ადრეული რენესანსის ფრესკები. ეპოქის კულტურების შედარებითი მახასიათებლები

ადრეული რენესანსი(XIV-XV სს.) იტალიის ხელოვნებაში, პირველ რიგში, ფლორენციას უკავშირდება, სადაც მედიჩი მფარველობდა ჰუმანისტებს და ყველა ხელოვნებას. მე-15 საუკუნის დასაწყისში. ფლორენციული სკოლა არის რენესანსის ჰუმანისტური ხელოვნების ავანგარდი. აქ 1439 წელს დაარსდა პლატონური აკადემია, დაარსდა ლაურენტიანული ბიბლიოთეკა და მედიჩის ხელოვნების კოლექციები; მუშაობენ მწერლები, პოეტები, ჰუმანისტები, მეცნიერები.

ფრა ფილიპო ლიპი. ბავშვის თაყვანისცემა.

რეალობის აღქმა მოწმდება გამოცდილებით, ექსპერიმენტებით და კონტროლდება მიზეზით. აქედან მოდის წესრიგისა და ზომების სული, რომელიც ასე დამახასიათებელია რენესანსის ხელოვნებისთვის. მხატვრებისთვის დიდი მნიშვნელობა აქვს გეომეტრიას, მათემატიკას, ანატომიას, ადამიანის სხეულის პროპორციების შესწავლას; სწორედ მაშინ იწყებენ ადამიანის სტრუქტურის გულდასმით შესწავლას. ჩნდება სილამაზის შეფასების ახალი კრიტერიუმი, რომელიც ეფუძნება ბუნებასთან მსგავსებას და პროპორციულობის გრძნობას. ხელოვნებაში განსაკუთრებული ყურადღება ეთმობა ფორმების პლასტიკურ დამუშავებას და ნახატს. ბუნების კანონების გაგების სურვილი იწვევს ადამიანის ფიგურისა და ანატომიის პროპორციების შესწავლას. მე-15 საუკუნეში იტალიელმა მხატვრებმა ასევე გადაჭრეს სწორხაზოვანი პერსპექტივის პრობლემა, რომელიც მომწიფდა ტრეჩენტოს ხელოვნებაში.

ამ პერიოდში შეგნებულად და მიზანმიმართულად შეისწავლეს ანტიკური ხელოვნება. უძველესი ფილოსოფიადა ლიტერატურა. თუმცა ანტიკურობის გავლენა შუა საუკუნეების მრავალსაუკუნოვან და ძლიერ ტრადიციებზე, ქრისტიანულ ხელოვნებაზეა ფენიანი. წარმართული და ქრისტიანული შეთქმულებები ერთმანეთს ერწყმის და გარდაიქმნება, რაც განსაკუთრებულ რთულ ხასიათს ანიჭებს რენესანსის კულტურას.

ადრეული რენესანსის არქიტექტურა.

იტალიაში რენესანსის არქიტექტურის ფუძემდებელი იყო ფილიპო ბრუნელესკი (1377-1446), არქიტექტორი, მოქანდაკე და მეცნიერი, პერსპექტივის სამეცნიერო თეორიის ერთ-ერთი შემქმნელი. ბრუნელესკის ყველაზე დიდი საინჟინრო მიღწევა იყო ფლორენციაში სანტა მარია დელ ფიორეს ტაძრის გუმბათის აგება. ბრუნელესკიმ თავისი მათემატიკური და ტექნიკური გენიოსის წყალობით მოახერხა თავისი დროის ურთულესი პრობლემის გადაჭრა. სანტა მარია დელ ფიორეს საკათედრო ტაძრის გუმბათი გახდა მრავალი გუმბათოვანი ეკლესიის წინამორბედი იტალიაში და ევროპის სხვა ქვეყნებში.

ბრუნელესკი იყო ერთ-ერთი პირველი იტალიურ არქიტექტურაში, რომელმაც შემოქმედებითად გაიაზრა და ორიგინალური ინტერპრეტაცია გაუწია ანტიკური წესრიგის სისტემას და საფუძველი ჩაუყარა უძველესი წესრიგის საფუძველზე გუმბათოვანი ტაძრის შექმნას. ადრეული რენესანსის ნამდვილი მარგალიტი იყო პაცი სამლოცველო, რომელიც შეიქმნა ბრუნელესკის მიერ მდიდარი ფლორენციული ოჯახის მოთხოვნით (დაიწყო 1429 წელს). ბრუნელესკის შემოქმედების ჰუმანიზმი და პოეზია, მისი შენობების ჰარმონიული პროპორციულობა, სიმსუბუქე და მადლი, რომელიც ინარჩუნებს კავშირს გოთურ ტრადიციებთან, შემოქმედებითმა თავისუფლებამ და მისი გეგმების სამეცნიერო ვალიდურობამ განსაზღვრა ბრუნელესკის დიდი გავლენა რენესანსის არქიტექტურის შემდგომ განვითარებაზე.

ერთ-ერთი მთავარი მიღწევა იტალიური არქიტექტურა XV საუკუნე იყო ახალი ტიპის საქალაქო სასახლეების შექმნა, რომელიც შემდგომი დროის საზოგადოებრივი შენობების ნიმუშს წარმოადგენდა. იტალიურ სასახლეებს უწოდებენ პალაცოს (ლათინურიდან palatium; აქ არის რუსული სიტყვა"პალატები") მე -15 საუკუნის პალაცოს მახასიათებლები არის შენობის დახურული მოცულობის მკაფიო დაყოფა სამ სართულად, ღია ეზო საზაფხულო იატაკ-სართულიანი არკადებით, რუსტიკაციის გამოყენება, ე.ი. ქვა უხეშად მომრგვალებული ან ამოზნექილი წინა ზედაპირით, ფასადის მოსაპირკეთებლად, ასევე ძლიერ დაგრძელებული დეკორატიული კარნიზი. ამ სტილის თვალსაჩინო მაგალითია ბრუნელესკის მოსწავლისა და მისი ნიჭიერი მიმდევრის მიქელოცო დი ბარტოლომეოს (1396-1472) კაპიტალური მშენებლობა, მედიჩების ოჯახის სასამართლო არქიტექტორი, მედიჩის პალაცო რიკარდი (1444-60), რომელიც ნიმუშად იქცა მრავალი ფლორენციული სასახლის მშენებლობა.

ადრეული რენესანსის ქანდაკება.

XV საუკუნე იტალიური ქანდაკება, რომელმაც არქიტექტურისგან დამოუკიდებელი დამოუკიდებელი მნიშვნელობა შეიძინა, ყვავის. მხატვრული ცხოვრების პრაქტიკაში დაიწყო შეკვეთები მდიდარი ხელოსნებისა და სავაჭრო წრეებიდან საზოგადოებრივი შენობების დეკორაციისთვის; ტარდება ხელოვნების კონკურსები. ერთ-ერთი ასეთი კონკურსი - ფლორენციული ბაპტისტერიის მეორე ჩრდილოეთი კარების ბრინჯაოს დასამზადებლად (1401) - ითვლება მნიშვნელოვან მოვლენად, რომელმაც ახალი გვერდი გახსნა იტალიური რენესანსის ქანდაკების ისტორიაში. ფილიპო ბრუნელესკი, რომელიც მოგვიანებით გახდა ცნობილი არქიტექტორი. თუმცა, მან მოიგო ლორენცო გიბერტი(1381-1455 წწ.). თავისი დროის ერთ-ერთმა ყველაზე განათლებულმა ადამიანმა, იტალიური ხელოვნების პირველმა ისტორიკოსმა, ბრწყინვალე მხატვარმა, გიბერტიმ სიცოცხლე მიუძღვნა ქანდაკების ერთ სახეობას - რელიეფს. გიბერტიმ თავისი ხელოვნების მთავარ პრინციპად მიიჩნია გამოსახულების ყველა ელემენტის წონასწორობა და ჰარმონია. გიბერტის შემოქმედების მწვერვალი იყო ფლორენციული ბაპტისტერიის (1425-52) აღმოსავლეთის კარი, რომელმაც უკვდავყო ბატონის სახელი. კარების დეკორაცია მოიცავს მოოქროვილი ბრინჯაოსგან შესრულებულ ათ კვადრატულ კომპოზიციას, რომელიც აგონებს ნახატებს თავისი არაჩვეულებრივი ექსპრესიულობით.

იგი მე-15 საუკუნის პირველი ნახევრის ერთ-ერთი უდიდესი მოქანდაკეა. იყო Jacopo della Quercia (1374-1438), გიბერტისა და დონატელოს ძველი თანამედროვე. მრავალი აღმოჩენებით მდიდარი მისი ნამუშევარი თითქოს განცალკევებული იყო იმ ზოგადი გზისგან, რომლითაც განვითარდა რენესანსის ხელოვნება. ბოლონიის სან პეტრონიოს ეკლესიის მთავარი პორტალის Quercia-ს მონუმენტურმა რელიეფებმა (ადამის შექმნა) მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა მიქელანჯელოს ხელოვნებაზე.

ადრეული რენესანსის მხატვრობა.

უზარმაზარი როლი, რომელიც ბრუნელესკიმ ითამაშა ადრეული რენესანსის არქიტექტურაში, ხოლო დონატელო ქანდაკებაში, ეკუთვნოდა მასაჩიოს (1401-1428) ფერწერაში. ცნობილმა ხელოვნებათმცოდნე უიპერმა თქვა: „მასაჩიო არის ერთ-ერთი ყველაზე დამოუკიდებელი და თანმიმდევრული გენიოსი ევროპული მხატვრობის ისტორიაში, ახალი რეალიზმის ფუძემდებელი...“ აგრძელებს ჯოტოს ძიებას, მასაჩიო თამამად არღვევს შუა საუკუნეების მხატვრულ ტრადიციებს. ფრესკაში "სამება" (1426-27), რომელიც შექმნილ იქნა ფლორენციის სანტა მარია ნოველას ეკლესიისთვის, მასაჩომ პირველად გამოიყენა სრული პერსპექტივა კედლის მხატვრობაში. ფლორენციაში სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიის ბრანკაჩის სამლოცველოს ნახატებში - მისი ხანმოკლე ცხოვრების მთავარი ქმნილება - მასაჩიო აძლევს სურათებს უპრეცედენტო ცხოვრებისეულ დამაჯერებლობას, ხაზს უსვამს მისი პერსონაჟების ფიზიკურობასა და მონუმენტურობას, ოსტატურად გადმოსცემს სურათების ემოციურ მდგომარეობას და ფსიქოლოგიურ სიღრმეს. ფრესკაში „სამოთხიდან გაძევება“ მხატვარი წყვეტს თავის დროისთვის ყველაზე რთულ ამოცანას - შიშველი ადამიანის ფიგურის გამოსახვას. მასაჩიოს მკაცრმა და გაბედულმა ხელოვნებამ უდიდესი გავლენა მოახდინა რენესანსის მხატვრულ კულტურაზე, განსაკუთრებით პიერო დელა ფრანჩესკასა და მიქელანჯელოს შემოქმედებაზე.

ადრეული რენესანსის მხატვრობაში განსაკუთრებული ადგილი უკავია ლეონარდო და ვინჩისა და ახალგაზრდა მიქელანჯელოს თანამედროვეს სანდრო ბოტიჩელის (1445-1510). სახვითი ხელოვნებაბოტიჩელის ნამუშევარი სტილიზაციის ელემენტებთან (ანუ სურათების განზოგადება ჩვეულებრივი ტექნიკის გამოყენებით - ფერის, ფორმისა და მოცულობის გამარტივება) დიდი წარმატებით სარგებლობდა განათლებულ ფლორენციელებში. ბოტიჩელის ხელოვნება, ადრეული რენესანსის ოსტატების უმეტესობისგან განსხვავებით, ეფუძნებოდა პირად გამოცდილებას. ბოტიჩელის მიერ შექმნილ მრავალ ნახატს შორის არის მსოფლიო მხატვრობის რამდენიმე ულამაზესი ქმნილება ("ვენერას დაბადება", "გაზაფხული"). გამორჩეულად მგრძნობიარე და გულწრფელმა ბოტიჩელმა რთული და ტრაგიკული გზა გაიარა კრეატიული ქვესტი- ახალგაზრდობაში სამყაროს პოეტური აღქმიდან მისტიციზმამდე და ზრდასრულ ასაკში რელიგიურ ამაღლებამდე.

ადრეული იტალიური რენესანსის ხელოვნება წარმოდგენილი იყო ახალი ფერწერით, ქანდაკებითა და არქიტექტურით. ფერწერის პირველი მთავარი ოსტატები იყვნენ ფლორენციელი მხატვრები ჯოტო (1266-1337) და მასაჩიო (1401-1428). ისინი ხატავდნენ საეკლესიო-რელიგიურ თემებზე (ეკლესიების კედლების ფრესკული მხატვრობა), მაგრამ აძლევდნენ მათ გამოსახულებებს რეალისტურ თვისებებს. ჯოტო იყო პირველი ხელოვანი, რომელმაც გაათავისუფლა იტალიური მხატვრობაბიზანტიური ხატწერის გავლენისგან.

მთავარი მოქანდაკეეს პერიოდი იყო დონატელო (1386-1466). ადრეული რენესანსის ყველაზე დიდი არქიტექტორი იყო ბრუნელესკი (1377-1445). აღორძინება ორაზროვნად მიმდინარეობდა: მხატვრები თავიანთ გზას მიდიოდნენ, ზოგჯერ სხვადასხვა გზით. საერო პრინციპი, მომხიბლავი თხრობის სურვილი და ლირიკული მიწიერი განცდა ნათელი გამოხატულება იყო კარმელიტების ორდენის ბერის ფრა ფილიპო ლიპის (1406-1469) შემოქმედებაში. მომხიბვლელი ოსტატი, მრავალი საკურთხევლის კომპოზიციის ავტორი, რომელთა შორის საუკეთესოდ ითვლება ნახატი "ბავშვის თაყვანისცემა", რომელიც შექმნილია პალაცო მედიჩის სამლოცველოსთვის. მე-15 საუკუნის ბოლოს. ახალი ხელოვნების პრინციპები, ფორმები და გამოსახულებები მთელი იტალიის საკუთრება გახდა. საძირკვლები ადგილზეა ახალი სისტემაჟანრებში, დიდი გამოცდილება დაგროვდა მხატვრული ცოდნაადამიანი და სამყარო მის გარშემო. ახალი იტალიური ხელოვნების გავლენა ევროპის სხვა ქვეყნებშიც გავრცელდა. ადრეული რენესანსის ეტაპი დასრულდა, მაღალი რენესანსის დროს ყველა სახის ხელოვნების მძლავრი აღმავლობის მომზადება.

ბილეთი No13

რენესანსის მესამე პერიოდს - მისი სტილის ყველაზე ბრწყინვალე განვითარების დრო - ჩვეულებრივ უწოდებენ "მაღალ რენესანსს". იგი ვრცელდება იტალიაში დაახლოებით 1500 წლიდან 1527 წლამდე. ამ დროს, იტალიური ხელოვნების გავლენის ცენტრი ფლორენციიდან რომში გადავიდა, პაპის ტახტზე ასვლის წყალობით, იულიუს II-ის, ამბიციური, მამაცი და ინიციატივიანი კაცის, რომელმაც იგი მიიპყრო თავის კარზე. საუკეთესო მხატვრებიიტალია, რომელმაც ისინი მრავალი და მნიშვნელოვანი ნამუშევრებით დაიკავა და სხვებს ხელოვნების სიყვარულის მაგალითი მისცა. ამ პაპისა და მისი უშუალო მემკვიდრეების დროს რომი ხდება, თითქოს, პერიკლეს დროის ახალი ათენი: მასში აშენებულია მრავალი მონუმენტური ნაგებობა, დიდებული. სკულპტურული ნამუშევრები, მოხატულია ფრესკები და ნახატები, რომლებიც დღემდე მხატვრობის მარგალიტებად ითვლება; ამავდროულად, ხელოვნების სამივე დარგი ჰარმონიულად მიდის ერთმანეთის მიყოლებით, ეხმარებიან ერთმანეთს და ახდენენ ერთმანეთზე გავლენას. ანტიკურობა ახლა უფრო საფუძვლიანად არის შესწავლილი, უფრო მეტი სიმკაცრითა და თანმიმდევრობით რეპროდუცირებული; სიმშვიდე და ღირსება ცვლის მხიარულ სილამაზეს, რაც წინა პერიოდის მისწრაფება იყო; შუა საუკუნეების მოგონებები მთლიანად ქრება და სრულიად კლასიკური ანაბეჭდი მოდის ხელოვნების ყველა ქმნილებაზე. მაგრამ ძველთა მიბაძვა არ თრგუნავს მათ დამოუკიდებლობას მხატვრებში და ისინი, დიდი მონდომებითა და წარმოსახვის სიცოცხლით, თავისუფლად ამუშავებენ და მიმართავენ თავიანთ ნამუშევრებს იმას, რაც მიზანშეწონილად მიაჩნიათ ისესხონ საკუთარი თავისთვის ძველი ბერძნულ-რომაული ხელოვნებიდან.

