მე-19 საუკუნის დასაწყისი რუსეთში ასოცირდება ეროვნული და პატრიოტული თვითშეგნების ზრდასთან. ნაპოლეონთან ომმა მოსახლეობაში სამოქალაქო გრძნობების ზრდა გამოიწვია. ხელოვნებაში ეს გამოიხატა ახალი და მოდური იმპერიის სტილში, რომელიც მრავალი თვალსაზრისით კლასიციზმს ჰგავდა და გამოირჩეოდა დიდი პომპეზურობითა და დეკორატიულობით.
შეიქმნა პლასტმასის ფიგურები, რომლებიც ამშვენებს ადმირალის შენობას საუკეთესო წარმომადგენლებიტერებნევის, შჩედრინის, პიმენოვის და დემუტ-მალინოვსკის რუსული ქანდაკება. მრავალი ნიმფა, გმირი და გენიოსი, რომლებიც ამშვენებს შენობის ყველა ფასადს, ფრონტონებსა და ფრიზებს - არა მხოლოდ ამშვენებს, არამედ მოაქვს ღრმა სიმბოლური მნიშვნელობა, უფრო სრულყოფილად ავლენს არქიტექტორის განზრახვას.
დეკორის საუკეთესო ნიმუშები ამშვენებს ბირჟის შენობას და როსტრალური სვეტებივასილიევსკის კუნძულის ისრები. ქანდაკებების შექმნაში მონაწილეობა მიიღეს ფრანგმა ოსტატებმა კემბერლენმა და ტიბომ, მაგრამ ისინი რუსმა ოსტატებმა დაამზადეს, რომლებმაც საფუძვლად მხოლოდ ფრანგული მოდელები აიღეს.
მე-19 საუკუნის დასაწყისში რუსეთის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული მოქანდაკე იყო ივან მარტოსი. ოსტატმა ნამდვილი პოპულარობა მოიპოვა მინინისა და პოჟარსკის ძეგლის შექმნის შემდეგ. გარდა ამ პროგრამული ნაწარმოებისა, მარტოსმა შექმნა არაერთი ლაღი საფლავის ქვა (სობაკინა, კურაკინა, გაგარინა, ვოლკონსკაია). საფლავის ქვების ალეგორიული ფიგურები გაოცებულია მათი რეალიზმით, დეტალების სიზუსტით და ემოციური სიმდიდრით.
დიდი რუსი მეთაურების კუტუზოვისა და ბარკლეი დე ტოლის სკულპტურები ამშვენებს მოედანს სანქტ-პეტერბურგში, ყაზანის ტაძრის წინ. ფიგურების ავტორი ბორის ორლოვსკია. პატრიოტული პათოსი, სიდიადე და გმირობა ამ ნაწარმოებების მთავარი მახასიათებელია. ოსტატი არის ანგელოზის ფიგურის ავტორი ალექსანდრეს სვეტზე სასახლის მოედნის ცენტრში.
მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარი რუსეთში ხასიათდება სახელმწიფოს როლის გაძლიერებით ხელოვნების ნიმუშების შინაარსის განსაზღვრაში. სოციალური თემები სკულპტურაში დაუშვებელი იყო. მხატვრებს შეეძლოთ მხოლოდ თემების შეზღუდულ დიაპაზონზე მუშაობა. მაგრამ ამ ვიწრო პირობებშიც კი ოსტატებმა ნამდვილი შედევრები შექმნეს.
პიმენოვისა და ლოგანოვსკის ჟანრული ნამუშევრები, რომლებიც ამშვენებს დარბაზებს, სავსეა დრამატულობითა და ემოციური ექსპრესიულობით ("ბიჭი უკრავს მუხლებს", "ბიჭი თამაშობს წყობას"). სტავასერის ნამუშევარი „ბიჭის თევზაობა“ დახვეწილი ლირიზმითა და სითბოთია სავსე. ოსტატი ძალიან ოსტატურად იყენებს მარმარილოს უპირატესობებს ახალგაზრდა ბიჭური ფიგურის სისუსტის გადმოსაცემად.
მოქანდაკე კლოდტის ნამუშევრებს შორის განსაკუთრებული ადგილი უკავია ნიკოლოზ I-ის ძეგლებს, ასევე ანიჩკოვის ხიდზე არსებულ ფიგურებს. ბრწყინვალე რეალისტმა, ოსტატმა შეძლო თავის ნამუშევრებში გადმოეცა ადამიანის სხეულის სილამაზე, ბუნების ძალების ძალა (მზარდი ცხენი), ასევე სახელმწიფო სიდიადე (იმპერატორის ძეგლი).
ამ პერიოდიდან თარიღდება დიდი ოპეკუშინის, პუშკინის ძეგლის ავტორის, ასევე შემოქმედებითი ჯგუფების წევრის შემოქმედება, რომლებმაც შექმნეს ძეგლი "რუსეთის ათასწლეული", ისევე როგორც იმპერატრიცა ეკატერინე II-ის ძეგლი. .
XIX საუკუნის მეორე ნახევრის ქანდაკების ისტორიული ჟანრი წარმოუდგენელია მის გარეშე, რომლის ხელოვნებაც დიდად ფასობდა დასავლეთ ევროპაში.
XIX საუკუნის რუსული კულტურის მთელი ისტორია შეიძლება დაიყოს საუკუნის პირველ ნახევრად (რეფორმამდელი რუსეთი) და საუკუნის მეორე ნახევრად (რუსეთი რეფორმის შემდგომ).
ქანდაკება. 50-იანი წლების ბოლოს. XIX საუკუნეში გამოცხადდა კონკურსი „რუსეთის ათასწლეულის“ ძეგლის შესაქმნელად. დაგეგმილი იყო მისი აგება ნოვგოროდში 1862 წელს ნოვგოროდიელების მიერ რურიკის გამოძახებიდან ათასწლეულის აღსანიშნავად. კონკურსის გამარჯვებული იყო 25 წლის სამხატვრო აკადემიის კურსდამთავრებული მიხაილ ოსიპოვიჩ მიკეშინი (1835-1896). მისი ხელმძღვანელობით მონუმენტზე მუშაობაში მოქანდაკეების დიდი ჯგუფი მონაწილეობდა. სტრუქტურის გარშემო არსებული სკულპტურული გამოსახულებები ასახავს რუსეთის ისტორიის მთავარ ეტაპებს. აქ ჩვენ ვხედავთ დიდ მთავრებს, მეფეებს, იმპერატორებს, გამოჩენილ სამხედრო და საზღვაო მეთაურებს, პოეტებსა და მწერლებს, კომპოზიტორებს და რუსეთის სხვა დიდებულ ვაჟებს. სულ ჩამოსხმული იყო 129 სკულპტურული ფიგურა. ძეგლის ზედა ნაწილი ბურთის სახით სიმბოლურად განასახიერებს ძალას - სამეფო ძალაუფლების ემბლემას. ბურთზე დაჩოქილი ქალი რუსეთს წარმოადგენს. ფრთოსანი ანგელოზი მას ჯვრით დაჩრდილავს. მოგვიანებით, მიკეშინის დიზაინის მიხედვით, ეკატერინე II-ის ძეგლი ააგეს სანკტ-პეტერბურგში. ფრაქციული მრავალფიგურიანი დიზაინი, რომელიც განასხვავებს ორივე ძეგლს, ერთგვარი ხარკია ეკლექტიზმის ეპოქისადმი. "რუსეთის ათასწლეულში" ეს გამართლებულია, ეკატერინეს ძეგლში ეს არც ისე წარმატებულია. მრავალფიგურიანი კომპოზიციების მიტოვებით, მიკეშინმა შექმნა ბოგდან ხმელნიცკის ძალიან დინამიური ძეგლი კიევში. ალექსანდრე მიხაილოვიჩ ოპეკუშინი (1838-1923), ყმების მკვიდრი, მონაწილეობდა მუშაობაში "რუსეთის ათასწლეული". მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი იყო A.S. პუშკინის ძეგლი. 1880 წელს მის გახსნაზე შეიკრიბა რუსული კულტურის მრავალი გამოჩენილი მოღვაწე. მომხსენებლებს შორის იყო ფ.მ.დოსტოევსკი. მას შემდეგ, ას წელზე მეტი ხნის განმავლობაში, დაფიქრებული პუშკინი დგას ტვერსკაიაზე - მოსკოვის ერთ-ერთ საუკეთესო ძეგლზე. რუსული ქანდაკების განვითარება XIX საუკუნის მეორე ნახევარში მოხდა უფრო რთულ და ნაკლებად ხელსაყრელ პირობებში, ვიდრე ფერწერის განვითარება. მონუმენტური და დეკორატიული ქანდაკების მოთხოვნილება მკვეთრად შემცირდა, რადგან დიდებული სასახლეების ნაცვლად, ახლა ძირითადად შენდებოდა საცხოვრებელი კორპუსები. ჩვენ შეგვიძლია დავასახელოთ ამ დროს აღმართული ძეგლების მხოლოდ მცირე რაოდენობა. უპირველეს ყოვლისა, მათ უნდა მოიცავდეს ძეგლი ა. პუშკინი მოსკოვში (1880) ალექსანდრე მიხაილოვიჩ ოპეკუშინი (1844 - 1923 წწ). ეს ძეგლი ორგანულად შევიდა მოსკოვის არქიტექტურულ ანსამბლში, გახდა მისი გარეგნობის განუყოფელი ნაწილი. XIX საუკუნის მეორე ნახევრის უნიჭიერესი მოქანდაკე. იყო მარკ მატვეევიჩ ანტოკოლსკი (1843 - 1902). მოქანდაკე განსაკუთრებით სოციალური და ეთიკური პრობლემებით იყო დაკავებული. მისი კონკრეტული ისტორიული გამოსახულებები: პეტრე I (1872), ივანე მრისხანე (1875), სპინოზა (1882), ერმაკი (1891) - და მითოლოგიური: ქრისტე (1876), მეფისტოფელი (1883) - განასახიერებს ორ პრინციპს შორის ბრძოლის იდეებს. ადამიანში - სიკეთე და ბოროტება.
ტრუბეცკოი პაველ პეტროვიჩი (1866-1938). მე -19 და მე -20 საუკუნეების მიჯნაზე, ნათელი, ორიგინალური ოსტატი მოვიდა რუსულ ხელოვნებაში, შექმნა ღრმა ფსიქოლოგიური გამოსახულებები ქანდაკების სხვადასხვა ჟანრში - პატარა პლასტმასიდან მონუმენტურამდე. პ.პ. ტრუბეცკოიმ მოიპოვა პოპულარობა, როგორც "პირველი რუსი მოქანდაკე, რომელიც მუშაობდა ბუნებასთან ასეთი საოცარი და პოეტური სიახლოვით". პაველ პეტროვიჩ ტრუბეცკოი დაიბადა 1866 წლის 16 ნოემბერს იტალიაში, ინტრაში, ლაგო მაჯორეზე, მისი მშობლების სამკვიდროში. მისი მამა რუსი პრინცი პიოტრ სერგეევიჩ ტრუბეცკოია, დედა ამერიკელია. რვა წლიდან დაინტერესდა ქანდაკებით და თავისი ძმის პიეტროს, დეკორატიკოსის გავლენით, პირველი ქანდაკებები შეასრულა თოჯინების თეატრისთვის; ორი წლის შემდეგ ის სწავლობს მხატვარ დ.რანძონისგან. სერიოზული სწავლა ქანდაკებაში დაიწყო მილანში 1884 წელს ბარკალიას სახელოსნოში, შემდეგ კი ე. ბაზაროსთან. მართალია, P. P. Trubetskoy არასოდეს მიუღია სისტემატური ხელოვნების განათლება, მაგრამ მისმა იშვიათმა ნიჭმა და ნებამ ხელი შეუწყო მის წარმატებას. 1886 წელს ახალგაზრდა მოქანდაკემ პირველად წარმოადგინა თავისი ნამუშევარი - ცხენის ქანდაკება - გამოფენაზე ქალაქ ბრერაში (იტალია), შემდეგ კი მისი ნამუშევრები გამოჩნდა გამოფენებზე საფრანგეთსა და ამერიკაში. ის ძერწავს პორტრეტებს, ეწევა ცხოველთა ქანდაკებას და ცდის ძალებს მონუმენტურ სკულპტურაში. 1891 წელს მან მონაწილეობა მიიღო გარიბალდისა და დანტეს ძეგლების კონკურსებში. 1897 წელს ტრუბეცკოი ჩავიდა რუსეთში, მამის სამშობლოში. ახალი შთაბეჭდილებებით მოხიბლული მოქანდაკე ბევრს შრომობს და მალევე იწყებს სწავლებას მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლაში. ბრინჯაოს სკულპტურა "მოსკოვის ტაქსის მძღოლი" (1898, სახელმწიფო რუსეთის მუზეუმი) არის პირველი ნამუშევარი, რომელიც შესრულებულია რუსეთში. ჟანრული კომპოზიცია სიუჟეტში ტრადიციულია. მსგავსი ყოველდღიური სცენები არაერთხელ შეგვხვდა რუსი მოქანდაკეების - E.A. Lanseray-ისა და L.V. Posen-ის ნამუშევრებში. ტრუბეცკოისთვის ეს იყო პირველი რუსული შთაბეჭდილებების განსახიერება, ჩაფიქრებული ეთნოგრაფიის გარეშე, მიმზიდველი გულწრფელობით, რბილი, "მიდინებული" ფორმების განსაკუთრებული პლასტიკური ექსპრესიულობით. ტრუბეცკოის ნამუშევრებმა, რომლებიც გამოფენებზე გამოჩნდა, მწვავე კრიტიკა გამოიწვია პეტერბურგის აკადემიის კონსერვატიულ წრეებში, რომლებმაც მის ინოვაციურ მეთოდში დაინახეს "კლასიკური" კანონების დარღვევა და მიიპყრო რუსული საზოგადოების წამყვანი წარმომადგენლების, მხატვრული ინტელიგენციის ყურადღება. . მოქანდაკე ხვდება და დაუახლოვდება I.E. Repin I.I. ლევიტანი, ვ.ა. სეროვი, ფ.ი. ჩალიაპინი. დიდმა მეგობრობამ დააკავშირა ტრუბეცკოი ლ.ნ.ტოლსტოისთან. მოქანდაკემ გამოიწვია მწერლის უდიდესი სიმპათია. ლ.ნ. ტოლსტოის მდივნის, ვ.ა. ბულგაკოვის ჩვენებით, „მოქანდაკე პაოლო ტრუბეცკოი... ლევ ნიკოლაევიჩის ფავორიტებს ეკუთვნოდა... მას უყვარდა იგი თავისი უბრალო ღია სულისთვის, სიმართლის, საერო კონვენციების სიძულვილის, ცხოველების სიყვარულის, ვეგეტარიანობის გამო“. . ლევ ნიკოლაევიჩი ნებით იპოზიორებდა მისთვის და ესაუბრებოდა მოქანდაკის სახელოსნოში და სახლში იასნაია პოლიანაში. ლ.ნ.ტოლსტოის ბიუსტი (1899წ., რუსეთის რუსული მუზეუმი) და ფიგურა „ლ. სიმშვიდე და სიბრძნე, თვალთმაქცობისა და თვალთმაქცობის შეუწყნარებლობა, უბრალოება და კეთილშობილება გამოვლინდა მოქანდაკის მიერ ბრწყინვალე რუსი მწერლის ორიგინალურ პერსონაჟში. 1900 წელს პ.პ.ტრუბეცკოის ნამუშევრები გამოიფინა რუსეთის განყოფილებაში პარიზის მსოფლიო გამოფენაზე. ლ.ნ.ტოლსტოის, ლ.გოლიცინისა და ჯგუფის „მოსკოვის კაბმენის“ პორტრეტებისთვის ტრუბეცკოი ო.როდენთან ერთად დაჯილდოვდა უმაღლესი ჯილდოთი - „დიდი პრიზი“. ამას მოჰყვა პორტრეტული ფიგურების სერია, რომლებიც გამოირჩეოდა სულიერებითა და უნიკალური ინდივიდუალური მახასიათებლებით: მხატვრულად მოხდენილი და შინაგანად აღფრთოვანებული ი.ი. ლევიტანი (1899, რუსეთის რუსეთის მუზეუმი), შთაგონებული ფ.ი. კეთილგანწყობილი S. S. Botkin (1906, რუსეთის რუსული მუზეუმი). P.P. Trubetskoy-ის სკულპტურული ნამუშევრები გამოირჩევა ნათელი მხატვრული ტექნიკით: ფერწერული მობილურობა და ამავდროულად პლასტიკური ფორმების სიცხადე, თანაბარი და გლუვი - ინერტული ზედაპირების თავიდან აცილების სურვილი. ამ მობილურობაში, ფორმების მოძრაობაში, რომელიც თითქოს სიღრმიდან მოდის, ვლინდება მოდელის ფარული სულიერი ასპექტები. მკვეთრი დაკვირვება, პოეზია და ქანდაკების რბილობა განსაკუთრებით დამახასიათებელია ქალის პორტრეტებისთვის. სანახაობრივი, ბურთის კაბაში, M.K. Tenisheva (1899, სახელმწიფო რუსეთის მუზეუმი), არისტოკრატული გოლიცინა (1911, BSSR სახელმწიფო ხელოვნების მუზეუმი), "დედა ბავშვთან ერთად" (1898, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, ტრეტიაკოვის გალერეა), "დედა შვილთან" (1901, რუსეთის სახელმწიფო მუზეუმი), მომხიბვლელი მოდელი დუნია (1900, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი) - ყველა ეს ნამუშევარი გამოირჩევა კომპოზიციური გადაწყვეტილებების ორიგინალურობითა და მხატვრული ტექნიკით. განსაკუთრებული ლირიკულობითაა სავსე ბავშვთა გამოსახულებები: "ბავშვები. ნიკოლაი და ვლადიმერ ტრუბეცკოი" (1900 წ., რუსეთის რუსული მუზეუმი), "გოგონა ძაღლთან ერთად (მეგობრები)" (1901 წ., რუსეთის რუსული მუზეუმი). მოქანდაკის ცხოველურ შემოქმედებაში ერთგვარი ფსიქოლოგიზმია. მოქანდაკის ისეთი ნამუშევრები, როგორიცაა "ძაღლი" (1899, ტრეტიაკოვის გალერეა), "ცხენი ქურთუკით" (1899, სმოლენსკის მხარეთმცოდნეობის მუზეუმი), "ციმბირის ლაიკა" (1903, რუსული მუზეუმი), "ცხენი უნაგირზე" ( 1898 წელი, რუსული მუზეუმი) გამოირჩევიან სულიერებით. . 1899-1909 წლებში მოქანდაკე მუშაობდა ალექსანდრე III-ის მონუმენტურ ძეგლზე. ამ მიზნით აშენდა მინისა და რკინისგან დამზადებული სპეციალური სახელოსნო-პავილიონი სტარო-ნეველის პროსპექტზე, ალექსანდრე ნეველის ლავრიდან არც თუ ისე შორს. მოსამზადებელ ეტაპზე ტრუბეცკოიმ შექმნა რვა მცირე ზომის მოდელი, ოთხი ნატურალური და ორი თავად ძეგლის მასშტაბით.
