Prezentacja wprowadzi Cię w kreatywność wybitni malarze Francja, Niemcy, Hiszpania i Anglia epoki romantyzmu.
Romantyzm w malarstwie europejskim
Romantyzm to kierunek w kulturze duchowej końca XVIII wieku – pierwszy trzecie XIX wiek. Powodem jego pojawienia się było rozczarowanie wynikami rewolucja Francuska. Motto rewolucji brzmi: „Wolność, równość, braterstwo!” okazało się utopią. Epopeja napoleońska, która nastąpiła po rewolucji i ponura reakcja, wywołała nastrój rozczarowania życiem i pesymizmu. Nowa modna choroba szybko rozprzestrzeniła się w Europie. Światowy smutek" i pojawił się nowy bohater, tęsknota, wędrówka po świecie w poszukiwaniu ideału, a coraz częściej - w poszukiwaniu śmierci.
Treść sztuki romantycznej
W dobie ponurej reakcji władcą myśli został angielski poeta George Byron. Jego bohater Childe Harold to ponury myśliciel, dręczony melancholią, wędrujący po świecie w poszukiwaniu śmierci i rozstający się z życiem bez żalu. Jestem pewien, że moi czytelnicy pamiętają teraz Oniegina, Pieczorina, Michaiła Lermontowa. Najważniejsza rzecz, która wyróżnia romantyczny bohater, to absolutne odrzucenie szarego, zwyczajnego życia. Romantyk i filister są antagonistami.
„Och, pozwól mi krwawić,
Ale daj mi szybko przestrzeń.
Boję się tu udusić,
W przeklętym świecie traderów...
Nie, lepszy jest podły występek,
Rozbój, przemoc, rozbój,
Niż moralność księgowego
I zaleta dobrze odżywionych twarzy.
Hej mała chmurko, zabierz mnie
Zabierz go ze sobą w długą podróż,
Do Laponii lub do Afryki,
A przynajmniej do Szczecina – gdzieś!
G. Heinego
Ucieczka od szarej codzienności staje się główną treścią sztuki romantyzmu. Gdzie można romantycznie „uciec” od codzienności i szarości? Jeśli Ty, mój drogi czytelniku, jesteś romantykiem, z łatwością odpowiesz na to pytanie. Po pierwsze, Dla naszego bohatera atrakcyjna staje się odległa przeszłość, najczęściej średniowiecze ze swymi szlachetnymi rycerzami, turniejami, tajemnicze zamki, Piękne damy. Idealizowano i gloryfikowano średniowiecze w powieściach Waltera Scotta, Victora Hugo, w poezji poetów niemieckich i angielskich, w operach Webera, Meyerbeera i Wagnera. W 1764 roku ukazała się pierwsza angielska powieść grozy „gotycka”, „Zamek w Otranto” Walpolla. W Niemczech w początek XIX stulecia Ernest Hoffmann napisał „Diabelski eliksir”, swoją drogą, radzę go przeczytać. Po drugie wspaniałą okazją do „ucieczki” dla romantyka była sfera czystej fikcji, kreowania wyimaginowanego, fantastycznego świata. Przypomnijcie sobie Hoffmanna, jego „Dziadka do orzechów”, „Małego Tsakhesa”, „Złoty garnek”. Jasne jest, dlaczego powieści Tolkiena i opowiadania o Harrym Potterze są obecnie tak popularne. Zawsze są romanse! W końcu to stan umysłu, prawda?
Trzeci sposób Ucieczka bohatera romantycznego od rzeczywistości jest ucieczką do egzotycznych krajów nietkniętych cywilizacją. Droga ta doprowadziła do konieczności systematycznego studiowania folkloru. Sztuka romantyzmu opierała się na balladach, legendach i eposach. Wiele dzieł romantycznej sztuki wizualnej i muzycznej jest związanych z literaturą. Szekspir, Cervantes, Dante ponownie stają się władcami myśli.
Romantyzm w sztukach plastycznych
W każdym kraju sztuka romantyzmu nabyła własną cechy narodowe, ale jednocześnie wszystkie ich dzieła mają ze sobą wiele wspólnego. Wszystkich artystów romantycznych łączy szczególne podejście do natury. Pejzaż, w przeciwieństwie do dzieł klasycyzmu, gdzie służył jedynie jako dekoracja, tło, dla romantyków nabiera duszy. Krajobraz pomaga podkreślić stan bohatera. Przyda się porównanie Europejska sztuka piękna romantyzmu ze sztuką i.
Preferuje sztukę romantyczną nocny krajobraz, cmentarze, szare mgły, dzikie skały, ruiny starożytnych zamków i klasztorów. Specjalne traktowanie podejście do natury przyczyniło się do narodzin słynnych angielskich parków krajobrazowych (pamiętajcie regularne parki francuskie z prostymi alejkami oraz przystrzyżonymi krzewami i drzewami). Tematem obrazów są często opowieści i legendy z przeszłości.
Prezentacja „Romantyzm w europejskich sztukach pięknych” zawiera duża liczba ilustracje przedstawiające twórczość wybitnych artystów romantycznych Francji, Hiszpanii, Niemiec, Anglii.
Jeśli temat Cię interesuje, być może, drogi czytelniku, zainteresuje Cię przeczytanie materiału w artykule „ Romantyzm: namiętna natura” na stronie internetowej Arthive poświęconej sztuce.
Większość ilustracji w doskonałej jakości znalazłem na stronie internetowej Gallerix.ru. Dla chcących zgłębić temat, Polecam przeczytać:
- Encyklopedia dla dzieci. T.7. Sztuka. – M.: Avanta+, 2000.
- Beckett V. Historia malarstwa. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
- Wielcy artyści. Tom 24. Francisco José de Goya y Lucientes. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010.