სამი დიდი იტალიელი ოსტატის შემოქმედება აღნიშნავს რენესანსის მწვერვალს: ლეონარდო და ვინჩის (1452 - 1519), მიქელანჯელო ბუონაროტის (1475 - 1564) და რაფაელ სანტის (1483 - 1520).

რენესანსის ტიტანები

იტალიური რენესანსის ტიტანები ხელოვნების სამი მწვერვალია: ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი და მიქელანჯელო. რატომ ვეძახით მათ "ტიტანებს"? IN უძველესი მითოლოგიატიტანები იყვნენ ისინი, ვინც გაბედა ღმერთების გამოწვევა, სურდათ შედარება ძალაუფლების მქონე ღმერთებთან. მაგრამ ოლიმპიურმა ღმერთებმა სასტიკად დასაჯეს ამაყები და ტარტაროსში გადააგდეს. ერთ-ერთი ტიტანი იყო პრომეთე, რომელიც ასევე სთხოვდა ღმერთებს დაეხმარონ კაცობრიობას. მან ცეცხლი მისცა ხალხს, მაგრამ თავად გახდა ღმერთების შურისძიების მსხვერპლი: კლდეს მიაჯაჭვეს და ღვიძლში კეიტი აკოცა.
რენესანსის ტიტანები, ისევე როგორც უძველესი ნახევარღმერთები, დაუპირისპირდნენ სამოთხეს. განსხვავებით შუა საუკუნეების შესრულებაადამიანის უმნიშვნელოობის, მისი სისუსტისა და ცოდვის შესახებ ყოვლისშემძლე ღმერთის წინაშე, ისინი ადასტურებდნენ ადამიანის სიდიადეს, მისი შესაძლებლობების უსაზღვროებას და ნიჭიერების სიმდიდრეს და არა. სიტყვებით, მაგრამ საქმით, საკუთარი მაგალითით. ძნელი წარმოსადგენია, რამდენ ნიჭს შეიცავდა ერთი ადამიანი!
ლეონარდო და ვინჩიმ გააერთიანა მეცნიერის (მათემატიკა, მექანიკა, ოპტიკა, ფიზიკა, ბიოლოგი, ანატომისტი და ა.შ.), მხატვრის (მხატვარი, მხატვარი, მოქანდაკე და არქიტექტორი), ფილოსოფოსისა და მწერლის ნიჭი. მიქელანჯელო ერთდროულად იყო მოქანდაკე, მხატვარი, არქიტექტორი და პოეტი. რაფაელი შეიძლება არც ისე მრავალმხრივი იყო, მაგრამ მისი მხატვრული ნიჭი იმდენად სრულყოფილი იყო, რომ უკვე სიცოცხლეშივე ეძახდნენ სანტი, ანუ „ღვთაებრივი“.
შეხედეთ ლეონარდოს გვიანდელ ავტოპორტრეტს. ჩვენ ვხედავთ ადამიანს, რომელმაც ბევრი რამ განიცადა ცხოვრებაში. თმები და წვერი მას სახეზე ეშვება, რაც მას ბრძენი ჯადოქრის სახეს აძლევს, რომელიც უბრალო მოკვდავებისთვის მიუწვდომელ საიდუმლოებებს უმხელდა. გამჭოლი მზერა, ტუჩის კუთხეები დაშვებულია, რაც გამოხატავს იმედგაცრუებას. მახსენდება მეფე სოლომონის სტრიქონები ძველი აღთქმის წიგნიდან „ეკლესიასტე“: „ცოდნა აძლიერებს მწუხარებას“. ლეონარდო და ვინჩი მხატვარ-ბრძენის იმიჯია. მისი სტიპენდია ცდილობს შეაღწიოს მსოფლიოს ყველა კუთხეში. მას კი სურს შეიცნოს და გაზომოს სილამაზე კომპასისა და სახაზავის დახმარებით. და ის წარმატებას მიაღწევს. ბუნების ყველაზე შინაგანი საიდუმლოებების გაგება ლეონარდოს სულია.
რაფაელი - ნათელი გენიოსი, რენესანსის ანგელოზი. მისთვის ყველაფერი მარტივად მოვიდა. ის არ იტანჯება, გონება არ ჩქარობს სიმართლის ძიებას. ჭეშმარიტება თავად ავლენს მას - სილამაზეში და ის ისე სრულყოფილად განასახიერებს მას, რომ მას შემდეგ ვერავინ აჯობა. რენესანსის ეს ნათელი გენიოსი ადრე გარდაიცვალა. 38 წლის ასაკში, თითქმის პუშკინის მსგავსად. მის სიკვდილს მთელი რომი გლოვობდა. ვასარიმ თქვა, რომ რაფაელის მსგავსი ადამიანები, უხვად დაჯილდოვებული სილამაზითა და ნიჭით, ნაზი ხასიათით, მოკრძალებითა და მადლით, არ არიან ადამიანები, არამედ მოკვდავი ღმერთები. მიქელანჯელო ნამდვილი ტიტანია. ყოველთვის საკუთარ თავთან, სამყაროსთან და ღმერთთან ბრძოლაში. კოლოსალური იმპულსი, რწმენა ადამიანში. მან თავად თქვა: ”მსოფლიოში ჯერ არ დაბადებულა ადამიანი, რომელიც ჩემსავით ასე მიდრეკილი იქნებოდა ხალხის სიყვარულისკენ”. მიქელანჯელომ განიცადა რენესანსის იდეალების აღზევება და მათი ტრაგიკული კრახი.
კულტურაში ისეთი გამორჩეული პიროვნებების გამოჩენა, როგორებიც არიან ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი და მიქელანჯელო, შემთხვევითი არ ყოფილა. ეს მოწმობდა ღრმა ცვლილებებს ზოგადად ხელოვნებისადმი და კონკრეტულად მხატვრის მიმართ.
შუა საუკუნეებში მხატვრის პიროვნება არ იყო მნიშვნელოვანი. მხატვრული ნაწარმოების შექმნისას ოსტატი საკუთარ თავს მხოლოდ ინსტრუმენტად თვლიდა ღვთის ხელში. ნამუშევრებს ხელი არ მოაწერეს, რადგან ითვლებოდა, რომ მათი ნამდვილი ავტორი თავად ღმერთი იყო.
ხელოვნების ნიმუშების შემქმნელს არ ეძახდნენ მხატვარი იმ მაღალი მნიშვნელობით, რასაც დღეს ამ სიტყვაში ვსვამთ. ხატმწერები, ტაძრის მშენებლები და ა.შ. ითვლებოდნენ უბრალოდ ხელოსნები. ეს შეხედულებები დიდხანს გაგრძელდა.
როდესაც მიქელანჯელომ გადაწყვიტა მოქანდაკე გამხდარიყო, მამამ აუკრძალა ეს, რადგან ასეთი პროფესია დიდებული ბუონარ როტის ოჯახისთვის უღირსად მიიჩნია; მან უბრალოდ ვერ დაინახა განსხვავება მოქანდაკესა და ქვისმთლელს შორის.

ბილეთი No15

აღორძინება ჩრდილოეთითჩრდილოეთის რენესანსი არის ტერმინი, რომელიც გამოიყენება რენესანსის აღსაწერად ჩრდილოეთ ევროპა, ან უფრო ზოგადად - მთელ ევროპაში იტალიის გარეთ, ალპების ჩრდილოეთით.

თანამედროვე ხელოვნების ისტორიაში მიღებული კულტურული და კულტურული ისტორიის პერიოდის აღნიშვნა იდეოლოგიური განვითარებაიტალიის ჩრდილოეთით მდებარე ქვეყნები (ძირითადად ნიდერლანდები, გერმანია და საფრანგეთი XV-XVI საუკუნეების I მესამედში; ცალკეული ქვეყნებიაქვს თავისი პერიოდიზაცია), გარდამავალი შუა საუკუნეების კულტურაახალი დროის კულტურას. იტალიური რენესანსისგან განსხვავებით ( სმ.აღორძინება (რენესანსი)), ჩრდილოეთ რენესანსს ახასიათებს შუა საუკუნეების ტრადიციების დიდი მდგრადობა, ინტერესი პიროვნებისა და მისი გარემოს ინდივიდუალური უნიკალურობისადმი (ინტერიერის, ნატურმორტის, ლანდშაფტის ჩათვლით). ყველაზე დიდი წარმომადგენლებიჩრდილოეთ რენესანსი: ვან ეიკი ( სმ. VAN EYCK), H. Bosch ( სმ. BOSH Hieronymus), პ. ბრიუგელი უფროსი ( სმ. BRUEGEL პიტერ უფროსი) - ნიდერლანდებში; ა. დიურერი ( სმ.დიურერი ალბრეხტი), მ.ნიტარდი ( სმ. NITHARDT Mathis), L. Cranach უფროსი ( სმ.კრანაჩ ლუკას უფროსი), ჰ. ჰოლბეინი უმცროსი ( სმ. HOLBEIN ჰანს უმცროსი) - გერმანიაში; J. Fouquet ( სმ. FOUQUET Jean), F. Clouet ( სმ. CLOUE), J. Goujon ( სმ. GOUJON Jean) - საფრანგეთში.

მე -17 საუკუნის არქიტექტურალორენცო ბერნინი (1598-1680) - გახდა პაპების ოფიციალური ხაზის დირიჟორი ბაროკოს პერიოდის ხელოვნებაში. უნივერსალური ოსტატი, რომელსაც შეუძლია თანაბრად ნაყოფიერად ჩაერთოს ფერწერაში, არქიტექტურასა და ქანდაკებაში. მაგრამ ის სუსტი მხატვარი აღმოჩნდა და არქიტექტურაში დარჩა ნიჭიერი მოყვარული, რომელსაც შეუძლია იდეის, ნამუშევრის პროგრამის შემუშავება, გამოთვლების, საინჟინრო მხარდაჭერისა და რეალური განხორციელების მთელი სირთულე მოქანდაკეების დიდ არმიას დატოვა. მისივე რომაული სახელოსნოს დამხმარე არქიტექტორები. მან თავისთვის დაუტოვა უზარმაზარი ჰონორარი და დიდება.

· ფრანჩესკო ბორომინი (1599-1667) - მხოლოდ არქიტექტურით იყო დაკავებული. ის არის ვირტუოზი პრაქტიკოსი არქიტექტორი და ნახატების ოსტატი, რომელსაც ნაყოფიერად ეწეოდა ჯერ კიდევ მილანში ყოფნისას. ბორომინის ნახატები შეუდარებელი იყო მე-17 საუკუნის იტალიაში პროფესიული სრულყოფილებისთვის. რომში ხუროთმოძღვრული პრაქტიკის მიჯნაზე მიგდებული, ის სამონასტრო ორდენების არქიტექტორი გახდა. ამიტომ მისი მოღვაწეობა გაუმართლებლად მოკრძალებულია. მაგრამ მნიშვნელოვანი მხატვრული ღირებულებადა ბორომინის ნამუშევრების პოპულარობა გადალახავს იტალიის საზღვრებს და იპოვის ნამდვილ მემკვიდრეებსა და შთამომავლებს შემოქმედებით პიროვნებებში, მათ შორის ნიკოლო მიჩეტი (კონსტანტინეს სასახლე, სტრელნა, რუსეთის იმპერია) ან იან ბლაჟეი სანტინი აილი (ჩეხეთი).

·

სანტ ივო ალა საპიენცას ეკლესიის გეგმა

·

Sant'Ivo alla Sapienza-ს ეზო

სანტივო, ანტიკური გრავიურა 1695 წ

სანტ-ივოს სასახლისა და ეკლესიის კომპოზიცია.

იტალიური ბაროკოს ბაღი

ვილა ალდობრანტინი.

იტალიური ტიპის ბაროკოს ბაღი რენესანსის ბაღის ლოგიკური გაგრძელებაა. რენესანსის ბაღები ჯერ კიდევ მცირე ზომის იყო და ბრწყინვალებას აკლდა. მათ გამოიყენეს შადრევანი ქანდაკებით, სკამებით და ქოთნები ლიმნის ხეებით. სასახლე თუ ვილა დომინირებდა ყველაფერზე. ტერასები ჯერ კიდევ არ ექვემდებარება ერთს მხატვრული დიზაინი, ერთმანეთი და სასახლე. ქალაქის ციხის კედლებში შენობების სიმკვრივე არ იძლეოდა ბაღების შექმნას ქალაქებში და ისინი ჩნდებოდნენ გარეუბანში (ბობოლის ბაღები ფლორენციაში) ან სოფლად.

იტალიის ხელოვნება მე -18 საუკუნეში

[რედაქტირება] გვიანი ბაროკო

იტალიაში დაბადებული და მომწიფებული ბაროკო გაგრძელდა ეროვნული ხელოვნებაუფრო გრძელი ვიდრე ევროპის სხვა ქვეყნებში. ნელ-ნელა მასში იწყება კრიზისული თვისებები და დაღლილობის დაგროვება. უკვე კარლო მარატას (1625-1713) ნამუშევრებში ბაროკოს მხატვრობა კარგავს ღირსებასა და სიმართლეს, რომელსაც ანაცვლებს ბრავურა და არაგულწრფელი პათოსი. მკვლევარმა ჯ. არგანმა მწარედ აღნიშნა: „მისი ნახატი მმართველების სამსახურში სიმბოლოა ბანალური რამ, რომელიც იმალება რაფაელისა და ტიციანის ავტორიტეტის მიღმა“. მაგრამ ბაროკოს მხატვრობამ იტალიაში ჯერ კიდევ არ დაკარგა საკუთარი თავის განახლებისა და ბუნების, ისტორიისა და ადამიანური გრძნობების სამყაროს შესახებ მოთხრობის უნარი, როგორც პროვინციული ოსტატების (კრესპი, ვიტორ გისლანდი) ნამუშევრებში და დეკორატიული ფერწერა(ჯოვანი ბატისტა ტიეპოლო). ჩამქრალი ბაროკო დიდხანს შეინარჩუნებს თავის პოზიციას იტალიისა და ევროპის მრავალი ქვეყნის თეატრალურ და დეკორატიულ ხელოვნებაში (ანდრეა პოცო, ფერდინანდო ბიბიენა, ჯუზეპე ვალერიანი).

მაგრამ ევროპაში მხატვრული ძიების ცენტრი საბოლოოდ საფრანგეთში გადადის.

·

კრესპი. სიბილ კუმსკაია, ენეასი და მებორანი ქარონი, 1705 წ

ჯაკომო ცერუტი. "სამი მათხოვარი", 1736 წ

ლორენცო ტიეპოლო. სესილია გვარდის პორტრეტი

·

ვიტორე გისლანდი. ახალგაზრდა მხატვარი , 1732 წ

ბილეთი No17

კარავაჯო და კარავაგიზმი

კარავაჯო (Caravaggio; რეალურად Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) მიქელანჯელო (28.9.1573, კარავაჯო, ლომბარდია, - 18.7.1610, პორტო ერკოლე, ტოსკანა), იტალიელი მხატვარი. დამფუძნებელი რეალისტური მიმართულებამე-17 საუკუნის ევროპულ მხატვრობაში.

სწავლობდა მილანში (1584-88) ს.პეტერზანოსთან. 1589-1593 წლებში იგი ჩავიდა რომში, სადაც მუშაობდა 1606 წლამდე, შემდეგ ნეაპოლში (1607 და 1609-10), კუნძულ მალტასა და სიცილიაში (1608-09). კ-ის შემოქმედება, რომელიც არ ეკუთვნოდა რომელიმე კონკრეტულ სამხატვრო სკოლას, წარმოიშვა როგორც წინააღმდეგობა ხელოვნების დომინანტური ტენდენციების მიმართ. იტალიური ხელოვნებამე -16 საუკუნის ბოლოს - მე -17 საუკუნის დასაწყისში. (მანერიზმი და აკადემიზმი).