ალექსანდრე III-ის ძეგლის შესაქმნელად 1900 წლის კონკურსის გამარჯვებულად გამოჩენის შემდეგ, ტრუბეცკოიმ მცირე ყურადღება დაუთმო კომისიის კომენტარებს ძეგლის მშენებლობის შესახებ. S. Yu. Witte "მოგონებებში" უჩივის მოქანდაკის "ჩხუბის ხასიათს". ტრუბეცკოიმ, ცხადია, არ გაითვალისწინა დიდი ჰერცოგის ვლადიმერ ალექსანდროვიჩის აზრი, რომელმაც დაინახა "ტრუბეცკოის მოდელში მისი ძმის კარიკატურა". თუმცა, პორტრეტის აშკარა მსგავსებით დაკმაყოფილებულმა იმპერატრიცამ ხელი შეუწყო ძეგლზე სამუშაოების დასრულებას. ალექსანდრე III-ის ძეგლი მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა მრავალი ოფიციალური სამეფო ძეგლისაგან; მოქანდაკე შორს იყო იდეალიზებისგან, პომპეზურობის სურვილისგან. ილია რეპინმა გასაოცრად ზუსტად განსაზღვრა ამ ძეგლის იდეა: ”ერთ-ერთი ყველაზე რეაქციული ცარის სიმძიმით დამსხვრეული რუსეთი უკან მიიწევს”. როგორც ბევრ ნაწარმოებში, აქაც ნათლად იყო განსახიერებული ავტორის შემოქმედებითი კრედო, რომელმაც თქვა, რომ „პორტრეტი არ უნდა იყოს ასლი. თიხაში ან ტილოზე გადმოვცემ მოცემული ადამიანის იდეას, ზოგად მახასიათებელს, რასაც ვხედავ. მასში“. მიუხედავად ტრუბეცკოისადმი მიწერილი სიტყვების ავთენტურობის ხარისხისა - "მე არ ვარ ჩართული პოლიტიკაში. მე გამოვხატე ერთი ცხოველი მეორეზე" - მონუმენტი აღვიძებს მოსაწყენი მჩაგვრელი ძალის განცდას. ა. ბენუამ აღნიშნა, რომ ძეგლის ეს თავისებურება „განპირობებულია არა უბრალოდ ოსტატის იღბლით, არამედ მხატვრის ღრმა შეღწევით დავალებაში“. ჯერ კიდევ ძეგლის გახსნამდე მოქანდაკემ სამეფო ოჯახის მრავალი წევრისა და მაღალი თანამდებობის პირის მხრიდან არამეგობრული დამოკიდებულება იგრძნო. ნიკოლოზ II-ს სურდა ძეგლის ირკუტსკში გადატანა, „გაგზავნა ციმბირში გადასახლებაში, განაწყენებული შვილის თვალებისგან მოშორებით“ და დედაქალაქში კიდევ ერთი ძეგლის დადგმა. S. Yu. Witte იხსენებს, რომ მოქანდაკე მონუმენტის საზეიმო გახსნაზე მოწვევაც არ მიუღია დროულად და პეტერბურგში მოგვიანებით ჩავიდა. ხელისუფლების კეთილგანწყობის გამო და მოკლებულია ახალ დიდ შეკვეთაზე მუშაობის შესაძლებლობა, ტრუბეცკოი მიდის საზღვარგარეთ. 1906-1914 წლებში პარიზში ყოფნისას ქმნიდა ო.როდენის, ა.ფრანსის, დ.პუჩინის, ს.ა.მურომცევის სკულპტურულ პორტრეტებს, ლონდონში კი ბ.შოუს პორტრეტს ასრულებდა. მაგრამ ტრუბეცკოიმ განაგრძო მონაწილეობა რუსეთში გამართულ კონკურსებსა და ხელოვნების გამოფენებში. 1912 წელს პ.პ.ტრუბეცკოის პერსონალური გამოფენები მოეწყო ამერიკაში (ჩიკაგოში), შემდეგ იტალიაში (რომი). 1914 წელს ტრუბეცკოი გაემგზავრა ამერიკაში, სადაც ააგო დანტეს (სან ფრანცისკო) და გენერალ ოტისის (ლოს ანჯელესი) ძეგლები. 1921 წელს დაბრუნდა პარიზში და სიცოცხლის ბოლო წლები გაატარა იტალიაში. მილანის ლა სკალას თეატრისთვის მან გამოძერწა ცნობილი კარუზოს მარმარილოს ქანდაკება, შექმნა ძეგლი დაღუპულ ჯარისკაცებს ქალაქ ბრერაში, გაბრიელ დ'ანუნციოს სკულპტურული პორტრეტი, ავტოპორტრეტი ფლორენციის უფიზის გალერეისთვის. ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იტალიელი მხატვრის დ.სეგანტინის პორტრეტი.მოქანდაკე თავისი ნამუშევრების გამოფენით იმოგზაურა ეგვიპტეში (1934) და ესპანეთში (1935წ.) პ.პ.ტრუბეცკოი გარდაიცვალა იტალიაში 1938 წლის 12 თებერვალს. მცირე ხნით ცხოვრობდა რუსეთში. ტრუბეცკოიმ ბევრი რამ გააკეთა რუსული ხელოვნებისთვის, მნიშვნელოვნად გააფართოვა მსოფლიოს პლასტიკური ძიების საზღვრები. გამოსახულების სიღრმეში შეღწევამ, ტემპერამენტულმა ფორმამ, მანერის ორიგინალურობამ დიდი გავლენა მოახდინა საშინაო ქანდაკების განვითარებაზე. დაიბადა ს.ტ. კონენკოვი. გლეხის ოჯახში.ადრე გამოავლინა არაჩვეულებრივი შემოქმედებითი შესაძლებლობები და ოჯახმა გაგზავნა სასწავლებლად მეზობელ ქალაქ როსლავში. გიმნაზიაში დიდ წარმატებებს მიაღწია ხატვაში. სწავლობდა ხელოვნებას მოსკოვის ფერწერისა და ფერწერის სკოლაში (1892 წ. -98) ივანოვთან და ს.მ. ვოლნუხინთან ერთად, შემდეგ პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიაში (1899-1902). ჯერ კიდევ სკოლაში ყოფნისას მან შექმნა "ქვამტეხი" (ბრინჯაო, 1898) - სახელოსნო ნამუშევარი, მაგრამ შესრულებული ქ. მე-19 საუკუნის ჟანრულ-ნარატიული ქანდაკების სული. ეს იყო ტრადიცია, რომელიც მე-20 საუკუნის პირველ ათწლეულებში. შეეცდება, თითოეული თავისებურად შეცვალოს ახალი თაობის ახალგაზრდა ოსტატები, რათა პლასტიკურად გამოხატონ თავიანთი უფრო ინტენსიური და რთული დამოკიდებულება ცხოვრებისადმი, გარემომცველი სამყაროსა და კულტურის მიმართ. სამხატვრო აკადემიის დასრულების შემდეგ, კონენკოვმა გამოძერწა ბიბლიური გმირი - „სამსონი არღვევს კავშირებს“ (თაბაშირი, 1902 წ.) - გამოსახულება, რომელიც მას სიცოცხლის ბოლომდე აწუხებდა. მოქანდაკე მას არაერთხელ დაუბრუნდება. უკვე ამ ფიგურაში, თავისი მძლავრი, უხეშად განზოგადებული ფორმებით, შექმნილი მიქელანჯელოს ცნობილი „მონების“ გავლენის გარეშე, მოქანდაკე დაიწყო ახალი პლასტიკური ენის ძიება, რომელიც საშუალებას მისცემდა არ ეთქვა შეთქმულება, არამედ პირდაპირ გამოეხატა. გამოსახულების ემოციური მნიშვნელობა. ნამუშევარი უჩვეულო იყო და სამხატვრო აკადემიაში სკანდალი გამოიწვია. ნამუშევრების ორი ციკლი, რომლებიც ძალიან განსხვავდებიან თავიანთი ფიგურული სამყაროთი და პლასტიურობის ბუნებით, მაგრამ ზოგჯერ მოულოდნელად შერწყმული რაღაცნაირად, მთავარ ადგილს იკავებს კონენკოვის შემოქმედებაში 1890-იანი წლების ბოლოდან და მთელი 1910-იანი წლების განმავლობაში. პირველი ციკლი არის ფანტასტიკური, ფოლკლორი, რომელიც აცოცხლებს ზღაპრული ტყის არსებების სამყაროს. მას საზრდოობდა, ერთის მხრივ, ელნიასთან ახლოს მდებარე ტყეებიდან გლეხის ბიჭის ბავშვობის მოგონებები, მეორეს მხრივ, თანამედროვე ეპოქისთვის დამახასიათებელი სურვილით, ხელახლა შეექმნა და გადაეფიქრებინა უძველესი მითოლოგია, აავსო დახვეწილი თანამედროვე კულტურა. იდუმალი ბუნებრივი ძალების ძლიერი პერსონიფიკაციები. კონენკოვი, სავარაუდოდ, აქ დადიოდა მ. ა.ვრუბელი თავისი „პანით“. მან ამოჭრა თავისი "ველიკოსილი" და "მოხუცი" (ორივე 1909), "სტრიბოგი" და "ველის მოხუცი" (ორივე 1910), "წინასწარმეტყველი მოხუცი" (1915) და "ლესოვიკი" (1917). ხისგან, მრგვალი ჟურნალიდან, როგორც ამას აკეთებდნენ ძველი სლავები თავიანთი კერპებისთვის, ფართო და დიდი, არ აინტერესებთ ანატომია, თავისუფლად გადახრილია რეალური პროპორციებიდან. ამ ზღაპრულ სურათებს არანაკლებ დამაჯერებელი ხდის ბრტყელი სახეები ძლივს გამოკვეთილი თვისებებით, მოკლე ფეხებით ან უზარმაზარი, მძიმე ხელებით. თავად ხე ხელმძღვანელობს მოქანდაკის ხელსაწყოს, გვთავაზობს კომპოზიციას და პროპორციებს, კარნახობს ფორმის განზოგადებისა და პლასტიურობის საზომს. სხვა ციკლი არის ბერძნული, უძველესი. კონენკოვი ეწვია საბერძნეთს 1912 წელს და ის, რაც იქ მიიპყრო, სულაც არ იყო ის, რაც დიდი ხანია მიღებული და მკვდარი იყო აკადემიური ტრადიციით, რომელიც ნაცნობი იყო უამრავი მსახიობიდან. მოქანდაკე აღმოაჩინა წინაკლასიკური ქანდაკებების გულუბრყვილო ხიბლი, არქაული ქალწულების იდუმალი ღიმილი, მათი დახრილი, უცნაურად ცოცხალი თვალები ფერადი მინისგან. ამ ციკლში პლასტიურობა სულ სხვაა - მკაცრი და ნაზი. მთავარი მასალა კი მარმარილოა („კორა“, „ეოსი“, „ჰელიოსი“, ყველა 1912 წ.). კაცობრიობის გულუბრყვილო და მშვენიერი ახალგაზრდობის იგივე, არსებითად, განცდა შთაგონებულია შიშველი ქალის ბუნების მარმარილოს ან ხის მრავალრიცხოვანი გამოსახულებებით, რომლებიც პირდაპირ არ არის დაკავშირებული უძველეს საგნებთან. საბჭოთა ხელისუფლების პირველ წლებში მოქანდაკე მონაწილეობდა მონუმენტური პროპაგანდის გეგმის განხორციელებაში: მან გააკეთა მემორიალური დაფა ფერადი ცემენტისგან "მათ, ვინც დაეცა ხალხთა მშვიდობისა და ძმობისთვის ბრძოლაში" (1918) სენატზე. კრემლის კოშკი - ერთგვარი გიგანტური სკულპტურული პლაკატი, რომელიც განთავსდა სასჯელაღსრულების მოედანზე ხის "სტეპან რაზინი" თავის ბანდასთან ერთად" (1918). ამ ჯგუფის სკულპტურები ხასიათით ახლოსაა მის ფოლკლორულ ნაწარმოებებთან. 1923 წელს კონენკოვი ამერიკაში გაემგზავრა თავისი ნამუშევრების გამოფენით. წარმატებამ აიძულა იგი იქ დარჩენილიყო მრავალი წლის განმავლობაში. საზღვარგარეთ კონენკოვი ძირითადად პორტრეტის მხატვარია. ადრე ხშირად იღებდა პორტრეტებს, მაგრამ მხოლოდ ახლა გამოვიდა ეს ჟანრი წინა პლანზე. მათ შორის, ვინც მან განასახიერა, იყო მრავალი ცნობილი სახე: მ. გორკი და ა. აინშტაინი, მეცნიერები, სპორტსმენები, მხატვრები. ამ ნამუშევრებს შორის ცალკე დგას ფ.მ. დოსტოევსკის პატარა ბიუსტი (1933) - მოაზროვნის ფსიქოლოგიურად ინტენსიური გამოსახულება. სამოცდაათი წლის კონენკოვი სამშობლოში 1945 წლის ბოლოს დაბრუნდა. იგი ენთუზიაზმით იყო აღსავსე და თითქმის ასწლიანი ცხოვრების ბოლომდე შექმნა მრავალი ნაწარმოები, მათ შორის უზარმაზარი, ყველა ჟანრში. მათგან, ალბათ, საუკეთესოა მარმარილოში შესრულებული ავტოპორტრეტი (1954). მაგრამ მაინც, მისი ადრეული შემოქმედების დახვეწილი სულიერება უკვე მის უკან იყო. მან ვერ შექმნა რევოლუციამდელთა ძალითა და პოეზიით თანაბარი ნაწარმოებები. პლასტიკური ხელოვნების განვითარებაში მიმდინარე პროცესებისა და ფენომენების მიმოხილვა ორი საუკუნის ბოლოს, რუსეთის დიდი რევოლუციური რეორგანიზაციის წინა დღეს, მოწმობს ფერწერის, გრაფიკის, არქიტექტურის მჭიდრო და მრავალფეროვან კავშირზე რუსულის სხვა დარგებთან. მხატვრული კულტურა - პირველ რიგში ლიტერატურა, თეატრი, ბეჭდვა, ასევე მეცნიერება და ტექნიკა.
გრაფიკამ, ქანდაკებამ და ფერწერამ ახალი მოყვარულები და მცოდნეები იპოვეს. დემოკრატიზებული გახდა ხელოვნების გამოფენებისა და მუზეუმების ვიზიტორების შემადგენლობა. პლასტიკური ხელოვნების საკითხები დიდი ინტერესი იყო პროგრესული რუსული საზოგადოებისთვის.
რუსული მხატვრული კულტურის მდიდარი და დიდებული რეალისტურ-დემოკრატიული პრინციპები არ მწირი გახდა. ახალი რეალიზმის, ცხოვრების სიმართლის გამოხატვის ახალი საშუალებებისა და მეთოდების ძიებას თან ახლდა რეალობის ასახვის ახალი ფორმების ძიება, მხატვრის, არქიტექტორის, მოქანდაკის მსოფლმხედველობისა და პიროვნების თვითგამოხატვა მათ ნამუშევრებში. მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისის პლასტიკური ხელოვნების რუსი ოსტატების ახალი უმაღლესი მიღწევები შემდგომში მემკვიდრეობით მიიღო საბჭოთა კავშირის მხატვრულმა კულტურამ.
ბაშკორტოსტანის რესპუბლიკის განათლების სამინისტრო
ბელორეცკის პედაგოგიური კოლეჯი
რეზიუმე თემაზე:
დაასრულა მე-2 კურსის სტუდენტმა „B“
ბარანოვა ანა
ამ პერიოდის ქანდაკების ხელოვნება ხასიათდება სტილის შერევით; თანამედროვეობა, რომელიც განსაზღვრულია სამეცნიერო და ტექნოლოგიური პროგრესის მიღწევებით და ანტიკური სტილიზაციით. რუსული ქანდაკების განვითარება მეორე მე-19 საუკუნის ნახევარისაუკუნე მჭიდროდაა დაკავშირებული რუსულ ხელოვნებაში რეალიზმის ჩამოყალიბების პროცესთან.
1851 წელს გაუქმდა ქანდაკების რექტორისა და მეორე ხარისხის პროფესორის თანამდებობები „ფიგურებისა და ორნამენტების ქანდაკებაში“. იკარგება მონუმენტურობა, იკარგება კავშირი არქიტექტურასთან და უპირატესად ვითარდება დაზგური ქანდაკება. აღსანიშნავია, რომ სახელმწიფოს დაკვეთით მონუმენტური ქანდაკება პროგრესულ მნიშვნელობას კარგავს. ამ პერიოდში დიდი პიროვნებების სკულპტურული ძეგლები დაიდგა საზოგადოებრივი მნიშვნელობა: კულტურის მოღვაწეები, მეცნიერები, გენერლები, მეცნიერები, მწერლები. დაზგური ქანდაკება ავითარებს ხაზგასმული სიუჟეტებისა და სურათების ყოველდღიურობას, ინტერპრეტაციის ჩვეულებრივობას, რაც მიუთითებს რეალისტური ქანდაკების ინტენსიურ დაბადებაზე.
ბევრმა შინაურმა მოქანდაკემ დიდი პოპულარობა მოიპოვა.
კამენსკი ფედორ ფედოროვიჩი (1838-1913) -რუსი მოქანდაკე ფ.ფ.კამენსკი დაიბადა გენერლის, პეტერბურგის სატყეო ინსტიტუტის ადმინისტრატორის ოჯახში. 1852-1860 წლებში სწავლობდა ქ საიმპერატორო აკადემიანიკოლაი პიმენოვის, პიოტრ კლოდტის და ფიდელიო ბრუნის ხელოვნება. მიღებულია აკადემიაში ოქროს მედალინაშრომებისთვის „სენატი სთხოვს ცინცინატუსს რომში დარჩენას“ და „რეგულუსი დაბრუნდება კართაგენში“. ამ პერიოდში მოქანდაკემ შექმნა ტარას შევჩენკოსა და ფიდელიო (ფედორ) ბრუნის ბიუსტები. 1863 წელს აკადემიამ კამენსკი გაგზავნა იტალიაში სასწავლებლად, სადაც ის 1869 წლამდე დარჩა. იტალიაში კამენსკი ფ.ფ. აგრძელებს შექმნას პორტრეტული ბიუსტების ჟანრში და ქმნის სკულპტურულ ნამუშევრებს ყოველდღიურ თემებზე: „ახალგაზრდა მოქანდაკე“, „ქვრივი და ვაჟი“ (1867), „პირველი ნაბიჯები“ (1872), მ.ი.გლინკას ძეგლი. ქანდაკებისთვის „ქვრივი და ვაჟი“, „პირველი ნაბიჯები“ მოქანდაკე გახდა საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის აკადემიკოსი და დაბრუნდა პეტერბურგში. 1870 წელს F.F. Kamensky კვლავ გაემგზავრა ფლორენციაში, ხოლო 1873 წელს ემიგრაციაში წავიდა ამერიკაში, სადაც მან დაიწყო ცხოვრება ფლორიდაში და განაგრძო ხელოვნებაში ჩართვა, ამზადებდა დეკორაციებს კანზასში ფედერალური შენობისთვის, პროექტი "რომაული შადრევნები" ნიუ იორკში. ქანდაკება Cupid for Tampa, Florida. 1893 წელს, ჩიკაგოში მსოფლიო გამოფენისთვის მზადების დროს, კამენსკი ფ.ფ. ქმნის "უზარმაზარ ბეტონის ქანდაკებებს პავილიონისთვის" და ასევე პირადად შერჩეული 130 ნახატი და ქანდაკება რუსეთიდან, რომლებიც გამოფენაზე იყო გამოფენილი. ბოლო წლებში მუშაობდა კომპლექსურ სკულპტურაზე „მშვიდობა“ - ის არ დასრულებულა.
ივანოვი სერგეი ივანოვიჩი (1828 -1903) -რუსი მოქანდაკე. მხატვრული განათლება მიიღო მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლაში ნ.ა.რამაზანოვის მთავარი ხელმძღვანელობით. 1854 წელს ქანდაკებისთვის "ბიჭი აბანოში" (მარმარილოს ასლი არის მოსკოვის ტრეტიაკოვის გალერეაში) აიყვანეს აკადემიკოსის წოდება. გარდაცვალების შემდეგ ნ.ა. რამაზანოვმა (1863) თავისი ადგილი დაიკავა იმავე მოსკოვის სკოლაში ქანდაკების მასწავლებლად. მისი ნამუშევრები S.I. ივანოვი გამოფენებზე მხოლოდ ხანდახან აჩვენებდა.
მოქანდაკე ქმნის ქანდაკებებს "ნეაპოლიტელი მეთევზე ნაჭუჭით" და "მოციქული ანდრია" (შესრულებული მოსკოვის ისტორიული მუზეუმისთვის), სკულპტურულ ჯგუფებს "დედის სიყვარული", "ბიჭი ცხენზე", "იუდას კოცნა", "ვეფხვის კბენა". ირმის კისერში" და "ლომი ლეკვებით", ქანდაკების ესკიზი "მოსე, რომელიც წყალს ქვისგან გამოსცემს", ა. დიდი პოპულარობა S.I. სკულპტურა "ბიჭი აბანოში" (მარმარილო, ტრეტიაკოვის გალერეა) მიიტანეს ივანოვთან. სერგეი ივანოვიჩ ივანოვი შევიდა ქანდაკების ხელოვნების ისტორიაში ძირითადად, როგორც ქანდაკების ავტორი "ბიჭი აბანოში" (1854). ყოველგვარი იდეალიზაციის გარეშე, გამოჩენილმა მოქანდაკემ გამოსახა გლეხის ბიჭი, რომელიც თავს წყლით ასხამს.
ანტოკოლსკი მარკ მატვეევიჩი (1842-1902) -ისტორიული თემები გაჟღენთილია მ.მ. ანტოკოლსკის, რომელმაც შექმნა სკულპტურული პორტრეტების სერია: "ივანე საშინელი", "პეტრე I", "ერმაკი", "ნესტორ მემატიანე". მოქანდაკის ზოგიერთი ნამუშევარი შეიცავს კონტემპლატიურ, ფილოსოფიურ ორიენტაციას; "ქრისტე ხალხის წინაშე", "მეფისტოფელი", "მომაკვდავი სოკრატე", "სპინოზა". მმ. ანტოკოლსკი ქმნის სტასოვის, ტურგენევის, ბოტკინის ბიუსტებს. მოქანდაკე საფლავის ქვების შეკვეთებს ასრულებს. ყველაზე დიდი მოქანდაკერუსეთი მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარში მარკ მატვეევიჩ ანტოკოლსკი დაიბადა 1843 წელს ღარიბ, მრავალშვილიან ებრაულ ოჯახში. ღამით, ტავერნაში დამქანცველი სამუშაოს შემდეგ დასვენების ნაცვლად, სადაც ის ეხმარებოდა მამას, ფარულად გარშემომყოფებისგან, რომლებიც უცხო იყო მისი მიმზიდველობისთვის, ბიჭი მიუძღვნა თავის საყვარელ გატარებას - ძერწვას ან პატარა ფიგურების კვეთას. შემდგომში იგი შეგირდად დაინიშნა ხეზე კვეთის სახელოსნოში. 1862 წლიდან მ.მ. ანტოკოლსკი ხდება მოხალისე სტუდენტი პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიაში. პეტერბურგში მხატვარი დაუახლოვდა ი.ი.შიშკინს, ვ.მ.ვასნეცოვს, ი.ნ.კრამსკოიმ, ვ.ვ.სტასოვს, ა.ნ.სეროვს, მ.პ.მუსორგსკის და გახდა ი.ე.რეპინის მეგობარი. სწავლობდა მ.მ. ანტოკოლსკი ნ.ს. უკვე პირველი მაღალი რელიეფები "ებრაელი არის მკერავი" (1864) და "ებრაელი ძუნწი" (1865), დაჯილდოვებული მეორე და პირველი ვერცხლის მედლებით, აჩვენა მხატვრის ნამუშევრების სიცოცხლისუნარიანობა და რეალიზმი.
მარკ მატვეევიჩ ანტოკოლსკი გარდაიცვალა 1902 წლის ივნისში. სიკვდილმა გამოჩენილი მოქანდაკე გერმანიაში იპოვა, მოქანდაკე დაკრძალეს პეტერბურგში, პრეობრაჟენსკოეს სასაფლაოზე.
მიკეშინი მიხაილ ოსიპოვიჩი (1835-1896) -რუსი მხატვარი და მოქანდაკე, სერიის ავტორი გამორჩეული ძეგლებივ მთავარი ქალაქებირუსეთის იმპერია, იგი დაიბადა 1835 წლის 9 თებერვალს როსლავლის მახლობლად სმოლენსკის პროვინციის სოფელ მაქსიმკოვოში. სწავლობდა სმოლენსკში ადგილობრივ ხატმწერთან. 1852 წელს ჩაირიცხა სამხატვრო აკადემიაში, სადაც სწავლობდა საბრძოლო მხატვრობას B.P. Villevalde-ს ხელმძღვანელობით. 1858 წელს მან წარჩინებით დაამთავრა სამხატვრო აკადემია, მიიღო დიდი ოქროს მედალი ნახატისთვის "ტილის შესვლა მაგდებურგში". სწავლის დროს გაჩენილმა პატრიოტული თემის რომანტიკულმა ინტერპრეტაციამ მხატვარს სამეფო ოჯახის ყურადღება მიიპყრო და მ.ო. მიკეშინი მიიწვიეს დიდ ჰერცოგინიას ხატვის სასწავლებლად. იმისდა მიუხედავად, რომ M.O. მიკეშინი, ძირითადად, საბრძოლო მხატვარი იყო, პროექტი, რომელიც მან წარადგინა ნოვგოროდის ძეგლისთვის "რუსეთის ათასწლეულისთვის" გაიმარჯვა კონკურსში (1859) და მიიღეს შესასრულებლად. პროექტის შესრულების ზედამხედველობის მიზნით, M.O. Mikeshin-მა შეისწავლა სკულპტურული ტექნიკა I.N. Schroeder-თან. ასეთი წარმატების შედეგად მ.ო. მიკეშინმა მრავალი მსგავსი შეკვეთა მიიღო. მისი დიზაინის მიხედვით, შეიქმნა კუზმა მინინის ძეგლები ნიჟნი ნოვგოროდი, „ადმირალი გრეიგი“ ნიკოლაევში და „ალექსანდრე II“ დონის როსტოვში, რაც გახდა ოფიციალური ფორმულის „ავტოკრატია-მართლმადიდებლობა-ეროვნების“ ილუსტრაცია. რამდენიმე ძეგლი M.O. მიკეშინი საბჭოთა ხელისუფლების წლებს გადაურჩა. მათ შორისაა ძეგლი „ეკატერინე II“ პეტერბურგში (1873 წ.), ძეგლები „მ.იუ. ლერმონტოვი“, „ბოგდან ხმელნიცკი“ კიევში (1888 წ.), „ერმაკი“ ნოვოჩერკასკში (1904 წ.), აგრეთვე ძეგლი „რუსეთის ათასწლეული“ ნოვგოროდში. პროექტები M.O. მიკეშინმა ასევე გაიმარჯვა საერთაშორისო კონკურსებში (მაგალითად, პედრო IV-ის ძეგლი ლისაბონში). 1876-1878 წლებში M.O. Mikeshin რედაქტორობდა სატირულ ჟურნალს "Bee". მან იქ გამოაქვეყნა თავისი მულტფილმები და გამოაქვეყნა ილუსტრაციები ნ.ვ.გოგოლისა და ტ.გ.შევჩენკოს ნამუშევრებისთვის.
შრედერ ივან ნიკოლაევიჩი (1835-1908) -რუსი მოქანდაკე, მრავალი ძეგლის ავტორი დიდ ქალაქებში რუსეთის იმპერია. დაიბადა 1835 წელს და აღიზარდა მისი უდიდებულესობის გვერდების კორპუსში, საიდანაც გაათავისუფლეს კორნეტის სტატუსით უჰლანის სიცოცხლის გვარდიის პოლკში. ყირიმის კამპანიის დასასრულს იგი პენსიაზე გავიდა და თავი მიუძღვნა სკულპტურულ სამუშაოს, რომლითაც ადრე სამოყვარულო იყო დაკავებული. პროფესორ ბარონ P.K. Klodt-ის რჩევით შრედერ ი.ნ. გახდა საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის სტუდენტი, სადაც მისი ლიდერი გახდა ნ.ს. პიმენოვი. სანამ ჯერ კიდევ სამხატვრო აკადემიაში სწავლობდა, შროდერ ი.ნ. ერთ ზამთარში მან გამოძერწა ათი ქანდაკება M.O-ს კომპოზიციისთვის. მიკეშინი ნოვგოროდის ძეგლის "რუსეთის ათასწლეული". 1864 წელს საზღვარგარეთ წასული I.N.-ის მუზეუმების შესამოწმებლად. შრედერი მოულოდნელად გაემგზავრა ამერიკაში. იქ ოთხი წელი მუშაობდა სამხრეთ ამერიკაში, შემდეგ კი დაბრუნდა პეტერბურგში. ამ მოვლენებიდან მალევე, 1869 წელს, სამხატვრო აკადემიამ ბიუსტისთვის „ა. ი.კირეევსკაია“, მიანიჭა აკადემიკოსის წოდება. შემდგომი ნამუშევრების უმეტესობა I.N. შრედერი აღნიშნავს მონუმენტურ ქანდაკებას. მოქანდაკემ შექმნა ძეგლების მოდელები: "ეკატერინე II" - (ცარსკოე სელო), "ადმირალი კრუზენშტერნი", "პრინცი პ. გ. ოლდენბურგი" - (სანქტ-პეტერბურგი), "ადმირალი ბელინგჰაუზენი" - (კრონშტადტი), "პეტრე დიდი" - (პეტროზავოდსკი), "იმპერატორი ალექსანდრე II", "გრაფი ა.ა. ბობრინსკი" - (კიევი), "ნ.მ. პრჟევალსკი“ და „ი.ფ. კრუზენშტერნი“ - (სანქტ-პეტერბურგი), „ლ.გ. კორნილოვი“, „ე.ი. ტოტლებენი“, „პ.ს. ნახიმოვი“ - (სევასტოპოლი). შროდერი ი.ნ. ქმნის დიდი რაოდენობით პორტრეტულ ბიუსტებს. მოქანდაკის ნამუშევრებში შედის ბიუსტი "გენერალი ადიუტანტი კაუფმანი" ტაშკენტის სამხედრო კრებისთვის და სევასტოპოლის გმირების თორმეტი ბიუსტი მოსკოვის ისტორიული მუზეუმისთვის.
ამ პერიოდში გამოჩენილი რუსი მოქანდაკე ა.მ. ოპეკუშინი მუშაობდა რეალიზმის სტილში მონუმენტური ქანდაკების ჟანრში.