- Wielcy artyści. Tom 32. Eugene Delacroix. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010
- Dmitrieva N.A. Krótka historia sztuka Zagadnienie III: Kraje Zachodnia Europa XIX wiek; Rosja XIX wiek. ‒ M.: Sztuka, 1992
- Emokhonowa L.G. Światowa kultura artystyczna: Podręcznik. Podręcznik dla studentów. średnio pe. podręcznik zakłady. – M.: Ośrodek Wydawniczy „Akademia”, 1998.
- Łukiczewa K.L. Historia malarstwa w arcydziełach. – Moskwa: Astra-Media, 2007.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova Światowa kultura artystyczna. XIX wiek. - Petersburg: Piotr, 2007.
- Mini-encyklopedia. Prerafaelizm. – Wilno: VAB „BESTIAR”, 2013.
- Samin D.K. Stu wielkich artystów. – M.: Veche, 2004.
- Freeman J. Historia sztuki. – M.: Wydawnictwo Astrel, 2003.
Powodzenia!
(francuski romantyzm), kierunek ideowy i artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej. 18 - I piętro. XIX wiek Jako styl twórczości i myślenia pozostaje jednym z głównych modeli estetycznych i ideologicznych XX wieku.
Romantyzm pojawił się w latach 90. XVIII wieku. najpierw w Niemczech, a następnie rozprzestrzenił się na cały zachodnioeuropejski region kulturowy. Jego podstawą ideologiczną był kryzys racjonalizmu Oświecenia, artystyczne poszukiwania ruchów przedromantycznych (sentymentalizm, „szturmeryzm”), Wielka Rewolucja Francuska i niemiecka filozofia klasyczna.
Do głównych funkcji romantyczny styl musimy uwzględnić element zabawy, który rozbił estetyczne ramy klasycyzmu; wzmożona uwaga na wszystko, co oryginalne i niestandardowe (a wyjątkowość nie została po prostu umieszczona w uniwersalności, jak to miało miejsce w stylu barokowym czy przedromantyzmie, ale odwrócona została sama hierarchia generała i jednostki); zainteresowanie mitem, a nawet rozumieniem mitu jako ideału twórczość romantyczna; symboliczna interpretacja świata; pragnienie maksymalnego rozszerzenia arsenału gatunków; oparcie się na folklorze, przedkładanie obrazu nad koncepcję, aspiracja nad posiadaniem, dynamika nad statyką; eksperymenty w zakresie syntetycznego unifikacji sztuk; estetyczna interpretacja religii, idealizacja przeszłości i kultur archaicznych, często wywołując protest społeczny; estetyzacja życia, moralności, polityki.
W sztukach plastycznych romantyzm najwyraźniej objawiał się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (np. fałszywy gotyk). Większość szkoły narodowe Romantyzm w sztukach plastycznych rozwinął się w walce z oficjalnym klasycyzmem akademickim. Rozwijając się w wielu krajach, romantyzm wszędzie nabrał tętniącego życiem tożsamość narodowa, ze względu na lokalność tradycje historyczne i warunki. Najbardziej konsekwentna szkoła romantyczna rozwinęła się we Francji, gdzie artyści reformowali system wyraziste środki, dynamizował kompozycję, łączył formy burzliwym ruchem, stosował jasne, bogate kolory i szeroki, uogólniony styl malarski (malarstwo T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastyka P.J. Davida d'Angers, A.L. Bari , F. Ryda).W Niemczech i Austrii wczesny romantyzm charakteryzuje się bliska Uwaga do wszystkiego wysoce indywidualnego, melancholijno-kontemplacyjną tonację struktury figuratywno-emocjonalnej, nastroje mistyczno-panteistyczne (portrety i kompozycje alegoryczne F.O. Runge, pejzaże K.D. Friedricha i J.A. Kocha), chęć ożywienia ducha religijnego języka niemieckiego i Malarstwo włoskie XV w. (twórczość Nazarejczyków); sztuka biedermeiera (dzieła L. Richtera, K. Spitzwega, M. von Schwinda, F. G. Waldmüllera) stała się swoistym połączeniem założeń romantyzmu i „burgerowego realizmu”. W Wielkiej Brytanii pejzaże J. Constable'a i R. Boningtona cechuje romantyczna świeżość malarstwa, fantastyczne obrazy i niezwykłe środki wyrazu - twórczość W. Turnera, przywiązanie do kultury średniowiecza i Wczesny renesans– dzieło mistrzów późnoromantycznego ruchu prerafaelitów Shch.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris itp.). W innych krajach Europy i Ameryki ruch romantyczny reprezentowały pejzaże (obrazy J. Innessa i A.P. Rydera w USA), kompozycje na tematy życie ludowe i historii (dzieła L. Galle w Belgii, J. Manesa w Czechach, V. Madarasa na Węgrzech, P. Michałowskiego i J. Matejki w Polsce itp.).