კ-ის ადრეული ნამუშევრები (1592-დან 1598 წლამდე), მათი ზარისფერი ფერითა და გამჭვირვალე კიაროსკუროთი, ავლენს კავშირს მე-16 საუკუნის ჩრდილოეთ იტალიურ ფერწერის ტრადიციებთან. (გ. სავოლდო, ლ. ლოტო, ა. მორეტო და სხვ.). ამავდროულად, მათში უკვე ჩნდება მრავალი მნიშვნელოვანი ახალი ფუნქცია. კ. გამოსახულების იდეალიზაციის პრინციპს უპირისპირებს კონკრეტული მოდელის ინდივიდუალურ ექსპრესიულობას („პატარა ავადმყოფი ბაკუსი“, გალერია ბორგეზე, რომი) და სიუჟეტის ალეგორიულ ინტერპრეტაციას ბუნების მიუკერძოებელი შესწავლით მარტივი ყოველდღიური მოტივით ( "ახალგაზრდა კაცი ხილის კალათით", გალერია ბორგეზე, რომი). პოლემიკასთან მხატვრული ცნებებიმანერიზმი და აკადემიიზმი, განასახიერებს ქ უძველესი ნაკვეთისადღესასწაულო და მხიარული, ხალხური დასაწყისი ("ბაკუსი", 1592-93, უფიზის გალერეაფლორენცია), უარჰყოფს ჟანრების დომინანტურ სისტემას და ხელს უწყობს მხატვრობის ახალი ტიპების - ნატურმორტის შექმნას ("ხილის კალათა", დაახლოებით 1596, Pinacoteca Ambrosiana, მილანი) და ყოველდღიური ჟანრი(„მკითხავი“, ლუვრი, პარიზი). რელიგიური მხატვრობამისგან იღებს ახალ, ინტიმურ ფსიქოლოგიურ ინტერპრეტაციას („დაისვენე ეგვიპტეში ფრენისას“, გალერეა დორია პამფილი, რომი). 1590-იანი წლების ბოლოს. ჩნდება K-ის ორიგინალური ფერწერის სისტემა. ნახატის წინა პლანი, ნათელი სხივით განათებული, გამოირჩევა მკვრივ ჩრდილში ჩაძირულ ფონზე, რითაც მიიღწევა გამოსახულების ხაზგასმული ოპტიკური სიცხადე და ქმნის შთაბეჭდილებას მისი უშუალო სიახლოვის შესახებ. მაყურებელი ("ლუტისტი", ერმიტაჟი, ლენინგრადი). ზრდასრული სამუშაოები K. (1599-1606) არის ნახატები, რომლებიც მონუმენტურია კომპოზიციით და აქვთ განსაკუთრებული დრამატული ძალა. სინათლისა და ჩრდილის ძლიერი კონტრასტი, ჟესტების ექსპრესიული სიმარტივე, ენერგიული პლასტიკური მოდელირება და ხმოვანი, მდიდარი ფერი ასახავს ემოციურ დაძაბულობას, რომელიც წარმოიქმნება იდეალურად ამაღლებულის მოულოდნელი გამოვლინებით. ყოველდღიური ცხოვრებისხალხის ან მტრულ გარემოსთან პირის სულიერი დაპირისპირების მომენტებში („მათე მოციქულის მოწოდება“ და „მათე მოციქულის ტანჯვა“, 1599-1600 წწ., სან ლუიჯი დეი ფრანცის ეკლესია, „მოციქულთა ჯვარცმა“. პეტრე“ და „საულის მოქცევა“, 1600-01, ეკლესია სანტა მარია დელ პოპოლო, მადონა დი ლორეტო, დაახლოებით 1603-06, სანტა-აგოსტინოს ეკლესია, ყველა რომში; დაკრძალვა, 1602-04 (იხ. ილუსტრაცია), პინაკოტეკა , ვატიკანი; მარიამის სიკვდილი ", დაახლოებით 1605-06, ლუვრი, პარიზი). სახის ხაზგასმული საერთოობა და დემოკრატიული მხატვრული იდეალების დადასტურების გადამწყვეტი კ.-ს ნახატებში გამოიწვია მკვეთრი წინააღმდეგობა ოფიციალური ხელოვნების მომხრეების მხრიდან. მხატვრის რამდენიმე ნამუშევარი კლიენტებმა უარყვეს. IN მოგვიანებით სამუშაოებისამხრეთ იტალიაში ხეტიალის წლებში (1606-10) შექმნილი კ. შემდგომი განვითარებარეალისტური ტენდენციები, ცხოვრებისეული ფენომენების არეალის გაფართოება („მოწყალების შვიდი აქტი“, 1607 წ., პიო მონტე დელა მისერიკორდიის ეკლესია, ნეაპოლი) თან ახლავს მსოფლმხედველობის ტრაგედიის გაღრმავებას. სამგლოვიარო განცალკევების ნოტებთან ერთად მათში ვლინდება ამაღლებული სტოიციზმის სული („იოანე ნათლისმცემლის აღსრულება“, 1609, სან-ჯოვანის ტაძარი, ლა ვალეტა; „წმინდა ლუსიას დაკრძალვა“, 1608, სანტას ეკლესია. ლუსია, სირაკუზა). კ. განიხილავს უზარმაზარ სამყაროში ადამიანების მარტოობის თემას, მას იზიდავს მჭიდროდ შეკრული ადამიანური ჯგუფის სურათი, რომელსაც აერთიანებს ოჯახური სიახლოვისა და სითბოს ატმოსფერო. შუქი შევიდა მოგვიანებით ნახატებინახატი ხდება რბილი და ცოცხალი, ფერთა სქემა მიდრეკილია ტონალური ერთიანობისკენ ("მწყემსთა თაყვანისცემა", 1609, ეროვნული მუზეუმი, მესინა). შესრულების მანერა ღებულობს თავისუფალი იმპროვიზაციის თვისებებს. კ-ის ინოვაციურმა ხელოვნებამ მიმდევრები ჰპოვა იტალიაში და ევროპის სხვა ქვეყნებში, რამაც გავლენა მოახდინა ევროპის ბევრ ქვეყანაში რეალისტური მოძრაობების განვითარებაზე. ხელოვნების სკოლები(კარავაგიზმი).

კარავაგიზმი:

1) სისტემა მხატვრული საშუალებები, დამახასიათებელი საწყისი ეტაპირეალიზმის ჩამოყალიბება მე-17 საუკუნის ევროპულ მხატვრობაში. და მიიღო ყველაზე ნათელი განსახიერება შემოქმედებაში იტალიელი მხატვარიკარავაჯო. დემოკრატია ხასიათდება კ
მხატვრული იდეალი, ინტერესი ბუნების პირდაპირი რეპროდუქციისადმი, გამოსახულების რეალური ობიექტურობის გაძლიერებული გრძნობა, შუქისა და ჩრდილის კონტრასტების აქტიური როლი სურათის ფერწერულ გადაწყვეტაში, ჟანრული მოტივების მონუმენტალიზაციის სურვილი. კ.-ს ტექნიკებზე გადასვლა მნიშვნელოვანი ნაბიჯი იყო შემოქმედებითი განვითარებამე-17 საუკუნის მრავალი წამყვანი ოსტატი. (P.P. Rubene, Rembrandt), თუმცა რიგ შემთხვევებში ეს არ იყო კარავაჯოსა და მისი მიმდევრების ხელოვნების პირდაპირი გავლენის შედეგი (ფ. რიბალტა, დ. ვსლასკესი, ჟორჟ დე ლატური).

2) მოძრაობა მე-17 საუკუნის ევროპულ მხატვრობაში, წარმოდგენილი კარავაჯოს მიმდევრების მიერ. იტალიაში, სადაც ფერწერის ტენდენციებმა შეინარჩუნა თავისი მნიშვნელობა მე-17 საუკუნის ბოლომდე, მათ შეაღწიეს ყველა მნიშვნელოვან მხატვრულ ცენტრში და განსაკუთრებული გავლენა იქონიეს რომის, გენუასა და ნეაპოლის მხატვრობაზე. კარავაჯოს მემკვიდრეობამ მიიღო ყველაზე ორიგინალური და დამოუკიდებელი ინტერპრეტაცია ო. ბორჯიანის, ო. ჯეპტილეშის, კ. სარასენისა და გ. ბ. კარაჩოლოს ნაშრომებში. რიგი ოსტატებისგან ფორმალური ტექნიკის ზედაპირული სესხებით გამოხატა კ სიუჟეტის მოტივებიკარავაჯოს ხელოვნება (ლ. სპადას, ბ. მანფრედის და სხვ. ნამუშევრები). კ-ის უცხოელ წარმომადგენლებს შორის ყველაზე საყურადღებოა: ჰოლანდიაში - ჰ.ტერბრუგენი, გ.ჰონთჰორსტი, დ.ვან ბაბურენი, ფლანდრიაში - ტ.რომბუტსი, ა.იანსენსი, საფრანგეთში - ჯ.ვალენტინი, ს.ვუზი, ესპანეთში - X Ribera, გერმანიაში - A. Elsheimer.

ბილეთი No18

საფრანგეთის ხელოვნება. არქიტექტურა.საფრანგეთში მე-18 საუკუნის არქიტექტურა ტრადიციულად იყოფა ორ პერიოდად, რომლებიც შეესაბამება ორ არქიტექტურულ სტილს: მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში. დომინანტური პოზიცია უკავია როკოკოს, მეორეში - ნეოკლასიციზმი. ეს სტილები ერთმანეთის სრულიად საპირისპიროა, რის გამოც როკოკოდან ნეოკლასიციზმზე გადასვლას ხშირად „აჯანყებას“ უწოდებენ.

როკოკოს სტილი ჩამოშორდა მე-17 საუკუნის კლასიციზმის მკაცრ წესებს; მის ოსტატებს უფრო მეტად იზიდავდნენ სენსუალური, თავისუფალი ფორმები. როკოკოს არქიტექტურა, ბაროკოსაზე უფრო ძლიერადაც კი, ცდილობდა შენობების კონტურები უფრო დინამიური და მათი გაფორმება უფრო დეკორატიული გაეხადა, მაგრამ მან უარყო ბაროკოს საზეიმოობა და მისი მჭიდრო კავშირი კათოლიკურ ეკლესიასთან.

თვით სიტყვა "ნეოკლასიციზმი" მე -18 საუკუნეში. ჯერ არ არსებობდა. კრიტიკოსებმა და ხელოვანებმა გამოიყენეს სხვა განმარტებები - "ჭეშმარიტი სტილი" ან "ხელოვნების რენესანსი". ინტერესი ანტიკურობის მიმართ XVIII საუკუნეშეიძინა სამეცნიერო ხასიათი: არქეოლოგებმა დაიწყეს უძველესი ძეგლების მეთოდური გათხრები, არქიტექტორებმა დაიწყეს შემორჩენილი ფრაგმენტებისა და ნანგრევების ზუსტი გაზომვები და ნახატები. ნეოკლასიკოსებისთვის არქიტექტურა იყო სამყაროს რესტრუქტურიზაციის საშუალება. გამოჩნდა უტოპიური პროექტები, რომლებიც განასახიერებდნენ განმანათლებლობის იდეალებს; მოგვიანებით მათ მიიღეს სახელი "მოლაპარაკე არქიტექტურა".

როკოკოს არქიტექტურა

როკოკო წარმოიშვა მეფის მეფობის ბოლო წლებში ლუი XIV(1643-1715), მაგრამ განსხვავებით ფრანგული არქიტექტურის ყველა სტილისგან, რომელიც მას წინ უძღოდა, ეს არ იყო სასამართლო ხელოვნება. როკოკოს შენობების უმეტესობა ფრანგული არისტოკრატიის კერძო სახლები იყო: მდიდარი საქალაქო სასახლეები (საფრანგეთში "სასტუმროებს" უწოდებენ) და ქვეყნის სასახლეები.

როგორც წესი, მაღალი გალავანი გამოყოფდა სასახლეს ქალაქს, რომელიც მალავდა სახლის მეპატრონეებს. სასტუმროს ნომრებს ხშირად ქონდა მოხრილი კონტურები; ისინი არ იყო მოწყობილი ენფილადაში, როგორც ეს ჩვეულებრივ მე-17 საუკუნის სასახლეებში იყო, მაგრამ ქმნიდნენ ძალიან ელეგანტურ ასიმეტრიულ კომპოზიციებს. ცენტრში ჩვეულებრივ იყო საზეიმო დარბაზი, ე.წ. ოთახები გაცილებით პატარა იყო ვიდრე კლასიკური სასახლეების დარბაზები და დაბალი ჭერით. და ამ სასახლეებში ფანჯრები ძალიან დიდი იყო, თითქმის იატაკიდან. როკოკოს შენობების ინტერიერს ამშვენებდა სკულპტურული და მოჩუქურთმებული დეკორაციები, ფანტასტიკური თემების ნახატები და მრავალი სარკე.

სასტუმრო სუბიზი პარიზში აშენდა პრინც დე სუბიზისთვის 1705 - 1709 წლებში. შექმნილია პიერ ალექსის დელამერის მიერ (1675-1745). სხვა სასახლეების მსგავსად, იგი შემოღობილია მიმდებარე ქუჩებიდან მაღალი კედლით მდიდრული შესასვლელი კარიბჭით.

ბილეთი No19

მე -17 საუკუნის ესპანეთის არქიტექტურა და ხელოვნებაარაბებმა შეიტანეს ორნამენტის განვითარებული კულტურა ესპანურ ხელოვნებაში და დატოვეს არაერთი შესანიშნავი არქიტექტურული ძეგლი მავრიელთა სტილში, მათ შორის მეჩეთი კორდობაში (VIII საუკუნე) და ალჰამბრას სასახლე გრანადაში (13-15 სს.). მე-11-12 საუკუნეებში. ვითარდება ესპანეთში რომაული სტილიარქიტექტურაში, რომლის ღირსშესანიშნავი ძეგლია დიდებული ტაძარი ქალაქ სანტიაგო დე კომპოსტელაში. XIII - XV საუკუნის პირველ ნახევარში. ესპანეთში, ისევე როგორც მთელს მსოფლიოში დასავლეთ ევროპაყალიბდება გოთური სტილი. ესპანური გოთიკა ხშირად ისესხებს მავრიტანულ მახასიათებლებს, რასაც მოწმობს დიდებული ტაძრები სევილიაში, ბურგოსში და ტოლედოში (ერთ-ერთი უდიდესი ევროპაში). განსაკუთრებული მხატვრული მოვლენაა ე.წ. სტილი<мудехар>, რომელიც განვითარდა არქიტექტურაში გოთიკური ელემენტების შერწყმის შედეგად, მოგვიანებით კი რენესანსმა მავრიელ არაბებთან ერთად შემოიტანა ორნამენტის განვითარებული კულტურა ესპანურ ხელოვნებაში და დატოვა არაერთი შესანიშნავი არქიტექტურული ძეგლი მავრის სტილში, მათ შორის მეჩეთი ქ. კორდობა (VIII ს.) და ალჰამბრას სასახლე გრანადაში (XIII ს.). -XV ს.). მე-11-12 საუკუნეებში. ესპანეთში ვითარდება რომაული სტილი არქიტექტურაში, რომლის ღირსშესანიშნავი ძეგლია დიდებული ტაძარი ქალაქ სანტიაგო დე კომპოსტელაში. XIII - XV საუკუნის პირველ ნახევარში. ესპანეთში, ისევე როგორც მთელ დასავლეთ ევროპაში, ჩამოყალიბდა გოთური სტილი. ესპანური გოთიკა ხშირად ისესხებს მავრიტანულ მახასიათებლებს, რასაც მოწმობს დიდებული ტაძრები სევილიაში, ბურგოსში და ტოლედოში (ერთ-ერთი უდიდესი ევროპაში). განსაკუთრებული მხატვრული მოვლენაა ე.წ. სტილი<мудехар>, რომელიც განვითარდა არქიტექტურაში გოთური და მოგვიანებით რენესანსული ელემენტების შერწყმის შედეგად მავრის მემკვიდრეობასთან.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

მე-16 საუკუნეში იტალიური ხელოვნების გავლენით ესპანეთში ყალიბდებოდა მანერიზმის სკოლა: მისი გამორჩეული წარმომადგენლები იყვნენ მოქანდაკე ალონსო ბერუგეტე (1490-1561), მხატვრები ლუის დე მორალესი (დაახლოებით 1508-1586) და დიდი ელ გრეკო (1541-). 1614). სასამართლო პორტრეტის ხელოვნების ფუძემდებლები იყვნენ ცნობილი მხატვრები ალონსო სანჩეს კოელიო (დაახლოებით 1531-1588) და მისი სტუდენტი ხუან პანტოხა დე ლა კრუზი (1553-1608). მე-16 საუკუნის საერო არქიტექტურაში. დამკვიდრდა ორნამენტული სტილი<платереск>, საუკუნის ბოლოს ცივი სტილით შეიცვალა<эрререско>, რომლის მაგალითია მადრიდის მახლობლად მდებარე ელ ესკორიალის მონასტერი-სასახლე, რომელიც აშენდა 1563-1584 წლებში, როგორც ესპანეთის მეფეების რეზიდენცია.