ოპეკუშინი ალექსანდრე მიხაილოვიჩი (1841-1923)- რუსი მოქანდაკე დაიბადა 1838 წლის 16 ნოემბერს იაროსლავის პროვინციის სოფელ სვეჩკინოში. ᲕᲐᲠ. ოპეკუშინმა მხატვრული განათლება მიიღო მხატვართა წახალისების საზოგადოების ნახატის სკოლაში და სანქტ-პეტერბურგის ქანდაკების სახელოსნოში პროფესორ დ.იენსენის ხელმძღვანელობით, რის შემდეგაც სწავლობდა საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიაში, რომელიც 1864 წელს დააჯილდოვა. მას მიენიჭა არაკლასობრივი მხატვრის წოდება სკულპტურული ესკიზებისთვის "ბელისარიუსი" და "კუპიდონი" და ფსიქე. ამ ტიტულის შემდეგ ა.მ. ოპეკუშინი 1869 წელს დააწინაურეს მეორე ხარისხის მხატვრის ხარისხში, 1870 წელს - პირველი ხარისხის მხატვრის წოდება "გრაფინია შუვალოვას" ბიუსტისთვის და პეტერბურგის ძეგლისთვის "იმპერატრიცა ეკატერინე II"-სთვის გამოძერწილი შვიდი კოლოსალური ფიგურისთვის. 1874 წელს - აკადემიკოსი ცარევიჩის ბიუსტისთვის "ნიკოლოზ ალექსანდროვიჩი" და ქანდაკება "პეტრე დიდი". თავისი საქმიანობის დასაწყისში ა.მ. ოპეკუშკინმა დაამზადა პეტერბურგის შენობებისთვის მრავალი ორნამენტული შტუკის ნამუშევარი და იყო M.O. Mikeshin-ის ერთ-ერთი მთავარი თანამშრომელი ამ მხატვრის მიერ შექმნილი ზემოხსენებული ძეგლის "იმპერატრიცა ეკატერინე II" პროექტის განხორციელებაში. მოსკოვში სრულიად რუსული ინდუსტრიული გამოფენისთვის (1882 წ.) M. O. Mikeshin-თან და არქიტექტორ D.N. Chichagov-თან ერთად A.M. Opekushin-მა შექმნა ორი დუბლი სკულპტურული კომპოზიციები"ვოლგა" და "ზეთი". მოქანდაკემ შექმნა ძეგლი "ალექსანდრე II" კრემლის სამხრეთ კედელთან (ბრინჯაო, გაიხსნა 1898 წელს, არ არის შემონახული) და ძეგლი "ალექსანდრე III" ქრისტეს მაცხოვრის ტაძართან (ბრინჯაო, 1912, არ არის შემონახული). ა.მ.-ის შრომებიდან. Opekushin ყველაზე ცნობილია: ადმირალ გრეიგის ძეგლები ნიკოლაევში, მოდელირებული M. O. Mikeshin- ის დიზაინის მიხედვით, ძეგლი "A.S. პუშკინი“ მოსკოვში (1880), რომელიც აერთიანებს გამოსახულების აღფრთოვანებას მის ისტორიულ სპეციფიკასა და ავთენტურობას. ᲕᲐᲠ. ოპეკუშინმა ასევე შექმნა ძეგლები „ა.ს. პუშკინი“ პეტერბურგში (1884 წ.), „ა.ს. პუშკინი“ კიშინიოვში (1885 წ.), ძეგლები: „კარლ ფონ ბაერი“ ტარტუში (1886 წ.), „მ.იუ. ლერმონტოვი“ პიატიგორსკში (1889 წ.), ძეგლი „ნ.ნ. მურავიოვ-ამურსკი“ ხაბაროვსკში. მოქანდაკე თავის ნამუშევრებში ბრინჯაოს და გრანიტს იყენებდა. A. M. Opekushin იყო მართლმადიდებელი ქრისტიანიდა დარწმუნებული მონარქისტი. იგი დიდი პოპულარობით სარგებლობდა იმდროინდელ მონარქიულ წრეებში, მისი მოღვაწეობა დიდად ფასობდა სამეფო სახლში, მას მფარველობდა ალექსანდრე III და დიდი ჰერცოგისერგეი ალექსანდროვიჩ რომანოვი, მოსკოვის გენერალ-გუბერნატორი, რომელიც მოკლეს 1905 წლის 4 თებერვალს.
ჩიჟოვი მატივე აფანასიევიჩი (1838-1916) -რუსი მოქანდაკე, რომელიც მოღვაწეობდა ყოველდღიურ ჟანრში. მ.ა. ჩიჟოვი იყო გლეხის ქვისმთლელის შვილი და ბავშვობიდან ეხმარებოდა მამას თავის საქმეში. სამხატვრო განათლება M.A. ჩიჟოვმა სწავლა ჯერ მოსკოვის ფერწერისა და ქანდაკების სკოლაში მიიღო (1857-1860), შემდეგ პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიაში, სადაც ჩაირიცხა 1861 წელს და სადაც სწავლობდა ნ. შეგირდობის წლებში მ.ა. ჩიჟოვი აქტიურად მუშაობდა და სხვა მოქანდაკეებთან ერთად მონაწილეობდა ნიმუშების შექმნაში და კოლოსალური მაღალი რელიეფების დამზადებაში ნოვგოროდში აშენებული "რუსეთის ათასწლეულის" ძეგლისთვის M.O.-ს დიზაინის მიხედვით. მიკეშინა. მოგვიანებით, ა.მ. ოპეკუშინი მუშაობდა ეკატერინე II-ის ძეგლზე პეტერბურგში, ასევე M.O. Mikeshin-ის პროექტის მიხედვით. 1867 წელს რელიეფისთვის „ნაინის ქვრივის ძის აღდგომა“ მ. ჩიჟოვმა მიიღო დიდი ოქროს მედალი, კლასის მხატვრის წოდება და პენსიონერის იტალიაში მოგზაურობის უფლება (1868-1873). უკვე რომში, სადაც M.A. ჩიჟოვმა გაატარა საპენსიო მოგზაურობის უმეტესი ნაწილი, განისაზღვრა მისი შემოქმედების ჟანრული ორიენტაცია, განსაკუთრებული ინტერესი ხალხის ცხოვრების, გლეხური ცხოვრებისა და დამახასიათებელი ტიპების გამოსახვისადმი. მოქანდაკე ყველაზე მეტად მუშაობს სხვადასხვა მასალები. ლირიკული ჟანრის ჯგუფები "ჭისთან (პირველი სიყვარული)" (1870) და "ბრმის ბლეფის თამაში" (1872) დამზადებულია შესანიშნავი იტალიური მარმარილოსგან; "ბედის თქმა ბარათებზე" (1871) და "გლეხი დედა ასწავლის თავის ქალიშვილი წერა-კითხვისთვის" (1873), "Frolic" (1873). მ.ა.ჩიჟოვის მიერ იტალიაში შესრულებული ნამუშევრებისთვის სამხატვრო აკადემიამ მას აკადემიკოსის წოდება მიანიჭა. განსაკუთრებით ცნობილი გახდა სკულპტურული ჯგუფი „გლეხი გასაჭირში (ფერფლზე)“ (1872), რომელიც ნაჩვენები იყო ვენაში, პეტერბურგსა და პარიზში გამოფენებზე, სადაც მიიღო ოქროს მედლები. თავით მარცხენა ხელზე მძიმედ დაყრდნობილი და მარჯვენა ხელით ჩახუტებული თავის უმცროს შვილს, მწუხარებით გაჟღენთილი გლეხი ნახშირის ღეროზე ზის. მისი უზარმაზარი, ძლიერი ფიგურა ჩამოცურდა, სახეზე უიმედო სევდის გამოხატულება იყო. მისი სოციალური ორიენტაციის მიხედვით, ნამუშევარი ახლოს არის ვ.გ. პეროვისა და მოხეტიალე მხატვრების ბევრ ნახატთან. იტალიიდან დაბრუნებული მოქანდაკე აქტიურ მონაწილეობას იღებს მობილურის ასოციაციის გამოფენებში ხელოვნების გამოფენები, ასწავლის ბარონ ა.ლ. ტექნიკური ნახაზის ცენტრალურ სკოლაში. შტიგლიცი (1879-1910), 1893 წელს გახდა სამხატვრო აკადემიის ნამდვილი წევრი და გახდა მისი საბჭოს წევრი. ბევრს მუშაობს პორტრეტული ბიუსტების ჟანრში: „ი.კ. აივაზოვსკი" (1873), "პრინცი პ.გ. ოლდენბურგი" (1876 წ.), "ალექსანდრე II" (1881 წ.). მ.ა. ჩიჟოვი ასრულებს ბიუსტს „N.A. ნეკრასოვი“ (1881), რომელიც მოგვიანებით დამონტაჟდა საფლავის ქვაპოეტზე ნოვოდევიჩის სასაფლაოპეტერბურგში. ნაკლებად ცნობილი და მნიშვნელოვანი არის მ.ა. ჩიჟოვის ნამუშევრები მონუმენტური ქანდაკების სფეროში, თუმცა ის აქტიურად მუშაობდა სანქტ-პეტერბურგის შენობების სკულპტურულ გაფორმებაზე, ასევე რუსეთის სხვადასხვა ქალაქების ძეგლების პროექტებზე: "ნიკოლოზ I" ( 1896) - კიევში, "პუშკინის ლიცეუმის სტუდენტი" ცარსკოე სელოსთვის (1890 წ.), "ადმირალი პ. ნახიმოვი“ (1900) - სევასტოპოლი.
მატვეი აფანასიევიჩ ჩიჟოვი გარდაიცვალა 1916 წელს პეტროგრადში.
ჟანრული ჯგუფების შემქმნელი იყო მოქანდაკე ნ.ა. ლავერეცკი.
ლავერეცკი ნიკოლაი აკიმოვიჩი (1837-1907)- რუსი მოქანდაკე, მონაწილეობა მიიღო ძეგლის „რუსეთის ათასწლეულის“ შექმნაში. ლავერეცკი ნ.ა. დაიბადა მოსკოვში, მოქანდაკის A.P. ლავერეცკის ვაჟი. მან პირველადი მხატვრული განათლება მიიღო სანქტ-პეტერბურგის RSHOPH-ში (ხელოვნების წახალისების საზოგადოების ხატვის სკოლა) უფასო ვიზიტორებისთვის. სწავლობდა საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიაში (1851–1866) პროფესორ ნ.ს. პიმენოვთან. ცხოვრებისგან გამოძერწილი პორტრეტის ბიუსტისთვის „ვ. ვ.იუზეფოვიჩი“ (1853) დაჯილდოვდა მე-2 ხარისხის ვერცხლის მედლით, ხოლო სკულპტურული პროგრამისთვის ბარელიეფი „აქილევსი ჰექტორის სხეულს მიათრევს“ (1857) მიიღო I ხარისხის ვერცხლის მედალი. ლავერეცკი ნ.ა. აკადემიური პროგრამისთვის "სინციკატი იღებს ელჩებს რომიდან" (1859) მან მიიღო II ხარისხის ოქროს მედალი, ხოლო პროგრამის ბარელიეფისთვის "რეგულუსის დაბრუნება რომიდან კართაგენში" (1860) დაჯილდოვდა დიდი ოქროთი. მედალი და მიიღო I ხარისხის მხატვრის წოდება. ლავერეცკი N.A., როგორც საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის პენსიონერი (1863), ეწვია ბერლინს, დრეზდენს, მიუნხენს, მილანს, გენუას, პიზას, რომს. სკულპტურული ჯგუფისთვის "ბავშვები იკვებებენ ჩიტს" მიიღო აკადემიკოსის წოდება (1868). შექმნის შემდეგ მარმარილოს ქანდაკება"ნეაპოლიტელი ბიჭი მაიმუნთან" (1870) ლავერეცკი ნ.ა. დაბრუნდა პეტერბურგში, სადაც დაიწყო მუშაობა საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიაში ქანდაკების კლასების პროფესორად (1871–1894). ამ პერიოდში მოქანდაკემ შექმნა ჟანრობრივი ჯგუფები: „პირველი ვარდი“ და „ბანა“, ჯგუფები „პატარა კოკეტები“ (1872), „ბავშვები მოწყალებას ითხოვენ“, ჯგუფები „დედობრივი სიყვარული“ (1876 წ.) და „ძველი ებრაელის თავი“. ” . მოქანდაკის ნამუშევრებში შედის ბიუსტები "საფო", "გაზაფხული", "ჩუჩარკა", "კაპუცინი", ასევე რამდენიმე პორტრეტული ბიუსტი: "დიდი ჰერცოგი ვლადიმერ ალექსანდროვიჩი", "იმპერატორი ალექსანდრე II", "დიდი რუსი მომღერალი ბასი O.A. პეტროვი“, ცნობილი რუსი ისტორიკოსი, სოციალურ-პოლიტიკური მკვლევარი და ეკონომიკური ისტორიარუსეთის „N.I. კოსტომაროვი“. მის სხვა ნამუშევრებს შორის უნდა აღინიშნოს ქანდაკებები: „ვაჭრობა“ (1876), „მრეწველობა“ (1876), „მეფისტოფელი“ (1881), „სირცხვილი“, როდოპი (1882), მაღალი რელიეფი „ანგელოზი“ (1884 წ. .). მოქანდაკე ავტორია ბრინჯაოს ჯგუფისა „კუპიდონი და ფსიქიკა“ (1887) და ალეგორიული ქანდაკება „რუსეთი“ (1896 წ.). ლავერეცკი ნ.ა. ძეგლის ავტორი „მ.ი. გლინკა“ სმოლენსკში და ძეგლი „ეკატერინე II“ სიმფეროპოლში. ლავერეცკი ნ.ა. იყო პეტერბურგის რუსი მხატვართა ურთიერთდახმარების საზოგადოების წევრი (1871), სრულიად რუსეთის სამხატვრო ასოციაციის და საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის წევრი (1876).
ნიკოლაი აკიმოვიჩ ლავერეცკი, გამოჩენილი რუსი მოქანდაკე, გარდაიცვალა 1907 წელს.
მან თავის შემოქმედებაში განავითარა L.V.-ს ჟანრული კომპოზიციების თემა. პოზენი.
პოზენი ლეონიდ ვლადიმიროვიჩი (1849-1921) -რუსი მოქანდაკე, გრაფიკოსი, დაიბადა გადამდგარი გვარდიის კაპიტნის ოჯახში 1849 წლის 10 ივლისს, ობოლონის სამკვიდროში, პოლტავას პროვინციაში L.V. პოზენი (1867-1873) სწავლობდა ქ იურიდიული ფაკულტეტები ჯერ ხარკოვიდან, შემდეგ კი პეტერბურგის უნივერსიტეტებიდან. დაამთავრა უნივერსიტეტი სამართლის დოქტორის ხარისხით. 1876 წლამდე მუშაობდა ფიცის დადებულ ადვოკატად პეტერბურგში. 1876 წელს ლ.ვ. პოზენი გადავიდა პოლტავაში, სადაც ეკავა რაიონული სასამართლოს პროკურორის თანაშემწის თანამდებობა. ლ.ვ.პოსენს არ მიუღია სისტემატური მხატვრული განათლება. 1877 წლიდან ლეონიდ ვლადიმროვიჩმა დაიწყო მოდელირება. კოპირების ნიმუშებად მან გამოიყენა თანამედროვე მოქანდაკეების ნამუშევრები: N. I. Liberrich, E. A. Lanceray, ფრანგი ცხოველთა მხატვარი P.-J. მეინი. G. G. Myasoedov- ის რჩევით, მან წარადგინა სკულპტურული ჯგუფი "Oxen" TPHV-ის მე-10 გამოფენაზე, რის შემდეგაც იგი გახდა პარტნიორობის გამოფენების რეგულარული მონაწილე (1918 წლამდე). 1891 წელს, დაწინაურების დანიშვნის შემდეგ, იგი ჩავიდა პეტერბურგში. იმავე წელს შეუერთდა TPHV-ს. 1894 წელს ავადმყოფობის გამო ლ.ვ. პოზენი გაემგზავრა რომში, სადაც მკურნალობდა და პარალელურად სწავლობდა სამუზეუმო კოლექციებს. 1894 წელს აირჩიეს საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის ნამდვილ წევრად. 1900 წელს დაინიშნა საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიის საბჭოს წევრად. 1900-იანი წლების დასაწყისში მან შექმნა პოეტი ი.პ. კოტლიარევსკის ძეგლი, რომელიც გაიხსნა 1903 წელს. 1914–1915 წლებში მუშაობდა ნ.ვ.გოგოლის ძეგლზე პოლტავასთვის, რომელიც გაიხსნა 1934 წელს. ლ.ვ. 1915 წელს პოზენმა უარი თქვა ქანდაკების აკადემიკოსის წოდებაზე, რომელიც მას შესთავაზეს "პრინციპული მიზეზების გამო". ლ.ვ. პოზენი მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის - მე-20 საუკუნის დასაწყისის ქანდაკების ერთ-ერთი გამორჩეული ოსტატია რუსეთში. მან უდიდესი პოპულარობა მოიპოვა თავისი კაბინეტის ჟანრის კომპოზიციებით უკრაინელი ხალხის ცხოვრებიდან. მან ასევე დაასრულა არაერთი პორტრეტული ბიუსტი და ნამუშევარი ისტორიულ თემებზე. თავის ნამუშევრებში ის იზიარებდა პერედვიჟნიკის მხატვრების შეხედულებებს და პირველი იყო მოქანდაკეებიდან, ვინც შეუერთდა პარტნიორობას. 1882 წლიდან 1918 წლამდე მან თავისი ნამუშევრები გამოფინა მოგზაურობის გამოფენებზე, ვინაიდან ლ. პოზენი ასოციაციის წევრია 1894 წლიდან. მან შექმნა არაერთი პორტრეტული ბიუსტი მხატვრების „ნ. ა.იაროშენკო“, „გ.გ. მიასოედოვი“, „პ.ა. ბრაილოვი“ და სხვები L.V. პოზენი ქმნის ჟანრულ კომპოზიციებს, რომლებიც მაყურებლის დიდ ინტერესს იწვევდა: "მათხოვარი", "ლაინერი მეგზურით", "გლეხი", "სკვითი ომში". L.V.-ს საყვარელი მასალა. პოზენი ცვილი იყო. მისი მრავალი ცვილის მოდელი იყიდა ბრინჯაოსმა კ.ფ. ვერფელმა მოგზაურობის გამოფენებიდან და რამდენიმე ათეული წლის განმავლობაში მათგან კასტინგები მზადდებოდა მის სანქტ-პეტერბურგის სახელოსნოში. ცნობილია გვიანდელი კასტინგები მოქანდაკის მოდელებიდან, რომელიც დამზადებულია მეოცე საუკუნის შუა წლებში. ნამუშევრები L.V. პოზენის ნამუშევრები მრავალ სამუზეუმო კოლექციაშია, მათ შორის სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეაში, კიევის რუსული ხელოვნების მუზეუმში, პოლტავას ხელოვნების მუზეუმში და სხვა. ლ.ვ. პოზენი 1895 წლიდან არის სამხატვრო აკადემიის ნამდვილი წევრი.
რუსულ ხელოვნებაში კაბინეტის ბრინჯაოს ქანდაკების დარგი შეიმუშავა ე.ა. ლანსერე.
ლანსერე ევგენი ალექსანდროვიჩი (1848-1887) -რეალისტი, მრავალი ბრინჯაოს კაბინეტის ქანდაკების ავტორი, დაიბადა მორშანსკში. 1862 წელს მან დატოვა მშობლიური ქალაქი და სასწავლებლად გაემგზავრა პეტერბურგში. ე.ა. ლანსერემ მხოლოდ 38 წელი იცოცხლა, მაგრამ ნიჭისა და შრომისმოყვარეობის წყალობით მან მნიშვნელოვანი ადგილი დაიკავა რუსული ქანდაკების ისტორიაში. ევგენი ალექსანდროვიჩ ლანსერემ შექმნა მცირე ჟანრის ფიგურები და ჯგუფები, ძირითადად ცხოველების გამოსახულებები, ასევე სცენები რუსული ცხოვრებიდან. გლეხები და კავკასიისა და შუა აზიის ხალხები, რომლებშიც მან გამოიჩინა დიდი დაკვირვება და უნარი ადამიანის ჟესტებისა და ცხოველური ჩვევების გადმოცემისას და დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების სკულპტურულად დაპროექტებული ნამუშევრები (მელნი, სასანთლეები და ა.შ.). არაერთი ნამუშევარი E.A. Lansere განკუთვნილი იყო კასლის რკინის სამსხმელოში გასამრავლებლად. „ლეუხტენბერგის ჰერცოგის მხატვრული ბრინჯაოს პეტერბურგის გალვანოპლასტიკური ქარხანა“, საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიის პრეზიდენტი - მოგვიანებით „გენკეს, პლესკესა და მორანის მხატვრული ბრინჯაოს ქარხანა“, რომელიც აწარმოებდა. მონუმენტური ნამუშევრები(წმინდა ისააკის ტაძრის ქანდაკებები, ანიჩკოვის ხიდის ორი საცხენოსნო ქანდაკება) და მცირე ბრინჯაო. მოგვიანებით, ა.მორანმა დაიწყო დამოუკიდებლად მუშაობა, დატოვა თავისი "სამყარო" სახელი ე.ა. ლანსერე. 1883 წელს ფელიქს შოპენის დავალებით ე.ა. ლანსერეი გაემგზავრა ალჟირში, სადაც მუშაობდა ეროვნულ მოტივებზე დაფუძნებული ნამუშევრების სერიის შექმნაზე. ადრეული პერიოდი ლანსერე ე.ა. შეიცავს რომანტიკულ განწყობას, ისტორიულ საგნებს (გამოხმაურება 1877-1878 წლების რუსეთ-თურქეთის ომის მოვლენებზე) „დონ კაზაკები-ფორაგერები“ გამოავლინეს ანიმალისტური ჟანრის, „ზაპოროჟეცის“ შესაძლებლობები. ბრძოლის შემდეგ, "ვიტიაზი", "სვიატოსლავი", "ველური ცხენის დაჭერა". მისმა ნამუშევრებმა არაერთხელ მიიღეს ჯილდოები მსოფლიო გამოფენებზე. მორშანსკის ისტორიულ და ხელოვნების მუზეუმში არის ქანდაკებები E.A. ლანსერე "დახმა", "ჯიგიტოვკა", "ალიეტმეზი", "ცხენზე მხედარი", "მაღალმთიანი ცხენზე", "კაზაკის დამშვიდობება კაზაკ ქალთან". ევგენი ალექსანდროვიჩ ლანსერეი მხატვრული დინასტიის დამაარსებელია. მისი შვილები: E.E. Lansere (1875-1946) - მხატვარი, N.E. Lansere (1879-1942) - მოქანდაკე, არქიტექტორი, Z.E. Serebryakova (1884-1967) - მხატვარი.
ევგენი ალექსანდროვიჩ ლანსერეი, გამოჩენილი მოქანდაკე, გარდაიცვალა 1887 წელს.
მონუმენტური ქანდაკების პრობლემა იყო გამოჩენილი მოქანდაკის ი.ია.გინცბურგის შემოქმედება.
გინზბურგი ილია იაკოვლევიჩი (1859-1939) -ნამდვილი სახელი და გვარი ელიაშ გინზბურგი, დაიბადა 1859 წლის 15 მაისს გროდნოში, რუსი მოქანდაკე, სამხატვრო სახელოსნოების პროფესორი (1918 წ.). ილია გინცბურგმა ბავშვობა გაატარა ვილნაში, სადაც მოქანდაკე მ.ანტოკოლსკიმ მიიპყრო ყურადღება. 1870 წლიდან სწავლობდა მ.მ.ანტოკოლსკის სახელოსნოში პეტერბურგში და თან ახლდა იტალიაში მოგზაურობაში. ამ პერიოდში მოქანდაკემ შექმნა ჟანრული ნამუშევარი "ბიჭი, რომელიც ცურავს". დაბრუნების შემდეგ ის შევიდა ნამდვილ სკოლაში, შემდეგ 1878 წელს შევიდა პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის ქანდაკების განყოფილებაში, სადაც სწავლობდა ალექსანდრე რომანოვიჩ ბოკთან, ნიკოლაი აკიმოვიჩ ლავერეცკისთან და ივან ივანოვიჩ პოდოზეროვთან. 1886 წელს ნაშრომისთვის "იერემია წინასწარმეტყველის გოდება იერუსალიმის ნანგრევებზე" მიიღო ოქროს მედალი და "I ხარისხის მხატვრის" წოდება. 1918 წლიდან განზბურგი ი.ია დაინიშნა პროფესორად და პეტროგრადის სახელმწიფო თავისუფალი ხელოვნების სახელოსნოების ქანდაკების სახელოსნოს ხელმძღვანელად. 1921-1923 წლებში. - უმაღლესი სამხატვრო და ტექნიკური სახელოსნოების ქანდაკების ფაკულტეტის დეკანი. გინზბურგი I.Ya. შექმნა ძეგლები „ნ. ვ.გოგოლი“ ქალაქ სოროჩინცში „ი.კ. აივაზოვსკი“ ქალაქ ფეოდოსიაში. მოქანდაკე ავტორი იყო საფლავის ქვის „ვ. ვ.სტასოვი“ (ურბანული ქანდაკების მუზეუმი, პეტერბურგი), ვ საბჭოთა დრომონაწილეობა მიიღო მონუმენტური პროპაგანდისტული გეგმის განხორციელებაში, შექმნა ძეგლები „გ.ვ. პლეხანოვი“ (შენობის წინ ტექნოლოგიის ინსტიტუტი M. Ya. ხარლამოვთან თანამშრომლობით) და „დ. ი.მენდელეევი“. ᲓᲐ ᲛᲔ. გუნზბურგი ცნობილია, როგორც მცირე პლასტიკური ხელოვნების ოსტატი. მოქანდაკემ შექმნა ფიგურები „I.I. შიშკინი“, „ვ.ვ. ვერეშჩაგინი“, „ი.ე. რეპინი“, „ვ.ი.სურიკოვი“, „ლ.ნ. ტოლსტოი“, „დირიჟორი ნაპრავნიკი“, „ვ.ვ. სტასოვი“.
ილია იაკოვლევიჩ გინზბურგი, გამოჩენილი რუსი საბჭოთა მოქანდაკეგარდაიცვალა 1939 წლის 31 იანვარს ლენინგრადში.