Géricault, Delacroix i jego zwolennicy. Zdecydowanym odejściem od klasycyzmu pod względem treściowym był obraz Gericaulta: „Tratwa fregaty „Medusa”, którego fabuła oparta jest na prawdziwym, w dodatku nowoczesnym wydarzeniu [francuska fregata „Medusa” została zaginiony w 1816; podróż uciekających na tratwie trwała już 12 dni, kiedy fregata Argus wyciągnęła z niej kilkadziesiąt umierających osób. W 1875 r. Géricault miał naśladowcę w osobie Alfreda Rolle’a.]; na salonie 1819 roku obraz ten odniósł niesamowity sukces. Na tratwie zbudowanej z pozostałości fregaty, poruszającej się wśród fal, pod złym żaglem, ukazana jest grupa na wpół żywych ludzi i zwłok w chwili, gdy w oddali ukazał się żagiel statku. Choć w tej pracy wyrazistość form i twarzy jest bardziej niezwykła niż kolorystyka, to jednak jednorodna szary ton imponujący. Niestety, Géricault zmarł kilka lat po tym obrazie, nie realizując dalszych zamierzeń artystycznych. Warto zaznaczyć, że z pracowni Guerina wyszedł ten negacjonista K., artysta realista. Trudno powiedzieć, jak zostałby przyjęty Géricault w pierwszych latach naszego stulecia, gdyby był wtedy w ogóle możliwy; ale teraz jego rewolucyjny kierunek w sztuce pojawił się ponownie w okresie rozwoju idei liberalnych w społeczeństwie francuskim. Dopiero w 1818 r. ostatnie wojska alianckie oczyściły Francję i restauracja nabrała tempa; ale lekcje wielkiej rewolucji nie pozostały bez śladu, a umysły powoli i w inny sposób przygotowywały drugą rewolucję. Malarstwo, które posłusznie podążało za zmianami porządek społeczny, choć w swej istocie nie mógł podążać za wszystkimi zakrętami szybkiego przepływu idei, ale już teraz stopniowo przygotowywał się do rewolucji, która nabrała decydującego charakteru w twórczości Delacroix, począwszy od jego obrazu „Dante's Łódź”, która pojawiła się w salonie z 1822 r., czyli 3 lata po „Tratwie fregaty „Meduza””. Delacroix, uczeń klasycznego Guerina, sprzeciwiał się jednak zdecydowanie poleceniom swojego nauczyciela. Obraz został przez część społeczeństwa i krytyków przyjęty z potępieniem, przez innych z zachwytem. Nawet Gro, z założenia klasycysta, aprobował barwność obrazu, doradzając artyście udoskonalenie form rysunkowych. Scena pochodzi z „ Boska komedia„Dante z 8. pieśni Piekła przedstawia straszliwą podróż poety w towarzystwie Wergiliusza przez wody Gniewnych. Po tym obrazie nastąpiła „Masakra na wyspie Chios”, która także wzbudziła wielkie uznanie nie tylko ze względu na swój wyraz silne namiętności, ale także za to, że artysta ogłosił się wrogiem despotyzmu i przyjacielem wolności; Wszystkie sympatie były po stronie nieszczęsnych bohaterów powstania greckiego przeciwko ich prześladowcom – Turkom. Zwolennicy K. potępiali ten obraz mocniej niż pierwszy, a ten sam Gro, parafrazując tytuł obrazu, nazwał go „biciem malarstwa”. Po obu stronach pisano niezwykle namiętne słowa artykuły krytyczne; poglądy wydawały się nie do pogodzenia, niektórzy bowiem za zasadę sztuki uważali piękno form i linii, których szlachetności nie powinno zmącić nawet cierpienie, a motywy antyczne najbardziej odpowiedni do personifikowania swoich poglądów; inni odnajdywali piękno w sile wyrazu i życiu, którego reprodukcja wymaga mocnego koloru, różnorodności barw i tonów, jako jednego ze środków przeniesienia widza do rzeczywistości. Niektórzy wymagali od artysty przede wszystkim pracy umysłowej, inni – inspiracji uczuciem. David umieścił barwność na pozycji podrzędnej wobec rysunku, czyli linii i formy oraz odpowiadającej im kompozycji; Technika malarska stosowana w szkole była spokojna, a kolor był dozwolony na tyle, na ile było to konieczne, aby odróżnić jeden przedmiot od innych. Niektórzy uznali kompozycję Delacroix w „Rzezi na wyspie Chios” za chaotyczną, niepodlegającą żadnym regułom, nieelegancką, a obraz szkicowy, niedokończony, kształty ludzi nieregularne, wyraz surowy; Wielbiciele Delacroix wybaczali mu niedociągnięcia rysunku, nie zawsze je zauważając, uniesieni odrębnością twarzy i pozycji oraz romantyzmem lub dramatyzmem całości. Delacroix mówił o sobie: „Dla mnie żadna praca nie jest możliwa, jeśli wyobraźnia nie odgrywa w niej roli. Jeśli nie jestem podekscytowany, jak wąż w dłoni Pytii, pozostaje mi zimno; należy to rozpoznać i temu się poddać.” Ale z takim temperamentem, który jednak nie wyraził się w jego życiu, nadal uparcie dążył pomysł artystyczny i zinterpretował go na różne sposoby, czego dowodem jest 6000 rysunków pozostałych po jego śmierci. Jego artystyczny temperament kazał mu szukać żarliwych tematów, wyrażać pasje doprowadzone do skrajnych granic; jego pędzel wydaje się pośpieszny, ale w istocie zdecydowany; wziął wszystkie kolory, ale nie przypadkowe, i harmonijnie je połączył. Ale praca, gładka, ujednolicona, wszędzie jednakowo przemyślana i równie istotna dla wszystkich części obrazu, jak praca Davida, nie była w stanie wyrazić tego, czego szukał Delacroix. Artysta szukał i znajdował tematy odpowiadające swojemu temperamentowi nie w historii, ale w dziełach literackich, gdzie, jeśli odnalazł opisy, postacie historyczne i zdarzenia, które już przeszły przez wyobraźnię. Delacroix lubił dzieła Dantego, Byrona, Szekspira, Goethego i Waltera Scotta; stąd pochodził jego, oprócz