<Золотым веком>ესპანურ მხატვრობას მე-17 საუკუნეს უწოდებენ, როდესაც მოღვაწეობდნენ დიდი მხატვრები იუზეპე რიბერა (1588-1652), ბარტოლომე ესტებან მურილო (1618-1682), ფრანცისკო ზურბარანი (1598-1664) და დიეგო დე სილვა ველასკესი (1599-1660). არქიტექტურაში თავშეკავებული<эрререско>მე-17 საუკუნის მეორე ნახევარში. შეცვალა ზედმეტად დეკორატიული სტილი<чурригуреско>.

პერიოდი 18-19 სს. ზოგადად ხასიათდება დაქვეითებით ესპანური ხელოვნება, ჩაკეტილი იმიტაციურ კლასიციზმში, მოგვიანებით კი ზედაპირულ კოსტუმბრიზმში. ამ ფონზე განსაკუთრებით მკაფიოდ გამოირჩევა ფრანცისკო გოიას (1746-1828) შემოქმედება.

დიდი ესპანური ტრადიციის აღორძინება ხდება მე-20 საუკუნის პირველ ნახევარში. მსოფლიო ხელოვნებაში ახალი გზები გაუხსნა ორიგინალურმა არქიტექტორმა ანტონიო გაუდიმ (1852-1926 წწ.), რომელსაც ე.წ.<гением модерна>მხატვრობაში სიურეალიზმის ფუძემდებელი და გამოჩენილი წარმომადგენელი სალვადორ დალი (1904-1989), კუბიზმის ერთ-ერთი ფუძემდებელი ხუან გრისი (1887-1921), აბსტრაქტული მხატვარი ჯოან მირო (1893-1983) და პაბლო პიკასო (1881-1973). ), რომელმაც ხელი შეუწყო თანამედროვე ხელოვნების რამდენიმე მიმართულების განვითარებას.

მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური ხელოვნების მხატვრული ტრადიციები გაგრძელდა ფლანდრიასა და ჰოლანდიაში. მათ საფუძველზე, მონათესავე, მაგრამ გამორჩეული ფლამანდური და ჰოლანდიური სკოლაფერწერა. ამ დაყოფის მიზეზი იყო დრამატული ამბავინიდერლანდები XVI საუკუნის მეორე ნახევარში.

იმ დროს ნიდერლანდებში პროტესტანტიზმი იყო გავრცელებული - სარწმუნოება, რომელიც უარყოფდა ხატების თაყვანისცემას, როგორც კერპთაყვანისმცემლობას და მიატოვებდა საეკლესიო ხელოვნებას. 1566 წელს ხატმებრძოლთა ტალღამ მოიცვა მთელი ქვეყანა. რამდენიმე დღეში განადგურდა მრავალი ეკლესია და მონასტერი, განადგურდა წმინდანთა ქანდაკებები, სამსხვერპლოები და ხატები. ესპანეთის მეფე ფილიპე II-მ, რომელიც მაშინ ნიდერლანდებს მართავდა, ქვეყანაში დიდი ჯარი გაგზავნა კათოლიკური ეკლესიის გაბატონებული პოზიციის აღსადგენად. ესპანელებმა სასტიკად ჩაახშეს არეულობა, ათიათასობით ჰოლანდიელი დაიღუპა. ძალადობის საპასუხოდ შეიარაღებული აჯანყება დაიწყო.

ქვეყნის ჩრდილოეთით, სადაც პროტესტანტები შეადგენდნენ მოსახლეობის უმრავლესობას, 1581 წელს გამოცხადდა ახალი სახელმწიფო - გაერთიანებული პროვინციების რესპუბლიკა. მასში წამყვანი როლი ჰოლანდიას ეკუთვნოდა და მალე მთელ ქვეყანას ასე ეწოდა.

ესპანელებმა ნიდერლანდების სამხრეთით გაიმარჯვეს. 1585 წელს აჯანყებულთა ბოლო დასაყრდენი ქალაქი ანტვერპენი დანებდა.

ფილიპე II-მ 1598 წელს გადასცა სამხრეთ ნიდერლანდები თავის საყვარელ ქალიშვილს ინფანტა იზაბელას (1566-1633). ახლად ჩამოყალიბებულ სახელმწიფოს ოფიციალურ დოკუმენტებში ეწოდებოდა კათოლიკური ნიდერლანდები, მეცნიერულ ნაშრომებში ბელგია და საერთო ენაზე ფლანდრია, ასევე მისი შემადგენელი პროვინციებიდან ყველაზე განვითარებული. მთლიანად ესპანეთზე იყო დამოკიდებული.

ამისთვის ბრძოლაში რელიგიური იდეებიკულტურამ დამარცხება განიცადა: ხელოვნების მრავალი მშვენიერი ძეგლი გაანადგურეს პროტესტანტებმა, მაგრამ კათოლიკურ პროვინციებშიც კი მათ უნდა დაევიწყებინათ პირველყოფილი. მხატვრული ტრადიცია. კათოლიკური ეკლესიასაეჭვო იყო ძველი ნიდერლანდური ხელოვნების ზღაპრული მრავალფეროვნება. მხატვრები, რომლებიც ცდილობდნენ ინტერპრეტაციას საკუთარი გზით ბიბლიური ისტორიები, ერესში დადანაშაულების რისკის ქვეშ. საეკლესიო ხელოვნებაშეიცვალა. ამიერიდან იგი არამარტო უნდა აეხსნა წმინდა წერილი მრევლს, არამედ სიტყვასიტყვით დაეპყრო ისინი, დაემორჩილებინა მათი ცნობიერება ეკლესიის ავტორიტეტს. ეს ემსახურებოდა ორგანული მუსიკა, უცნაური ტაძრის არქიტექტურა, რელიგიური მხატვრობა. თუ შუა საუკუნეებში ტაძარს სკოლად მიაჩნდათ, მაშინ მე-17 საუკუნეში. თეატრს უფრო ჰგავდა.

Დაკავშირებული ინფორმაცია.

განათლების ფედერალური სააგენტო

სანქტ-პეტერბურგის არქიტექტურისა და სამოქალაქო ინჟინერიის სახელმწიფო უნივერსიტეტი

ისტორიის დეპარტამენტი

დისციპლინა: კულტუროლოგია

ტიტანები და რენესანსის კულტურის შედევრები

მოსწავლეთა ჯგუფი 1 ES 2

ე.იუ ნალივკო

ხელმძღვანელი:

კ.ი. სც., მასწავლებელი

ი.იუ.ლაპინა

სანქტ-პეტერბურგი

შესავალი…………………………………………………… 3

ადრეული რენესანსის ხელოვნება………………………..4

მაღალი რენესანსის პერიოდი…………………………….5

სანდრო ბოტიჩელი…………………………………….5

ლეონარდო და ვინჩი…………………………………… 7

მიქელანჯელო ბუონაროტი ……………………………………10

რაფაელო სანტი…………………………………………….13

დასკვნა …………………………………………………………………..15

გამოყენებული ლიტერატურის სია…………………………………………………………………………………………………

შესავალი

რენესანსი მნიშვნელოვანი პერიოდია მსოფლიო კულტურაში. თავდაპირველად ახალი ფენომენი ევროპულში კულტურული ცხოვრებაჰგავდა დაბრუნებას უძველესი კულტურის მივიწყებული მიღწევებისკენ მეცნიერების, ფილოსოფიის და ლიტერატურის სფეროში. რენესანსის ფენომენი მდგომარეობს იმაში, რომ უძველესი მემკვიდრეობა გადაიქცა იარაღად ეკლესიის კანონებისა და აკრძალვების დასამხობად. არსებითად, უნდა ვისაუბროთ გრანდიოზულ კულტურულ რევოლუციაზე, რომელიც გაგრძელდა ორნახევარი საუკუნე და დასრულდა ახალი ტიპის მსოფლმხედველობისა და ახალი ტიპის კულტურის შექმნით. მაშინ ევროპის რეგიონის გარეთ მსგავსი არაფერი შეიმჩნევა. Ამიტომაც ამ თემასამ პერიოდის უფრო დეტალურად შესწავლის დიდი ინტერესი და სურვილი გამიღვიძა.

ჩემს ესეში მინდა ყურადღება გავამახვილო ასეთებზე გამოჩენილი ადამიანები, როგორიცაა სანდრო ბოტიჩელი, ლეონარდო და ვინჩი, მიქელანჯელო ბუონაროტი, რაფაელო სანტი. ისინი გახდნენ იტალიური რენესანსის ძირითადი ეტაპების ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლები.

1. ადრეული რენესანსის ხელოვნება

მე-15 საუკუნის პირველ ათწლეულებში იტალიის ხელოვნებაში გადამწყვეტი შემობრუნება მოხდა. ფლორენციაში რენესანსის ძლიერი ცენტრის გაჩენამ გამოიწვია მთელი იტალიური მხატვრული კულტურის განახლება.

დონატელოს, მასაჩიოსა და მათი თანამოაზრეების შემოქმედება აღნიშნავს რენესანსის რეალიზმის გამარჯვებას, რომელიც მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა „დეტალების რეალიზმისგან“, რომელიც დამახასიათებელი იყო გვიანი ტრეჩენტოს გოთური ხელოვნებისთვის. ამ ოსტატების ნამუშევრები გამსჭვალულია ჰუმანიზმის იდეალებით. ისინი გმირობენ და ამაღლებენ ადამიანს, აყენებენ მას ყოველდღიურობის დონეზე.

გოთურ ტრადიციებთან ბრძოლაში ადრეული რენესანსის მხატვრები ეძებდნენ მხარდაჭერას ანტიკურ ხანაში და პროტო-რენესანსის ხელოვნებაში. რასაც პროტო-რენესანსის ოსტატები მხოლოდ ინტუიციურად, შეხებით ეძებდნენ, ახლა ზუსტ ცოდნას ეფუძნება.

მე-15 საუკუნის იტალიური ხელოვნება დიდი მრავალფეროვნებით გამოირჩევა. ახალმა ხელოვნებამ, რომელმაც გაიმარჯვა მოწინავე ფლორენციაში მე-15 საუკუნის დასაწყისში, მაშინვე არ მოიპოვა აღიარება და გავრცელდა ქვეყნის სხვა რეგიონებში. სანამ ბრუნელესკი, მასაჩიო და დონატელო მუშაობდნენ ფლორენციაში, ბიზანტიური და გოთური ხელოვნების ტრადიციები ჯერ კიდევ ცოცხალი იყო ჩრდილოეთ იტალიაში, მხოლოდ თანდათანობით ჩაანაცვლა რენესანსმა.

ადრეული რენესანსის მთავარი ცენტრი იყო ფლორენცია. I ნახევრის და მე-15 საუკუნის შუა ხანების ფლორენციული კულტურა მრავალფეროვანი და მდიდარია. 1439 წლიდან, ფლორენციაში ჩატარებული საეკლესიო კრების შემდეგ, რომელსაც ბიზანტიის იმპერატორი იოანე პალეოლოგოსი და კონსტანტინოპოლის პატრიარქი მივიდნენ, ბრწყინვალე თანხლებით, და განსაკუთრებით 1453 წელს ბიზანტიის დაცემის შემდეგ, როდესაც მრავალი მეცნიერი გაიქცა აღმოსავლეთიდან. იპოვა თავშესაფარი ფლორენციაში, ეს ქალაქი ხდება იტალიის ერთ-ერთი მთავარი ცენტრი ბერძნული ენის, ასევე ძველი საბერძნეთის ლიტერატურისა და ფილოსოფიის შესასწავლად. და მაინც, წამყვანი როლი ფლორენციის კულტურულ ცხოვრებაში პირველ ნახევარში და მე-15 საუკუნის შუა ხანებში, უდავოდ ხელოვნებას ეკუთვნოდა. 1

2. მაღალი რენესანსის პერიოდი

დროის ეს პერიოდი წარმოადგენს რენესანსის აპოგეას. ეს იყო მოკლე პერიოდი, რომელიც დაახლოებით 30 წელი გაგრძელდა, მაგრამ რაოდენობრივად და ხარისხობრივად ეს პერიოდი საუკუნეებს ჰგავდა. მაღალი რენესანსის ხელოვნება მე-15 საუკუნის მიღწევების ჯამია, მაგრამ ამავე დროს ის ახალი თვისებრივი ნახტომია, როგორც ხელოვნების თეორიაში, ასევე მის განხორციელებაში. ამ პერიოდის არაჩვეულებრივი „სიმკვრივე“ აიხსნება იმით, რომ ბრწყინვალე ხელოვანთა რაოდენობა, რომლებიც ერთდროულად მუშაობენ (ერთ ისტორიულ პერიოდში) ერთგვარი რეკორდია თუნდაც ხელოვნების მთელი ისტორიისთვის. საკმარისია ისეთი სახელების დასახელება, როგორიცაა ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი და მიქელანჯელო.

3. სანდრო ბოტიჩელი

სანდრო ბოტიჩელის სახელი მთელ მსოფლიოშია ცნობილი, როგორც იტალიური რენესანსის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული მხატვარი.

სანდრო ბოტიჩელი დაიბადა 1444 წელს (ან 1445 წელს) გარუჯვის, ფლორენციელი მოქალაქის მარიანო ფილიპეპის ოჯახში. სანდრო ფილიპეპის უმცროსი, მეოთხე ვაჟი იყო. სამწუხაროდ, თითქმის არაფერია ცნობილი, სად და როდის გაიარა სანდრო მხატვრულ მომზადებას და, როგორც ძველი წყაროები იუწყებიან, მართლა ჯერ ძვირფასეულობა შეისწავლა და მერე დაიწყო ხატვა. 1470 წელს მას უკვე ჰქონდა საკუთარი სახელოსნო და დამოუკიდებლად ასრულებდა მიღებულ შეკვეთებს.

ბოტიჩელის ხელოვნების ხიბლი ყოველთვის ცოტა იდუმალი რჩება. მისი ნამუშევრები იწვევს განცდას, რომელსაც სხვა ოსტატების ნამუშევრები არ იწვევს.

ბოტიჩელი ჩამოუვარდებოდა მე-15 საუკუნის ბევრ ხელოვანს, ზოგი მამაცი ენერგიით, ზოგი კი დეტალების ჭეშმარიტი სიზუსტით. მისი გამოსახულებები (ძალიან იშვიათი გამონაკლისის გარდა) მოკლებულია მონუმენტურობასა და დრამატურგიას; მათი გაზვიადებულად მყიფე ფორმები ყოველთვის ოდნავ ჩვეულებრივია. მაგრამ მე-15 საუკუნის არც ერთი მხატვრის მსგავსად, ბოტიჩელი დაჯილდოვდა ცხოვრების ყველაზე დახვეწილი პოეტური გაგების უნარით. პირველად მან შეძლო ადამიანური გამოცდილების დახვეწილი ნიუანსების გადმოცემა. მხიარული მღელვარება მის ნახატებში ჩანაცვლებულია მელანქოლიური მეოცნებეებით, გართობის მღელვარებით - მტკივნეული მელანქოლიით, მშვიდი ჭვრეტა - უკონტროლო ვნებით.