მოხეტიალეები
მოგზაურობის ხელოვნების გამოფენების ასოციაცია (პერედვიჟნიკი) - შემოქმედებითი ასოციაციარუსი მხატვრები, რომლებიც არსებობდნენ XIX საუკუნის ბოლო მესამედში. ესთეტიკური თვალსაზრისით, პარტნიორობის, ანუ პერედვიჟნიკის მონაწილეები მიზანმიმართულად უპირისპირდებოდნენ თავს ოფიციალური, აკადემიური მხატვრული მოძრაობის წარმომადგენლებს. საზოგადოების დამფუძნებლები იყვნენ I. N. Kramskoy, G. G. Myasoedov, N. N. Ge და V. G. Perov. თავიანთ საქმიანობაში მოხეტიალეები შთაგონებულნი იყვნენ პოპულიზმის იდეებით. პერედვიჟნიკი ეწეოდა აქტიურ საგანმანათლებლო საქმიანობას, კერძოდ, აწყობდა მოგზაურობის გამოფენებს; პარტნიორობის ცხოვრება კოოპერატიულ პრინციპებზე იყო აგებული. 1863 წელს, 9 ნოემბერს, საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიის 14 ყველაზე გამორჩეულმა სტუდენტმა, რომელიც აღიარა პირველი ოქროს მედლისთვის კონკურსში, მიმართა აკადემიის საბჭოს საკონკურსო დავალების შეცვლის თხოვნით (ნახატის დახატვა მოცემულზე დაფუძნებული ნაკვეთი სკანდინავიური მითოლოგიიდან "ღმერთის ოდინის დღესასწაული ვალჰალაში") უფასო დავალებისთვის, სურათის დახატვა თავად მხატვრის მიერ არჩეულ თემაზე. საბჭოს უარის საპასუხოდ აკადემია 14-მა ადამიანმა დატოვა. ეს მოვლენა ისტორიაში შევიდა, როგორც "14-ის ბუნტი". სწორედ მათ მოაწყვეს „არტ არტელი“, მოგვიანებით, 1870 წელს, იგი გადაკეთდა „მოგზაური ხელოვნების გამოფენების ასოციაციად“, მოგზაურთა ასოციაციის აყვავება 1870-1880-იან წლებში დადგა.
მოხეტიალეები სხვადასხვა დროს შედიოდნენ: ი.ე. რეპინი, ვ.ი. სურიკოვი, ვ.ე.მაკოვსკი, ი.მ.პრიანიშნიკოვი, ა.კ.სავრასოვი, ი.ი.შიშკინი, ვ.მ.მაქსიმოვი, კ.ა.სავიცკი, ა.მ. და ვ.მ. ვასნეცოვი, ა.ი.კუინჯი, ვ.დ.პოლენოვი, ნ.ა.იაროშენკო, ი.ი.ლევიტანი, ვ.ა.სეროვი, ა.ე.არხიპოვი და მრავალი სხვა. პარტნიორობის გამოფენებში მონაწილეობდნენ M. M. Antokolsky, V. V. Vereshchagin, A. P. Ryabushkin, I. P. Trutnev და სხვები. დიდი როლიცნობილმა ხელოვნებათმცოდნემ და კრიტიკოსმა ვ.ვ.სტასოვმა თავისი როლი ითამაშა პერედვიჟნიკის ხელოვნების განვითარებაში; პ.მ. ტრეტიაკოვმა, თავისი გალერეისთვის მოხეტიალეთა ნამუშევრების შეძენით, მათ მნიშვნელოვანი მატერიალური და მორალური დახმარება გაუწია. მოხეტიალეთა მრავალი ნამუშევარი შეკვეთილი იყო პაველ მიხაილოვიჩ ტრეტიაკოვის დაკვეთით.პარტნიორობის ბოლო ხელმძღვანელი, რომელიც აირჩიეს 1918 წელს, იყო პაველ ალექსანდროვიჩ რადიმოვი. მოხეტიალეთა ნახატებს ახასიათებდა გაძლიერებული ფსიქოლოგიზმი, სოციალური და კლასობრივი ორიენტაცია, ტიპაჟის მაღალი უნარი. , ნატურალიზმთან მოსაზღვრე რეალიზმი, რეალობის საერთო ტრაგიკული ხედვა. მოგზაურთა ხელოვნებაში წამყვანი სტილები იყო იმპრესიონიზმი და რეალიზმი.
რომანტიზმი
რომანტიზმი(რომანტიზმი) არის იდეოლოგიური და მხატვრული მოძრაობა, რომელიც წარმოიშვა ევროპულ და ამერიკული კულტურამე-18 საუკუნის დასასრული - მე-19 საუკუნის პირველი ნახევარი, როგორც რეაქცია კლასიციზმის ესთეტიკაზე. იგი თავდაპირველად განვითარდა (1790-იანი წლები) ფილოსოფიასა და პოეზიაში გერმანიაში, შემდეგ კი (1820-იანი წლები) გავრცელდა ინგლისში, საფრანგეთსა და სხვა ქვეყნებში. მან წინასწარ განსაზღვრა ხელოვნების უახლესი განვითარება, თუნდაც ის მიმართულებები, რომლებიც ეწინააღმდეგებოდა მას.
ხელოვნებაში ახალი კრიტერიუმები იყო გამოხატვის თავისუფლება, ინდივიდისადმი გაზრდილი ყურადღება, პიროვნების უნიკალური თვისებები, ბუნებრიობა, გულწრფელობა და სიმშვიდე, რამაც შეცვალა მე-18 საუკუნის კლასიკური მოდელების იმიტაცია. რომანტიკოსებმა უარყვეს განმანათლებლობის რაციონალიზმი და პრაქტიკულობა, როგორც მექანიკური, უპიროვნო და ხელოვნური. ამის ნაცვლად, მათ პრიორიტეტად აჩვენეს ემოციური გამოხატვა და შთაგონება.
არისტოკრატული მმართველობის დამპალი სისტემისგან თავისუფალნი, ისინი ცდილობდნენ გამოეხატათ თავიანთი ახალი შეხედულებები და აღმოჩენილი სიმართლე. მათი ადგილი საზოგადოებაში შეიცვალა. მათ თავიანთი მკითხველი იპოვეს მზარდ საშუალო ფენაში, მზად იყვნენ ემოციურად მხარი დაუჭირონ და თაყვანი სცენ ხელოვანს - გენიოსს და წინასწარმეტყველს. თავშეკავება და თავმდაბლობა უარყოფილი იყო. მათ ჩაანაცვლა ძლიერი ემოციები, ხშირად აღწევდნენ უკიდურესობებს.
დელაკრუა, ევგენი(1798-1863), უდიდესი ფრანგი მხატვარი- რომანტიული. 1822 წელს დელაკრუაგამოფენილი პარიზის სალონინახატი „დანტეს ნავი“, რომელიც მთავრობამ იყიდა, რამაც დელაკრუას თავბრუდამხვევი კარიერის შესაძლებლობა გაუხსნა. დელაკრუა, როგორც წესი, ამჯობინებდა თავისი ნახატების საფუძვლად დრამატული საგნების მიღებას. იგი დაინტერესდა ეგზოტიკური მოტივებით, განსაკუთრებით 1832 წელს მაროკოში მოგზაურობის შემდეგ. გარდა ამისა, იგი შევიდა ფერწერის ისტორიაში, როგორც განსაკუთრებული სულიერებით გამორჩეული პორტრეტების ავტორი. 1830-იანი წლების შემდეგ დელაკრუა მონაწილეობდა პარიზში საზოგადოებრივი შენობების დიზაინში.
დელაკრუას მხატვრულ სტილს ახასიათებს განსაკუთრებული დინამიზმი, ღრმად ემოციური ინტენსივობა და ძირითადი მოფერება, რამაც დიდი გავლენა მოახდინა რენუარზე, სერატსა და ვან გოგზე. დელაკრუა იყო შესანიშნავი მწერალიც და გამომცემელიც; მისი „ჟურნალი“ ასახავს დელაკრუას შეხედულებებს თანამედროვე ცხოვრების შესახებ.
თეოდორ გერიკო(1791-1824), ლიდერი გახდა ევგენი დელაკრუა (1798-1863).
გერიკო სწავლობდა აკადემიკოსებთან, მაგრამ მაშინაც კი იზიდავდა მძლავრი ფერის მქონე მხატვრები: კარავაჯო, ტიციანი, რემბრანდტი, ველასკესი და გრო. 1812 წელს ჟერიკომ სალონში გამოფინა ნახატი "ოფიცერი, რომელიც შეტევაზე მიდის" (ნაპოლეონის იმპერიული გვარდიის მხედრების ოფიცერი იმ დროს იბრძოდა შორეულ რუსეთში და არავინ იცოდა საფრანგეთის კამპანიის შედეგის შესახებ). ცხენზე ამხედრებული მეომარი, საბერით ხელში, უკან ბრუნდება და ყველას თავდასხმისკენ მოუწოდებს. ნახატმა წარმატებას მიაღწია და 20 წლის მხატვარმა ამისთვის ოქროს მედალი მიიღო. მაგრამ 2 წლის შემდეგ, მხატვარმა შექმნა თანაბრად გმირული ნახატი, რომელიც საზოგადოებამ სამარცხვინოდ და არაპატრიოტულად მიიჩნია: "დაჭრილი კუირასი ტოვებს ბრძოლის ველს". გერიკოს ამ ნაშრომში თავიანთი კერპით იმედგაცრუებულმა ახალგაზრდებმა ნაპოლეონის სამარცხვინო დამარცხების მინიშნება დაინახეს. გერიკო გაემგზავრა იტალიაში, რათა შეესწავლა რენესანსის მხატვრობა და ანტიკურ კულტურა, განაგრძო დაინტერესება საფრანგეთის ცხოვრებით და ეძებდა მასში გმირულ საგნებს თავისი ნამუშევრებისთვის. და შესაძლებლობა მალევე გაჩნდა: 1816 წელს ფრეგატი მედუზა სენეგალის სანაპიროსთან განადგურდა. ჯოხზე ას ორმოცდაათი ადამიანი გადაარჩინეს, 12 დღის შემდეგ აიყვანეს და მხოლოდ 15 დარჩა ცოცხალი. ფრანგებმა უგულებელყვეს თანამემამულეების გადარჩენა, გარდა იმისა, რომ ისინი აღშფოთებულნი იყვნენ კაპიტნის არაპროფესიონალიზმით, რომელიც ფრეგატზე მფარველობაში იყო დანიშნული. ინციდენტი არქივის სახით ჩაიწერებოდა, რომ არა გერიკოს აღშფოთება. უზარმაზარმა ტილომ "მედუზას სიკვდილი", რომელიც ასახავს ნახევრად მკვდარ ადამიანებს, რომლებიც გიჟური იმედით შორს იყურებიან, საზოგადოება აღშფოთებული იყო იმით, რაც ხდებოდა და საზოგადოებამ მთავრობა კორუფციაში დაადანაშაულა. დიდი სკანდალი ატყდა. დროდადრო ხალხი მოდიოდა სალონში და უყურებდა მამას, რომელსაც მკვდარი შვილი კალთაში ეჭირა, ნახევრად დამხრჩვალი გვამი, შავკანიანი კაცი წითელ ცხვირსახოცს აფრიალებდა. ამ სტიქიის თვითმხილველები იდგნენ სურათის წინ, ბევრმა იცნო ნამდვილი პერსონაჟები. ნახატი მუქ ტონებში იყო დახატული წითელი და მწვანე ელვარებით, უხეში კიაროსკუროთი, რომელიც დრამატულ კონფლიქტს ქმნიდა სხვადასხვა განწყობის მონაცვლეობით. ჟერიკო იმედოვნებდა, რომ მიმართავდა ფრანგების ჰუმანურობასა და სამოქალაქო გამბედაობას. ბევრი გადარჩენილი ხომ რჩებოდა გიჟად, ზოგი გადარჩენილი კი უღირსად იქცეოდა სუსტთა და დაუცველთა მიმართ. იმისთვის, რომ არ გამხდარიყვნენ ადამიანური სახე დაკარგული კანიბალების მტაცებელი, ფრეგატიდან გაქცეულები წყალში ხტებოდნენ და საკუთარი ნებით დაიხრჩობდნენ. და გერიკოც წერდა ამის შესახებ. მაგრამ მაშინ ძალიან ცოტამ გაიგო მისი, უფრო სწორად, ყველა ცდილობდა დაებრალებინა მხატვარი რეალობის ცილისწამებაში და ის იქცეოდა როგორც ჟურნალისტი-მხატვარი. გერიკოს გარდაცვალებიდან 5 წლის შემდეგ ამ ნახატზე გამოიყენეს ტერმინი "რომანტიზმი".
და გერიკო წავიდა ინგლისში და იქ აიღო ახალი ტექნიკა - ლითოგრაფია (1821 წლის დიდი ინგლისური სუიტა). მან შეისწავლა კონსტებლის ნამუშევარი და დახატა ნახატი "Epsom Races" ფრინველის ცხენების გამოსახულებით, რომლებიც მიფრინავდნენ სადგომების წინ. გერიკომ იპოვა ორიგინალური ტექნიკა: მან ფონი ბუნდოვანი გახადა და მათზე ფრთხილად დახატა ცხენები და ჟოკეები. საფრანგეთში დაბრუნებული მხატვარი დაინტერესდა ამაღლებული ფსიქიკისა და გატეხილი სულის მქონე ადამიანების შესწავლით. მან ბევრი ჩანახატი გააკეთა თავისი მეგობრის ხორხეს ფსიქიატრიულ კლინიკაში ("გიჟი, რომელიც საკუთარ თავს მეთაურს უწოდებს", "ბავშვთა ქურდი", "კლეპტომანი"). პორტრეტები უბედურების მიმართ აშკარა სიმპათიით იყო დახატული. ჟერიკომ სიცოცხლის ბოლო წელი საწოლში გაატარა ცხენიდან უბედური დაცემის გამო, სანამ 33 წლის ასაკში გარდაცვალებამდე. მოგვიანებით ის ნამდვილად დააფასეს: მათ შენიშნეს მისი ორიენტალიზმი, შელისა და ბაირონის ილუსტრაციები, რომანტიზმის მაცნე მისი კოლორისტული რევოლუციით, რომელიც განხორციელდა დელაკრუას, კოროტისა და დომიეს მიერ, შემდეგ რეალიზმის გრძნობა ლითოგრაფებში და შეშლილების გვიან პორტრეტებში. ჟერიკო ინგლისურ მხატვრობასაც ბევრი ევალებოდა - მისი ყველა ფერწერის გამოფენა იქ მუდმივი წარმატებით იმართებოდა.
44. ო.დაუმიე, როგორც მნიშვნელოვანი და უდიდესი ოსტატი კრიტიკული რეალიზმისაფრანგეთში. G.Courbet F. Millet-ის ნამუშევრები
ონორე დომიე (1808 1879)
ცნობილია მისი კარიკატურები ლუი ფილიპის, ბანკირებისა და მრეწველების მეფის შესახებ, რომელსაც იგი მსხლად ასახავდა და გრავიურის სატირული გამოვლენის ფურცლები: "ჯარიმა", "ციხე". ცნობილი გრავიურა "საკანონმდებლო საშვილოსნო", რომელშიც წარმოდგენილია მონსტრები მინისტრები და პარლამენტის წევრები. 1834 წელს - ოქროთი „ხელები მოშორდი! პრესის თავისუფლება”, რომელზეც გამოსახულია სტამბის მუშის გამოსახულება. ასე ფართოვდება ხელოვნების ნიმუშების თემატიკა.
1848 წელს დაუმიე კვლავ მიუბრუნდა სატირას. მისი გმირები არიან იმპერატორი ნაპოლეონ III და მინისტრი ტიერსი.
ფერწერაში დაუმიე ქმნის უზარმაზარი ქალაქის მუშების გამოსახულებებს. მშვენიერია "მრეცხავი". სურათის ქალური და დიდებული ჰეროინი მდინარიდან ციცაბო კიბის გასწვრივ ამოდის. ხელში თეთრეულის შეკვრა უჭირავს და ბავშვს ფრთხილად უჭერს მხარს. დომიე მრეცხავი ქალის მკვრივ სილუეტს ხატავს კაშკაშა განათებული სენის სანაპიროს ფონზე. ქალაქის კონტურები ჰაეროვან ნისლში იშლება. სიბერეში დაუმიე ღარიბი და ავად იყო, რა დროსაც მხატვარი კამილ კორო დაეხმარა მას პატარა სახლის შეძენაში.
გუსტავ კურბე (1819 - 1877)
კურბე დაიბადა ფრანკო-შვეიცარიის საზღვართან მდებარე სოფელ ორნასში და ყოველთვის ამაყობდა თავისი გლეხური წარმომავლობით. თავისი პოლიტიკური შეხედულებებით ის იყო სოციალისტი, ხოლო ხელოვნებაში მე-19 საუკუნის ორმოციანი წლების დასაწყისში იგი მოქმედებდა როგორც მოძრაობის რომანტიკოსი. 1848 წლისთვის, ევროპის მასშტაბით გავრცელებულ რევოლუციების გავლენის ქვეშ, მან დაიჯერა, რომ რომანტიკოსების ფოკუსირება გრძნობებსა და წარმოსახვაზე მხოლოდ მათი დროის რეალობიდან გაქცევა იყო. თანამედროვე ხელოვანი უნდა დაეყრდნოს მხოლოდ უშუალო გამოცდილებას და იყოს რეალისტი. "მე არ შემიძლია ანგელოზის დახატვა", - ამბობს კურბე, "რადგან არასდროს მინახავს".
1849 წელს, როდესაც კურბემ გამოფინა "ქვის გამანადგურებელი"- პირველი ტილო, რომელიც სრულად ასახავდა მის რეალისტურ პროგრამას - ატყდა სკანდალი. ერთხელ კურბემ დაინახა გზაზე მომუშავე ორი მამაკაცი და სთხოვა, რომ მისთვის თავის სახელოსნოში პოზირება მოეხდინათ. მან ისინი პროზაულად და საფუძვლიანად გამოსახა ნატურალური ზომით, მილეტისთვის დამახასიათებელი პათოსისა და სენტიმენტალურობის გარეშე. სახე ახალგაზრდა კაციგვერდზე გადაბრუნდა, მოხუცს სახე ნახევრად ქუდით აქვს დაფარული. კურბემ, უდავოდ, შემთხვევით არ აირჩია ისინი - მისთვის მნიშვნელოვანი იყო ასაკობრივი კონტრასტი - ერთი ძალიან მოხუცი იყო ასეთი მძიმე შრომისთვის, მეორე - ძალიან ახალგაზრდა. მათი სიმბოლური მნიშვნელობის შეგნებიდან ღირსებით აღსავსე, თანაგრძნობისთვის არ მოგვმართავენ. კურბე ასახავდა ყოველდღიურ ცხოვრებას მონუმენტურობითა და სერიოზულობით, რომელიც ტრადიციულად გამოიყენება ისტორიის მხატვრობაში. მან მთლიანად უარყო რელიგიიდან, მითოლოგიიდან და ისტორიიდან ნასესხები ყველა ტრადიციული საგანი, რითაც გამოხატა პროტესტი, რომელიც დუღდა მრავალი ადამიანის სულში, თუმცა ჯერ ვერავინ გაბედა მისი სიტყვებით ან სურათებით თარგმნა.
მხატვარი ყველა თვალსაზრისით ძლიერი პიროვნება იყო. მან დახატა დიდი ნახატები ფუნდამენტურ თემებზე: სიცოცხლე, სიკვდილი, ბუნება, ადამიანის არსებობა. კურბე რადიკალური იყო სამყაროსადმი დამოკიდებულებით და ყველაფერში ავლენდა სპონტანური პროტესტის თავისებურებებს. მისმა ერთ-ერთმა პირველმა ნახატმა აჩვენა სიმართლე ხელოვნებაში, დაუფარავი და მკაცრი.
„დაკრძალვა ორნანში“ (1849 – 1850 წწ.).კურბეს ნახატები გამსჭვალულია მონუმენტურობით, მოცულობების სიმკვრივით და ფორმების წონით. ტილო გვიჩვენებს უბრალო ადამიანებს სრულ ზრდაში ისტორიული კომპოზიციის მასშტაბით. რაც ადრე მოითხოვდა პატარა სცენას, პროვინციაში ჩვეულებრივი ადამიანის დაკრძალვას, კურბე აქცევს მასშტაბურ ტილოდ. ის ზუსტად ახასიათებს წვრილბურჟუაზიას, გლეხებს, ხელოსნებსა და სასულიერო პირებს. რიტუალის მრავალი მონაწილის შავი ტანსაცმელი და პრიმიტიული გარეგნობა მხოლოდ რიტუალის ხარკია. ფიგურები ავსებს მთელ სურათს, აძლევს მას დიდებულ და მონუმენტურ ხასიათს.
"გამარჯობა, ბატონო კურბე!" 1854 წ.
ნახატზე ნაჩვენებია ეპიზოდი მხატვრის ცხოვრებიდან: კურბეს ჩამოსვლა 1854 წელს მონპელიეს ციხესიმაგრეში. ეს არის სცენა Ყოველდღიური ცხოვრების. მხატვარმა საკუთარი თავი ყველაზე ხელსაყრელი სახით წარმოაჩინა. კურბე მაღალი აღნაგობის კაცი იყო. განსაკუთრებით ამაყობდა თავისი გამომხატველი პროფილით და ასურული წვერით. ის თავის პროფილს ტილოზე ათავსებს მსუბუქი ცის ფონზე. სეირნობისას კურბე ხვდება პატივცემულ ბურჟუას, ალფრედ ბრუიატს, რომელმაც შეაგროვა კურბეს ნახატები და ამით მხატვარს კომფორტულად ცხოვრების საშუალება მისცა. მაგრამ ტილოზე მხატვარი ბურჟუაზიას პატივისცემით არ ქედს თავს. ამან საზოგადოება აღაშფოთა. კურბე თავს გლეხური სამოსით ხატავდა, რაც წესიერების ყველა წესს ეწინააღმდეგებოდა. ალფრედ ბრუილის ფეხდამდგმელმა პატივისცემით დაუქნია თავი, ძაღლმა კი ცნობისმოყვარეობით შეხედა მხატვარს. კურბემ თავი ნათელ შუქზე მოათავსა, მხატვრის ფიგურა მკვეთრ ჩრდილს აყენებს, ხოლო ფეხით მოსიარულე და მისი ბატონი ხის ჩრდილში არიან მოთავსებული. სურათზე მარჯვნივ არის ვაგონი, რომლითაც მხატვარი აქ დასარჩენად მოვიდა. კურბე სქლად იყენებდა ფუნჯს და ხშირად მიმართავდა პალიტრის დანის გამოყენებას, ფუნჯს განზე დებდა. მხატვარი ხატავდა ისე, როგორც სალონებში იყო მიჩვეული, არ აკოცა თავის ნახატებს, არ წერდა უმცირეს დეტალებს. ამან კრიტიკოსებს საფუძველი მისცა დაედანაშაულებინათ იგი არაპროფესიონალიზმში; სურათმა სკანდალი გამოიწვია 1854 წლის სალონში.
1855 წლის პარიზის გამოფენაზე, რომელშიც წარმატებით იყო წარმოდგენილი ინგრესა და დელაკრუას ნამუშევრები, კურბემ მიიპყრო ყურადღება მის ნახატებზე, ხის დიდ ბეღელში პერსონალური გამოფენის გამართვით, სადაც მან გაავრცელა რეალიზმის მანიფესტი.
„ჩემი შეფასებით უნდა გადმოვცე ჩემი ეპოქის მორალი, იდეები, გარეგნობა“ - კურბეს ეს სიტყვები კრიტიკული რეალიზმის საფუძველია. აქ მთავარია მხატვრის შეფასება რეალობის ფენომენებზე. გამოფენის ცენტრში კურბემ ნახატი განათავსა
"ატელიე" 1855 წ.
ფრანსუა მილე (1814 - 1875)
მილე დაიბადა შერბურგის მახლობლად, ლამანშის სანაპიროზე მდებარე პატარა სოფელ გრუშიდან მდიდარი გლეხის ოჯახში. მისი მხატვრული უნარიაღიქვეს ოჯახი ზემოდან საჩუქრად. მშობლებმა მას ფული მისცეს და ფერწერის სწავლის საშუალება მისცეს. მილეტმა აღმოაჩინა ძველი ოსტატების - პირველ რიგში მე -17 საუკუნის ჰოლანდიელი და ესპანელი მხატვრების ნამუშევრები. 1837 წელს ჩავიდა პარიზში და ორი წელი სწავლობდა მხატვარ პოლ დელაროშის სახელოსნოში. 1840 წლიდან ახალგაზრდა მხატვარმა დაიწყო თავისი ნამუშევრების გამოფენა სალონში.
1849 წელს მხატვარი დასახლდა ბარბიზონში და იქ ცხოვრობდა სიცოცხლის ბოლომდე. მილეტისთვის მთავარი გახდა გლეხის ცხოვრებისა და ბუნების თემა. "მე გლეხი ვარ და გლეხის მეტი არაფერი", - თქვა მან თავის შესახებ.
ბუნებასთან ერთად ამ მხატვარმა დაიწყო გლეხების ცხოვრების ასახვა. მან დაწერა ისინი სითბოთი, გამჭრიახობით და სიმართლით. მისი გმირები შრომისმოყვარეები არიან. Ესენი არიან "მთესავი", "ხის მყნობა".
"ყურის ამკრეფები" 1857 წ.
გამოსახული გლეხი ქალები გამოირჩევიან მონუმენტურობით, ეპიკურობითა და გამოსახულების ძალით. წინა პლანზე თავად გლეხი ქალები არიან, რომლებიც აგროვებენ სქელებს. შორეული - მინდვრების პანორამა, მოსავლის აღება. მზის სხივებში ვლინდება გლეხი ქალების ფიგურები - გადმოცემულია მათი მძლავრი პლასტიურობა, სხივების ოქროსფერი შუქი და მშრომელი ქალების ფიგურები აერთიანებს მათ და ქმნის მთლიანი კომპოზიციის მთლიანობას.