wspomnianych już obrazów: „Smutna Grecja na ruinach Missolungi”, „Ścięcie Marino Faliero”, „Śmierć Sardanapala”, „Zabicie biskupa Lüttich przez dzika z Ardenów, Vil. Delamarcka” (z „Quentina Dorwarda”). Ostatni z wymienionych obrazów (w świetle ognia) zrobił straszne wrażenie brutalnymi twarzami i dziką pasją postacie sceny. Delacroix otrzymał od swoich fanów przydomek „Victor Hugo malarstwa”, a wrogowie nazywali go „Robespierre i kat malarstwa”. Nowy kierunek, nadane przez malowanie, do którego wielu szybko dołączyło, nazywano romantycznym. Delacroix, w przeciwieństwie do Davida, prowadził spokojne życie, nie zajmował się polityką i tylko raz odpowiedział na walkę partii obrazem „Wolność na barykadach”, w którym postać kobiety ucieleśniała twórczość poetycką Auguste'a Barbiera , napisany wkrótce po rewolucji lipcowej [Krytyka jednak nie do końca rozstrzygnęła, kto od kogo zapożyczył: czy malarz był od pisarza, czy odwrotnie.]. Po tym, jak V. Hugo napisał „Les Orientales”, Delacroix w poszukiwaniu koloru wyrusza do Tangeru i Algierii, czego efektem są obrazy o jaskrawych kolorach - „Algierskie kobiety w haremie”, „Żydowskie wesele w Maroku” itp., gdzie jego motywy są już spokojne. Wśród romantyków na uwagę zasługuje Eugeniusz Deveria, który przez pewien czas przyćmił założyciela szkoły swoim obrazem „Narodziny króla Henryka IV”; ponadto Sigalon, Poterle, Boulanger, S. Evre - wszyscy romantycy drugiej kategorii. Sigalon (1788-1837) napisał krwawe, przerażające sceny: „Narcyz” i „Lokusta testuje truciznę na niewolniku” (1824), „Josabeth podczas masakry”, Boulanger – „Mazeppa przywiązany do dzikiego konia”, sceny nieszczęść z „Romeo i Julia” oraz „Lukrecja Borgia” V. Hugo, „Judyta”, „Triumf Petrarki” – wszystko to w odważnej, kolorowej odsłonie Nowa szkoła. W 1861 r. wystawił „Sabat”, według V. Hugo: dziki taniec chaotycznie splecione postacie. Arie Schaeffer lubił portretować namiętności, które nie były tak żarliwe i niespokojne, ale przenikały głęboko do serca, co różni się od Delacroix, ale mimo to jest romantykiem. „Zwłoki Gastona de Foix na polu bitwy pod Rawenną” to pierwszy obraz, który zdecydowanie należy do szkoły romantycznej, „Kobiety Souliot” (1827) - tym bardziej „Faust i Mefistofeles” (1881), „Gretchen” , „Francesca da Rimini” » (W Kushelevskaya Galeria Sztuki, w Petersburgu. Akademii Sztuk Pięknych), według Dantego, „Paolo” (1835) i wielu obrazów o tematyce religijnej.
Alexander Gabriel Dean w scenach orientalne życie znakomicie oddał barwną grę światła i kolorów („Turecki Patrol”, „Turecka Wartownia”, „Małpa-Malarz”, „Małpa-Muzyk”). Uwielbiał przedstawiać sceny biblijne i wyobrażał sobie nawet, że ma szczególne powołanie do tej rodziny; umieścił postacie wśród rozległych pejzaży o charakterze romantycznym. Jego główną zaletą jest kolorowość. Camille Roqueplan (1803-1855) - romantyk, choć wywodził się ze szkoły klasycznej: „Scena z Wyznań Rousseau”, „Zakochany lew”, „Antyk”, „Scena z Noc Św. Bartłomieja"; Eugene Isabey (syn Jean-Baptiste), Narcisse Diaz; Robert Fleury wziął tematy historyczne i było inaczej dobry rysunek: „Scena z nocy św. Bartłomieja”, „Marino Faliero”, „Zawody religijne w Poissy” (1840). Od klasycyzmu odszedł także Alexander Hesse (ur. 1805), uczeń Grosa, a niektórzy z tych artystów, jak Chanmartin, Gigou, Clément Boulanger, wahali się pomiędzy różne style. I tak naprawdę romantyzm nie miał pewnych, ograniczających i krępujących reguł, indywidualność artystów była tak swobodna, że niektórzy z nich słynęli nawet z wirtuozerii, inni robili sceny po prostu z dzieł najnowszych pisarze modowi i za wszelką cenę żył cudzą fikcją. Niektórzy, jak widzieliśmy, przedstawiali brzydotę lub skrajności, które budziły odrazę. Dlatego romantyzm miał swoich wrogów, którzy uważali zasady romantyków za równie fałszywe jak zasady Dawida. Ten został odizolowany w starożytnym świecie pogańskim, romantyzmie – głównie w średniowieczu, zdaniem Waltera Scotta; nastąpiła jedynie zmiana chronologiczna. Romantycy pisali na wszelkie możliwe sposoby o męczennikach z Chateaubriand i czerpali typy z literatury aż do Alfreda Musseta i Eugene Sue włącznie. Delacroix rzeczywiście był dowódcą, ale bez armii, gdyż jego zwolennicy stopniowo dotarli do ścieżki prowadzącej do zaprzeczenia sztuce i zastąpili sztukę malarską zręczną techniką. Założyli malarstwo literackie i pokazali, do czego może ono dotrzeć: obrazy stały się winietami do książek. Jeden z krytyków, sięgając pamięcią do czasów Dawida, twierdzi, że są dwa rodzaje innowatorów: jedni niszczą, inni tworzą. Do tych pierwszych należał Dawid: choć niczego nie założył, jego działalność nie przeszła bez śladu i była bezużyteczna, gdyż miażdżył zdegenerowane malarstwo. Romantyzm z kolei porzucił szkołę Dawida, ale czas romantyzmu minął. Nie stworzył niczego, co zasługiwałoby na życie w potomności. Były talenty, ale przez większą część prace wywoływały wrażenia mocne ze względu na nagłość, a nie takie, które przenikałyby głęboko i pozostawały na dłużej. Spośród artystów najważniejszym i najpotężniejszym przeciwnikiem romantyzmu był Ingres. Na początku swojej działalności on sam nie cieszył się przychylnością uczelni; choć I nagrodę rzymską za „Achillesa” otrzymał już