ბოტიჩელის ხელოვნების ახალმა მიმართულებამ ექსტრემალური გამოხატულება მიიღო მისი საქმიანობის ბოლო პერიოდში, 1490-იანი წლების და 1500-იანი წლების დასაწყისში. აქ გაზვიადებისა და დისონანსის ტექნიკა თითქმის აუტანელი ხდება (მაგალითად, „წმინდა ზენობიოსის სასწაული“). მხატვარი ან უიმედო მწუხარების უფსკრულში ჩავარდება („პიეტა“), ან ემორჩილება განმანათლებლურ ამაღლებას („წმინდა იერონიმეს ზიარება“). მისი მხატვრობის სტილი გამარტივებულია თითქმის იკონოგრაფიულ კონვენციებამდე, რომელიც გამოირჩევა ერთგვარი გულუბრყვილო ენობრივად. ნახატიც, თავისი სიმარტივით ზღვრამდე აღებული, და ფერიც ადგილობრივი ფერების მკვეთრი კონტრასტებით, მთლიანად ექვემდებარება პლანტურ ხაზოვან რიტმს. როგორც ჩანს, გამოსახულებები კარგავენ რეალურ, მიწიერ გარსს, მოქმედებენ როგორც მისტიური სიმბოლოები. და მაინც, ამ საფუძვლიანად რელიგიურ ხელოვნებაში ადამიანური ელემენტი უზარმაზარი ძალით იკავებს გზას. არასოდეს მხატვარს არ დაუყენებია ამდენი პირადი განცდა თავის ნამუშევრებში; არასდროს ჰქონია მის გამოსახულებებს ასეთი მაღალი მორალური მნიშვნელობა.

ბოტიჩელის სიკვდილით მთავრდება ადრეული რენესანსის ფლორენციული მხატვრობის ისტორია - იტალიური მხატვრული კულტურის ეს ნამდვილი გაზაფხული. ლეონარდოს, მიქელანჯელოს და ახალგაზრდა რაფაელის თანამედროვე ბოტიჩელი უცხო რჩებოდა მათი კლასიკური იდეალების მიმართ. როგორც მხატვარი, ის მთლიანად მე-15 საუკუნეს ეკუთვნოდა და არ ჰყოლია პირდაპირი მემკვიდრე მაღალი რენესანსის მხატვრობაში. თუმცა მისი ხელოვნება მასთან ერთად არ მომკვდარა. ეს იყო ადამიანის სულიერი სამყაროს გამოვლენის პირველი მცდელობა, მორცხვი მცდელობა, რომელიც ტრაგიკულად დასრულდა, მაგრამ რომელმაც თაობებისა და საუკუნეების განმავლობაში მიიღო თავისი უსაზღვროდ მრავალმხრივი ასახვა სხვა ოსტატების შემოქმედებაში.

ბოტიჩელის ხელოვნება დიდი ხელოვანის პოეტური აღსარებაა, რომელიც აღაგზნებს და მუდამ ააღელვებს ადამიანების გულებს. 2

4. ლეონარდო და ვინჩი

კაცობრიობის ისტორიაში ადვილი არ არის ისეთივე ბრწყინვალე ადამიანის პოვნა, როგორიც მაღალი რენესანსის ხელოვნების ფუძემდებელი ლეონარდო და ვინჩია (1452-1519). ამ დიდი მხატვრისა და მეცნიერის საქმიანობის ყოვლისმომცველი ბუნება მხოლოდ მაშინ გახდა ნათელი, როდესაც მისი მემკვიდრეობის მიმოფანტული ხელნაწერები გამოიკვლიეს. ლეონარდოს უზარმაზარი ლიტერატურა მიეძღვნა და მისი ცხოვრება დეტალურად იქნა შესწავლილი. და მაინც, მისი ნამუშევრების დიდი ნაწილი იდუმალი რჩება და აგრძელებს ხალხის გონების აღფრთოვანებას.

ლეონარდო და ვინჩი დაიბადა ვინჩის მახლობლად მდებარე სოფელ ანჩიანოში: ფლორენციიდან არც თუ ისე შორს. ის იყო მდიდარი ნოტარიუსის და უბრალო გლეხის ქალის უკანონო შვილი. შეამჩნია ბიჭის არაჩვეულებრივი შესაძლებლობები ფერწერაში, მამამ იგი გაგზავნა ანდრეა ვეროკიოს სახელოსნოში. მასწავლებლის ნახატში "ქრისტეს ნათლობა" სულიერი ქერა ანგელოზის ფიგურა ეკუთვნის ახალგაზრდა ლეონარდოს ფუნჯს.

მის ადრეულ ნამუშევრებს შორისაა ნახატი "მადონა ყვავილით" (1472), შესრულებული ზეთის მხატვრობაში, შემდეგ იშვიათი იტალიაში.

დაახლოებით 1482 წელს ლეონარდო შევიდა მილანის ჰერცოგის, ლოდოვიკო მოროს სამსახურში. ოსტატმა უპირველეს ყოვლისა რეკომენდაცია გაუწია საკუთარ თავს სამხედრო ინჟინერად, არქიტექტორად, ჰიდრავლიკური ინჟინერიის დარგის სპეციალისტად და მხოლოდ ამის შემდეგ, როგორც მხატვარს და მოქანდაკეს. თუმცა ლეონარდოს მოღვაწეობის პირველი მილანური პერიოდი (1482-1499 წწ.) ყველაზე ნაყოფიერი გამოდგა. ოსტატი გახდა იტალიის ყველაზე ცნობილი მხატვარი, შეისწავლა არქიტექტურა და ქანდაკება და მიმართა ფრესკებსა და საკურთხევლის მხატვრობას.

ლეონარდოს ნახატები მილანის პერიოდიდან დღემდეა შემორჩენილი. მაღალი რენესანსის პირველი საკურთხევლის კომპოზიცია იყო "მადონა გროტოში" (1483-1494). მხატვარი დაშორდა მეთხუთმეტე საუკუნის ტრადიციებს: რომლის რელიგიურ ნახატებშიც საზეიმო შეზღუდვა ჭარბობდა. ლეონარდოს სამსხვერპლოზე რამდენიმე ფიგურაა: ქალური მარიამი, ჩვილი ქრისტე, რომელიც აკურთხებს პატარა იოანე ნათლისმცემელს და მუხლმოდრეკილი ანგელოზი, თითქოს ნახატიდან იყურება. სურათები იდეალურად ლამაზია, ბუნებრივად დაკავშირებულია მათ გარემოსთან. ეს არის რაღაც გროტო ბნელ ბაზალტის კლდეებს შორის სიღრმეში უფსკრული - ზოგადად ლეონარდოსთვის დამახასიათებელი ფანტასტიკურად იდუმალი პეიზაჟი. ფიგურები და სახეები ჰაეროვანი ნისლითაა მოცული, რაც მათ განსაკუთრებულ რბილს ანიჭებს. იტალიელებმა ლეონარდო სფუმატოს ამ ტექნიკას უწოდეს.

მილანში, როგორც ჩანს, ოსტატმა შექმნა ნახატი "მადონა და ბავშვი" ("მადონა ლიტა"). აქ, განსხვავებით "მადონა ყვავილისაგან", იგი ცდილობდა გამოსახულების იდეალურობის უფრო დიდ განზოგადებას. რაც გამოსახულია არა კონკრეტული მომენტი, არამედ მშვიდი სიხარულის გარკვეული გრძელვადიანი მდგომარეობაა, რომელშიც ახალგაზრდა მშვენიერი ქალია ჩაძირული. ცივი, გამჭვირვალე შუქი ანათებს მის გამხდარ, რბილ სახეს ნახევრად ჩამოწეული მზერით და მსუბუქი, ძლივს შესამჩნევი ღიმილით. ნახატი დახატულია ტემპერამენტში, რაც მატებს მარიამის ლურჯი მოსასხამისა და წითელი კაბის ტონებს. ბავშვის ფუმფულა, მუქი ოქროსფერი ხვეული თმა საოცრად არის გამოსახული და მაყურებლისკენ მიმართული მისი ყურადღებიანი მზერა არ არის ბავშვურად სერიოზული.

როდესაც მილანი ფრანგულმა ჯარებმა აიღეს 1499 წელს, ლეონარდომ დატოვა ქალაქი. მისი ხეტიალის დრო დაიწყო. გარკვეული პერიოდი მუშაობდა ფლორენციაში. იქ ლეონარდოს ნამუშევარი თითქოს ნათელი შუქით იყო განათებული: მან დახატა მონა ლიზას პორტრეტი, მდიდარი ფლორენციელი ფრანჩესკო დი ჯოკონდოს მეუღლის (დაახლოებით 1503 წ.). პორტრეტი ცნობილია როგორც "La Gioconda" და გახდა მსოფლიო მხატვრობის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი.

ახალგაზრდა ქალის პატარა პორტრეტი, ჰაეროვან ნისლში მოცული, მოლურჯო-მომწვანო პეიზაჟის ფონზე მჯდომარე, სავსეა ისეთი ცოცხალი და სათუთი შიშით, რომ, ვასარის თქმით, შეგიძლიათ ნახოთ პულსის ცემა მონას ღრუში. ლიზას კისერი. როგორც ჩანს, სურათი ადვილად გასაგებია. იმავდროულად, ლა ჯოკონდასადმი მიძღვნილ ვრცელ ლიტერატურაში ლეონარდოს მიერ შექმნილი გამოსახულების ყველაზე საპირისპირო ინტერპრეტაციები ერთმანეთს ეჯახება.

სიცოცხლის ბოლო წლებში ლეონარდო და ვინჩი ნაკლებად მუშაობდა როგორც მხატვარი. საფრანგეთის მეფის ფრანცის 1-ისგან მოწვევის შემდეგ, იგი 1517 წელს გაემგზავრა საფრანგეთში და გახდა სასამართლოს მხატვარი. ლეონარდო მალე გარდაიცვალა. ავტოპორტრეტ-ნახატში (1510-1515 წწ.) რუხი წვერიანი პატრიარქი ღრმა, სევდიანი გამოხედვით თავის ასაკზე ბევრად უფროსი ჩანდა.

ლეონარდოს ნიჭის მასშტაბები და უნიკალურობა შეიძლება ვიმსჯელოთ მისი ნახატებით, რომლებიც ხელოვნების ისტორიაში ერთ-ერთ საპატიო ადგილს იკავებს. არა მხოლოდ ხელნაწერები, რომლებიც ეძღვნება ზუსტ მეცნიერებებს, არამედ ხელოვნების თეორიის ნაწარმოებები განუყოფლად არის დაკავშირებული ლეონარდო და ვინჩის ნახატებთან, ჩანახატებთან, ჩანახატებთან და დიაგრამებთან. დიდი ადგილი ეთმობა ქიაროსკუროს, მოცულობითი მოდელირების, ხაზოვანი და საჰაერო პერსპექტივის პრობლემებს. ლეონარდო და ვინჩის ეკუთვნის მრავალი აღმოჩენა, პროექტი და ექსპერიმენტული კვლევა მათემატიკაში, მექანიკაში და სხვა საბუნებისმეტყველო მეცნიერებებში.

ლეონარდო და ვინჩის ხელოვნებამ, მისმა მეცნიერულმა და თეორიულმა კვლევებმა, მისი პიროვნების უნიკალურობამ გაიარა მსოფლიო კულტურისა და მეცნიერების მთელი ისტორია და უდიდესი გავლენა მოახდინა. 3

5. მიქელანჯელო ბუონაროტი

მაღალი რენესანსის ნახევარღმერთებსა და ტიტანებს შორის მიქელანჯელოს განსაკუთრებული ადგილი უჭირავს. როგორც ახალი ხელოვნების შემოქმედი, ის იმსახურებს XVI საუკუნის პრომეთეს წოდებას

ულამაზესი მარმარილოს ქანდაკება, რომელიც ცნობილია როგორც პიეტა, დღემდე რჩება რომში პირველი ყოფნისა და 24-წლის სრული სიმწიფის ძეგლად. ზაფხულის მხატვარი. წმინდა ღვთისმშობელი ზის ქვაზე, მის კალთაზე დასვენებულია ჯვრიდან ამოღებული იესოს უსიცოცხლო სხეული. ხელით უჭერს მხარს. უძველესი ნაწარმოებების გავლენით, მიქელანჯელომ უარი თქვა შუა საუკუნეების ყველა ტრადიციაზე რელიგიური საგნების გამოსახატავად. მან მიანიჭა ჰარმონია და სილამაზე ქრისტეს სხეულს და მთელ სამუშაოს. იესოს სიკვდილს არ უნდა გამოეწვია საშინელება, მხოლოდ პატივცემული გაკვირვების განცდა დიდი ტანჯვისთვის. შიშველი სხეულის სილამაზე დიდ სარგებელს მოაქვს მარიამის კაბის ოსტატურად მოწყობილი ნაკეცებით წარმოქმნილი სინათლისა და ჩრდილის ეფექტით. მხატვრის მიერ გამოსახული იესოს სახეში მათ მსგავსებაც კი იპოვეს სავონაროლასთან. პიეტა დარჩა ბრძოლისა და პროტესტის მარადიულ ანდერძად, მარადიული ძეგლი თავად მხატვრის ფარული ტანჯვისთვის.

მიქელანჯელო დაბრუნდა ფლორენციაში 1501 წელს, ქალაქისთვის რთულ მომენტში, სადაც კარარას მარმარილოს უზარმაზარი ბლოკიდან, რომელიც განკუთვნილი იყო ბიბლიური დავითის კოლოსალური ქანდაკებისთვის ტაძრის გუმბათის გასაფორმებლად, მან გადაწყვიტა შეექმნა სრული და სრულყოფილი ნამუშევარი, მისი ზომის შემცირების გარეშე და კერძოდ დავითი. 1503 წელს, 18 მაისს, ქანდაკება დაიდგა პიაცა დელა სენორიაში, სადაც ის 350 წელზე მეტი ხნის განმავლობაში იდგა.

მიქელანჯელოს ხანგრძლივ და საშინელ ცხოვრებაში იყო მხოლოდ ერთი პერიოდი, როდესაც მას ბედნიერება გაუღიმა - ეს იყო ის, როდესაც იგი მუშაობდა რომის პაპ იულიუს II-სთან. მიქელანჯელოს, თავისებურად, უყვარდა ეს უხეში მეომარი პაპი, რომელსაც სულაც არ ჰქონდა პაპის მკაცრი მანერები. პაპ იულიუსის საფლავი არ აღმოჩნდა ისეთი დიდებული, როგორც მიქელანჯელოს განზრახული ჰქონდა. საკათედრო ტაძრის ნაცვლად წმ. პეტრე იგი დაასვენეს წმ. პეტრა, სადაც ის მთლიანად არც კი შევიდა და მისი ცალკეული ნაწილები მთელს ტერიტორიაზე გაიფანტა განსხვავებული ადგილები. მაგრამ ამ ფორმითაც კი ის სამართლიანად არის რენესანსის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ქმნილება. მისი ცენტრალური ფიგურა არის ბიბლიური მოსე, თავისი ხალხის განმათავისუფლებელი ეგვიპტური ტყვეობიდან (მხატვარი იმედოვნებდა, რომ იულიუსი გაათავისუფლებდა იტალიას დამპყრობლებისგან). ყოვლისმომცველი ვნება, ზეადამიანური ძალა ძაბავს გმირის მძლავრ სხეულს, ნება და მონდომება, მოქმედების მგზნებარე წყურვილი აისახება სახეზე, მზერა აღთქმული მიწისკენ არის მიმართული. ნახევარღმერთი ზის ოლიმპიურ დიდებულებაში. ერთი ხელი ძლიერად ეყრდნობა მუხლებზე დადებულ ქვის ფილას, მეორე კი აქ იმ ადამიანის ღირსი უყურადღებობით, რომელსაც წარბების მოძრაობაც საკმარისია, რომ ყველა დაემორჩილოს. როგორც პოეტმა თქვა, „ამგვარ კერპამდე ებრაელ ხალხს ჰქონდა უფლება დაემხრო ლოცვაში“. თანამედროვეთა აზრით, მიქელანჯელოს „მოსე“ რეალურად ხედავდა ღმერთს.

რომის პაპ იულიუსის თხოვნით მიქელანჯელომ ვატიკანში სიქსტის კაპელის ჭერი სამყაროს შექმნის ამსახველი ფრესკებით დახატა. მის ნახატებში დომინირებს ხაზები და სხეულები. 20 წლის შემდეგ, იმავე სამლოცველოს ერთ-ერთ კედელზე, მიქელანჯელომ დახატა ფრესკა "უკანასკნელი სამსჯავრო" - განსაცვიფრებელი ხედვა უკანასკნელი განკითხვისას ქრისტეს გამოჩენის შესახებ, რომლის ხელის ტალღაზე ცოდვილები ჯოჯოხეთის უფსკრულში ვარდებიან. . დაკუნთული, ჰერკულესი გიგანტი წააგავს არა ბიბლიურ ქრისტეს, რომელმაც თავი კაცობრიობის კეთილდღეობას შესწირა, არამედ უძველესი მითოლოგიის შურისძიების პერსონიფიკაციას. ფრესკა ავლენს სასოწარკვეთილი სულის, მიქელანჯელოს სულის საშინელ უფსკრულებს.