ფერწერა "ანგელოზი" (1859)აჩვენა, რომ მილეტს შეუძლია დახვეწილი ემოციური გამოცდილების გადმოცემა თავის ნამუშევრებში. ორი მარტოხელა ფიგურა გაიყინა მინდორში - ცოლ-ქმარი, რომლებმაც გაიგონეს საღამოს ზარის რეკვა, ჩუმად ლოცულობდნენ მიცვალებულებისთვის. ლანდშაფტის რბილი მოყავისფრო ტონები, რომლებიც განათებულია ჩასვლის მზის სხივებით, ქმნის სიმშვიდის განცდას.
1859 წელს მილეტმა საფრანგეთის მთავრობის დაკვეთით დახატა ნახატი "გლეხი ქალი მწყემსავს ძროხას". ყინვაგამძლე დილა, ყინვა ვერცხლისფერია მიწაზე, ქალი ნელ-ნელა იხეტიალებს ძროხის უკან, მისი ფიგურა თითქმის დაიშალა დილის ნისლში. კრიტიკოსებმა ამ სურათს სიღარიბის მანიფესტი უწოდეს.
"კაცი თოხით" 1863 წ
თავად მხატვარმა თქვა თავის ნახატზე: ”ეს არის პური შუბლის ოფლით, ეს არის დედამიწის ძახილი, ეს მე თვითონ ვიცი, მაგრამ სწორედ ამაში ვპოულობ ნამდვილ პოეზიას”.
ამრიგად, ჩვენ ვხედავთ, რომ მე-19 საუკუნის შუა ხანებში ხელოვნებამ დაიწყო თავისი თემების საგრძნობლად გაფართოება, მის საგნებში ჩართოს ის, რაც მანამდე არ ეკუთვნოდა მხატვრობის სამყაროს.
"გაზაფხული" (1868-1873) - ბოლო სამუშაოფეტვი. Სიცოცხლით სავსედა ბუნების სიყვარული, წვიმის შემდეგ ნათელი ფერებით ანათებდა, იგი დასრულდა მხატვრის გარდაცვალებამდე ცოტა ხნით ადრე.
ბარბიზონის სკოლა არის გარდამავალი ეტაპი რომანტიზმიდან რეალიზმისკენ და ქმნის წინაპირობებს იმპრესიონისტული ლანდშაფტის წარმოშობისთვის. ბარბიზონელების წყალობით ჩნდება ღია ცის ქვეშ მომუშავე მხატვრის კონცეფცია. მანამდე მხატვრები ადგილზე აკეთებდნენ ჩანახატებს და ჩანახატებს, ხოლო სტუდიაში ქმნიდნენ ნახატებს. ბარბიზონის მხატვრებს დიდი მნიშვნელობა ჰქონდათ მთელი დასავლეთ ევროპის, ამერიკისა და რუსეთის ლანდშაფტის განვითარებაში.
45. J. Constable და მე-19 საუკუნის პირველი ნახევრის რეალისტური ლანდშაფტის სპეციფიკის ფორმირება.
ჯონ კონსტებლი დაიბადა 1776 წლის 11 ივნისს სამხრეთ-აღმოსავლეთ ინგლისის სოფელ ისტ ბერგჰოლტში. მამამისი რამდენიმე ფქვილის ქარხნის მფლობელი იყო. ბიჭი მთელ დღეებს ატარებდა მამის წისქვილში, რომელიც მდინარე შტურზე მდებარეობს და თავისუფალ დროს ხატავდა.
მამა არ იზიარებდა ბიჭის ჰობის და მოგვიანებით გაგზავნა სამუშაოდ თავის ერთ-ერთ შორეულ წისქვილში, სადაც ახალგაზრდა აგრძელებდა ფარულად ხატვას. იოანე მიიპყრო ხელოვნებამ. მისმა შემდგომმა გადაწყვეტილებამ, გამხდარიყო მხატვარი, შეაშინა მისი მშობლები.
1796 წელს ჯონმა დაიწყო გაკვეთილები ლონდონელი მხატვრის ჯონ თომას სმიტისგან. ის დაეხმარა კონსტებლს სამეფო აკადემიაში შესასვლელად მოსამზადებლად, სადაც იგი 1799 წელს მიიღეს. იოანე იყო გულმოდგინე სტუდენტი, ესწრებოდა ყველა გაკვეთილს, გულდასმით სწავლობდა ანატომიას და წერდა ძველი ოსტატების ნამუშევრების ასლებს.
თავის ნამუშევრებში კონსტებლი გამოდის როგორც მამაცი და დამოუკიდებელი ოსტატი, მისი ბუნების აღქმა არ შეესაბამება ნორმებს. აკადემიური ხელოვნება. თავის ნახატებში ჯონი ცდილობდა დაეფიქსირებინა ბუნებაზე საკუთარი დაკვირვებები, რაც მის გარდა ვერავინ შეამჩნია.
გამორჩეული თვისება Constable-ის სტილი გახდა რელიეფური ტექსტურა. საღებავებს სქელი, მოცულობითი შტრიხებით სვამდა. იგი არ ცდილობდა ნათლად აღეწერა პეიზაჟის ოდნავი დეტალი. მან გამოიყენა ის ტონები, რომლებიც ყველაზე ახლოსაა ბუნებაში არსებულ რეალურთან.
1802 წელს მისი ნამუშევარი სახელწოდებით "პეიზაჟი" პირველად გამოიფინა აკადემიაში.
1809 წელს მხატვარი შეხვდა თავის ძველ მეგობარს, მარია ბიკნელს, აღმოსავლეთ ბერგჰოლტის პასტორის შვილიშვილი. ერთმანეთი შეუყვარდათ, ჯონმა და მარიამმა გადაწყვიტეს დაქორწინება. მაგრამ მათი ქორწინება ხელი შეუშალა მარიამის მშობლებმა, რომლებიც თვლიდნენ, რომ ჯონი ძალიან ღარიბი იყო. 1811 წელს მხატვარმა აკადემია დაამთავრა. მისი ფინანსური მდგომარეობა იმ დროს სასურველს ტოვებდა. მისი პეიზაჟები არ გაიყიდა და იმისთვის, რომ როგორმე თავი მოეღო, მხატვარმა პორტრეტების ხატვა დაიწყო.
ჯონმა და მარიამმა დაქორწინება მხოლოდ 1816 წელს შეძლეს, როდესაც კონსტებლის მშობლები გარდაიცვალნენ და მან მოკრძალებული მემკვიდრეობა მიიღო. საქორწილო ცერემონიაზე ახალდაქორწინებულთა არცერთი ახლობელი არ მისულა.
ამ მოვლენის შემდეგ შესამჩნევი ცვლილებები მოხდა მხატვრის ცხოვრებაში. ის ბედნიერი იყო დაქორწინებული, გამოიყენეს მისი პორტრეტები დიდი მოთხოვნით. 1818 წელს დაინიშნა დამწყები მხატვრების მხარდაჭერის საქველმოქმედო საზოგადოების დირექტორის თანამდებობაზე.
1819 წელს მან წარადგინა თავისი ნამუშევარი სახელწოდებით "თეთრი ცხენი" სამეფო აკადემიის გამოფენაზე. ფილმმა მიიღო ძალიან მაამებელი შეფასებები პატივცემული კრიტიკოსებისგან.
მომდევნო რამდენიმე წლის განმავლობაში კონსტებლმა დახატა ნახატების სერია, რომლებიც მხატვრის უმაღლეს მიღწევად ითვლება. მათგან ყველაზე ცნობილია ნახატი "თივის ვაგონი", რომელიც საზოგადოებას წარუდგინეს სამეფო აკადემიის გამოფენაზე 1821 წელს.
სურათს სიხარულით შეხვდნენ. მოგვიანებით, დიდი ფულის სანაცვლოდ, ნახატი იყიდა პარიზელმა გადამყიდველმა ჯონ აროუსმიტმა და 1824 წელს გამოფინა იგი პარიზის სალონში, სადაც დამზადდა. ნამდვილი სენსაციადა მის ავტორს ოქროს მედალი მოუტანა.
1820-იანი წლების დასაწყისში, მისი მეგობრის არქიდიაკონის ჯონ ფიშერის დაკვეთით, მხატვარმა დახატა სოლსბერის ტაძრის ხედების სერია - "სოლსბერის საკათედრო ტაძარი ეპისკოპოსის ბაღიდან".
კონსტებლის ერთ-ერთი ყველაზე დინამიური ნახატი, რომელიც თვალშისაცემია თავისი რეალიზმით, "ხტომა ცხენი", ასევე თარიღდება შემოქმედების ამ პერიოდით.
მოგვიანებით კონსტებლის ნამუშევრები XIX საუკუნის ფრანგული ხელოვნების სწავლების ზოგად სასწავლო გეგმაში შევიდა.
1824 წელს მისმა მეუღლემ მოხმარების პირველი ნიშნები გამოავლინა. კონსტებლმა ყველა საქმე გვერდზე გადადო და მარია ბრაიტონში წაიყვანა, ფილტვისმიერი პაციენტების საკურორტო ადგილას. წყვილმა იქ რამდენიმე კვირა გაატარა. მაგრამ მარიას ჯანმრთელობა კვლავ გაუარესდა და 1828 წლის ნოემბერში იგი გარდაიცვალა. მეუღლის გარდაცვალების შემდეგ კონსტებლი სასოწარკვეთილებაში იყო და მხოლოდ მისი საქმისადმი დიდმა ერთგულებამ აიძულა მხატვარი გაეგრძელებინა მოღვაწეობა.
1829 წელს კონსტებლი აირჩიეს სამეფო აკადემიის ნამდვილ წევრად. მხატვარმა მთელი ყურადღება დაუთმო ხატვის კლასში სწავლებას და აკადემიის ყოველწლიური გამოფენების ორგანიზებას. პარალელურად მუშაობდა მისი ნახატების რეპროდუქციების გამოცემაზე, რომლებმაც ჩამოაყალიბეს ალბომი სახელწოდებით "ინგლისური პეიზაჟი".
1836 წელს მან წაიკითხა ლექციების სერია სამეფო საზოგადოებაში. ლექციები ლანდშაფტის მხატვრობას დაეთმო. მათში მხატვარმა ჩამოაყალიბა პრინციპები, რომლითაც იგი პირადად ხელმძღვანელობდა თავის შემოქმედებაში.
კონსტებლი გარდაიცვალა 1837 წლის 31 მარტს. ექიმებმა მხატვრის გარდაცვალების ზუსტი მიზეზი ვერ დაადგინეს. ისინი ვარაუდობდნენ, რომ ის მონელების დარღვევით გარდაიცვალა, თუმცა, როგორც ჩანს, ეს იყო გულის შეტევით. ის დაკრძალეს ლონდონის სასაფლაოზე ჰემპსტედში, საყვარელი მეუღლის, მარიამის საფლავთან.
ჯონ კონსტებლის მოღვაწეობა შეუმჩნეველი დარჩა მის სამშობლოში მე-20 საუკუნემდე. მაგრამ მან უდიდესი გავლენა მოახდინა ფრანგული მხატვრობის განვითარებაზე. ფრანგი ოსტატებიმე-19 საუკუნემ შეაგროვა მისი ნახატები, ყურადღებით შეისწავლა ისინი და აღფრთოვანებული იყო მისი ფერწერის ტექნიკით. ჯონ კონსტებლის ხელოვნებამ ხელი შეუწყო მე-19 საუკუნეში მხატვრობის რეალისტური ტენდენციების ჩამოყალიბებას.
46. რეალისტური ლანდშაფტი საფრანგეთში ტ. რუსო და ბარბიზონები კ. კარო, როგორც განწყობის ლანდშაფტის შემქმნელი.
თეოდორ რუსო (1812 - 1867)
მან საკუთარ თავს დაისახა მიზანი, დაეპყრო ყველაზე ჩვეულებრივი, როგორც მნიშვნელოვანი და მონუმენტური. მას იზიდავდა ყველაფერი სტაბილური, ძლიერი და მატერიალური ბუნებაში. მას უყვარდა ფართო ღია სივრცეების, უზარმაზარი მუხის ხეების გამოსახვა ძლიერი ტოტებით და აყვავებულ გვირგვინებით. იგი ყურადღებით ათვალიერებდა ბუნებას და ცდილობდა დაეფიქსირებინა მისი სხვადასხვა მდგომარეობა. "მუხა" 1852 წელი, "საღამო განკურნებაზე" 1855 წ. მხატვარს იზიდავს ნათელი მზიანი დღე ან საღამოს ადრეული საათი. საგნების სიმშვიდე და პლასტიკური სიცხადე, ფერების სიმდიდრე.
კამილ კორო (1796 - 1875)
რეალობის აღქმის ლირიკული და ღრმად პოეტური მანერა კამილ კოროტის მხატვრობის მახასიათებელია. მისი ტილოების გაცოცხლების მთავარი საშუალება არის მსუბუქი, მშვიდად გაფანტული, დახვეწილი, ჰაერის ტენიანობის გადმოცემა მოღრუბლულ დღეებში.
დასაწყისში მისი შემოქმედებითი გზაკოროტი ამტკიცებდა სამყაროს მკვრივ მატერიალურობას. ამ დროს ის კვლავ გავლენის ქვეშ იმყოფებოდა აკადემიური ფერწერა. მაგრამ მალე ბუნებისადმი უშუალო ინტერესი აშკარად დომინირებდა მის მხატვრობაში. იტალიაში მოგზაურობის დროს კორო ხაზს უსვამს მოცულობას, მასების ბალანსს, ფერთა სქემების სიცხადეს და გარემოს ჰაეროვნებას. ამ პერიოდში მხატვრის მიერ შექმნილი რომის ცნობილი პეიზაჟები აოცებს იტალიური ბუნებისა და არქიტექტურის მშვენიერების აღქმას, ფერების და ფორმების დახვეწილობას: „ფორუმის ხედი ფარნესის ბაღში“ (1826 წ.), „კოლიზეუმის ხედი“. ფარნესის ბაღიდან“ (1826), „სანტა ტრინიტა დე მონტი“ (1826-1828) - ისუნთქეთ იტალიის ბუნებისა და არქიტექტურის ახალი აღქმა. ეს ნახატები ესკიზებს წააგავს. ეტიუდი - ხელოვნების ნაწილი, დამზადებულია, როგორც წესი, პირდაპირ ცხოვრებიდან.
ამ დროს კოროტის საყვარელი ჟანრი იყო ვედუტა, ანუ ურბანული პეიზაჟი. მოგვიანებით ისევ იტალიას ეწვეოდა და შესანიშნავ პეიზაჟებს ხატავდა. ეს არის სამუშაო "დილა ვენეციაში" 1834 წ. მზის სხივები მკვეთრად ანათებს გამჭვირვალე ჰაერში მკვეთრად გამოკვეთილ თეთრ მარმარილოს შენობებს. ადამიანის ფიგურები ხელს უწყობს სივრცის შეგრძნებას. იტალიიდან დაბრუნების შემდეგ დახატულ ნახატებში ის არ ისწრაფვის მოცემული ტერიტორიის ზუსტ რეპროდუცირებაზე, არამედ ცდილობს გადმოსცეს მასზე ერთადერთი შთაბეჭდილება, იყენებს მის ფორმებსა და ტონებს მხოლოდ მათი დახმარებით გამოხატოს თავისი პოეტური განწყობა.
ორმოცდაათიანი წლებიდან, გარდა "ისტორიული" და "მითოლოგიური" ნახატებისა, კორო ზოგჯერ სალონისთვის ხატავდა საფრანგეთის პეიზაჟებს. ასეთი პეიზაჟებისთვის კოროტმა იმპრესიონისტებამდე დიდი ხნით ადრე გამოიყენა მრავალი კვლევის მეთოდი. მისი მნიშვნელობა არის ერთი და იგივე მოტივის დახატვა სხვადასხვა ამინდში, დღის სხვადასხვა დროს.
უფრო მეტში გვიან დროკოროტი ეხება სახეობებს სოფლად, ავლენს განწყობილებას, რომელსაც ბუნების ხილვა მოღრუბლულ დღეს იწვევს. მან იცის როგორ მოიძიოს იმავე ფერის ჩრდილები - ვალერა. ასახავს საგნის მთლიან მასას, ძლივს ხაზს უსვამს ცალკეულ ტოტებს, ხეების ფოთლებს, რომლებიც ქარში მოძრაობენ. მხატვარი ძირითადად პარიზის მიდამოებში, ფონტენბლოს ტყეში მუშაობს. მისი პეიზაჟები დამახასიათებელია გააზრებული, მეოცნებე და სიჩუმე. ამ შთაბეჭდილებას განსაკუთრებით უწყობს ხელს დილის ნისლის გამოსახულება. Ეს არის "სამრეკლო არჟენტეილში" 1860 GMI.ჩვენს წინაშე ადრე გაზაფხული, გრილი ნიავი უბერავს დილის ღრუბლებს.
"თივის ვაგონი" 1860 GMI. ნოტიო ატმოსფერო, მოღრუბლული ცა ლურჯი უფსკრულით, გუბეები გზაზე, გასაგებია, რომ ახლახან წვიმდა. მზის სხივით განათებული ველის შორეული სივრცე და თივის ურმის გაზომილი მოძრაობა - ყველაფერი პოეტურ განწყობას ქმნის.
"პიერფონდის ციხე". ფონზე ცისფერი ნაყარივით ამოდის ციხე მაღალი კოშკით. ჩვენ თითქოს ტყისა და ხეობის პირას ვართ, რომლის მიღმა ციხის შენობები იხსნება. მშვენიერია დილით ადრე, ნოტიო ჰაერის, ყველაფერი მოლურჯო ნისლით მოცული, მთლიანობაში, ანუ დეტალების გარეშე, ფოთლების მასა გადმოცემულია, დილის ნისლში თითქმის უხილავი.
47.საფრანგეთის ხელოვნება XIX საუკუნის 60-90-იანი წლები. ედუარ მანე, როგორც ფრანგული მხატვრობის ახალი ეტაპის ფუძემდებელი.
ედუარ მანე დაიბადა პარიზში, მისი ოჯახი საკმაოდ მდიდარი იყო. შვილის გადაწყვეტილება მხატვარი გამხდარიყო მშობლებს არ შეეფერებოდა. მაგრამ როდესაც საზღვაო სკოლაში შესვლის რამდენიმე წარუმატებელი მცდელობის შემდეგ მანემ საბოლოოდ მიაღწია მიზანს, მას შეეძლო ეცხოვრა საჭიროების გარეშე და თავისი ნახატების გაყიდვის გარეშე.
1850 წელს ახალგაზრდა მამაკაცი გახდა მოდური პარიზელი მხატვრის თომას კუტურის (1815-1879) სტუდენტი. აკადემიური სტილი, რომელსაც მისი მასწავლებელი მისდევდა, არ იზიდავდა მხატვარს. 1856 წელს მანემ დატოვა Couture-ს სტუდია და გაემგზავრა ევროპაში სამოგზაუროდ. პარიზში დაბრუნებულმა მან დიდი დრო გაატარა ლუვრში, სწავლობდა ძველ ოსტატებს. 1859 წელს მანემ სცადა გამოფენა სალონში. მის მიერ შემოთავაზებული ნახატი "აბსენტის მსმელი" (1858-
1859) უარყო ნაფიცმა მსაჯულებმა. აღარ ითვლიდა ოფიციალური კრიტიკის სასარგებლოდ, მხატვარმა აჩვენა თავისი ნამუშევრების სერია 1863 წელს კერძო გალერეაში. მოცეკვავე ლოლა დგას სცენის პირას, ამაყი, ლამაზი („ლოლა ვალენსიიდან“, 1862 წ.); სევდიანი ქუჩის მომღერალი ჭამს ალუბლებს, მისი დაფიქრებული ლამაზი თვალები მნახველს უყურებს და ფიქრები შორს არის („ქუჩის მომღერალი“, 1862 წ.); ქალბატონები და ბატონები სეირნობენ ტუილრის ბაღში („მუსიკა ტუილერიში“,
1860). ადამიანის ცხოვრების ამ კალეიდოსკოპმა გამოიწვია კრიტიკოსების გაღიზიანება განმარტება - "ფერების ჭრელი შერეული".
1863 და 1865 წლებში მანემ სალონს წარუდგინა ორი ნახატი - "ლანჩი ბალახზე" და "ოლიმპია" (ორივე 1863).
სადილი ბალახზე, გამოფენილი Les Misérables-ის სალონში, შთაგონებულია იტალიელი რენესანსის მხატვრის ტიციანის კონცერტით. კაცები თანამედროვე კოსტიუმებით დასახლდნენ ტყის გაწმენდაში. რაღაცაზე საუბრობენ, ქალებს ყურადღებას არ აქცევენ - შიშველი იჯდა იქვე, მეორე კი ნაკადულში ბანაობს. ნახატმა გამოიწვია საზოგადოების ძალადობრივი აღშფოთება, რომელმაც არ დააფასა სიახლე, რომლითაც მხატვარი წყვეტდა წმინდა ფერწერულ პრობლემებს - ასახავდა ადამიანის ფიგურებს (მათ შორის შიშველს) პეიზაჟში, გადმოსცემს მზიანი დღის ნათელ ფერებს.
"ოლიმპია" არის ვარიაცია ძველი ოსტატების მრავალი კომპოზიციის თემაზე, რომელიც ეძღვნება ქალის სხეულის სილამაზეს. შიშველი გოგონა იდაყვებით წევს ბალიშზე და თამამად, უხერხულობის ჩრდილის გარეშე, უყურებს მაყურებელს. 1865 წლის სალონში გამოფენილმა ნახატმა სკანდალი გამოიწვია. მწერალი ემილ ზოლა იცავდა მანეს: „როდესაც ჩვენი მხატვრები გვაძლევენ ვენერას, ისინი ასწორებენ ბუნებას, იტყუებიან. ედუარდ მანემ საკუთარ თავს ჰკითხა... რატომაც არ თქვათ სიმართლე: მან გაგვაცნო ოლიმპია, ჩვენი დროის გოგო...“.
1867 წელს მანემ გახსნა საკუთარი გამოფენა პავილიონში Alma Place-ზე - ერთგვარი მოხსენება შემოქმედების ათწლიანი პერიოდის შესახებ. კერძოდ, აქ წარმოდგენილი იყო ნახატი „ფლეიტისტი“ (1866 წ.).
ქალაქი მანეს შემოქმედებაში მუდმივ მოტივად იქცა. პარიზული ბრბო, ქუჩები, მხატვრების სახელოსნოები, კაფეები და თეატრები - ყველგან და ყველაფერში ხედავდა ტილოზე განსახიერების ღირსეულ ცხოვრებას. "ემილ ზოლას პორტრეტში" (1868) მწერალი, დაკავებული თანამედროვე ხელოვნების პრობლემებით, მაყურებლის წინაშე ჩნდება გარშემორტყმული მრავალი ობიექტით - იაპონური ანაბეჭდებით, ნახატების, ქაღალდების და წიგნების რეპროდუქციებით. კომპოზიციაში „საუზმე სახელოსნოში“ (1868) სამი პერსონაჟია: ქალი ვერცხლისფერი ყავის ჭურჭლით, კაცი მაგიდასთან მჯდომარე და ახალგაზრდა მამაკაცი წინა პლანზე. ის შორს იყურება, რაღაც ლამაზ სიზმრებში ჩაძირული. აღმოსავლურ ვაზაში ჩასმული ფიკუსი, ეგზოტიკური ჩაფხუტი და დაბურულ ოთახში სკამზე დაწოლილი მრუდე საბერი თითქოს მისი აზრების განსახიერებაა. ტილო "აივანი" (1868) გამოსახულია ოსტატის ნათესავები და მეგობრები; მჯდომარე ქალი თეთრებში არის მისი სტუდენტი, მხატვარი ბერტე მორისო.
60-იანი წლების ბოლოს. მანეს ნამუშევრებმა მიიპყრო ახალგაზრდა იმპრესიონისტი მხატვრები - ედგარ დეგა, კლოდ მონე, ოგიუსტ რენუარი და სხვები. მისი სახელოსნო გარკვეული პერიოდი გახდა ცენტრი. მხატვრული ცხოვრება. იმპრესიონისტების გავლენამ აიძულა მანე დაეხატა ჰაერი და გაანათა მისი პალიტრა. მაგრამ ის არ შეუერთდა მათ მოძრაობას და განაგრძო საკუთარი შემოქმედებითი ძიება. პირველი იმპრესიონისტული გამოფენის გახსნის წელს (1874) მხატვარი მუშაობდა კლოდ მონესთან ერთად არჟენტეილში სენის ნაპირზე. მისი ყველაზე ნათელი აქ დაიწერა, მზის ნახატები- "არჟენტეილი", "ნავში" (ორივე შექმნილია 1874 წელს). მანე მოხატული იყო დიდი შტრიხებით, მიისწრაფოდა კომპოზიციის მკაფიო სტრუქტურისა და გამოსახულების სიცხადისაკენ.
1872 წელს ხელოვნების დილერმა პოლ დიურან-რუელმა (1831 - 1922), რომელიც მანამდე მხარს უჭერდა კამილ კოროს, თეოდორ რუსოსა და ჟან ფრანსუა მილეტს, მანეს ოცდაოთხი ნამუშევარი იყიდა და მომდევნო წელს ლონდონში მოაწყო მისი გამოფენა. 70-იანი წლების ბოლოს. სალონმა შეწყვიტა მანეს ნახატების უარყოფა. 1881 წელს მხატვარს საპატიო ლეგიონის ორდენიც კი დაჯილდოვდა.