w wieku dwudziestu lat, do grona członków akademii został zaliczony dopiero w wieku 43 lat. Ani starożytne ideały Dawida, ani jego czysta natura nie zadowalały go; rozumiał fałszywy patos szkoły pseudoklasycznej, ale z drugiej strony nienawidził reżyserii i malarstwa Delacroix do tego stopnia, że nienawiść przeniósł na siebie i nie mógł słyszeć swojego imienia bez wrogich uczuć. Kolorystyka Ingresa jest oczywiście wyższa niż Davida; kochając piękne, szlachetne formy, nie tylko naśladował w malarstwie prace rzeźbiarskie, podobnie jak David, ale też nie lubił ani kolorystyki szkoły romantycznej, ani mocnego wyrazu namiętności. Mimo dystansu do obu skrajności jest raczej umiarkowanym i zmodyfikowanym idealistą klasycznym. Kierunek ugodowy, wywodzący się z romantyzmu, należy do Delaroche’a (ucznia Grosa), który starał się łączyć poprawny i staranny rysunek z harmoniczna kolorystyka, nie dając dominującej przewagi którejkolwiek z cech. Treść jego obrazów jest zazwyczaj dramatyczna lub tragiczna, unika jednak tego, co ostro brzydkie, czego nie bali się bliscy naśladowcy Delacroix. Ponadto Delacroix wziął swoich bohaterów z historii („Cromwell i Karol I leżący w trumnie”, „Zabójstwo księcia Guise”, „Synowie Edwarda”). Delaroche jest spokrewniony duchowo z poetami C. Delavigne i A. de Vigny. Couture (por.), który przeszedł szkołę Grosa i Delaroche’a, również poszedł drogą pojednania; jego „Rzymianie schyłku”, którzy rozsławili go w całej Francji, reprezentują jednak w formie upadek klasycyzmu, a pod względem kolorystycznym nie sięgają Najwyższy poziom szkoła romantyczna.
Sztuka romantyzmu ukształtowała się w polemice z klasycyzmem. W aspekt społeczny Pojawienie się romantyzmu wiąże się z Wielką Rewolucją Francuską XVIII w., powstaje jako reakcja ogólnego entuzjazmu na temat jej początku, ale także jako głębokie rozczarowanie możliwościami człowieka w przypadku jej porażki. Co więcej, niemiecki romantyzm uznano później za bezkrwawą wersję rewolucji francuskiej.
Jako ruch ideowo-artystyczny romantyzm objawił się w pierwszej połowie XIX wieku. Powstaje przede wszystkim jako kierunek literacki- tutaj aktywność romantyków jest wysoka i udana. Nie mniej istotna jest muzyka tamtych czasów: wokal, muzyka instrumentalna, Teatr Muzyczny(opera i balet) romantyzmu nadal stanowią podstawę dzisiejszego repertuaru. Jednak w sztukach wizualnych i przestrzennych romantyzm objawiał się mniej wyraźnie, zarówno w liczbie powstałych dzieł, jak i w ich poziomie. Malarstwo romantyzmu osiąga poziom arcydzieł w Niemczech i Francji, reszta Europy pozostaje w tyle. Nie jest zwyczajowo mówić o architekturze romantyzmu. Pewną wyjątkowość tutaj ujawnia dopiero sztuka ogrodnicza, i już wtedy romantycy rozwijają tutaj ideę angielskiego krajobrazu, czyli naturalnego parku. Jest tu także miejsce na pewne tendencje neogotyckie, romantycy swoją sztukę upatrywali w cyklu: Gotyk – Barok – Romantyzm. Takich neogotyków w krajach słowiańskich jest mnóstwo.
Sztuka piękna romantyzmu
W XVIII wieku termin „romantyczny” oznaczał „dziwny”, „fantastyczny”, „malowniczy”. Łatwo zauważyć, że słowa „romans”, „romans” (rycerski) są sobie etymologicznie bardzo bliskie.
W 19-stym wieku termin ten interpretowano jako nazwę ruchu literackiego przeciwstawnego w swoich założeniach klasycyzmowi.
W sztukach plastycznych romantyzm ciekawie objawił się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie. Najbardziej konsekwentna szkoła romantyzmu rozwinęła się we Francji, gdzie trwała walka z dogmatyzmem i abstrakcyjnym racjonalizmem oficjalna sztuka w duchu akademickiego klasycyzmu. Założycielem romantycznej szkoły malarstwa był Teodora Gericaulta (1791-1824). Studiował u mistrzów klasycyzmu, ale zachowując od klasycyzmu skłonność do ogólnie heroicznych obrazów, Géricault po raz pierwszy wyraził w malarstwie poczucie konfliktu w świecie, chęć ekspresyjnego wyrażenia znaczących wydarzeń naszych czasów. Już pierwsze prace artysty ujawniają dużą emocjonalność, „nerw” epoki wojen napoleońskich, w których nie brakowało brawury („Oficer konnej straży Gwardii Cesarskiej wyruszający do ataku”, „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy ”). Cechuje je tragiczna postawa i poczucie zagubienia. Bohaterowie klasycyzmu nie doświadczali takich uczuć lub nie wyrażali ich publicznie, nie estetyzowali przygnębienia, zamętu i melancholii. Obrazy Artyści romantyzmu malują dynamicznie, w kolorystyce dominuje ciemna tonacja, którą ożywiają intensywne akcenty kolorystyczne i szybkie uderzenia impasto.
Gericault tworzy niezwykle dynamiczny obraz „Bieg wolnych koni w Rzymie”. Tutaj przewyższa wszystkich poprzednich artystów w przekonującym przekazywaniu ruchu. Jednym z głównych dzieł Gericaulta jest obraz „Tratwa Meduzy”. W nim przedstawia prawdziwe fakty, ale z taką siłą uogólnienia, że współcześni widzieli w nim nie obraz jednego konkretnego wraku statku, ale pogrążonej w rozpaczy całej Europy. I tylko nieliczni, najbardziej wytrwali ludzie, nadal walczą o przetrwanie. Artysta ukazuje złożony zakres ludzkie uczucia- od ponurej rozpaczy do burzliwej eksplozji nadziei. Dynamika tego płótna wyznacza przekątna kompozycji, efektowne rzeźbienie brył oraz kontrastujące różnice w świetle i cieniu.