მიქელანჯელოს ნამუშევრები გამოხატავს იტალიის ტრაგედიით გამოწვეულ ტკივილს, ერწყმის ტკივილს საკუთარი სევდიანი ბედის შესახებ.მიქელანჯელომ არქიტექტურაში იპოვა სილამაზე, რომელიც არ არის შერეული ტანჯვითა და უბედურებით. ბრამანტეს გარდაცვალების შემდეგ მიქელანჯელომ აიღო წმინდა პეტრეს ბაზილიკის მშენებლობა. ბრამანტეს ღირსეულმა მემკვიდრემ, მან შექმნა გუმბათი, რომელიც დღემდე შეუდარებელია არც ზომით და არც სიდიადით,

მიქელანჯელოს არც სტუდენტები ჰყავდა და არც ე.წ. მაგრამ რჩება მის მიერ შექმნილი მთელი სამყარო. 4

6. რაფაელი

რაფაელ სანტის შემოქმედება მიეკუთვნება ევროპული კულტურის იმ ფენომენებს, რომლებიც არა მხოლოდ მსოფლიო პოპულარობითაა დაფარული, არამედ მოიპოვეს. განსაკუთრებული მნიშვნელობა- უმაღლესი მითითებები კაცობრიობის სულიერ ცხოვრებაში. ხუთი საუკუნის მანძილზე მისი ხელოვნება ესთეტიკური სრულყოფილების ერთ-ერთ ნიმუშად აღიქმებოდა.

რაფაელის გენიალურობა გამოვლინდა ფერწერაში, გრაფიკასა და არქიტექტურაში. რაფაელის ნამუშევრები წარმოადგენს კლასიკური ხაზის ყველაზე სრულყოფილ, ნათელ გამოხატულებას, კლასიკურ პრინციპს მაღალი რენესანსის ხელოვნებაში (დანართი 3). რაფაელმა შექმნა ლამაზი ადამიანის "უნივერსალური გამოსახულება", სრულყოფილი ფიზიკურად და სულიერად, რომელიც განასახიერებს არსებობის ჰარმონიული სილამაზის იდეას.

რაფაელი (უფრო ზუსტად, რაფაელო სანტი) დაიბადა 1483 წლის 6 აპრილს ქალაქ ურბინოში. მან პირველი ხატვის გაკვეთილები მამისგან, ჯოვანი სანტისგან მიიღო. როდესაც რაფაელი 11 წლის იყო, ჯოვანი სანტი გარდაიცვალა და ბიჭი ობოლი დარჩა (მამის გარდაცვალებამდე 3 წლით ადრე დაკარგა ბიჭი). როგორც ჩანს, მომდევნო 5-6 წლის განმავლობაში სწავლობდა მხატვრობას ევანგელისტა დი პიანდიმელეტოსთან და ტიმოტეო ვიტისთან, მცირე პროვინციულ ოსტატებთან.

ჩვენთვის ცნობილი რაფაელის პირველი ნამუშევრები შესრულდა დაახლოებით 1500 - 1502 წლებში, როდესაც ის 17-19 წლის იყო. ეს არის მინიატურული ზომის კომპოზიციები "სამი მადლი" და "რაინდის სიზმარი". ეს უბრალო მოაზროვნე, ჯერ კიდევ სტუდენტური მორცხვი საგნები გამოირჩევა დახვეწილი პოეზიით და გრძნობების გულწრფელობით. მისი შემოქმედების პირველივე ნაბიჯებიდან რაფაელის ნიჭი ვლინდება მთელი თავისი ორიგინალობით და გამოიკვეთება მისი საკუთარი მხატვრული თემა.

ადრეული პერიოდის საუკეთესო ნამუშევრები მოიცავს მადონა კონესტაბილეს. მადონასა და ბავშვის ამსახველმა კომპოზიციებმა რაფაელს ფართო პოპულარობა და პოპულარობა მოუტანა. უმბრიის პერიოდის მყიფე, თვინიერი, მეოცნებე მადონები შეიცვალა უფრო მიწიერი, სრულსისხლიანი გამოსახულებებით, მათი შინაგანი სამყარო გახდა უფრო რთული, მდიდარი ემოციური ჩრდილებით. რაფაელმა შექმნა მადონასა და ბავშვის ახალი ტიპის გამოსახულება - მონუმენტური, მკაცრი და ამავე დროს ლირიკული, რაც ამ თემას უპრეცედენტო მნიშვნელობას ანიჭებს.

მან განადიდა ადამიანის მიწიერი არსებობა, სულიერი და ფიზიკური ძალების ჰარმონია ვატიკანის სტროფების (ოთახების) ნახატებში (1509-1517), მიაღწია პროპორციის უნაკლო გრძნობას, რიტმს, პროპორციებს, ფერის ევფონიას, ფიგურების ერთიანობას. და არქიტექტურული ფონის სიდიადე. ღვთისმშობლის (“Sistine Madonna”, 1515-19) მრავალი გამოსახულებაა, მხატვრული ანსამბლები ვილა ფარნესინას (1514-18) და ვატიკანის ლოჯიებში (1519, სტუდენტებთან ერთად). პორტრეტებში ის ქმნის რენესანსის კაცის იდეალურ გამოსახულებას (“Baldassare Castiglione”, 1515). დააპროექტა საკათედრო ტაძარი წმ. პეტრემ ააგო რომში სანტა მარია დელ პოპოლოს (1512-20) ეკლესიის ჩიგის სამლოცველო.

რაფაელის მხატვრობა, მისი სტილი, ესთეტიკური პრინციპები ასახავდა ეპოქის მსოფლმხედველობას. მე-16 საუკუნის მესამე ათწლეულისთვის იტალიაში კულტურული და სულიერი მდგომარეობა შეიცვალა. ისტორიულმა რეალობამ გაანადგურა რენესანსული ჰუმანიზმის ილუზიები. აღორძინება დასასრულს უახლოვდებოდა. 5

დასკვნა

რენესანსის დროს გაჩნდა ინტერესი ძველი საბერძნეთისა და რომის ხელოვნებისადმი, რამაც გამოიწვია ცვლილებები ევროპაში, რომელიც აღნიშნავდა შუა საუკუნეების დასასრულს და თანამედროვეობის დასაწყისს. ეს პერიოდი არ იყო მხოლოდ ძველი წარსულის „აღორძინების“ დრო, ეს იყო აღმოჩენებისა და კვლევის დრო, ახალი იდეების დრო. კლასიკური მაგალითები შთააგონებდა ახალ აზროვნებას, განსაკუთრებული ყურადღება დაეთმო ადამიანის პიროვნებას, შესაძლებლობების განვითარებასა და გამოვლენას და არა მათ შეზღუდვებს, რაც დამახასიათებელი იყო შუა საუკუნეებისთვის. ტრენინგი და Სამეცნიერო გამოკვლევააღარ იყო მხოლოდ ეკლესიის საქმე. გაჩნდა ახალი სკოლები და უნივერსიტეტები, ჩატარდა საბუნებისმეტყველო და სამედიცინო ექსპერიმენტები. მხატვრები და მოქანდაკეები თავიანთ ნამუშევრებში იბრძოდნენ ბუნებრიობისთვის, სამყაროსა და ადამიანის რეალისტური რეკრეაციისთვის. შეისწავლეს კლასიკური ქანდაკებები და ადამიანის ანატომია. მხატვრებმა დაიწყეს პერსპექტივის გამოყენება, მიატოვეს ბრტყელი სურათები. ხელოვნების ობიექტები იყო ადამიანის სხეული, კლასიკური და თანამედროვე საგნები, ასევე რელიგიური თემები. იტალიაში ყალიბდებოდა კაპიტალისტური ურთიერთობები და დიპლომატიის გამოყენება დაიწყო ქალაქ-სახელმწიფოებს შორის ურთიერთობების იარაღად. მეცნიერულმა და ტექნოლოგიურმა აღმოჩენებმა, როგორიცაა ბეჭდვის გამოგონება, ხელი შეუწყო ახალი იდეების გავრცელებას. თანდათან ახალმა იდეებმა მოიცვა მთელი ევროპა.

(XIV-XVI/XVII სს.) ... ეს არის დიდი წვლილი ხელოვნებაში რენესანსი.ტიტანებიუმაღლესი რენესანსის ლეონარდო და ვინსიას დასასრულს... მისი უნიკალური წვლილი ეპოქარენესანსის და შექმნა საკუთარი შედევრები. IN კულტურა XV-XVI სს ...

ჯოტოს გარდაცვალებიდან ასი წლის განმავლობაში ფლორენციაში მასზე ნიჭიერი არც ერთი ხელოვანი არ ყოფილა. მომდევნო ოსტატთაგან საუკეთესოებმა იცოდნენ თავიანთი არასრულფასოვნების შესახებ, მაგრამ ვერ ხედავდნენ სხვა გზას, გარდა ჯოტოს ინტენსიური კოპირებისა და დამახინჯებისა. ჯოტო თავის დროზე უსწრებდა და მხოლოდ ასი წლის შემდეგ კიდევ ერთმა ფლორენციელმა - მასაჩომ (1401-1428) ხელოვნება კიდევ უფრო მაღალ დონეზე აიყვანა.

ათ წელზე ნაკლები შემოქმედება მას ბედმა დაუთმო. მაგრამ ამ მოკლე დროშიც კი მან მოახერხა, მისი თანამედროვეების თქმით, "ნამდვილი რევოლუცია ფერწერაში". ფლორენციაში მან დახატა ორი უდიდესი ტაძარი - სანტა მარია ნოველას ეკლესია და ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში.

ჯოტოს მემკვიდრე, მასაჩიო ყოველთვის ცდილობდა სივრცის აგებას პერსპექტივის კანონების მიხედვით, თვითმფრინავზე რეალური მოცულობების გადმოცემით. მაგრამ მისი ინოვაცია მხოლოდ პერსპექტივის განვითარებით არ შემოიფარგლებოდა. მას იზიდავდა მიმდებარე სამყაროს სურათი, ბუნებრივი ბუნების იმიტაცია. ხელოვნებათმცოდნე A.K. Dzhivelegov აღნიშნავდა მისი ნამუშევრების ინოვაციურ ხასიათს: „ხატვა მასაჩომდე და ხატვა მასაჩიოს შემდეგ არის ორი სრულიად განსხვავებული რამ, ორი განსხვავებული ეპოქა. ჯოტომ აღმოაჩინა ადამიანისა და ბრბოს შეგრძნებების გადაცემის საიდუმლო. მასაჩომ ასწავლა ადამიანისა და ბუნების გამოსახვა... მან სრულიად გათავისუფლდა სტილიზაციისგან. მთები აღარ არის წვეტიანი, რაფაზე კენჭები, არამედ ნამდვილი მთები. ისინი ან იღებენ აპენინის ნაპირების რბილ კონტურებს... ან ვითარდებიან მკაცრ კლდოვან პეიზაჟად... მიწა, რომელზეც ადამიანები დგანან, არის ნამდვილი თვითმფრინავი, რომელზედაც რეალურად შეიძლება დგომა და რომელსაც თვალი ადევნებს თვალს. ფონი. ხეები და საერთოდ მცენარეულობა აღარ არის საყრდენი, ხან სტილიზებული, ხან უბრალოდ გამოგონილი, არამედ თავად ბუნება... თუ სურათზე გამოჩენილმა ადამიანებმა გადაწყვიტეს სახლებში შესვლა, ეს არანაირ უხერხულობას არ შეუქმნის: ისინი სახურავებს არ არღვევენ. თავით არ დაამტვრევენ კედლებს მხრებით დაიშლება. მასაჩომ დაიწყო ყურება, თუ როგორ ხდებოდა ყველაფერი სინამდვილეში. შემდეგ ჩვეულებრივი პოზები, არაბუნებრივი ფაქტები და ფიქტიური პეიზაჟი ბუნებრივად გაქრა“.

მასაჩიოს ნახატების მთავარი თემა იყო მოციქულთა, იესო ქრისტეს ცხოვრება და საქმეები და სამყაროს შექმნის სცენები. ეს არის ფრესკები "ადამის და ევას განდევნა სამოთხიდან" (1427-1428) [დანართი 3] და "სტატირის სასწაული" (1427-1428) [დანართი 4] სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში. მასაჩიოს ერთ-ერთი ადრეული ნახატი, მადონა და ბავშვი ანგელოზებთან ერთად [დანართი 5], ჩაფიქრებული იყო, როგორც სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიის დიდი საკურთხევლის ცენტრალური ნაწილი. ღრმა ნიშში მოთავსებულ მაღალ ტახტზე მარიამი ბავშვით ხელში ზის. ოქროს ფონი, თავებზე ჰალოები და მოქცეული ტანსაცმელი განსაკუთრებულ საზეიმო იერს ანიჭებს გამოსახულებას. მხატვრული გადაწყვეტის სიახლე სურათზე თვალშისაცემია. მე-15 საუკუნის არცერთი ოსტატი. სივრცის სიღრმის გადმოცემაში ასეთ სიცხადეს ვერ იპოვით, „მიღწეულია ტახტის ზომის გეომეტრიულად ზუსტი შემცირების წყალობით. ფიგურები ბუნებრივად ჯდება არქიტექტურულ სივრცეში გოთური თაღით და ტახტის კლასიკური სვეტებით.

„სამება“ [დანართი 6] არის მასაჩიოს ერთ-ერთი ბოლო და სრულყოფილი ქმნილება, რომელშიც შემოთავაზებული იყო ძველი აღთქმის სამების სიუჟეტის სრულიად ახალი ინტერპრეტაცია. სამგანზომილებიან სივრცეში მხატვარი აჩვენებს მამა ღმერთის, ქრისტეს და სულიწმიდის რეალურ ფიგურებს, რომლებიც სიმბოლურად განასახიერებს ადამიანის გონების მიერ შექმნილ სამყაროს გამოსახულებას. სინათლისა და ჩრდილების განაწილების უნარით, მკაფიო სივრცითი კომპოზიციის შექმნისას, ფიგურების მოცულობითა და ხელშესახებობით, მასაჩიო მრავალი თვალსაზრისით აღემატება თავის თანამედროვეებს. ქრისტეს შიშველი სხეულის ჩვენებით, ის ანიჭებს მას იდეალურ, გმირულ თვისებებს, ამაღლებს მის ძალასა და სილამაზეს და ადიდებს ადამიანის სულის ძალას. სამლოცველოს შიგნით, ჯვრის ძირში დგანან ღვთისმშობელი და იოანე მოციქული. ქრისტეს დედის სახე, ჩვეულ სილამაზეს მოკლებული, მნახველისკენ არის მოქცეული. როგორც ღმერთსა და ადამიანს შორის დამაკავშირებელი, იგი ხელის შეკავებული ჟესტით მიუთითებს ჯვარცმულ ძეზე. ამ ზოგადად სტატიკურ კომპოზიციაში მარიამის ჟესტი არის ერთადერთი მოძრაობა, რომელიც სიმბოლურად აწყობს სივრცეს. თაღის წინ, სამლოცველოს შესასვლელთან, პროფილში გამოსახულია მუხლმოდრეკილი მამაკაცი და ქალი - ეკლესიისთვის ნახატების კლიენტები.