გარდაცვალებამდე ერთი წლით ადრე მანემ გამოფინა თავისი ერთ-ერთი ყველაზე წარმატებული ნამუშევარი "ბარი ფოლიეს ბერჟერში" (1882). ბარის მიღმა, ბოთლებისა და ხილის ნატურმორტის ზემოთ, ოდნავ სევდიანი დგას მომხიბვლელი გოგონასარკეში ასახული კლიენტის მოსმენა. საოცარი ეფექტი ორმაგი გამოსახულებააძლევს სურათს მისტიურ ხასიათს - როგორც ჩანს, იზიდავს მაყურებლის მზერას.
მანეს შემოქმედება აერთიანებს როგორც ძველი ოსტატების, ისე თანამედროვეების მიღწევებს და ასახავს ახალი ხელოვნების განვითარების ერთ-ერთ მიმართულებას. მხატვრის ნამუშევრებში მე -19 საუკუნის მეორე ნახევარი გამოჩნდა მთელი თავისი მრავალფეროვნებით.
48. იმპრესიონისტების ჯგუფის გაჩენის ისტორია და მათი ესთეტიკური პლატფორმა იმპრესიონისტების ფერწერული სისტემა კრეატიულობა მონეს მიმართ
| ფრანგი მხატვრები რეალობის, ადამიანის სულიერი ცხოვრების, გამოსახულების ნაკადიდან მოწყვეტილი მყისიერი სიტუაციების გამოსახვას მიმართავდნენ. ძლიერი ვნებებიბუნების სულიერება, ეროვნული წარსულისადმი ინტერესი, ხელოვნების სინთეზური ფორმების სურვილი შერწყმულია მსოფლიო მწუხარების მოტივებთან, ადამიანის სულის "ჩრდილის", "ღამის" მხარის შესწავლისა და ხელახლა შექმნის სურვილთან, ცნობილ " რომანტიული ირონია”, რამაც რომანტიკოსებს საშუალება მისცა თამამად შეედარებინათ და გაეთანაბრებინათ მაღალი და ძირეული, ტრაგიკული და კომიკური, რეალური და ფანტასტიკური. გამოიყენეს სიტუაციების ფრაგმენტული რეალობა, გამოიყენეს ფრაგმენტული, ერთი შეხედვით გაუწონასწორებელი კომპოზიციური სტრუქტურები, მოულოდნელი კუთხეები, თვალსაზრისები, ფიგურების მონაკვეთები. 1870-1880-იან წლებში ჩამოყალიბდა ლანდშაფტი ფრანგული იმპრესიონიზმი: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley შეიმუშავეს პლეინ ჰაერის თანმიმდევრული სისტემა, მათ ნახატებში შექმნეს მზის ცქრიალა შუქის განცდა, ბუნების ფერების სიმდიდრე, ფორმების დაშლა სინათლისა და ჰაერის ვიბრაციაში. მიმართულების სახელწოდება მომდინარეობს C. Monet-ის ნახატის სახელწოდებიდან "Impression. Rising Sun" ("Impression. Soleil levant"; გამოფენილი 1874 წელს, ამჟამად მარმოტანის მუზეუმში, პარიზი). რთული ფერების დაშლა სუფთა კომპონენტებად, რომლებიც ტილოზე იყო გამოყენებული ცალკეული შტრიხებით, ფერადი ჩრდილებით, რეფლექსებითა და მნიშვნელობებით, წარმოშვა იმპრესიონიზმის უპრეცედენტო მსუბუქი, ცოცხალი მხატვრობა. იმპრესიონიზმის გარკვეული ასპექტები და ტექნიკა გამოიყენეს მხატვრებმა გერმანიიდან (მ. ლიბერმანი, ლ. კორინთი), აშშ-დან (ჯ. უისლერი), შვედეთიდან (ა. . იმპრესიონიზმის ცნება ასევე გამოიყენება 1880-1910-იანი წლების ქანდაკებაზე, რომელსაც აქვს გარკვეული იმპრესიონისტული თავისებურებები - მყისიერი მოძრაობის გადმოცემის სურვილი, ფორმის სითხე და რბილობა, პლასტიკური ესკიზურობა (ო. როდენის ნამუშევრები, დეგას ბრინჯაოს ფიგურები და ა.შ. ). იმპრესიონიზმმა სახვით ხელოვნებაში გავლენა მოახდინა თანამედროვე ლიტერატურის, მუსიკისა და თეატრის ექსპრესიული საშუალებების განვითარებაზე. იმპრესიონიზმის ფერწერულ სისტემასთან ურთიერთქმედებაში და პოლემიკაში მხატვრული კულტურასაფრანგეთში წარმოიშვა ნეოიმპრესიონიზმისა და პოსტიმპრესიონიზმის მოძრაობები. ნეოიმპრესიონიზმი(ფრანგული neo-impressionnisme) არის მოძრაობა ფერწერაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში დაახლოებით 1885 წელს, როდესაც მისმა მთავარმა ოსტატებმა, ჟ. სეურამ და პ. სინიაკმა შეიმუშავეს დივიზიონიზმის ახალი ფერწერის ტექნიკა. ფრანგი ნეოიმპრესიონისტები და მათი მიმდევრები (ტ. ვან რიზელბერგი ბელგიაში, გ. სეგანტინი იტალიაში და სხვ.), გვიანდელი იმპრესიონიზმის ტენდენციების განვითარებით, ცდილობდნენ ოპტიკის სფეროში თანამედროვე აღმოჩენების გამოყენებას ხელოვნებაში, რაც მეთოდურ ხასიათს ანიჭებდა. ტონების სუფთა ფერებად დაშლის მეთოდები; ამავდროულად, მათ გადალახეს იმპრესიონისტული კომპოზიციის შემთხვევითობა და ფრაგმენტაცია და მიმართავენ პლანიტურ დეკორატიულ გადაწყვეტილებებს თავიანთ პეიზაჟებში და მრავალფიგურიან პანელზე. პოსტიმპრესიონიზმი(ლათინური პოსტიდან - შემდეგ და იმპრესიონიზმიდან) - მე -19 საუკუნის ბოლოს - მე -20 საუკუნის დასაწყისის ფრანგული მხატვრობის ძირითადი მოძრაობების კოლექტიური სახელწოდება. პოსტიმპრესიონიზმის ოსტატები, რომელთაგან ბევრი ასოცირდებოდა იმპრესიონიზმთან, 1880-იანი წლების შუა პერიოდიდან ეძებდნენ გამოხატვის ახალ საშუალებებს, რომლებსაც შეეძლოთ დაეძლიათ მხატვრული აზროვნების ემპირიზმი და ცხოვრების ცალკეული მომენტების იმპრესიონისტური ჩაწერიდან გადასულიყვნენ. მისი გრძელვადიანი მდგომარეობის, მატერიალური და სულიერი მუდმივების განსახიერება. პოსტიმპრესიონიზმის პერიოდი ხასიათდება ინდივიდუალური მოძრაობებისა და ინდივიდუალური შემოქმედებითი სისტემების აქტიური ურთიერთქმედებით. პოსტიმპრესიონიზმი ჩვეულებრივ მოიცავს ნეოიმპრესიონიზმის ოსტატების, ნაბი ჯგუფის, ასევე ვ.ვან გოგის, პ.სეზანის, პ.გოგენის შემოქმედებას. |
ცნობარი და ბიოგრაფიული ინფორმაცია "Planet Small Bay Art Galleries" მომზადდა "ისტორიის" მასალების საფუძველზე. უცხო ხელოვნება" (რედ. M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), " ხელოვნების ენციკლოპედიაუცხოური კლასიკური ხელოვნება“, „დიდი რუსული ენციკლოპედია“.
მანე ედუარდი (1832-1883), ფრანგი მხატვარი. სწავლობდა პარიზის სახვითი ხელოვნების სკოლაში ტ.კუტურის ხელმძღვანელობით (1850-1856). ედუარ მანე ძირითადად მუშაობდა პარიზში, ეწვია ბრაზილიას (1848-1850), გერმანიას, ესპანეთს (1865), დიდ ბრიტანეთში (1860-იანი წლების ბოლოს), ჰოლანდიას (1872). მანეს, როგორც მხატვრის განვითარებაზე მნიშვნელოვანი გავლენა იქონია ჯორჯონის, ტიციანის, ჰალსის, ველასკესის, გოიას და დელაკრუას ნამუშევრებმა. 1850-იანი წლების ბოლოს - 1860-იანი წლების დასაწყისის ნამუშევრებში, რომლებიც ქმნიდნენ მკვეთრად გადმოცემული ადამიანის ტიპებისა და პერსონაჟების გალერეას, მანე აერთიანებდა გამოსახულების ნამდვილ ნამდვილობას მოდელის გარეგნული გარეგნობის რომანტიზაციასთან ("ლოლა ვალენსიიდან", 1862, Musée d'Orsay, პარიზი). ძველი ოსტატების ნახატების შეთქმულების და მოტივების გამოყენებით და გადახედვით, მანე ცდილობდა მათი შინაარსით ავსებას, პოლემიკურად, ზოგჯერ შოკისმომგვრელად, თანამედროვე ადამიანის იმიჯის დანერგვას ცნობილ კლასიკაში. კომპოზიციები ("ლანჩი ბალახზე", "ოლიმპია" - ორივე 1863, Musée d'Orsay).
1860-იან წლებში ედუარდ მანე მიუბრუნდა თანამედროვე ისტორიის თემებს („იმპერატორ მაქსიმილიანის სიკვდილით დასჯა“, 1867, კუნსტჰალლე, მანჰეიმი), მაგრამ მანეს სულიერი ყურადღება თანამედროვეობისადმი გამოიხატა, ძირითადად, სცენებში, რომლებიც თითქოსდა მოტაცებული იყო ყოველდღიური ცხოვრებისგან. ლირიკული სულიერებითა და შინაგანი მნიშვნელობით აღსავსე („საუზმე სტუდიაში“, ახალი გალერეა, მიუნხენი; „აივანი“, ორსეის მუზეუმი, პარიზი - ორივე 1868 წ.), ასევე მათთან ახლოს მდებარე პორტრეტებში მხატვრულ გარემოში (პორტრეტი ემილ ზოლა, 1868, ორსეის მუზეუმი, თავისი ნამუშევრებით ედუარდ მანე იწინასწარმეტყველა გაჩენა და შემდეგ გახდა იმპრესიონიზმის ერთ-ერთი ფუძემდებელი. 1860-იანი წლების ბოლოს მანე დაუახლოვდა ედგარ დეგას, კლოდ მონეს, ოგიუსტ რენუარს, მოსაწყენი და მკვრივი ტონებიდან, ინტენსიური ფერებიდან მუქი ფერების უპირატესობით გადავიდა ღია და თავისუფალ ჰაეროვან მხატვრობაზე („ნავში“, 1874, ხელოვნების მეტროპოლიტენის მუზეუმი; „მამა ლატუილის ტავერნაში“, 1879). მანეს ნამუშევრებს ახასიათებს იმპრესიონისტული ფერწერული თავისუფლება და კომპოზიციის ფრაგმენტაცია, შუქით გაჯერებული ფერადი ვიბრაციული დიაპაზონი (“Argenteuil”, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი, ტური). ამავდროულად, მანე ინარჩუნებს ნახატის სიცხადეს, ნაცრისფერ და შავ ტონებს ფერში და უპირატესობას ანიჭებს არა ლანდშაფტს, არამედ ყოველდღიური ამბავიგამოხატული სოციალურ-ფსიქოლოგიური საფუძვლით (ოცნებებისა და რეალობის შეჯახება, ბედნიერების მოჩვენებითი ბუნება ცქრიალა და სადღესასწაულო სამყაროში - მანეს ერთ-ერთ ბოლო ნახატში "ბარი ფოლიეს ბერჟერში", 1881-1882, კორტოლდის ინსტიტუტი, ლონდონი) . 1870-1880-იან წლებში მანე ბევრს მუშაობდა პორტრეტის სფეროში, გააფართოვა ამ ჟანრის შესაძლებლობები და გადააქცია იგი თანამედროვეთა შინაგანი სამყაროს ერთგვარ შესწავლად (ს. მალარმეს პორტრეტი, 1876, Musée d'Orsay). , პარიზი), მოხატული პეიზაჟები და ნატურმორტები („იასამნის თაიგული“, 1883, სამხატვრო გალერეა, ბერლინ-დაჰლემი), შესრულდა როგორც მხატვარი, ოსტატი და ლითოგრაფი. მანეს ნამუშევრებმა განაახლეს მე-19 საუკუნის ფრანგული მხატვრობის ტრადიციები და დიდწილად განსაზღვრა მსოფლიო სახვითი ხელოვნების შემდგომი განვითარება
49. ო. რენუარის ნამუშევრები. ე.დეგა და მისი განსაკუთრებული ადგილი იმპრესიონისტთა ჯგუფში.
რენუარ პიერ ოგიუსტი (1841-1919), ფრანგი ფერმწერი, გრაფიკოსი და მოქანდაკე. ახალგაზრდობაში მუშაობდა ფაიფურის მხატვრად, ხატავდა ფარდებს და ფანებს. 1862-1864 წლებში რენუარი სწავლობდა პარიზში, Ecole des Beaux-Arts-ში, სადაც დაუახლოვდა თავის მომავალ იმპრესიონიზმის კოლეგებს, კლოდ მონეს და ალფრედ სისლის. რენუარი მუშაობდა პარიზში, ეწვია ალჟირს, იტალიას, ესპანეთს, ჰოლანდიას, დიდ ბრიტანეთსა და გერმანიას. რენუარის ადრეულ ნამუშევრებზე გავლენას ახდენს გუსტავ კურბე და ახალგაზრდა ედუარ მანეს ნამუშევრები („დედა ანტონის ტავერნა“, 1866, ეროვნული მუზეუმი, სტოკჰოლმი).
1860-1870-იანი წლების მიჯნაზე, რენუარი გადავიდა ღია ცის ქვეშ მხატვრობაზე, ორგანულად შეიცავდა ადამიანის ფიგურებს ცვალებად ჰაეროვან გარემოში („სენაში ბანაობა“, 1869, პუშკინის მუზეუმი, მოსკოვი). რენუარის პალიტრა ანათებს, მსუბუქი დინამიური ფუნჯი ხდება გამჭვირვალე და ვიბრაციული, შეღებვა გაჯერებულია ვერცხლისფერი მარგალიტის ანარეკლებით (“Lodge”, 1874, Corthold Institute, London). ასახავს ცხოვრების დინებიდან ამოღებულ ეპიზოდებს, შემთხვევით ცხოვრებისეულ სიტუაციებს, რენუარმა უპირატესობა მიანიჭა ქალაქის ცხოვრების სადღესასწაულო სცენებს - ბურთებს, ცეკვებს, სეირნობას, თითქოს ცდილობდა მათში განესახიერებინა ყოფიერების სენსუალური სისავსე და სიხარული ("Moulin de la Galette" , 1876, ორსეს მუზეუმი, პარიზი). რენუარის შემოქმედებაში განსაკუთრებული ადგილი უკავია პოეტურ და მომხიბვლელ ქალურ გამოსახულებებს: შინაგანად განსხვავებულები, მაგრამ გარეგნულად ოდნავ ჰგავს ერთმანეთს, ისინი, როგორც ჩანს, აღინიშნება ეპოქის საერთო შტამპით („სადილის შემდეგ“, 1879, შტედელის ხელოვნების ინსტიტუტი. , „ქოლგები“, 1876, ეროვნული გალერეა, ლონდონი; მსახიობი ჟანა სამარის პორტრეტი, 1878, ერმიტაჟი, სანკტ-პეტერბურგი).
შიშველთა გამოსახვისას რენუარი აღწევს მიხაკის იშვიათ დახვეწილობას, რომელიც აგებულია ხორცის თბილ ტონალობებზე მოცურების ღია მომწვანო და რუხი-ლურჯი ანარეკლებით, რაც ტილოს გლუვ და მქრქალ ზედაპირს აძლევს („შიშველი ქალი დივანზე მჯდომარე“ , 1876). შესანიშნავი კოლორისტი, რენუარი ხშირად აღწევს მონოქრომული მხატვრობის შთაბეჭდილებას ფერთა მჭიდრო ტონების დახვეწილი კომბინაციების დახმარებით („გოგონები შავებში“, 1883, სახვითი ხელოვნების მუზეუმი, მოსკოვი). 1880-იანი წლებიდან რენუარი სულ უფრო მეტად მიისწრაფვის კლასიკური სიცხადისა და ფორმების განზოგადებისკენ; მის მხატვრობაში იზრდება დეკორატიულობისა და მშვიდი იდილიზმის მახასიათებლები („დიდი აბანოები“, 1884-1887, ტაისონის კოლექცია, ფილადელფია). ლაკონიზმი, დარტყმის სიმსუბუქე და ჰაეროვნება გამოირჩევა რენუარის მრავალრიცხოვანი ნახატებითა და ოხრებით (“Bathers”, 1895 წ.).
დეგას ედგარი (1834–1917), ფრანგი ფერმწერი, გრაფიკოსი და მოქანდაკე. სწავლობდა პარიზის სახვითი ხელოვნების სკოლაში (1855–1856), 1854–1859 წლებში გაემგზავრა იტალიაში ადრეული რენესანსის ხელოვნების შესასწავლად და ასევე ეწვია აშშ–სა (1872–1873) და ესპანეთს. ახალგაზრდობაში მასზე გავლენა მოახდინა ინგრესმა, რამაც გააძლიერა დეგას ვნება ფერწერული ფორმის ხაზოვანი საფუძვლის იდენტიფიცირებისთვის.
დაწყებული ისტორიული ნახატებითა და პორტრეტებით, რომლებიც მკაცრი კომპოზიციით იყო ("ბელელის ოჯახი", დაახლოებით 1858, Musée d'Orsay, პარიზი), ედგარ დეგა 1870-იან წლებში დაუახლოვდა იმპრესიონიზმის წარმომადგენლებს და მიუბრუნდა თანამედროვე ქალაქის ცხოვრების - ქუჩების გამოსახვას. კაფეები, ცირკები, თეატრების წარმოდგენები („Place de la Concorde“, დაახლოებით 1875; „აბსენტი“, 1876, Orsay მუზეუმი, პარიზი). ბევრ ნამუშევარში დეგას გვიჩვენებს ადამიანების დამახასიათებელ ქცევას და გარეგნობას, რომელიც წარმოიქმნება მათი ცხოვრების თავისებურებებით, ავლენს პროფესიული ჟესტების მექანიზმს, პოზას, ადამიანის მოძრაობას, მის პლასტიკურ სილამაზეს (“Ironers”, 1884, Musée d'Orsay).
ადამიანების ცხოვრებისა და მათი ყოველდღიური საქმიანობის ესთეტიკური მნიშვნელობის დადასტურება დეგას შემოქმედების უნიკალურ ჰუმანიზმს ასახავს. დეგას ხელოვნებას ახასიათებს მშვენიერი, ზოგჯერ ფანტასტიკური და პროზაულის შერწყმა: თეატრის სადღესასწაულო სულისკვეთების გადმოცემა ბალეტის მრავალ სცენაში („ვარსკვლავი“, პასტელი, 1878, ორსეს მუზეუმი, პარიზი). მხატვარი, როგორც ფხიზელი და დახვეწილი დამკვირვებელი, ერთდროულად იპყრობს დამღლელი ყოველდღიური სამუშაოს, რომელიც იმალება ელეგანტური შოუმენის მიღმა („ცეკვის გამოცდა“, პასტელი, 1880, კერძო კოლექცია, ნიუ-იორკი).
დეგას ნამუშევრები, მათი მკაცრად დამოწმებული და ამავე დროს დინამიური, ხშირად ასიმეტრიული კომპოზიციით, ზუსტი მოქნილი ნახაზით, მოულოდნელი კუთხით, ფიგურისა და სივრცის აქტიური ურთიერთქმედებით, აერთიანებს სურათის მოტივისა და არქიტექტონიკის მოჩვენებითი მიუკერძოებლობას და შემთხვევითობას ფრთხილად აზროვნებასა და აზროვნებას. გაანგარიშება.
დეგას გვიანდელი ნამუშევრები გამოირჩევა ფერთა ინტენსივობითა და სიმდიდრით, რომელსაც ავსებს ხელოვნური განათების ეფექტი, გაფართოებული, თითქმის ბრტყელი ფორმები და ვიწრო სივრცე, რაც მათ მძაფრად დრამატულ ხასიათს აძლევს („ცისფერი მოცეკვავეები“, პასტელი, სახელმწიფო მუზეუმი. სახვითი ხელოვნება, მოსკოვი). 1880-იანი წლების ბოლოდან დეგა ბევრს ეწეოდა ქანდაკებაში, მიაღწია ექსპრესიულობას მყისიერი მოძრაობის გადმოცემისას ("მოცეკვავე", ბრინჯაო, Wallraf-Richartz-Ludwig მუზეუმი, კიოლნი).
50. პოსტიმპრესიონიზმი, როგორც გარდამავალი პერიოდი მე-19 და მე-20 საუკუნის დასაწყისში ხელოვნებას შორის.
პოსტიმპრესიონიზმი (ფრანგული postimpressionisme, ლათინური პოსტიდან - „შემდეგ“ და „იმპრესიონიზმი“) არის მხატვრული მოძრაობა, ჩვეულებრივი კოლექტიური აღნიშვნა ევროპული (ძირითადად ფრანგული) ფერწერის ძირითადი ტენდენციების ჰეტეროგენული ნაკრებისთვის; ხელოვნების ისტორიაში მიღებული ტერმინი მეორე ნახევრიდან დაწყებული ფრანგული ხელოვნების განვითარების ძირითადი ხაზის აღსანიშნავად. 1880-იანი წლები დაწყებამდე XX საუკუნე
ამ მოძრაობის მხატვრებმა უარი თქვეს მხოლოდ ხილული რეალობის (როგორც რეალისტები) ან მომენტალური შთაბეჭდილებების (იმპრესიონისტების მსგავსად) გამოსახვაზე, მაგრამ ცდილობდნენ გამოესახათ მისი ძირითადი, ბუნებრივი ელემენტები, გარემომცველი სამყაროს გრძელვადიანი მდგომარეობა, ცხოვრების არსებითი მდგომარეობა. ზოგჯერ მიმართავენ დეკორატიულ სტილიზაციას.
მხატვრობაში პოსტიმპრესიონიზმის გამორჩეული წარმომადგენლები არიან ვინსენტ ვან გოგი, პოლ გოგენი და პოლ სეზანი. პოსტიმპრესიონიზმს ახასიათებს სხვადასხვა შემოქმედებითი სისტემები და ტექნიკა, რომლებიც არსებითად გაერთიანებულია მხოლოდ იმით, რომ ისინი ეფუძნებოდა იმპრესიონიზმს. მათ დიდი გავლენა მოახდინეს სახვითი ხელოვნების შემდგომ განვითარებაზე და გახდა ტენდენციების საფუძველი თანამედროვე ფერწერა. მათი პრობლემურობით, მთავარმა ოსტატებმა საფუძველი ჩაუყარეს მე-20 საუკუნის სახვითი ხელოვნების ბევრ მიმართულებას: ვან გოგის ნამუშევრები მოელოდა ექსპრესიონიზმის გაჩენას, გოგენმა გზა გაუხსნა სიმბოლიზმისა და მოდერნიზმს. ამავდროულად, ბევრი უმნიშვნელო მოძრაობა (მაგალითად, პოინტილიზმი) არსებობდა მხოლოდ ამ ქრონოლოგიურ პერიოდში.
51. სეზანის შემოქმედების ძირითადი პრობლემები
პოლ სეზანი ძალიან იყო ნიჭიერი მხატვარიდა თავისი დროის თვალსაჩინო წარმომადგენელი.
ხელოვნების ხედვით რადიკალურად განსხვავდებოდა სხვა ოსტატებისაგან. მაგალითად, თუ მისი თანამედროვეები ცდილობდნენ თავიანთ ნახატში გამოეჩინათ ადამიანის შინაგანი შეგრძნებები და სულიერი სამყარო, მაშინ პოლ სეზანს სურდა, უპირველეს ყოვლისა, დაეშალა მთელი. მატერიალური სამყაროდა მისი გარემო. თავდაპირველად, მხატვარი გარკვეული პერიოდის განმავლობაში თანამშრომლობდა იმპრესიონისტებთან. ღია ცის ქვეშ მუშაობის მათ ტექნიკას გაეცნო სუფთა ჰაერი. მათთან ერთად მან დაიწყო მონაწილეობა სხვადასხვა გამოფენებში, აჩვენა თავისი ნახატები აუდიტორიას. მაგრამ მიუხედავად ამისა, სეზანს არ მოეწონა მათი ნამუშევარი. მას არ მოსწონდა იმპრესიონიზმისთვის დამახასიათებელი სინათლის ცვალებადი ანარეკლის გადაცემა. სეზანი ცდილობდა დაენახა საგნების არსის გეომეტრია. ასე დაიწყო ფორმირება მხატვრის განსაკუთრებული სტილი - ნათელი და მკვრივი ჯაგრისით. 1886 წელს მხატვრის მამა გარდაიცვალა, რამაც მას ქონება დაუტოვა. სეზანი მიდის თავის სახლში, მამულში. თავად ბუნება ხდება მისი მუზა. მაგალითად, სეზანი სამოცზე მეტჯერ ხატავს იმავე მთას Sainte-Victoire. მხატვარი ცდილობდა ყურადღებით, დეტალურად დაემუშავებინა ნახატის თითოეული თემა თეორიული მეთოდებიდა გათვლები
52. გოგენის, ვან გოგის შრომები
გოგენ პოლი (1848-1903), ფრანგი მხატვარი. ახალგაზრდობაში მსახურობდა მეზღვაურად, ხოლო 1871-1883 წლებში პარიზში საფონდო ბროკერად. 1870-იან წლებში პოლ გოგენმა დაიწყო ხატვა, მონაწილეობა მიიღო იმპრესიონისტთა გამოფენებში და მიიღო რჩევები კამილ პისაროსგან. 1883 წლიდან მან მთლიანად მიუძღვნა ხელოვნებას, რამაც გოგენი სიღარიბემდე, ოჯახთან განშორებამდე და ხეტიალამდე მიიყვანა. 1886 წელს გოგენი ცხოვრობდა პონტ-ავენში (ბრეტანი), 1887 წელს - პანამაში და კუნძულ მარტინიკაზე, 1888 წელს ვინსენტ ვან გოგთან ერთად მუშაობდა არლში, 1889-1891 წლებში - ლე პულდუში (ბრეტანი) .