Gericaultowi udało się udowodnić, że jest mistrzem gatunku portretu. Tutaj także pełni rolę innowatora, określając figuratywną specyfikę gatunku portretu. „Portret dwudziestolatka Delacroix” i autoportrety wyrażają ideę artysty romantycznego jako twórcy niezależnego, o bystrej, emocjonalnej osobowości. Tworzy podwaliny pod portret romantyczny – później jeden z najpopularniejszych gatunków romantycznych.
Gericault również zapoznał się z krajobrazem. Podróżując po Anglii, był pod wrażeniem jego wyglądu i złożył hołd jego pięknu, tworząc wiele obrazy pejzażowe malowany zarówno techniką olejną, jak i akwarelą. Są bogate w kolory, subtelne w obserwacji, a nie obce krytyka społeczna. Artysta nazwał je „Dużymi i Małymi Apartamentami Angielskimi”. Jakże typowe dla romantyka jest nazywanie cyklu obrazowego terminem muzycznym!
Niestety życie Gericaulta było krótkie, ale położył podwaliny pod chwalebną tradycję.
Od lat dwudziestych XIX wieku zostaje głową malarzy romantycznych Ferdynand Wiktor Eugeniusz Delacroix (1798-1863). Duży wpływ na niego miał Gericault, z którym przyjaźnił się jeszcze z czasów studenckich. Studiował malarstwo dawnych mistrzów, zwłaszcza Rubensa. Podróżował po Anglii i był zafascynowany malarstwem Constable'a. Delacroix miał namiętny temperament, potężną wyobraźnię twórczą i wysoką wydajność. Od pierwszych kroków w swojej karierze zawodowej Delacroix zdecydowanie podążał za romantykami. Pierwszym wystawionym przez niego obrazem był Dante i Wergiliusz w łodzi przepływającej przez Styks (Łódź Dantego). Obraz jest pełen tragedii i ponurego patosu. Kolejnym obrazem „Rzeź na Chios” odpowiedział na rzeczywiste wydarzenia związane z cierpieniami Greków pod tureckim jarzmem. Tutaj otwarcie wyraził swoje stanowisko polityczne, stając po stronie Greków w konflikcie, którym współczuł, - podczas gdy rząd francuski flirtował z Turcją.
Obraz wywołał krytykę zarówno polityczną, jak i artystyczną, zwłaszcza po tym, jak Delacroix pod wpływem twórczości Constable'a przepisał obraz na jaśniejszą kolorystykę. W odpowiedzi na krytykę artysta tworzy płótno „Grecja na ruinach Missolungi”, w którym ponownie porusza palący temat walki Grecji o wyzwolenie spod jarzma tureckiego. Ten obraz Delacroix ma charakter bardziej symboliczny, postać kobieca z podniesioną ręką w geście przekleństwa rzuconego na najeźdźcę lub wezwania do walki, uosabia cały kraj. Wydaje się, że antycypuje obraz Wolności w przyszłości, właśnie słynne dzieło artysta.
W poszukiwaniu nowych bohaterów, silne osobowości Delacroix często się odwołuje obrazy literackie Szekspir, Goethe, Byron, Scott: „Tasso w ośrodku dla obłąkanych”, „Śmierć Sardanapala”, „Zabójstwo biskupa Liege”; wykonuje litografie do „Fausta” i „Hamleta”, wyrażając najsubtelniejsze odcienie uczuć bohaterów, co zyskało uznanie Goethego. Zbliża się Delacroix fikcja sposób, w jaki podchodzili do niego jego poprzednicy Pismo Święte, co czyni go niewyczerpanym źródłem tematów do obrazów.
W 1830 roku, pod bezpośrednim wrażeniem rewolucji lipcowej, Delacroix namalował duże płótno „Wolność wiodąca lud” („Wolność na barykadach”). Nad realistycznie przedstawionymi postaciami uczestników walki rewolucyjnej, biednych, w większości młodych ludzi, zainspirowanych walką, unosi się wspaniała kobieta, przypominająca „geniuszy” Veronese. Ma transparent w rękach, jej twarz jest natchniona. Nie jest to tylko alegoria wolności w duchu klasycyzmu wysoki symbol rewolucyjny impuls. Nie można jednak porzucić żywej, zmysłowej kobiecej sylwetki – jest taka atrakcyjna. Obraz okazał się złożony, uroczy i dynamiczny.
Jak prawdziwy romantyk Delacroix podróżuje kraje egzotyczne: Algieria, Maroko. Z podróży przywozi pięć obrazów, w tym „Polowanie na lwy w Maroku”, najwyraźniej będące hołdem dla jego ukochanego Rubensa.
Delacroix dużo pracuje jako dekorator, tworząc dzieła monumentalne w pałacach Burbonów i Luksemburga, w kościołach paryskich. Kontynuuje twórczość portretową, tworząc wizerunki ludzi epoki romantyzmu, m.in. F. Chopina. Twórczość Delacroix należy do szczytów malarstwa XIX-wiecznego.
Malarstwo i grafika Niemiecki romantyzm przeważnie skłania się ku sentymentalizmowi. A jeśli niemiecki literatura romantyczna stanowi całą epokę, tego samego nie można powiedzieć o sztukach pięknych: w literaturze był Sturm i Drang, a w sztukach pięknych idealizacja rodziny życie patriarchalne. W tym sensie kreatywność jest wskazówką Ludwika Richtera (1803-1884): „Wiosna leśna w pobliżu Aricci”, „Wiosenna procesja weselna” itp. Jest także właścicielem licznych rysunków na tematy baśniowe i pieśni ludowe, wykonane w sposób raczej suchy.
