuki średniowiecza do renesansu.

Natura też została dana duże skupienie. Krajobrazy zwykle zawierają bogatą i zróżnicowaną roślinność. Błękitne niebo, przeszyte promieniami słońca przebijającymi się przez białe chmury, było wspaniałym tłem dla szybujących boskich istot.

Przeniesienie światła i cienia, blask pereł i metalu (miecze, biżuteria i wazy), szczegółowe przedstawienie tkanin z wdzięcznymi fałdami przez artystów renesansu to prawdziwy przełom w malarstwie.

Artyści tamtych czasów czcili piękno ludzkiego ciała, co przejawiało się w niebywale precyzyjnych detalach ciała i mięśni oraz zrozumieniu ich motoryki. Złożone pozy, gesty i mimika, harmonijne i wyraziste kolory - wszystko to jest charakterystyczne dla twórczości malarzy i rzeźbiarzy tego okresu: Michała Anioła, Leonarda da Vinci, Rembrandta, Tycjana itp.

Sztuka renesansu reprezentowana przez mistrzów malarstwa, rzeźby i architektury oraz ich nieśmiertelne dzieła jest dla całej ludzkości wzorem bezkompromisowej pracowitości i wysokiej duchowości, dążenia do najwyższych wartości ludzkości.

Sztuka renesansu

Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk (teatr, muzyka, malarstwo, architektura, literatura itp.). Porozmawiam o literaturze i sztukach plastycznych.

Literatura renesansowa- główny nurt w literaturze, integralna część całej kultury renesansu. Zajmuje okres od XIV do XVI wieku. Różni się od literatury średniowiecznej tym, że opiera się na nowych, postępowych ideach humanizmu. Synonimem renesansu jest termin „renesans”, pochodzenia francuskiego. Idee humanizmu powstały po raz pierwszy we Włoszech, a następnie rozprzestrzeniły się po całej Europie. Również literatura renesansu rozprzestrzeniła się w całej Europie, ale w każdym kraju nabrała własnego charakteru narodowego. Termin renesans oznacza odnowę, odwołanie się artystów, pisarzy, myślicieli do kultury i sztuki starożytności, naśladowanie jej wzniosłych ideałów.

Pojęcie humanizmu

Pojęcie „humanizmu” zostało użyte przez naukowców XIX wieku. Pochodzi od łacińskiego humanitas ( ludzka natura, kultura duchowa) i humanus (człowiek) i oznacza ideologię skierowaną do osoby. W średniowieczu istniała ideologia religijna i feudalna.

W renesansie nastąpiło odejście od ideologii feudalno-kościelnej, pojawiły się idee emancypacji jednostki, potwierdzenie wysokiej godności człowieka, jako wolnego twórcy ziemskich szczęść. Idee stały się decydujące w rozwoju kultury jako całości, wpłynęły na rozwój sztuki, literatury, muzyki, nauki, znalazły odzwierciedlenie w polityce. Humanizm jest światopoglądem o charakterze świeckim, antydogmatycznym i antyscholastycznym. Rozwój humanizmu rozpoczyna się w XIV w. od prac humanistów takich jak Dante, Petrarka, Boccaccio itp. W XVI w. proces kształtowania się nowego światopoglądu zostaje spowolniony pod wpływem feudalnej reakcji katolickiej. Zastępuje ją Reformacja.

Literatura renesansowa w ogóle

Mówiąc o renesansie, mówimy bezpośrednio o Włoszech, jako nosicielu głównej części starożytna kultura, oraz o tzw. renesansie północnym, który miał miejsce w krajach Północna Europa: Francja, Anglia, Niemcy, Holandia, Hiszpania i Portugalia.

Literatura renesansu charakteryzuje się ideałami humanistycznymi, które zostały już zarysowane powyżej. Era ta jest związana z pojawieniem się nowych gatunków i powstaniem wczesnego realizmu, który nazywa się „realizmem renesansowym” (lub renesansem), w przeciwieństwie do późniejszych etapów, edukacyjnych, krytycznych, socjalistycznych.