თანამედროვე საზოგადოების უარყოფამ გამოიწვია გოგენის ინტერესი ტრადიციული ცხოვრების წესისადმი, არქაული საბერძნეთის ხელოვნების, ძველი აღმოსავლეთის ქვეყნებისადმი, პრიმიტიული კულტურები. 1891 წელს პოლ გოგენი გაემგზავრა კუნძულ ტაიტიზე (ოკეანია) და საფრანგეთში ხანმოკლე (1893–1895) დაბრუნების შემდეგ სამუდამოდ დასახლდა კუნძულებზე (პირველად ტაიტიზე, 1901 წლიდან კუნძულ ჰივა ოაში).
საფრანგეთშიც კი, განზოგადებული სურათების ძიებამ, ფენომენების იდუმალმა მნიშვნელობამ („ხილვა ქადაგების შემდეგ“, 1888, შოტლანდიის ეროვნული გალერეა, ედინბურგი; „ყვითელი ქრისტე“, 1889, ოლბრაიტის გალერეა, ბაფალო) გოგენს მიუახლოვდა სიმბოლიზმთან და მას და მის ჯგუფს, ვინც მისი გავლენის ქვეშ მუშაობდა ახალგაზრდა მხატვრებმა, შექმნა უნიკალური ფერწერული სისტემა - „სინთეტიზმი“, რომელშიც მოცულობების, შუქ-ჰაერის და ხაზოვანი პერსპექტივების წყვეტილი მოდელირება იცვლება ცალკეული სიბრტყეების რიტმული შედარებით. სუფთა ფერის, რომელიც მთლიანად ავსებდა საგნების ფორმებს და წამყვან როლს თამაშობს სურათის ემოციური და ფსიქოლოგიური სტრუქტურის შექმნაში („კაფე არლში“, 1888, პუშკინის მუზეუმი, მოსკოვი).
ეს სისტემა შემდგომ განვითარდა გოგენის მიერ ოკეანის კუნძულებზე დახატულ ნახატებში. ასახავს ტროპიკული ბუნების აყვავებულ, სრულსისხლიან სილამაზეს, ცივილიზაციით ხელუხლებელი ბუნებრივი ადამიანების გამოსახულებას, მხატვარი ცდილობდა განესახიერებინა უტოპიური ოცნება მიწიერი სამოთხის, ბუნებასთან ჰარმონიაში ადამიანის ცხოვრების შესახებ („ეჭვიანობ?“, 1892; „მეფის ცოლი, "1896; "ხილის შეგროვება") ", 1899, - ყველა ნახატი პუშკინის მუზეუმში, მოსკოვი; "ქალი, რომელსაც ხილი უჭირავს", 1893, ერმიტაჟი, სანქტ-პეტერბურგი). გოგენის ტილოები, მათი დეკორატიული ფერის, სიბრტყის და კომპოზიციის მონუმენტურობის თვალსაზრისით, და სტილიზებული დიზაინის ზოგადად, პანელების მსგავსი, ატარებდა არტ ნუვოს სტილის ბევრ მახასიათებელს, რომელიც წარმოიშვა ამ პერიოდში და გავლენას ახდენდა შემოქმედებით ძიებაზე. „ნაბის“ ჯგუფის ოსტატები და მე-20 საუკუნის დასაწყისის სხვა მხატვრები. გოგენი ასევე მუშაობდა ქანდაკებისა და გრაფიკის სფეროში.
ვან გოგ ვინსენტი (1853-1890), ჰოლანდიელი მხატვარი. 1869-1876 წლებში მუშაობდა ხელოვნებისა და სავაჭრო კომპანიის კომისიის აგენტად ჰააგაში, ბრიუსელში, ლონდონში, პარიზში, ხოლო 1876 წელს მუშაობდა მასწავლებლად ინგლისში. ვან გოგი სწავლობდა თეოლოგიას და 1878-1879 წლებში იყო მქადაგებელი ბელგიის ბორინაჟის სამთო რეგიონში. მაღაროელთა ინტერესების დაცვამ ვან გოგი ეკლესიის ხელისუფლებასთან კონფლიქტში მიიყვანა.
1880-იან წლებში ვან გოგი მიუბრუნდა ხელოვნებას, დაესწრო ბრიუსელის (1880–1881) და ანტვერპენის (1885–1886) ხელოვნების აკადემიას. ვან გოგმა გამოიყენა მხატვარ ა.მაუვეს რჩევა ჰააგაში და ენთუზიაზმით ხატავდა უბრალო ადამიანებს, გლეხებს, ხელოსნებსა და პატიმრებს. 1880-იანი წლების შუა პერიოდის ნახატებისა და ჩანახატების სერიაში („გლეხი ქალი“, 1885, სახელმწიფო მუზეუმი კროლერ-მიულერი, ოტერლო; „კარტოფილის მჭამელები“, 1885, ვინსენტ ვან გოგის ფონდი, ამსტერდამი), დახატული ბნელ ფერწერულ პალიტრაში, აღინიშნება მტკივნეულად მკვეთრი ადამიანური ტანჯვისა და დეპრესიის განცდების აღქმით, მხატვარი ხელახლა ქმნის ფსიქოლოგიური დაძაბულობის მჩაგვრელ ატმოსფეროს.
1886-1888 წლებში ვინსენტ ვან გოგი ცხოვრობდა პარიზში, დაესწრო კერძო ხელოვნების სტუდიას, სწავლობდა იმპრესიონისტულ ფერწერას. იაპონური ბეჭდვა, პოლ გოგენის "სინთეზური" ნამუშევრები. ამ პერიოდის განმავლობაში, ვან გოგის პალიტრა გახდა მსუბუქი, გაქრა მიწიერი ფერები, გამოჩნდა სუფთა ლურჯი, ოქროსფერ-ყვითელი, წითელი ტონები, მისი დამახასიათებელი დინამიური, დინამიური ფუნჯის შტრიხი ("ხიდი სენაზე", 1887, "Papa Tanguy", 1881). 1888 წელს ვან გოგი გადავიდა არლში, სადაც საბოლოოდ დადგინდა მისი შემოქმედებითი სტილის ორიგინალობა.
ცეცხლოვანი მხატვრული ტემპერამენტი, მტკივნეული იმპულსი ჰარმონიის, სილამაზისა და ბედნიერებისკენ და ამავდროულად ადამიანის მიმართ მტრული ძალების შიშის გამოხატულებაა ან სამხრეთის მზიანი ფერებით გაბრწყინებულ პეიზაჟებში (“Harvest. La Croe Valley”, 1888), ან ავის მომასწავებელი, რომელიც მოგვაგონებს ღამის კოშმარების სურათებს ("ღამის კაფე", 1888, კერძო კოლექცია, ნიუ-იორკი). ფერების და ფუნჯების დინამიკა ვან გოგის ნახატებში სულიერი ცხოვრებითა და მოძრაობით ავსებს არა მხოლოდ ბუნებას და მასში მცხოვრებ ადამიანებს („წითელი ვენახები არლში“, 1888, პუშკინის მუზეუმი, მოსკოვი), არამედ უსულო საგნებითაც („ვან გოგის საძინებელი არლი, 1888).
ბოლო წლებში ვან გოგის ინტენსიურ მუშაობას თან ახლდა ფსიქიკური აშლილობა, რამაც მიიყვანა იგი არლის ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში, შემდეგ სენ-რემიში (1889-1890) და ოვერ-სიურ-უაზაში (1890), სადაც მან თავი მოიკლა. . მხატვრის ცხოვრების ბოლო ორი წლის ნამუშევარი გამოირჩევა ექსტაზური აკვიატებით, ფერების კომბინაციების უკიდურესად გაძლიერებული გამოხატულებით, განწყობის უეცარი ცვლილებებით - გააფთრებული სასოწარკვეთილებისგან და პირქუში ხედვით ("გზა კვიპაროსებითა და ვარსკვლავებით", 1890, კროლერ-მიულერის მუზეუმი. , ოტერლო) განმანათლებლობისა და სიმშვიდის საშინელი გრძნობისკენ („პეიზაჟი ოვერში წვიმის შემდეგ“, 1890, პუშკინის მუზეუმი, მოსკოვი).
მე-19 საუკუნის II ნახევრის ევროპული ქანდაკება F. Ryud. ო.როდენის შემოქმედება, მისი გავლენა თანამედროვე ქანდაკების განვითარებაზე
ევროპული ქანდაკების ისტორიაში ახალი ფურცელი გახსნა ოგიუსტ როდენმა (1840-1917), ფრანგი მოქანდაკე და გრაფიკოსი, საფრანგეთის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი მოქანდაკე, ქანდაკებაში იმპრესიონიზმის ერთ-ერთი ფუძემდებელი. როდენის ნამუშევარი მიზიდულია რთული სიმბოლური გამოსახულებებისკენ, ადამიანის ემოციების ფართო სპექტრის იდენტიფიცირებისკენ - მკაფიო ჰარმონიიდან და რბილი ლირიზმიდან სასოწარკვეთილებამდე და პირქუშ კონცენტრაციამდე ("უძღები შვილი"). როდენის ნამუშევრები იძენს ესკიზურ, ერთი შეხედვით დაუმთავრებელ ხასიათს, რაც ოსტატს საშუალებას აძლევს ელემენტარული, ამორფული მატერიიდან („მარადიული გაზაფხული“) შექმნას ფორმების მტკივნეული დაბადების შთაბეჭდილება. ამავდროულად, როდენი ყოველთვის ინარჩუნებდა ფორმების პლასტიკურ სიზუსტეს და აძლევდა განსაკუთრებული მნიშვნელობამათი ტექსტურირებული ხელშესახებობა („მოაზროვნე“). როდენის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი, რომელზეც ის მუშაობდა ოცდათხუთმეტი წლის განმავლობაში, მაგრამ არასოდეს დაასრულა, არის ეგრეთ წოდებული "ჯოჯოხეთის კარიბჭე". კარიბჭეების რელიეფები, რომლებიც სიმბოლურად განასახიერებს ადამიანთა ვნებების სამყაროს, შთაგონებულია დანტეს „ღვთაებრივი კომედიით“, ანტიკური მითოლოგიის მოტივებით. ბიბლიური ლეგენდებივილონის, ბოდლერის, ვერლენის და სხვათა პოეზია.ქანდაკებების მთელი სერია და სკულპტურული ჯგუფები, განკუთვნილია ჩასართავად ზოგადი შემადგენლობაკარიბჭე, გახდა დამოუკიდებელი ნაწარმოებები ("კოცნა"). თანამედროვეთა დამოკიდებულება როდენის შემოქმედებისადმი ორაზროვანი იყო. დიდი ოსტატის ნამუშევრები იმდენად უჩვეულო ჩანდა, რომ მომხმარებლები ხშირად უარს ამბობდნენ. როდენის შემოქმედებამ ბიძგი მისცა მე-20 საუკუნის ევროპული ქანდაკების მრავალი განსხვავებული ორიენტირებული ოსტატის მხატვრულ სწრაფვას და, პირველ რიგში, მის სტუდენტებს, მათ შორის ე. Bourdelle, A. Mayol, C. Despiaux, A.S. გოლუბკინა.
ფრანსუა რუდე (დ. 4 იანვარი, 1784, დიჟონი - გ. 3 ნოემბერი, 1855, პარიზი), ფრანგი მოქანდაკე. დაიბადა ღუმელების მწარმოებლების ოჯახში, იგი თავდაპირველად მამის პროფესიას მიჰყვებოდა. 1798 წლიდან სწავლობდა მხატვარ ფ.დევოჟესთან დიჟონში, ხოლო 1807 წლიდან მოქანდაკეებთან ე.გოლთან და პ.კარტელიესთან პარიზში.
1815 წელს, ბურბონის რესტავრაციის დროს, რუდი ემიგრაციაში წავიდა ბელგიაში, სადაც დაუახლოვდა ჟაკ ლუი დევიდს. ნათელი ემოციურობა, კანონების უარყოფა, თემების დიაპაზონის გაფართოება და, კერძოდ, ისტორიული თემებისადმი მიმართვა დამახასიათებელია ფრანგი რომანტიული მოქანდაკეებისთვის, მათ შორის ფრანსუა რუდისთვის. დელაკრუას „თავისუფლებას“ ეხმიანება ფრანსუა რუდის მონუმენტური რელიეფი „მოხალისე სპექტაკლი 1792 წელს“ (მარსელიზა, 1833-1836), რომელიც ამშვენებს ტრიუმფის თაღს პარიზში, ვარსკვლავების მოედანზე. ის ასევე თამამად აერთიანებს ალეგორიისა და რეალობის სურათებს.
ეს არის გმირობითა და პათოსით სავსე მილიციის იმიჯი, რომელიც შთაგონებულია თავისუფლების დიდი იდეებით, რომლებიც დადიან ფართო, სწრაფი ნაბიჯებით, გამარჯვების გაბედული გენიოსით დაჩრდილული. აქ არის უძველეს ტანსაცმელში გამოწყობილი მამაცი მეომარი და ძალიან ახალგაზრდა შიშველი მოზარდი. სინათლისა და ჩრდილის მკვეთრი კონტრასტი ხაზს უსვამს ფორმების ძლიერ მოდელირებას და ჯგუფის მონოლითურ ხასიათს, რომელიც აღიქმება როგორც ბრბო. მისი სურათები ღრმად ტიპიურია. დინამიური რიტმი გაჟღენთილია ამ მაღალ რელიეფში. ტექსტურირებული ტექნიკის მრავალფეროვნება და სიმდიდრე, რომელიც გადმოსცემს შიშველ სხეულს და ტანსაცმლის ნაკეცებს, ჯაჭვის ლითონს და ფრიალებს თმას, გამარჯვების გენიოსის ფრთების რბილობას, რომელიც ჰაერში ჭრის და მის უკან ხალხს მოუწოდებს - ყველაფერი. ეს ჰარმონიულად არის შერწყმული თაღის საზეიმო გლუვ ზედაპირთან.
54.20 საუკუნე, როგორც ახალი ერა კაპიტალისტური საზოგადოების განვითარებასა და წინააღმდეგობების გამწვავებაში. ბურჟუაზიული კულტურის კრიზისი, ანარქო-ინდივიდუალისტური ტენდენციების ზრდა. არტ ნუვო და სიმბოლიზმი.
ფერწერის სტილები.
სიმბოლიზმი.
სიმბოლიზმი არის მოძრაობა ლიტერატურაში და ვიზუალურ ხელოვნებაში, რომელსაც არ გააჩნდა ხისტი ორგანიზაციული სტრუქტურა, რომლის აყვავება მოხდა დაახლოებით 1885 - 1910 წლებში.
მოძრაობამ გამოაცხადა ფენომენების პირდაპირი, პირდაპირი მნიშვნელობით ასახვის უარყოფა, მიმართა ასოციაციებსა და გამოცნობებს. ეს იყო უფრო ზოგადი ანტიმატერიალისტური, ანტირაციონალისტური მოძრაობის ნაწილი აზროვნებისა და ხელოვნებისადმი მიდგომის შესახებ, რომელიც გაჩნდა მე-19 საუკუნის ბოლოს. კერძოდ, სიმბოლიზმი წარმოიშვა, როგორც პასუხი იმპრესიონიზმზე თავისი ნატურალისტური იდეებით.
სიმბოლიზმი მიმართავს სულიერი კანონების გაგებას, რომლებიც მართავენ სამყაროს, ცდილობს სამყაროს ხელახლა შექმნას პანესთეტიზმის (ყოვლისმომცველი სილამაზე) პრინციპების მიხედვით. კრეატიულობა გაგებულია, როგორც ხელოვანის მონაწილეობა ზემუნჯურ საიდუმლოებებში, რომლებიც ვლინდება რეალურ სამყაროსა და „თვალებით უხილავს“ შორის შესაბამისობის ძიების გზით. სიმბოლო არის ესთეტიკური კატეგორია, რომელიც განსხვავდება ალეგორიისა და მხატვრული გამოსახულებისგან. პოეტისა და სიმბოლიზმის თეორეტიკოსის ვიაჩ ივანოვის განმარტებით, სიმბოლო „მინიშნებისა და წინადადების თავის წმინდა და მაგიური ენით წარმოთქვამს რაღაც არაადეკვატურს. გარე სიტყვა[...], ამოუწურავი და უსაზღვრო თავისი მნიშვნელობით, პოლისემანტიური და ყოველთვის ბნელი მის საბოლოო სიღრმეში [...]. სიმბოლო არის მითის ბირთვი და ჩანასახი." სიმბოლო აღნიშნავს არსებობას უმაღლესი სამყაროები. სიმბოლისტების შინაგან ხედვაში რეფრაქციული რეალური სამყარო პოეტურ მეტაფორად ან მითად იქცევა.
სიმბოლისტები ცდილობდნენ გამოეხატათ სულიერი გამოცდილება და ემოციური გამოცდილება ვიზუალურ სურათებში. როგორც პოეტმა ჟან მორსამ თქვა სიმბოლისტურ მანიფესტში, რომელიც გამოქვეყნდა გაზეთ Le Figaro-ში 1886 წლის 18 სექტემბერს, სიმბოლიზმი ითვლებოდა „იდეის განცდის ფორმაში გადატანა“. სიმბოლისტი პოეტები თვლიდნენ, რომ არსებობდა მჭიდრო კავშირი სიტყვების ბგერას, რიტმს და მათ მნიშვნელობას შორის. ანალოგიურად, მხატვრები ვარაუდობდნენ, რომ ფერი და ხაზი დამოუკიდებლად გამოხატავდა იდეას.
იმ პერიოდის კრიტიკოსები მიდრეკილნი იყვნენ პარალელების გავლებას ხელოვნების სხვადასხვა ტიპებს შორის. ბევრი სიმბოლისტი მხატვარი ეძებდა შთაგონებას იმავე სურათებში, როგორც პოეტები (ასეთი საერთო თემა, მაგალითად, იყო გამოსახულება " ფატალური ქალი", femme fatale).
მოძრაობის დამახასიათებელი მახასიათებელი იყო ძლიერი, მისტიკური რელიგიური გრძნობა, მაგრამ სიმბოლისტებს თანაბრად იზიდავდნენ ეროტიკული საგნები, მანკიერების, სიკვდილის, ავადმყოფობისა და ცოდვის თემები.
სტილისტურად სიმბოლისტური მოძრაობა უაღრესად ჰეტეროგენული იყო. ზოგი ყურადღებას აქცევდა სრულიად ეგზოტიკურ დეტალებს, ზოგიც თითქმის პრიმიტიულ სიმარტივეს აღწევდა ობიექტების გამოსახვისას. ფიგურების კონტურები შეიძლება იყოს მკაფიო, ან შეიძლება დაიკარგოს რბილ, ნისლიან ნისლში. თუმცა, ზოგადი ტენდენციაგანაპირობა ფორმების გაბრტყელება და ტილოს დიდი უბნების ერთი ტონით მოხატვა, რაც ზოგადად შეესაბამებოდა „პოსტიმპრესიონიზმის“ ხაზს.
გაათავისუფლეს მხატვრობა იმისგან, რასაც გოგენმა უწოდა "ავთენტურობის ბორკილები", სიმბოლიზმმა შექმნა წინაპირობები უმეტესობის ჩამოყალიბებისთვის. მხატვრული მოძრაობები XX საუკუნე.
მიუხედავად იმისა, რომ სიმბოლიზმი ჩვეულებრივ ასოცირდება საფრანგეთთან, იგი გავრცელდა მთელ მსოფლიოში. რუსეთში სიმბოლიზმი ასახული იყო ა.ა. ბლოკის, კ.დ. ბალმონტის, ვ. ია. ბრაუსოვის პოეზიაში, მ.ა. ვრუბელის, ვ.ე. ბორისოვ-მუსატოვის, ადრეული კ.ს. პეტროვ-ვოდკინის (იხ. პეტროვ-ვოდკინ კ. ასოციაცია "ხელოვნების სამყარო" და "ლურჯი ვარდი". რუსული სიმბოლიზმის ორიგინალურობა გამოიხატება ბუნების საიდუმლოების, წარსულის, ადამიანის სულის და მათი ჰარმონიის გაცნობიერების სურვილში ხელოვნების მიერ შექმნილ იდეალურ რეალობაში.
თანამედროვე სტილი ევროპულში და ამერიკული ხელოვნება XIX საუკუნის ბოლოს - XX საუკუნის დასაწყისი (ფრანგულიდან modern - უახლესი, თანამედროვე).
სხვადასხვა ქვეყანაში მან მიიღო სხვადასხვა სახელები: რუსეთში - "თანამედროვე", საფრანგეთში, ბელგიასა და ინგლისში - "არტ ნუვო", გერმანიაში - "jugendstil", ავსტრია-უნგრეთში - "სეცესია", იტალიაში - "თავისუფლება". და ა.შ. დ.
იდეოლოგიური საფუძველიმოდერნობის გაჩენა დაიწყო ფ.ნიცშეს, ა.ბერგენსონის და სხვათა ფილოსოფიური და ესთეტიკური შეხედულებებით.მისი თეორეტიკოსების აზრით, მოდერნობა უნდა გამხდარიყო ახალი საზოგადოების ცხოვრების წესი, შექმნას სრული, ესთეტიურად მდიდარი ობიექტურ-სივრცითი გარემო. ადამიანის გარშემო.
არტ ნუვო ხშირად ისესხებდა იდეების მთელ რიგს სიმბოლიზმისგან. თუმცა, არტ ნუვო გამოირჩეოდა თავისი შინაგანი წინააღმდეგობებით: ის ორიენტირებული იყო დახვეწილ, დახვეწილ გემოვნებაზე, მხარს უჭერდა „ხელოვნება ხელოვნებისთვის“ პრინციპებს და ამავე დროს ცდილობდა ემსახურა და „განათლებულიყო“ მასობრივი მომხმარებელი.
ფორმირების განსაკუთრებულ პრინციპებს თანამედროვეობაში განსაკუთრებული მნიშვნელობა ჰქონდა. ისინი შედგებოდა ბუნებრივ, ორგანულ ფორმებთან და სტრუქტურებთან ასიმილაციისგან. ორნამენტს, განსაკუთრებით ყვავილების დიზაინს, მნიშვნელოვანი ადგილი ეკავა არტ ნუვოს მხატვრულ პრაქტიკაში.
არტ ნუვოს ფერთა სქემა უპირატესად ცივი, გაცვეთილი ტონებია.
არტ ნუვოს ფერწერას ახასიათებს ხაზგასმული დეკორატიული ელემენტი, ლაქების ნამუშევარი და გლუვი ხაზებისა და კონტურების ექსკლუზიური როლი.
არტ ნუვოს ეპოქის გამორჩეული თვისება იყო მხატვრების პროგრამული უნივერსალიზმი, რომლებიც მონაწილეობდნენ მრავალფეროვან მხატვრულ საქმიანობაში. ეს განსაკუთრებით ნათლად გამოიხატა ხელოვნების სამყაროს ასოციაციის ოსტატებისა და მოსკოვის მახლობლად მდებარე აბრამცევოს წრის შემოქმედებაში, რომელთაგან ბევრი ერთდროულად იყო მხატვარი, წიგნის გრაფიკოსი, დეკორატიული მხატვრები, მოდის დიზაინერები და ა.
არტ ნუვოს მხატვრობასთან ასოცირდებიან პ.გოგენი, მ.დენისი, პ.ბონარი საფრანგეთში, გ.კლიმტი ავსტრიაში, ე.მუნკი ნორვეგიაში, მ.ვრუბელი, ვ.ვასნეცოვი, ა.ბენუა, ლ.ბაკსტი, ა. გოლოვინი, კ.სომოვი რუსეთში.
55. მეტისი და ველური ბუნების ველური ესთეტიკური პოზიციები, მათი აჯანყება ხელოვნებაში დისციპლინების წინააღმდეგ. მატისის ნამუშევარი
მატისი ბრწყინვალე კოლორიტი იყო. მისი შემოქმედების ერთ-ერთი „მუდმივი“ ფერისა და ფორმის ჰარმონიისა და სიწმინდის ძიებაა.
დასაწყისი: რეალიზმი
მატისი მრავალფეროვანია. ზოგჯერ მისი მხატვრული სამყარო ემსგავსება მოზაიკას, რომელიც შედგება სხვადასხვა ტექნიკისა და სტილის ელემენტებისაგან. მხატვარმა საკმაოდ რეალისტური ნაწარმოებებით დაიწყო, რომელშიც შარდენისა და კოროს ერთგული მიმდევარი მოქმედებდა, მაგრამ ძალიან სწრაფად გაემგზავრა ახალი მხატვრული „კონტინენტების“ აღმოსაჩენად. ლოურენს გოვინგი, მატისის ბიოგრაფი, აღნიშნავს, რომ „მისი თითოეული ნახატი ახლებურად არის დახატული“.