Ale jest w nim jedna postać o dużej skali Niemiecki romantyzm którego nie da się ominąć. Ten Caspara Davida Friedricha (1774-1840). Był malarzem pejzażu, studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Później osiadł w Dreźnie i zaczął uczyć.
Jego styl pejzażowy jest oryginalny, obrazy pamięta się od pierwszej znajomości, można w nich poczuć, że są to pejzaże artysty romantycznego: konsekwentnie wyrażają specyfikę romantycznego światopoglądu. Malował pejzaże południowych Niemiec i wybrzeża Bałtyku, dzikie skały porośnięte lasem, pustynne wydmy i zamarznięte morze. Na jego obrazach czasami pojawiają się ludzie, ale rzadko widzimy ich twarze: postacie z reguły są odwrócone tyłem do widza. Frederick starał się przekazać elementarną moc natury. Poszukiwał i odkrywał współbrzmienia pomiędzy siłami natury a nastrojami i poszukiwaniami człowieka. I choć dość trafnie odzwierciedla życie, sztuka Friedricha nie jest realistyczna. W niedawnej przeszłości przeraziło to sowieckich krytyków sztuki, niewiele pisano o artyście, a jego reprodukcje prawie nie istniały. Teraz sytuacja się zmieniła i możemy cieszyć się głęboką duchowością jego obrazów, melancholijną, oderwaną kontemplacją pejzaży Fryderyka. Wyraźny rytm kompozycji i surowość rysunku łączą się w jego pracach z kontrastami światłocienia, bogatymi w efekty świetlne. Czasem jednak Fryderyk w swojej emocjonalności osiąga punkt bolesnej melancholii, poczucia kruchości wszystkiego, co ziemskie, aż do odrętwienia mistycznego transu. Dziś obserwujemy wzrost zainteresowania twórczością Friedricha. Do jego najbardziej udanych dzieł należą: „Śmierć „Nadieżdy” w lodzie”, „Cmentarz klasztorny pod śniegiem”, „Msza w gotyckiej ruinie”, „Zachód słońca nad morzem” itp.
W Rosyjski romantyzm W malarstwie jest wiele sprzecznych rzeczy. Oprócz długie lata wierzono, że dobry artysta- realista. Pewnie dlatego utrwaliła się opinia, że O. Kiprensky i A. Venetsianov, V. Tropinin, a nawet A. Kuindzhi to realiści, co wydaje nam się błędne, to romantycy.
Romantyzm(Romantyzm) to ruch ideologiczny i artystyczny, który powstał w Europie i amerykańska kultura koniec XVIII w. – pierwsza połowa XIX w., jako reakcja na estetykę klasycyzmu. Początkowo rozwinęła się (lata 90. XVIII w.) w filozofii i poezji w Niemczech, a później (lata dwudzieste XIX w.) rozprzestrzeniła się na Anglię, Francję i inne kraje. On przeznaczył najnowszy rozwój sztuce, nawet te kierunki, które jej się sprzeciwiały.
Nowymi kryteriami w sztuce stała się wolność wypowiedzi, większa dbałość o indywidualność, niepowtarzalność cechy ludzkie, naturalność, szczerość i luz, które zastąpiły naśladownictwo klasycznych wzorców XVIII wieku. Romantycy odrzucili racjonalizm i praktycyzm Oświecenia jako mechanistyczny, bezosobowy i sztuczny. Zamiast tego za priorytet uznali ekspresję emocjonalną i inspirację.
Czując się wolni od upadającego systemu rządów arystokratycznych, starali się wyrazić swoje nowe poglądy i odkrytą prawdę. Zmieniło się ich miejsce w społeczeństwie. Swoich czytelników znaleźli wśród rosnącej klasy średniej, gotowej emocjonalnie wspierać, a nawet czcić artystę – geniusza i proroka. Odrzucono powściągliwość i pokorę. Zastąpiły je silne emocje, często sięgające skrajności.
Romantyzm szczególnie oddziaływał na młodych ludzi, którzy mieli możliwość dużo się uczyć i czytać (co ułatwił szybki rozwój drukarstwa). Inspirują ją pomysły rozwój indywidualny i samodoskonalenie, idealizacja wolności osobistej w światopoglądzie, łączą się z odrzuceniem racjonalizmu. Rozwój osobisty został postawiony ponad standardy próżnego i już zanikającego społeczeństwa arystokratycznego. Romantyzm wykształconej młodzieży zmienił społeczeństwo klasowe Europy, wyznaczając początek wyłonienia się wykształconej „klasy średniej” w Europie. I zdjęcie” Wędrowiec nad morzem mgły" Z z dobrego powodu można nazwać symbolem okresu romantyzmu w Europie.
Niektórzy romantycy zwrócili się w stronę tajemniczego, zagadkowego, a nawet strasznego, wierzenia ludowe, bajki. Romantyzm był częściowo kojarzony z ruchami demokratycznymi, narodowymi i rewolucyjnymi, chociaż „klasyczna” kultura rewolucji francuskiej faktycznie spowolniła nadejście romantyzmu we Francji. W tej chwili jest ich kilka ruchy literackie, z których najważniejsze to Sturm und Drang w Niemczech, prymitywizm we Francji pod przewodnictwem Jean-Jacques’a Rousseau, powieść gotycka, wzrasta zainteresowanie wzniosłością, balladami i dawnymi romansami (od których właściwie wywodzi się określenie „romantyzm”) . Inspiracja dla niemieccy pisarze teoretyków szkoły jeneńskiej (bracia Schlegel, Novalis i inni), którzy deklarowali się jako romantycy, była filozofia transcendentalna Kanta i Fichtego, która stawiała na pierwszym miejscu możliwości twórcze umysł. Te nowe idee, za sprawą Coleridge'a, przedostały się do Anglii i Francji, determinując także rozwój amerykańskiego transcendentalizmu.