მასაჩიოს მხატვრული ერთიანობა, ისევე როგორც დიდი ჯოტოს, ახალი იტალიური ფერწერის ფუძემდებელის, არ იყო იდენტური რეალური რეალობისა, მაგრამ წარმოადგენდა მასზე უფრო მაღალს, რაც არ უნდა იყოს ამ რეალობის ასლი. ეს ფენომენი უფრო ნათელი ხდება ცალკეული ფიგურების გამოსახულების გაანალიზებისას, ვიდრე მთლიანი კომპოზიცია. და ბრანკაჩის სამლოცველოს ფრესკები ამ მხრივ ყველაზე მეტად აისახება ახალი ერა. გიგანტური უფსკრული გამოყოფს ქრისტესა და მისი მოწაფეების მძლავრ ფიგურებს მოხდენილი კოსტუმირებული თოჯინებიდან უშუალოდ წინა პერიოდის ნამუშევრებიდან. გაქრა არა მხოლოდ ძვირფასი მოდა და გასართობი დეტალები, არამედ მაყურებელზე გავლენის მოხდენის ყველა მცდელობა რეალობიდან აღებული რეალური საგნების წარმოდგენის გზით: ფრესკა ასახავს მარადიულ, მარადიულ ადამიანურ არსებობას, რომელიც ჩვენს წინაშე ჩნდება ისევე, როგორც ჯოტო და ისევ - სრულიად განსხვავებული მისი. ეს განსხვავება ჩვეულებრივ განისაზღვრება, როგორც ფორმის განსხვავებული გრძნობა. რაც ჩანს მასაჩიოს ფრესკებში არის ტიპიურობა, ამაღლებული ბუნების ინტენსიური შესწავლით. რეალური ფორმები, რომლებიც ემყარება ძველ იკონოგრაფიულ სქემებს, იმდენად გამდიდრებული აღმოჩნდა ახალი ცოდნით, რომ ისინი უკვე მკვდარი ფორმულები კი არ არიან, არამედ ცოცხალ ადამიანებს. შორს გვიან ტრეჩენტოს პერიოდის სუსტი და მოხდენილი გამოსახულებებისგან, რომლებიც გამოსახული იყო ცოცხალი მოძრაობით, ეს ფიგურები გვახსენებს ჯოტოს ძლიერ პერსონაჟებს. ისევე, როგორც ძველ ხელოვნებაში, აქაც სხეულის სიმძიმისა და უსიცოცხლოობის დაძლევა ხდება დახმარებით სასიცოცხლო ენერგიადა ეს ბალანსი ემსახურება როგორც ფორმის ახალი გრძნობის წყაროს და წყაროს იმისა, რაც უნდა იყოს ადამიანის ფიგურის მხატვრული გამოსახვის ყველაზე მნიშვნელოვანი შინაარსი. და ამავე დროს, ეს არის გოთიკის დაძლევა.

მასაჩიოს გმირები ჯოტოსთან შედარებით ბევრად დამოუკიდებლები არიან, ამიტომ ისინი სავსეა ადამიანის ღირსების ახალი გაგებით, რაც გამოიხატება მთელ მათ გარეგნობაში. ეს გაგება ეფუძნება გარკვეული სულიერი ძალის ასახვას, ის ასევე ეფუძნება მასაჩიოს გმირების საკუთარი ძალისა და ნების თავისუფლების გაცნობიერებას. ამაში მდგომარეობს მათი ზოგიერთი იზოლაციის მომენტი. რამდენადაც ყველა ეს პერსონაჟი მონაწილეობს წმინდა ისტორიაგამოსახულ მოვლენებში ისინი მაინც ხასიათდებიან არა მხოლოდ ამ მოვლენებთან ურთიერთობით, არამედ საკუთარი ინდივიდუალური მნიშვნელობითაც, რაც მათ ანიჭებს საზეიმო ხასიათს. მაგრამ ეს იზოლაცია ცალკეული ფიგურების კომპოზიციურ როლშიც გამოიხატება. ჯოტომ ცალკეულ ფიგურებად დაყო ღონისძიების მონაწილეთა ტრადიციული შუა საუკუნეების მასობრივი ჯგუფი; მასაჩიოში, პირიქით, ჯგუფები აგებულია ცალკეული, სრულიად დამოუკიდებელი ფიგურებისგან. თითოეული ეს ფიგურა, როგორც ჩანს, აბსოლუტურად თავისუფალია თავისი პოზიციით სივრცეში და პლასტიკური მოცულობით. მთელი მხატვრული პროცესი მასაჩიოში განსხვავებულად მიმდინარეობს, ვიდრე მის წინა პერიოდის ხელოვნებაში. ჯოტო, ისევე როგორც შუა საუკუნეების მხატვრები, თავის კომპოზიციებში იწყება ზოგადი კონცეფციიდან, რომელშიც ცალკეულ ფიგურებს ენიჭებათ შინაარსისა და ფორმის გარკვეული ფუნქციები, რომლებიც განსაზღვრავს მათ ხასიათს. მასაჩიოს კომპოზიციები დაჯილდოებულია განსაკუთრებული ორიგინალურობით - ახასიათებს ის ფაქტი, რომ ფიგურებისა და სივრცითი გარემოს გამოსახვის ყველა მიღწევის მიუხედავად, მათი კავშირი ერთმანეთთან უფრო მჭიდრო კი არ ყოფილა, ვიდრე ადრე, არამედ, პირიქით, შესუსტდა. .

სივრცის ლანდშაფტის სეგმენტის გამოსახვა უფრო მეტად შეესაბამება სენსორულ გამოცდილებას. ტრესენტოს პერიოდში პერსპექტივის ეს შემთხვევითი მიღწევები შეიცვალა პერსპექტივის უნივერსალური და უფრო ზუსტი სისტემით. ჯოტოში ყველაფერი - სივრცეც და ფიგურებიც - ერთი ნაწილისგან შედგება და ერთგვარ ერთიანობად არის აგებული, აქ სიბრტყე და სივრცე განუყოფლად არის გადაჯაჭვული. ამ აბსოლუტურ ერთიანობას, რომელიც მოიცავს კომპოზიციის ყველა ელემენტს და ქმნის ნაწარმოების მყარ სტრუქტურას, მასაციო (და მით უმეტეს მისი მიმდევრები) გარკვეულწილად პირობითი კავშირებით ცვლის. ეს ჩანს გამოსახულების სამ სცენად დაყოფით. შედეგად წარმოიქმნება ფიგურისა და სივრცის დუალიზმი. ეს დუალიზმი კიდევ უფრო თვალშისაცემია კვატროჩენტოს პერიოდის გვიანდელ ოსტატებში, ვიდრე მასაჩიოში, რომლებშიც ჯოტისეული კომპოზიცია გარკვეულწილად უფრო ძლიერად იგრძნობა; მოგვიანებით ოსტატებში ეს დუალიზმი იწვევს ლანდშაფტის ფონის და ფიგურების სიბრტყეში დაპირისპირებას. ეს დუალიზმი ემყარება იმ ფაქტს, რომ სხეული და სივრცე ვიზუალური საშუალებების ცალკეულ კომპლექსებად გვევლინება. შედეგად, ნახატები ხდება სივრცისა და ცალკეული ფიგურების ერთობლიობა, ხოლო ფიგურებს, როგორც ამ რთული ერთიანობის უმნიშვნელოვანეს კომპონენტს, აქვთ უპირატესობა.

ამ ფაქტის გარეშე შეუძლებელია კვატროცენტოს პერიოდში ხელოვნების განვითარების ბუნების გაგება. მეთხუთმეტე საუკუნის განმავლობაში კომპოზიციური წესები უმნიშვნელოდ იცვლება - შესაბამისად, კომპოზიციების ძალიან ცოტა ჩანახატია შემორჩენილი - მაგრამ ფიგურების გამოსახულებაში და სივრცის ასახვაში უწყვეტი ინტენსიური პროგრესია, რაც დასტურდება არა მხოლოდ დასრულებული სამუშაოებით, არამედ. ბევრად უფრო - მრავალრიცხოვანი ჩანახატები და ნახატები. აღორძინების ეპოქის დიდი აქტი არ იყო სწორედ „სამყაროსა და ადამიანის აღმოჩენა“, არამედ მატერიალური კანონების აღმოჩენა. ამ აღმოჩენის საფუძველზე, რომელიც მჭიდრო კავშირშია სამყაროს უძველეს გაგებასთან, ხელოვნების მთელი შემდგომი განვითარების მნიშვნელობა და შინაარსი ახლა მდგომარეობს გამოსახულების ახლებური გაგებისა და სამყაროს ახალი დაპყრობის ამოცანაში. ადამიანის, როგორც ყველაზე მნიშვნელოვანი და პასუხისმგებელი კომპლექსის გამოსახვა მხატვრული ინტერესების წინა პლანზე უნდა გამოსულიყო და სწორედ ამ სფეროში შეიმჩნევა ახალი სტილის შემდგომი გაუმჯობესება. რა ხანმოკლეა ის პერიოდი, როდესაც მასაჩიოს ცხოვრებამ მას საშუალება მისცა შეექმნა ფრესკები ბრანკაჩის სამლოცველოში, იმდენად დიდია ამ პერიოდში მიღწეული პროგრესი.

ვიწრო ფრესკაში „წმინდა პეტრე კურნავს თავისი ჩრდილით“ [დანართი 7] ფიქრებში ჩაძირული პეტრე წმინდა იოანეს თანხლებით გადის ღარიბთა კვარტალში და მისი ჩრდილი კურნავს კედელთან მდებარე ავადმყოფებს. სახლის. ავადმყოფის ემოცია - იგი წარმოდგენილია სხვადასხვა ფერებში, დიზაინით ისეთივე ლამაზია, როგორც წმინდანის დიდებული სიარული. წმინდანის სამოსი - ისევე როგორც ჯოტოს - ჯერ კიდევ მიწას ეხება, რასაც, თუმცა მასაჩიო ჩვეულებრივ ერიდებოდა. უფრო მკაფიოდ დაახასიათოს დასვენებისა და მოძრაობის მოტივები. მაგრამ ჩანთა ტანსაცმელი, როდესაც გამოსახულია მხოლოდ იშვიათი ნაკეცებით დიდი თვითმფრინავების საზღვრებში, ქმნის პლასტმასის ანიმაციას, მოგვაგონებს ჯოტოს. გვიანი ტრეჩენტოს ხელოვნების რეალიზმის ნიშნები ასევე გვხვდება მეორე სცენაში, სადაც გამოსახულია წმინდანები პეტრე და იოანე მოწყალების განაწილებისას. ამჯერად ქალაქის გარეუბნებია გამოსახული: აქ მთავრდება ქუჩები, მინდორს კი მხოლოდ რამდენიმე შენობა უსწრებს წინ. ღარიბები აქ შეიკრიბნენ წმინდანთაგან მოკრძალებული საჩუქრების მისაღებად. მსგავსი არაფერი, რა თქმა უნდა, არასდროს მომხდარა იტალიურ მხატვრობაში: მათი სიდიადე და თავისუფალი სტილის წყალობით, ისინი წააგავს კლასიკურ ჩაცმულ ფიგურებს და მიუთითებს იმაზე, რომ ტანსაცმლის ბუნებრივ ფუნქციებში გამოსახვის სურვილმა მხატვარი მიიყვანა არა მხოლოდ უძველესი მოდელების მიბაძვამდე. , არამედ ანტიკვარული ტანსაცმლის მხატვრული მნიშვნელობის გასაგებად. და არა მარტო ეს სიდიადე, არამედ მშვენიერებისა და სრულყოფილების ფუძემდებლური ცნებაც - ამას გვასწავლის ზემოთ აღწერილი ფრესკა, რომელიც წმინდა პეტრეს ასახავს ნათლობის რიტუალს. ეს მოვლენა ხდება უკაცრიელ მთიან მხარეში, რომლის ძლიერი ფორმები ხაზს უსვამს სცენის მნიშვნელობას. მოქცეულნი ნახევარწრიულად შეიკრიბნენ წმინდანის მახლობლად და აგრძელებდნენ წყალში დაჩოქილი კაცის მონათვლას. უკვე მთელი მეთხუთმეტე საუკუნე აღფრთოვანებული იყო შიშველი ჭაბუკის ფიგურით, თითქოს სიცივისგან კანკალებდა, ნათლობის მოწმეთა შორის - მაგრამ წმინდა პეტრესა და მუხლმოდრეკილი კაცის ჯგუფი მეტ ყურადღებას იმსახურებს. ჯოტომ „ქრისტეს ნათლობაში“ [დანართი 8] შიშველი მაცხოვარი გამოსახა: ფეხზე მდგომი გაფითრებული კაცის ფიგურა; მასაჩიოს ფრესკაში, მშვენიერი მამაკაცის სხეული ხელახლა იქნა შემოტანილი ხელოვნებაში, მაგ ანტიკური ქანდაკება, დაინერგა სხეულის სილამაზისა და სრულყოფილების კლასიკური იდეალი. როგორც ჩანს, მასაჩიომ სხეულის გამოსახვისას გამოიყენა უძველესი მოდელი - და მაინც, გარკვეული წინააღმდეგობების მიუხედავად, რომლებიც შესამჩნევი ხდება მხოლოდ ფრთხილად შესწავლის შემდეგ, მთელი დაჩოქილი ფიგურა მთლიანობაში აღიქმება, როგორც თავისუფალი კონკურენცია შიშველი სხეულის უძველეს გამოსახულებასთან. თანაბარი ძალებით ასეთ კონკურენციაში შესვლა მაინც აკლდა - და ამას მოწმობს "სამოთხიდან განდევნა" [დანართი 3] - ცოცხალი ორგანიზმის ზუსტი ცოდნა. ადამიანების მძიმე, უიმედო სიარული, რომლებიც ტოვებენ თავიანთ დაკარგულ ნეტარებას ჭიშკარს მიღმა, მოუხერხებელი ჩანს; ამ შეზღუდვის გადალახვა იყო პრობლემა, რომელიც უნდა გადაჭრილიყო. მასაჩომ ადამიანის სხეულის ანატომიის ცოდნა ბუნებასთან მუშაობით და კლასიკური ქანდაკების ნამუშევრების შესწავლით შეიძინა; თავის შემოქმედებაში მან მიატოვა გოთური ხელოვნების თანდაყოლილი დეკორატიულობა და პირობითობა. ფიგურები, რომელთა სამგანზომილებიანობა გადმოცემულია მძლავრი ჭრის მოდელირების საშუალებით, მასშტაბით არის კორელირებული მიმდებარე ლანდშაფტთან, დახატული მსუბუქი ჰაერის პერსპექტივის გათვალისწინებით.

ამრიგად, შეგვიძლია დავასკვნათ, რომ მასაჩიო იყო დიდი ოსტატი, რომელსაც ესმოდა მხატვრობის არსი, იგი უაღრესად დაჯილდოებული იყო მხატვრულ გამოსახულებებში ტაქტილური ღირებულების გადმოცემის უნარით.

მასაჩიო იყო ჯოტოს ღირსეული მემკვიდრე, რომლის ხელოვნებაც კარგად იცოდა და ყურადღებით შეისწავლა. ჯოტომ გააცნო მას მონუმენტური ფორმები, ასწავლა გამოესახა ის, რაც არის მნიშვნელოვანი და მნიშვნელოვანი მაღალი მხატვრული ერთიანობის თვალსაზრისით. მასაჩიოს ხელოვნება შეიცავს ახალი რენესანსული მხატვრობის მთელ პროგრამას - ადამიანი, როგორც სამყაროს ცენტრი.

ჯოტოსგან განსხვავებით, მასაჩიოს შემოქმედების დამახასიათებელი თვისება ბუნების უფრო ზუსტი შესწავლაა. მან ასევე პირველმა გამოსახა შიშველი სხეული მხატვრობაში და ადამიანს გმირულ თვისებებს ანიჭებს. უფრო გვიანდელ მხატვრობაში შეგიძლიათ იპოვოთ დეტალების უფრო დიდი სრულყოფილება, მაგრამ მას არ ექნება იგივე რეალიზმი, ძალა და დამაჯერებლობა. მასაჩომ ადამიანის სხეულის ანატომიის ცოდნა ბუნებასთან მუშაობით და კლასიკური ქანდაკების ნამუშევრების შესწავლით შეიძინა; თავის შემოქმედებაში მან მიატოვა გოთური ხელოვნების თანდაყოლილი დეკორატიულობა და პირობითობა.

Masaccio-ს ახასიათებს რაციონალური, სამგანზომილებიანი სივრცე, რომელიც აგებულია პერსპექტივის წესების მიხედვით, ფორმის სინათლისა და ჩრდილის დამუშავება, რაც მას ამოზნექილს და მოცულობითს ხდის და ფერის საშუალებით ფორმის გაძლიერებული პლასტიურობა. ფიგურები, რომელთა სამგანზომილებიანობა გადმოცემულია მძლავრი ჭრის მოდელირების საშუალებით, მასშტაბით არის კორელირებული მიმდებარე ლანდშაფტთან, დახატული მსუბუქი ჰაერის პერსპექტივის გათვალისწინებით.