W twórczości takich autorów jak Petrarka, Rabelais, Szekspir, Cervantes nowe rozumienie życia wyraża osoba odrzucająca niewolnicze posłuszeństwo, które głosi Kościół. Przedstawiają człowieka jako najwyższe stworzenie natury, starając się ukazać piękno jego wyglądu fizycznego oraz bogactwo jego duszy i umysłu. Renesansowy realizm charakteryzuje się rozmachem obrazów (Hamlet, Król Lear), poetyzacją obrazu, umiejętnością wzbudzania wielkiego uczucia, a jednocześnie dużą intensywnością tragicznego konfliktu („Romeo i Julia ”), odzwierciedlający zderzenie osoby z wrogimi mu siłami.

Literatura renesansowa charakteryzuje się różnymi gatunkami. Przeważały jednak pewne formy literackie. Najpopularniejszym gatunkiem było opowiadanie, które nazywane jest opowiadaniem renesansowym. W poezji staje się najbardziej charakterystyczną formą sonetu (strofa 14 wersów z określonym rymem). Dramaturgia bardzo się rozwija. Najwybitniejszymi dramaturgami renesansu są Lope de Vega w Hiszpanii i Szekspir w Anglii.

Dziennikarstwo i proza ​​​​filozoficzna są szeroko rozpowszechnione. We Włoszech Giordano Bruno potępia w swoich utworach kościół, tworzy własne nowe koncepcje filozoficzne. W Anglii Thomas More wyraża idee utopijnego komunizmu w swojej książce Utopia. Szeroko znani są tacy autorzy jak Michel de Montaigne („Eksperymenty”) i Erazm z Rotterdamu („Pochwała głupoty”).

Wśród ówczesnych pisarzy są też osoby koronowane. Wiersze pisze książę Lorenzo de Medici, a Małgorzata z Nawarry, siostra króla Francji Franciszka I, znana jest jako autorka zbioru Heptameron.

Sztuk Pięknych Renesansu

Pierwsi prekursorzy sztuki renesansowej pojawili się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tego czasu, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337), tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, odrzucili tradycję międzynarodowego gotyku (Cechy charakterystyczne malarstwa międzynarodowego gotyku: barwność, wyrafinowanie i dekoracyjność, egzaltacja, wyrafinowanie.), zaczęto jednak stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji z pejzażem w tle, co pozwalało uczynić obrazy bardziej realistyczne i żywe. To ostro odróżniało ich twórczość od poprzedniej tradycji ikonograficznej, przepełnionej konwencjami obrazu. Określenie Proto-Renesans jest używane w odniesieniu do ich pracy.

Różne stulecia w historii sztuki włoskiej mają nazwy pochodzące od odpowiednich cyfr:

ducento - 1200s. Z włoskiego. ducento (dwieście). międzynarodowy gotyk.

trecento - 1300s. Z włoskiego. trecento (trzysta). Proto-renesans.

quattrocento - 1400s. Z włoskiego. quattrocento (czterysta). Wczesny renesans, wysoki renesans.

cinquecento - 1500s. Z włoskiego. cinquecento (pięćset). Koniec wysokiego renesansu, późny renesans.

Wczesny renesans

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi (1377-1446), florencki uczony i architekt, odkrył i opisał prawa perspektywy linearnej w malarstwie. Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie obrazu.

Kolejnym ważnym krokiem było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i pejzaż stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne nabrały innej interpretacji - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Niccolò Pizzolo ( 1421-1453), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1445-1510).

Rzeźba stała się powszechna. W twórczości rzeźbiarzy rozwinęło się wiele form: posąg, płaskorzeźba, popiersie itp. Osiągnęli nowe wyżyny w przedstawianiu plastyczności ludzkiego ciała: emocje, ruchy ciała, złożone sceny w wielopłaszczyznowych, perspektywicznych reliefach. Najbardziej znanymi rzeźbiarzami tego okresu są Donatello (1386-1466) i Lorenzo Ghiberti (1381-1456).