Zatem romantyzm rozpoczął się jako ruch literacki, ale miał znaczący wpływ na muzykę, a mniejszy na malarstwo. W sztukach plastycznych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej w architekturze. W XVIII wieku ulubionymi motywami artystów były górskie krajobrazy i malownicze ruiny. Jego głównymi cechami są dynamiczna kompozycja, wolumetryczna przestrzenność, bogata kolorystyka, światłocień (m.in. prace Turnera, Géricaulta i Delacroix). Inni romantyczni artyści to Fuseli, Martin. Za przejaw romantyzmu można uznać także twórczość prerafaelitów i styl neogotycki w architekturze.
W koniec XVIII Na początku XIX wieku idee klasycyzmu i oświecenia straciły na atrakcyjności i aktualności. Nowość będąca odpowiedzią na kanoniczne techniki klasycyzmu i moralności teorie społeczne Oświecenie zwróciło się ku człowiekowi, jego wewnętrzny świat, zyskał siłę i zdobył umysły. Romantyzm stał się bardzo powszechny we wszystkich dziedzinach życie kulturalne i filozofia. Muzycy, artyści i pisarze w swoich dziełach starali się ukazać wzniosły cel człowieka, jego bogaty świat duchowy, głębię uczuć i przeżyć. Odtąd dominującym tematem dzieł sztuki stał się człowiek ze swoimi wewnętrznymi zmaganiami, duchowymi poszukiwaniami i doświadczeniami, a nie „zamazanymi” ideami ogólnego dobrobytu i dobrobytu.
Romantyzm w malarstwie
Malarze poprzez swoje dzieła przekazują głębię pomysłów i osobistych doświadczeń, używając kompozycji, koloru i akcentów. W różne kraje Europa miała swoje osobliwości w interpretacji romantycznych obrazów. Wynika to z trendów filozoficznych, a także sytuacji społeczno-politycznej, na którą sztuka była żywą odpowiedzią. Malarstwo nie było wyjątkiem. Niemcy, podzielone na małe księstwa i księstwa, nie przeżyły poważnych wstrząsów społecznych; artyści nie tworzyli monumentalnych płócien przedstawiających tytanicznych bohaterów; zainteresowanie było tutaj duże świat duchowy człowiek, jego piękno i wielkość, poszukiwanie moralne. Dlatego romantyzm w malarstwie niemieckim jest najpełniej reprezentowany w portretach i pejzażach. Klasyczne przykłady tego gatunku stanowią dzieła Otto Runge. W portretach wykonanych przez malarza, poprzez subtelne opracowanie rysów twarzy, oczu, poprzez kontrast światła i cienia, zostaje oddane pragnienie artysty ukazania niespójności osobowości, jej siły i głębi uczuć. Poprzez pejzaż, nieco fantastyczny, przerysowany obraz drzew, kwiatów i ptaków, artysta próbował odkryć także wszechstronność osobowość człowieka, jego podobieństwo do natury, różnorodne i nieznane. Jasny przedstawiciel Romantyzm w malarstwie był pejzażystą K. D. Friedrichem, który podkreślał siłę i moc natury, krajobrazów górskich i morskich, współbrzmiących z człowiekiem.
Romantyzm w malarstwie francuskim rozwijał się według odmiennych zasad. Przewroty rewolucyjne, burzliwe życie publiczne przejawiało się w malarstwie tendencją artystów do przedstawiania tematów historycznych i fantastycznych, z patosem i „nerwowym” podekscytowaniem, co osiągnięto dzięki jasnemu kontrastowi kolorów, ekspresji ruchu, pewnemu chaosowi i spontaniczności kompozycji. Idee romantyczne najpełniej i najżywiej reprezentowane są w twórczości T. Gericaulta i E. Delacroix. Artyści po mistrzowsku operowali kolorem i światłem, tworząc pulsującą głębię uczuć, wysublimowany impuls do walki i wolności.
Romantyzm w malarstwie rosyjskim
Rosyjska myśl społeczna bardzo żywo reagowała na nowe kierunki i tendencje pojawiające się w Europie. a potem wojna z Napoleonem - te znaczące wydarzenia historyczne, który najpoważniej wpłynął na poszukiwania filozoficzne i kulturalne rosyjskiej inteligencji. Romantyzm w malarstwie rosyjskim reprezentowany był w trzech głównych pejzażach: sztuka monumentalna, gdzie wpływ klasycyzmu był bardzo silny, a idee romantyczne ściśle splatały się z kanonami akademickimi.
Na początku XIX wieku coraz większą uwagę zwracano na obraz twórcza inteligencja, poeci i artyści Rosji, a także zwykli ludzie i chłopi. Kiprensky, Tropinin, Bryullov z wielką miłością starali się pokazać głębię i piękno osobowości człowieka poprzez spojrzenie, obrót głowy i szczegóły stroju, aby oddać duchowe poszukiwania i miłujący wolność charakter swoich „modeli”. ” Duże zainteresowanie osobowością człowieka i jej centralnym miejscem w sztuce przyczyniło się do rozkwitu gatunku autoportretu. Co więcej, artyści nie malowali autoportretów na zamówienie, był to impuls twórczy, rodzaj autoportretu dla współczesnych.
Pejzaże w twórczości romantyków wyróżniały się także oryginalnością. Romantyzm w malarstwie odzwierciedlał i oddawał nastrój człowieka, a krajobraz musiał być z nim zgodny. Dlatego artyści starali się oddać buntowniczą naturę natury, jej siłę i spontaniczność. Orłowski, Szczedrin, przedstawiający żywioł morza, potężne drzewa, pasma górskie, z jednej strony przekazywał piękno i wielobarwność prawdziwe krajobrazy z drugiej strony stworzył pewien emocjonalny nastrój.