მასაჩიო იყო დიდი ოსტატი, რომელსაც ესმოდა მხატვრობის არსი, მას უაღრესად განათებული ჰქონდა მხატვრულ გამოსახულებებში ტაქტილური ღირებულების გადმოცემის უნარი. მხატვრის კონცეფცია გამოიხატება მისი ერთ-ერთი თანამედროვეს განცხადებით: ფრესკა ან ნახატი არის ფანჯარა, რომლითაც ჩვენ ვხედავთ სამყაროს.

დასკვნა

აღორძინების ეპოქაში მოსალოდნელი იყო, რომ მხატვრობა ასახავდა ახალ ადამიანებს, რომლებიც განკუთვნილი იყო დიდი მიზნებისთვის. ისტორიკოსების ყურადღების ობიექტი კვლავაც რჩება რენესანსის კულტურის ერთ-ერთი მთავარი ცენტრი - ფლორენცია. ყოველივე ამის შემდეგ, აქ, უფრო ადრე, ვიდრე სხვა ქალაქ-სახელმწიფოებში, ჩამოყალიბდა კულტურული ეპოქების შეცვლის წინაპირობები, დაიბადა რენესანსის ჰუმანისტური იდეები და მწერლებმა, მხატვრებმა, არქიტექტორებმა და მოქანდაკეებმა შექმნეს თავიანთი უდიდესი ქმნილებები. და მის შიგნით, სოციალური ცხოვრება უჩვეულო ინტენსივობით პულსირებდა, იზიდავდა თითქმის მთელი ზრდასრული მამრობითი სქესის მოსახლეობა, ვისთვისაც განათლების, აღზრდისა და კულტურის საზრუნავი არ იყო უმნიშვნელოვანესი.

იტალიის რენესანსის კულტურის იდეოლოგიურ პრინციპებზე გავლენა იქონია ქალაქის ცხოვრების ფსიქოლოგიურ კლიმატზე. საერო ორიენტირებულ სავაჭრო მორალში დაიწყო ახალი მაქსიმების გაბატონება - ადამიანური საქმიანობის იდეალი, ენერგიული პიროვნული ძალისხმევა, რომლის გარეშეც შეუძლებელი იყო პროფესიული წარმატების მიღწევა და ამან ეტაპობრივად განაპირობა საეკლესიო ასკეტური ეთიკა, რომელიც მკვეთრად დაგმო შეგროვების სურვილი. ქვედა ურბანული გარემო იყო ყველაზე კონსერვატიული; სწორედ იქ იყო მყარად დაცული ხალხური შუა საუკუნეების კულტურის ტრადიციები, რამაც გარკვეული გავლენა მოახდინა რენესანსის კულტურაზე.

ჯოტოს ინოვაცია გამოიხატა მისი შემოქმედების სამ ძირითად მახასიათებელში, რომლის განვითარებაც მისმა მიმდევრებმა განაგრძეს. ერთის მხრივ, გაუმჯობესდა ხაზების სილამაზე, გამოიყენებოდა ფერების სხვადასხვა შერწყმა. მეორე მხრივ, ნარატიულ ელემენტს დიდი მნიშვნელობა ენიჭება. ასევე, ცხოვრებიდან ნასესხები ფიგურები და სცენები ასოცირდება მთლიანის პოეტურ გაგებასთან და, შესაბამისად, ამ წყაროდან მომდინარეობს მრავალი რეალისტური მოტივი, როგორიცაა ბუნების გამოსახვის სიმართლე და ა. . ჯოტოსთვის მოძრაობისა და მოქმედების იმიჯი მნიშვნელოვანია. ფიგურების დაჯგუფება და მათი ჟესტები მთლიანად ექვემდებარება გამოსახულის მნიშვნელობას. ხაზით და ქიაროსკუროთი, რომელიც გამოხატავს მოვლენის სრულ მნიშვნელობას, ცისკენ ან ქვევით მობრუნებული მზერით, ჟესტებით, რომლებიც ლაპარაკობენ სიტყვების გარეშე, ფერწერის უმარტივეს ტექნიკაზე დაფუძნებული, ანატომიის ცოდნის გარეშე, ჯოტო იძლევა მოძრაობის იმიჯს.

მასაჩიო ჯოტოს ჰგავს, მაგრამ ჯოტოს, რომელიც ერთი საუკუნის შემდეგ დაიბადა და ხელსაყრელ მხატვრულ პირობებში აღმოჩნდა. მან ფლორენციულ მხატვრობას აჩვენა გზა, რომელსაც იგი მიჰყვებოდა დაცემამდე. ეს გზა მდგომარეობს სინათლისა და ჩრდილების განაწილების უნარში, მკაფიო სივრცითი კომპოზიციის შექმნაში, იმ ძალით, რომლითაც ის გადმოსცემს მოცულობას, მასაჩიო ბევრად აღემატება ჯოტოს. უფრო გვიანდელ მხატვრობაში შეგიძლიათ იპოვოთ დეტალების უფრო დიდი სრულყოფილება, მაგრამ მას არ ექნება იგივე რეალიზმი, ძალა და დამაჯერებლობა.

მასაჩომ გადადგა შემდეგი გადამწყვეტი ნაბიჯი ჯოტოს შემდეგ ადამიანის კოლექტიური იმიჯის შესაქმნელად, რომელიც ახლა განთავისუფლდა რელიგიური და ეთიკური საფუძვლებისგან და გამსჭვალული ახალი, ჭეშმარიტად სეკულარული მსოფლმხედველობით. მან გამოიყენა კიაროსკუროს შესაძლებლობები, პლასტიკური ფორმის მოდელირება, ახლებურად.

ზოგადად, რენესანსის ფენომენი არის ძალიან მრავალმხრივი ფენომენი ევროპის კულტურულ განვითარებაში, რომლის ბირთვი იყო ახალი მსოფლმხედველობა, ადამიანის ახალი თვითშეგნება. ამ პერიოდში ხელოვნება ისეთივე სწრაფად განვითარდა, როგორც არასდროს განვითარებულა. თითოეული მხატვარი ამ პერიოდის მხატვრობის განვითარებას რაღაც თავისებურს, თავის უნიკალურ თვისებას ამატებს. მაშასადამე, შორეულ ეპოქაში შექმნილი ხელოვნების დიდი ნიმუშები არათუ არ კარგავენ აზრს, არამედ იძენენ ახალ ჩრდილებს მათი შინაარსისა და მორალური და ეთიკური საკითხების გაგებაში. თანამედროვეობის პერსპექტივიდან გააზრებული მხატვრული ფორმები და მათში შემავალი უნივერსალური ადამიანური ღირებულებები ყოველთვის გვაღელვებს.

ბიბლიოგრაფია:

არგანის დის. კ. იტალიური ხელოვნების ისტორია ტრანს. მასთან ერთად. 2 ვ. მეცნიერების ქვეშ რედ. ვ.დ. დაისინა - მ,: გამომცემლობა. ცისარტყელა, 1990.- 319 გვ.

ბერესტოვსკაია დ.ს. რენესანსის მხატვრული კულტურა. - სიმფ., 2002.- 143გვ.

ბერნსონ ბ. იტალიური რენესანსის მხატვრები, თარგმანი. ინგლისურიდან ბელუსოვა ნ.ა., ტეპლიაკოვა ი.პ. – მ. რედ. B.S.G.-Press, 2006.-

ბრაგინა ლ.მ. იტალიური ჰუმანიზმი- მ.: უმაღლესი. სკოლა, 1977.- 252გვ.

Burkhard J. იტალიის კულტურა რენესანსის დროს.

გუკოვსკი მ.ა. იტალიური რენესანსი. - ლ.: ლენინგრადის სახელმწიფო უნივერსიტეტი, 1990.-618 გვ.

დვორაკ მ., იტალიური ხელოვნების ისტორია რენესანსის დროს. T.1. – მ.: გამომცემლობა. ხელოვნება, 1971. – 392გვ.

დიმიტრიევა I.A., Მოკლე ისტორიახელოვნება – მ.: გამომცემლობა. Ხელოვნება. – 1991. – 318გვ.

ლაზარევი V.N., ხელოვნების ზოგადი ისტორია. - T. 3. - M.: გამომცემლობა. ხელოვნება - 1962. – 510გვ.

ლაზარევი ვ.ნ. ადრეული რენესანსის დასაწყისი იტალიურ ხელოვნებაში. - მ.: გამომცემლობა. ხელოვნება, 1979. – 200გვ.

Longhi R., Cimabue-დან Morandi-მდე. – მ.: გამომცემლობა. Ცისარტყელა. – 1984. – 352გვ.

ნესელშტრაუს გ.ც., ხელოვნების ისტორია უცხო ქვეყნებში. Შუა საუკუნეები. აღორძინება. – მ.: გამომცემლობა. ხელოვნება, 1982. – 418გვ.

სტეპანოვი A.V., რენესანსის ხელოვნება. იტალია XIV-XV სს. – SPb.: გამომცემლობა. ABC არის კლასიკა. – 2003. – 500გვ.

როტენბერგი ე.ი. იტალიის ხელოვნება. ცენტრალური იტალიარენესანსის დროს.-მ., 1974. – 310გვ.

დანართი 1. ჯოტო „იუდას კოცნა“.

ფრესკა.

დანართი 2. ჯოტო „ქრისტეს გოდება“

ფრესკა.
Scrovegni Chapel (Capella del Arena), პადუა

დანართი 3. Masaccio „ადამისა და ევას განდევნა სამოთხიდან“.

ფრესკა.

დანართი 4. მასაჩიო „სტატერის სასწაული“

ფრესკა.
სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია (ბრანკაჩის სამლოცველო), ფლორენცია

www.school.edu.ru

დანართი 5. მასაჩიო „მადონა და ბავშვი და ანგელოზები“

ხე, ტემპერა.
ეროვნული გალერეა, ლონდონი

www.school.edu.ru

დანართი 6. Masaccio “Trinity”

ფრესკა.
სანტა მარია ნოველას ეკლესია, ფლორენცია

www.school.edu.ru

დანართი 7. მასაჩიო „წმინდა პეტრე კურნავს თავისი ჩრდილით“

ფრესკა.
სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია (ბრანკაჩის სამლოცველო), ფლორენცია

www.school.edu.ru

დანართი 8. ჯოტო „ქრისტეს ნათლობა“

ფრესკა.
Scrovegni Chapel (Capella del Arena), პადუა

www.school.edu.ru

1. Ხელოვნებაეპოქა რენესანსი (4)

   რეზიუმე >> კულტურა და ხელოვნება

   რეზიუმე თემაზე: ” Ხელოვნებაეპოქა რენესანსი"ასრულებს ეკ-... -XIII – XIII-XIV სს. ჯგუფის მოსწავლის მიერ), Ადრე რენესანსი(Quattrocento XIV-XV სს.), მაღალი... სიურეალისტები. ჩრდილოეთის უდიდესი ოსტატი რენესანსივიზუალურ ხელოვნებაში ხელოვნებაალბრეხტ დიურერი იყო. ...

2. ეპოქის კულტურა რენესანსირენესანსი

   ტესტი >> კულტურა და ხელოვნება

   ჯოვანი პისანო. დასაწყისამდე ᲮᲔᲚᲝᲕᲜᲔᲑᲐ ᲐᲓᲠᲔ აღორძინებამე-15 საუკუნის პირველ ათწლეულებში ხელოვნებაიტალიაში არის გადამწყვეტი... თითქმის პორტრეტი. ეს ტიპიური თვისება ხელოვნება ადრე რენესანსი, გამოწვეული მხატვრის სურვილით განთავისუფლდეს...

3. ეპოქის კულტურა რენესანსი XIV-XVI XVII სს.

   რეზიუმე >> კულტურა და ხელოვნება

   ... ხელოვნება Ადრე რენესანსიიყო რთული, წინააღმდეგობრივი და ამ წინააღმდეგობამ მიიყვანა იგი წინ. IN ხელოვნება Ადრე რენესანსი, ... გაუმჯობესებული ზეთის ტექნოლოგია.ვენეციური ხელოვნებაასრულებს განვითარებას ხელოვნება ადრე

ყველამ იცის, რომ იტალია იყო რენესანსის მთელი პერიოდის გული. სიტყვის, ფუნჯის და ფილოსოფიური აზროვნების დიდი ოსტატები, რომლებიც გამოჩნდნენ იტალიის თითოეულ კულტურაში, აჩვენებს ტრადიციების გაჩენას, რომლებიც განვითარდებოდა შემდგომ საუკუნეებში, ეს პერიოდი გახდა საწყისი წერტილი, დასაწყისი. დიდი ეპოქაშემოქმედების განვითარება ევროპაში.

მოკლედ მთავარის შესახებ

ადრეული რენესანსის ხელოვნება იტალიაში მოიცავს პერიოდს დაახლოებით 1420-დან 1500 წლამდე, რაც წინ უძღოდა და კულმინაციას უწევდა პროტო-რენესანსს. როგორც ნებისმიერ გარდამავალ პერიოდს, ამ ოთხმოც წელსაც ახასიათებს როგორც მათ წინამორბედი, ისე ახალი იდეები, რომლებიც, მიუხედავად ამისა, ნასესხები იყო შორეული წარსულიდან, კლასიკებიდან. თანდათანობით, შემქმნელებმა თავი დააღწიეს შუა საუკუნეების ცნებებს და ყურადღება მიაქციეს ძველ ხელოვნებას.

თუმცა, იმისდა მიუხედავად, რომ უმეტესწილად ისინი ცდილობდნენ მივიწყებული ხელოვნების იდეალებს დაუბრუნდნენ, როგორც ზოგადად, ისე კონკრეტულად, უძველესი ტრადიციები მაინც გადახლართული იყო ახალთან, მაგრამ გაცილებით ნაკლებად.

იტალიის არქიტექტურა ადრეული რენესანსის დროს

ამ პერიოდის არქიტექტურაში მთავარი სახელი, რა თქმა უნდა, ფილიპო ბრუნელესკია. ის გახდა რენესანსის არქიტექტურის პერსონიფიკაცია, ორგანულად განასახიერა მისი იდეები, მან მოახერხა პროექტების გადაქცევა რაღაც მომხიბვლელად და, სხვათა შორის, მისი შედევრები დღემდე საგულდაგულოდ არის დაცული მრავალი თაობის განმავლობაში. მისი ერთ-ერთი მთავარი შემოქმედებითი მიღწევებიშენობები ითვლება ფლორენციის ცენტრში, რომელთაგან ყველაზე აღსანიშნავია სანტა მარია დელ ფიორეს ფლორენციული ტაძრის გუმბათი და პიტის სასახლე, რომელიც გახდა ადრეული რენესანსის იტალიური არქიტექტურის საწყისი წერტილი.

Სხვებთან მნიშვნელოვანი მიღწევებიიტალიური რენესანსი ასევე მოიცავს, რომელიც მდებარეობს ვენეციის მთავარ მოედანთან, რომის სასახლეებს ბერნარდო დი ლორენცოს და სხვა. ამ პერიოდის განმავლობაში, იტალიის არქიტექტურა ცდილობს ორგანულად გააერთიანოს შუა საუკუნეებისა და კლასიკის მახასიათებლები, მიისწრაფვის პროპორციების ლოგიკისკენ. ამ განცხადების შესანიშნავი მაგალითია სან ლორენცოს ბაზილიკა, ისევ ფილიპო ბრუნელესკის ხელით. ევროპის სხვა ქვეყნებში ადრეულმა რენესანსმა არ დატოვა თანაბრად ნათელი მაგალითები.

ადრეული რენესანსის მხატვრები

შედეგები

მიუხედავად იმისა, რომ ადრეული რენესანსის კულტურა იტალიაში ერთი და იგივესკენ მიისწრაფვის - კლასიკის ჩვენება ბუნებრიობის პრიზმაში, შემქმნელები მიდიან სხვადასხვა გზაზე და თავიანთ სახელებს ტოვებენ რენესანსის კულტურაში. ბევრი დიდი სახელი ბრწყინვალე შედევრებიდა არა მხოლოდ მხატვრული, არამედ ფილოსოფიური კულტურის სრული გადახედვა - ეს ყველაფერი ჩვენამდე მოგვიტანა იმ პერიოდმა, რომელიც იწინასწარმეტყველა რენესანსის სხვა ეტაპებზე, რომელშიც დამკვიდრებულმა იდეალებმა იპოვეს გაგრძელება.