Wysoki renesans

Największy rozkwit sztuki renesansowej przypadł na pierwszą ćwierć wieku XVI, którą nazwano „wielkim renesansem”. Dzieła Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tycjan (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Podchodząc do malarstwa z punktu widzenia przyrodnika, Leonardo da Vinci osiągnął wielką wprawę w przekazywaniu mimiki twarzy i ciała osoby, sposobach przekazywania przestrzeni i budowaniu kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz osoby spełniającej humanistyczne ideały. W przyszłości te innowacje zostały opracowane przez Rafaela Santi.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarrotiego są pełne heroicznego patosu, a jednocześnie tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i potęgę człowieka, piękno jego ciała, jednocześnie podkreślając jego samotność w świecie.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia się zainteresowaniem krajobrazem, poetyzacją fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie umiejętności w sztuce portretowania, dzięki czemu przekazali charakter i bogactwo. wewnętrzny świat ich charaktery.

Późny renesans

Po splądrowaniu Rzymu przez wojska cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości nieżyjącego już Rafaela zarysowuje się nowa linia artystyczna, zwana manieryzmem. Cechą charakterystyczną tej epoki są rozciągnięte i łamane linie, wydłużone lub wręcz zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z wielkością, oświetleniem czy perspektywą, stosowanie żrącej skali chromatycznej, przeładowana kompozycja itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu – Parmigianino, Pontormo, Bronzino – żyli i tworzyli na dworze książąt z rodu Medyceuszy we Florencji. Później moda manierystyczna rozprzestrzeniła się w całych Włoszech i poza nimi. W latach 90. XVI wieku manieryzm został zastąpiony sztuką baroku (postacie przejściowe - Tintoretto i El Greco)

Północny renesans

Artyści mieszkający na północ od Alp nie mieli przed oczami próbek sztuki antycznej. Wymiar archeologiczny włoskiego renesansu, polegający na badaniu nowo odkrytych zabytków starożytności, był im całkowicie obcy. Tradycje i umiejętności sztuki gotyckiej zachowały się tu przez długi czas, mniej uwagi poświęcono badaniu starożytnego dziedzictwa i znajomości anatomii człowieka. Portretom artystów z północy (np. Holbeina) brakuje harmonizacji i idealizacji rzeczywistości, charakterystycznej dla ich południowych odpowiedników; w swym realizmie dochodzą do prenaturalizmu. Z drugiej strony nie zrywają z elementami tradycji ludowych, chłopskich i folklorystycznych; Dzieło Pietera Brueghela Starszego jest pod tym względem szczególnie odkrywcze.

Na styku międzynarodowych nurtów gotyku i przedrenesansu w burgundzkich Niderlandach w pierwszej połowie XV wieku narodziła się sztuka staroholenderska. Skomplikowaną ikonografię i misterną symbolikę połączono z najwyższą dbałością o szczegóły domowego użytku. Przejście od tempery do malarstwa olejnego pozwoliło artyście jaśniej i wszechstronniej oddać różnorodność, głębię i blask obiektywnego świata. Wszystkie te dokonania wiążą się z nazwiskami Roberta Campina i jego uczniów – braci van Eykovy i Rogiera van der Weydena. W drugiej połowie stulecia w twórczości Memlinga misternie splotły się pozostałości wpływów gotyckich i włoskich.

Choć we Włoszech epoka Quattrocento śledziła z zainteresowaniem dokonania artystów niderlandzkich, wpływy włoskie zaczęły przenikać te tereny dopiero w XVI wieku, kiedy Bawarczyk Albrecht Durer udał się do Wenecji, aby doskonalić swoją sztukę, a w Holandii szkoła manieryzmu antwerpskiego powstał, do którego należał m.in. Mabuse. Wraz z początkiem reformacji w północnej Europie zakazano malarstwa religijnego, ale zaczęły powstawać nowe gatunki, oparte nie tyle na przemyśleniu artystycznego dorobku poprzednich pokoleń (jak we Włoszech), ile na bezpośredniej obserwacji natury – pejzażu , martwa natura, malarstwo rodzajowe.