ხელოვანის შეუსაბამობის გათვალისწინებით, რომელიც მისი შემოქმედების ერთ-ერთ ნიშან-თვისებად იქცა, შეუძლებელი იქნება მისი მორგება რომელიმე მიმართულების „უჯრედში“ (იგივე შეიძლება ითქვას ოსტატის ჟანრულ პრეფერენციებზე - ის ჩართული იყო სიტყვასიტყვით ყველაფერი). თუ ჩვენ ვცდილობთ როგორმე განვსაზღვროთ ასეთი "უჯრედი", ეს იქნება, რაც არ უნდა ზოგადი ჟღერდეს, ჰარმონიის ძიება. სწორედ ამ ძიებას მიუძღვნა თავისი ცხოვრება მატისმა.
როდესაც უყურებ ახალგაზრდა მატისის მიერ დახატულ მოკრძალებულ შინაურ სცენებს, ძნელია დაიჯერო მისი მომავალი მხატვრული „ზიგზაგები“. დროთა განმავლობაში მისმა ტექნიკამ დაიწყო იმპრესიონისტებთან სწავლის კვალი. ნახატების ინტერიერები აშკარად უფრო თამამი გახდა.
პოინტილიზმი
მხატვარი დაიღალა რეალობის ბრმად კოპირებით. საჭირო იყო არა რეალობის „ჩვენება“, არამედ სამყაროსადმი საკუთარი დამოკიდებულების გამოხატვა. 1900-იანი წლების დასაწყისში მისი სტილი - სეურატისა და სინიაკის იდეების გავლენით - მკვეთრად შეიცვალა. მატისი მოკლედ გადაიქცა "პოინტილისტად".
ჰობი უნაყოფო აღმოჩნდა, რაც ნამდვილ შედევრში დასრულდა: ვგულისხმობთ ნახატს „ფუფუნება, მშვიდობა და სიამოვნება“ (1904 წ.). ნაწარმოების სახელი დაარქვა ბოდლერის ლექსის სტრიქონს, რომელიც ერთგულად უყვარდა მატისს. მაგრამ მხატვარი არ შეჩერებულა დივიზიონიზმით. ცოტა მოგვიანებით მან გააკრიტიკა იგი: ”ფერების დაშლა, - წერდა მატისი, - იწვევს ფორმისა და ხაზის განადგურებას. ფერადი წერტილებით დაფარული ტილო ბრტყელი რჩება და შეუძლია მხოლოდ თვალის ბადურის გაღიზიანება“. მას იზიდავდა მოძრაობა და მუსიკალური რიტმი. პოანტილიზმის ვიწრო საზღვრები ზღუდავდა ამ იმპულსს. და მან უარი თქვა პუნტილიზმზე სინანულის გარეშე.
"ველური" კრეატიულობა (ფოვიზმი)
მატისს და მის მეგობრებს ალბერ მარკეტს, ანდრე დერეინს, მორის დე ვლამინკს და ჟორჟ რუოს 1905 წლის შემოდგომის სალონში უწოდებდნენ ფოვისტებს, ანუ "ველურებს". ისინი, როგორც წესი, განიხილება, როგორც ერთი და იგივე მხატვრული ჯგუფის წევრები, თუმცა ასეთი შეხედულება აშკარა მონაკვეთია. ისინი განსხვავებულები იყვნენ, თანხმდებოდნენ მხოლოდ ფერისადმი დამოკიდებულებაზე. ფოვიზმი ამტკიცებდა ფერის უპირატესობას ფორმაზე. ფოვიზმის წინამორბედთა შორის უპირველეს ყოვლისა უნდა აღვნიშნოთ გოგენი; მოგვიანებით მისი იდეები ექსპრესიონისტებმა განავითარეს.
”ფოვიზმის საწყისი წერტილი,” წერდა მატისი, ”გადამწყვეტი დაბრუნებაა ლამაზ ბლუზზე, მშვენიერ წითელზე, მშვენიერ ყვითელზე - ძირითადი ელემენტები, რომლებიც აღძრავს ჩვენს გრძნობებს. მატისმა მიატოვა კიაროსკუროს ფერების შერევა და მცირე ნაწილები– არაფერს არ უნდა შეემცირებინა საღებავის ჟღერადობა. კიდევ ერთი გამომხატველი საშუალება მის ნახატებში იყო ზუსტად დამუშავებული ხაზი. მხატვარი ხაზს უსვამდა ყოველ მოძრაობას, ყოველ კონტურს ხაზით; ის ზოგჯერ ერთგვარ ჩარჩოს ჰგავდა, რომელშიც ფორმა იყო ჩასმული.
თავად ტერმინი „გამოიგონა“ კრიტიკოსმა ლ. ვოქსელსმა, რომელიც შემოდგომის სალონში გამოფენილ ალბერ მარკეს ბრინჯაოს ფიგურას მე-15 საუკუნის მოქანდაკე დონატელოს მეზობელ ნამუშევრებთან შეადარა, წამოიძახა: „საწყალი დონატელო! ის აღმოჩნდა ველურების გარემოცვაში!“ ნახატი "ახალგაზრდა მეზღვაური", 1906, შექმნა მატისმა ფოვიზმისადმი გატაცების წლებში. მოგვიანებით მხატვარიწერდა: „ფოვიზმი ხანმოკლე მოძრაობა იყო. ჩვენ შევქმენით ის, რათა გვეჩვენებინა თითოეული ფერის მნიშვნელობა, არცერთ მათგანს უპირატესობის მინიჭების გარეშე“.
ფოვიზმი (კუბიზმთან ერთად) შეიძლება ჩაითვალოს აბსტრაქტული ხელოვნების დასაწყისად. აბსტრაქციონიზმი (ლათინური abstractus - აბსტრაქტული), არაობიექტური ხელოვნება, კონფიგურაციული ხელოვნება, კონკრეტული ხელოვნება - მიმართულება მეოცე საუკუნის ხელოვნებაში, რომელიც წინა პლანზე აყენებს ფორმალურ ელემენტებს - ხაზს, ფერთა ლაქას და აბსტრაქტულ კონფიგურაციას. მის უმსხვილეს რუს წარმომადგენლებს შორის არიან ვ.ვ.კანდინსკი და კ.ს.მალევიჩი.
56. ფორმალისტური მოძრაობები ხელოვნებაში პირველი მსოფლიო ომის წინა დღეს კუბიზმის, ფუტურიზმის, ექსპრიონიზმის პრინციპების საფუძვლები.
კუბიზმი
კუბიზმი (ფრანგ. cubisme, საწყისი cube - cube) არის მხატვრული მოძრაობა. ფრანგული ხელოვნებამეოცე საუკუნის დასაწყისი, რომლის დამფუძნებლები და უმსხვილესი წარმომადგენლები იყვნენ პაბლო პიკასო და ჟორჟ ბრაკი. ტერმინი „კუბიზმი“ წარმოიშვა ჯ. ბრაკის ნამუშევრის კრიტიკიდან, რომ მან „ქალაქები, სახლები და ფიგურები გეომეტრიულ ნიმუშებად და კუბებად აქცია“. მხატვრული კონცეფციაკუბიზმი აშენდა მცდელობაზე ეპოვა საგნებისა და ფენომენების უმარტივესი სივრცითი მოდელები და ფორმები, რომლებშიც გამოისახებოდა ცხოვრების მთელი სირთულე და მრავალფეროვნება.
ქანდაკების განვითარება ალექსანდრე 1-ის მეფობის დროს
იმპერიის სტილი რუსულ არქიტექტურაში XIX საუკუნის I ნახევარში (A. D. Zakharov, A. N. Voronikhin, Thomas de Thomon, C. Rossi)
კრეატიულობა O.A. კიპრენსკი, ვ.ა.ტროპინინი
ვენეციანოვის, ი.კ. აივაზოვსკის ნაშრომები
რომანტიზმი XIX საუკუნის მხატვრობაში. (რომანტიზმის გამოვლინება)
აკადემიური და რომანტიკული თვისებებიკ.ბრაილოვის შრომებში. აკადემიზმის განვითარება რუსეთში ნიკოლოზ 1-ის მეფობის დროს.
კრიტიკული რეალიზმის როლი კულტურული ცხოვრებარუსეთი. ვ. პეტროვის შემოქმედება
რუსული ხელოვნებაალექსანდრე II-ის მეფობის დროს.XIX საუკუნის II ნახევრის ხუროთმოძღვრება. (ვ. ა. შრეტერი, ვ. ა. ჰარტმანი, ა. ნ. პომერანცევი)
XIX საუკუნის II ნახევრის სადგურისა და სავაჭრო არქიტექტურის მახასიათებლები.
XIX საუკუნის II ნახევრის საგამოფენო და სამუზეუმო არქიტექტურის მახასიათებლები.
თეატრალური და ადმინისტრაციული არქიტექტურის მახასიათებლები მე-2 სართული. მე-19 საუკუნე.
ეკლესიის ხუროთმოძღვრებისა და ხუროთმოძღვრების მახასიათებლები საცხოვრებელი კორპუსიმე-19 საუკუნე
ეკლექტიკური სტილი მე -19 საუკუნის რუსულ ხელოვნებაში.
ბიზანტიური სტილი კ.ტონის შემოქმედებაში. ნეო-რუსული სტილი XIX საუკუნის არქიტექტურაში.
ისტორიზმი რუსულ ხელოვნებაში
ქანდაკების განვითარება XIX საუკუნის მეორე ნახევარში. (G. R. Zaleman, S. I. Ivanov, M. V. ხარლამოვი, F. F. Kamensky)
XIX საუკუნის II ნახევრის მოხეტიალეთა საზოგადოების გავლენა
ისტორიის მხატვრობამოხეტიალეები
მოხეტიალეთა ჟანრული და ლანდშაფტის მხატვრობა
ბრძოლა და ყოველდღიური ჟანრიპერედვიჟნიკების შემოქმედებაში
სამხატვრო აკადემიის რეფორმა XIX საუკუნეში.
ვ.მ.ვასნეცოვის ნამუშევრები, ვ.ვ.ვერეშჩაგინის ნამუშევრები
N.N. Ge-ს ნამუშევრები, I.N. Kramskoy-ის ნამუშევრები
V.I.Surikov-ის ნამუშევრები,I.E.Repin-ის ნამუშევრები
ი.ი.შიშკინის ნამუშევრები, ი.ი.ლევიტანის ნამუშევრები
შემოქმედებითი მიმართულება"ხელოვნების სამყარო": წარმომადგენლები, მახასიათებლები, მახასიათებლები
მე-20 საუკუნის დასაწყისის კრეატიული ჯგუფები: "ჯეკი ბრილიანტები", "ვირის კუდი"
სიმბოლიზმი რუსულ ხელოვნებაში: "ლურჯი ვარდი"
MUZHVZ: მე-19-20 საუკუნის შექმნა და რეფორმა
ხელოვნების სინთეზი XIX საუკუნის რუსულ კულტურაში.
კითხვა 16: ქანდაკების განვითარება XIX საუკუნის მეორე ნახევარში. (G. R. Zaleman, S. I. Ivanov, M. V. ხარლამოვი, F. F. Kamensky)
რუსული ქანდაკების განვითარება XIX საუკუნის მეორე ნახევარში მოხდა უფრო რთულ და ნაკლებად ხელსაყრელ პირობებში, ვიდრე ფერწერის განვითარება. მონუმენტური და დეკორატიული ქანდაკების მოთხოვნილება მკვეთრად შემცირდა, რადგან დიდებული სასახლეების ნაცვლად, ახლა ძირითადად შენდებოდა საცხოვრებელი კორპუსები. ჩვენ შეგვიძლია დავასახელოთ ამ დროს აღმართული ძეგლების მხოლოდ მცირე რაოდენობა. უპირველეს ყოვლისა, მათ უნდა მოიცავდეს ძეგლი ა. პუშკინი მოსკოვში (1880) ალექსანდრე მიხაილოვიჩ ოპეკუშინი (1844 - 1923 წწ). ეს ძეგლი ორგანულად შევიდა მოსკოვის არქიტექტურულ ანსამბლში, გახდა მისი გარეგნობის განუყოფელი ნაწილი.
XIX საუკუნის მეორე ნახევრის უნიჭიერესი მოქანდაკე. იყო მარკ მატვეევიჩ ანტოკოლსკი (1843 - 1902). მოქანდაკე განსაკუთრებით სოციალური და ეთიკური პრობლემებით იყო დაკავებული. მისი კონკრეტული ისტორიული გამოსახულებები: პეტრე I (1872), ივანე მრისხანე (1875), სპინოზა (1882), ერმაკი (1891) - და მითოლოგიური: ქრისტე (1876), მეფისტოფელი (1883) - განასახიერებს ორ პრინციპს შორის ბრძოლის იდეებს. ადამიანში - სიკეთე და ბოროტება.
სერიოზული სირთულეები განიცადა XIX საუკუნის მეორე ნახევარში. რუსული არქიტექტურა. კაპიტალისტური ურთიერთობების განვითარება და ქალაქების ზრდა მოითხოვდა მრავალბინიან შენობებს, დიდ მაღაზიებს, მატარებლის სადგურებს და ქარხნებს. მშენებლობის ფართომასშტაბმა ხელი შეუწყო ახალი მასალების (მინა, რკინა) გამოყენებას, მაგრამ ამ პერიოდის არქიტექტურას არ განუვითარდა არც ახალი სტილი და არც ახალი ტრადიციები. მთელი XIX საუკუნის მეორე ნახევრის განმავლობაში. არქიტექტორები ცდილობდნენ ახალი სამშენებლო ტექნიკისა და ახალი პრაქტიკული მოთხოვნების „ძველ კოსტიუმებში“ ჩაცმას, კლასიციზმის, ბაროკოსა თუ რენესანსისგან. გაკეთდა მცდელობები ძველი რუსული არქიტექტურის ზოგიერთი ტექნიკის გამოყენებაზე. მაგალითად, მოსკოვის ისტორიული მუზეუმის შენობაში (1875 - 1881 წწ.) გამოიყენეს XIX საუკუნის რუსული არქიტექტურის ფორმები. (არქიტექტორი V.O. შერვუდი).
უგო რობერტოვიჩ ზალემანი(1859-1919) - ნიჭიერი რუსი მოქანდაკე, სამხატვრო აკადემიის პროფესორი, მრავალი სკულპტურული ნაწარმოების ავტორი.
დაიბადა პეტერბურგში ოჯახთან ერთად ცნობილი მოქანდაკერობერტ კარლოვიჩ ზალემანი. 1870 წელს ჩაირიცხა წმინდა პეტრეს ცნობილ გერმანულ სკოლაში, სადაც დაამთავრა სრული კურსიგიმნაზია 1877 წელს. იმავე წელს ჩააბარა სამხატვრო აკადემიაში, როგორც სტუდენტი, სადაც 1883 წელს დაჯილდოვდა მცირე ოქროს მედლით ქანდაკებისთვის "ორესტე დასდევდნენ მრისხანებს", ხოლო 1884 წელს დიდი ოქროს მედალი ბარელიეფისთვის "ბრძოლა". ტიტანების ოლიმპიელებთან ერთად“. მომდევნო წელს ის ოთხი წლით გაემგზავრა საზღვარგარეთ, როგორც აკადემიის პენსიონერი, ეწვია დრეზდენსა და მიუნხენს, მუშაობდა ძირითადად ფლორენციასა და რომში და იქ დაასრულა ბარელიეფი „ქარონი მიცვალებულთა სხეულებს სტიქსის გასწვრივ გადაჰყავს“. პეტერბურგში დაბრუნებისთანავე მან ყველას ყურადღება მიიპყრო დიდი ჯგუფი"ციმბრი", ნაჩვენებია 1890 წლის აკადემიურ გამოფენაზე.
მის სტუდენტებს შორის არიან მოქანდაკე მატვეი გენრიხოვიჩ მანიზერი, მხატვარი, გრაფიკოსი, თეატრის მხატვარი, მოქანდაკე ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ სამოხვალოვი, მოქანდაკე ვიქტორ ალექსანდროვიჩ სინაისკი, იგორ ვსევოლოდოვიჩ კრესტოვსკი, ლიტველი მოქანდაკე იუოზას ზიკარასის სახელგანთქმული მონუმენტი. კარლის ზალე, რიგაში თავისუფლების ქანდაკების სკულპტურული ჩარჩოს ავტორი.
სერგეი ივანოვიჩ ივანოვი(1828 - 1903) - რუსი მოქანდაკე.
მხატვრული განათლება მიიღო მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლაში ნ.ა.რამაზანოვის მთავარი ხელმძღვანელობით. 1854 წელს ქანდაკებისთვის "ბიჭი აბანოში" (მარმარილოს ასლი ტრეტიაკოვის გალერეაშია, მოსკოვი) აიყვანეს აკადემიკოსის წოდებაში. რამაზანოვის გარდაცვალების შემდეგ (1863 წელს) მან დაიკავა ქანდაკების მასწავლებლის ადგილი იმავე მოსკოვის სკოლაში.
ის საჯარო გამოფენებზე თავისი ნამუშევრებით მხოლოდ ხანდახან ჩნდებოდა. მის ნამუშევრებს შორის გამოირჩევა შემდეგი ქანდაკებები: "ნეაპოლიტელი მეთევზე ქალი ნაჭუჭით" და "მოციქული ანდრია" (შესრულებული მოსკოვის ისტორიული მუზეუმისთვის), ჯგუფები "დედის სიყვარული", "ბიჭი ცხენზე", "იუდას კოცნა". ”, ”ვეფხვი იკბინა ირმის კისერში” და ”ლომი კუბებით”, ქანდაკების ესკიზი ”მოსე, რომელიც წყალს ქვისგან გამოსცემს”, პროექტი A.S. პუშკინის ძეგლისთვის, მსახიობების შუმსკის, ჟივოკინისა და სადოვსკის ბიუსტები. და ფაბულისტი კრილოვი.
ამ სტატიის წერისას გამოყენებული იქნა მასალა ბროკჰაუზისა და ეფრონის ენციკლოპედიური ლექსიკონიდან (1890-1907).
ფედორ ფედოროვიჩ კამენსკი(2 (21 აგვისტო), 1836, ლესნოე, სანქტ-პეტერბურგის მახლობლად, რუსეთი - 26 აგვისტო, 1913, კლიარვოტერი, ფლორიდა, აშშ) - რუსი მოქანდაკე. 1873 წლიდან მუშაობდა აშშ-ში.
კამენსკი დაიბადა გენერლის, პეტერბურგის სატყეო ინსტიტუტის ადმინისტრატორის ოჯახში. 1852-1860 წლებში სწავლობდა საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიაში ნიკოლაი პიმენოვთან, პიოტრ კლოდტთან და ფიდელიო ბრუნთან. აკადემიაში მან მიიღო ოქროს მედალი ბარელიეფისთვის „სენატი ცინცინატუსს სთხოვს რომში დარჩენას“ და „რეგულუსი კართაგენში ბრუნდება“. მან შექმნა ტარას შევჩენკოსა და ფიდელიო (ფედორ) ბრუნის ბიუსტები. ვლადიმერ სტასოვმა შეაქო კამენსკის შემოქმედება, რადგან, სტასოვის აზრით, ის არ იყო იდეალიზებული. 1863 წელს აკადემიამ კამენსკი გაგზავნა იტალიაში სასწავლებლად, სადაც ის 1869 წლამდე დარჩა.
იტალიაში მან შექმნა სენტიმენტალური სკულპტურები, როგორიცაა პირველი ნაბიჯები, ახალგაზრდა მოქანდაკე, ქვრივი და ვაჟი და მ.გლინკას ძეგლი. ქანდაკებისთვის ქვრივიის გახდა საიმპერატორო სამხატვრო აკადემიის აკადემიკოსი და დაბრუნდა პეტერბურგში.
მაგრამ უკვე 1870 წელს კამენსკი კვლავ გაემგზავრა ფლორენციაში, ხოლო 1873 წელს ემიგრაციაში წავიდა აშშ-ში. იქ, ფლორიდაში, ის ფერმერი გახდა, მაგრამ განაგრძო ხელოვნება. მისი მუშაობის ცნობილ ნაყოფებს შორისაა: დეკორაციები კანზასში ფედერალური შენობისთვის, რომაული შადრევნების პროექტი ნიუ-იორკში და კუპიდის ქანდაკება ქალაქ ტამპაში ფლორიდაში.
1893 წელს, ჩიკაგოში მსოფლიო კოლუმბიური ექსპოზიციისთვის მზადების დროს, იგი გახდა სახვითი ხელოვნების კომისარი რუსული ექსპოზიციისთვის. მან შექმნა "ბეტონის უზარმაზარი ქანდაკებები პავილიონისთვის" და ასევე პირადად შეარჩია 130 ნახატი და ქანდაკება რუსეთიდან, რომლებიც გამოფენაზე იყო გამოფენილი. ბოლო წლებში მუშაობდა კომპლექსურ სკულპტურაზე მსოფლიო(არ დასრულებულა). ფიოდორ კამენსკი გარდაიცვალა კლიარვოტერში, ფლორიდაში, 1913 წლის 26 აგვისტოს.
მატივე იაკოვლევიჩ ხარლამოვი, მონუმენტური მოქანდაკე
მატვეი იაკოვლევიჩ ხარლამოვი (11/27/1870-11/18/1930) იყო მონუმენტური მოქანდაკე, რომელიც აქტიურად მუშაობდა პეტერბურგის განვითარებაში საუკუნის დასაწყისში, ხოლო 1917 წლის რევოლუციის შემდეგ მან ძირითადად მიუძღვნა ძეგლების შექმნას. ლენინს ქვეყნის სხვადასხვა ქალაქებში. დიდი სამამულო ომის დროს მოქანდაკის სახელოსნო განადგურდა, მისმა ნამუშევრებმა ჩვენამდე მხოლოდ ფოტოებით მოაღწიეს. თუმცა მაინც შეგიძლია აღფრთოვანდე დიდებული და მკაცრი ფორმებიალეგორიული ქანდაკებები, რომლებიც ამშვენებს რუსეთის ეთნოგრაფიულ მუზეუმს და იძლევა წარმოდგენას ოსტატის ნიჭის მასშტაბებზე. M.Ya. ხარლამოვმა მოახერხა ქანდაკებისადმი ინტერესი და სიყვარული გადაეცა თავის ქალიშვილს მარია მატვეევნა ხარლამოვას, დაბადებული 1917 წელს, რუსეთის მხატვართა კავშირის წევრი. „ჯერ კიდევ გზაში, მანჯურიაში, გადაწყდა პეტერჰოფში დაღუპული თანამებრძოლების ძეგლის დადგმა. გამოცხადდა კოლექცია ნებაყოფლობითი შემოწირულობებიოფიცრებს, ჯარისკაცებს, პეტერჰოფის მაცხოვრებლებს შორის. რამდენიმე წლის განმავლობაში აგროვებდნენ ფულს. ოფიცერს ყოველთვიურად ორი მანეთი ევალებოდა. ჯარისკაცებმა „სინდისის მიხედვით“ მისცეს. ეს იმას ნიშნავდა, რომ მათ თვეში გამოყოფილ ორმოცდაათი კაპიკიდან გროშები ამოიღეს. ფული გროვდებოდა რამდენიმე წლის განმავლობაში, სანამ ძეგლის დაგება არ შედგა 1910 წლის 1 ოქტომბერს. ძეგლის სკულპტურული ნაწილი დაამზადა ლიგოვოში მცხოვრებმა ცნობილმა მონუმენტალისტმა მატვეი იაკოვლევიჩ ხარლამოვმა. პროექტში მონაწილეობა მიიღო პეტერჰოფის არქიტექტორმა ალექსანდრე კონსტანტინოვიჩ მინიაევმა. რამდენიმე ესკიზის წინადადებიდან, ჩვენ ავირჩიეთ ვარიანტი სამი ფიგურით. ფიგურების ძერწვისას ომის მონაწილეები მოქანდაკეს პოზირებდნენ: პოლკის დროშის მატარებელი სერჟანტი მაიორი ბლოხინი, პირველი ასეულის კაპიტანი ივან სმირნოვი. ჯარისკაცის ვინაობა, სამწუხაროდ, უცნობია. ის იყო პირველი ასეულის რიგითი, რომელიც გამოირჩეოდა ბრძოლაში. მუშაობა წარმატებით წარიმართა. პეტერჰოფის სასახლის ადმინისტრაციამ ნება დართო ავიღოთ ძეგლისთვის უზარმაზარი ქვის ლოდი, რომლის წონაა 5 ათასი ფუნტი, რომელიც ალექსანდრინსკის პარკში იწვა უჰლანის პოლკის არენის უკან. ობუხოვის ქარხანაში ამ ქვის ტრანსპორტირებისა და დამონტაჟების სპეციალური მოწყობილობა დამზადდა. შემორჩენილია კასპიის პოლკის ოფიცრის ქალიშვილის, ვალენტინა ვასილიევნა მოროზოვას მოგონებები ამ ქვის სამონტაჟო ადგილზე გადატანის შესახებ: ”ძალიან რთული იყო მძიმე ბლოკის სწორ ადგილას გადატანა. პირველ რიგში, ცხენებს აჭიანურებდნენ, მაგრამ შეუძლებელი იყო ცხენების დაჭერა და ქვის პირდაპირ დაჭერა. გადავწყვიტეთ „დუბინუშკას“ ქვეშ დაგვეწია. ჯარისკაცები და ოფიცრები თოკებს მიამაგრეს და ლოდის ფრთხილად გადაგორება მორებზე დაიწყეს. განსაკუთრებით რთული იყო რკინიგზის გადასასვლელზე, სადაც ღამით, ბანაკის ფარნების შუქზე გვიწევდა მუშაობა, რათა დღისით მატარებლების მოძრაობა არ დაგვიანებულიყო. ამ არაჩვეულებრივი სანახაობის დასათვალიერებლად მაშინ ბევრი ხალხი შეიკრიბა. მოგვიანებით თვითმხილველებმა გაიხსენეს, რომ მათ ცხოვრებაში არასოდეს გაუგიათ ასეთი „დუბინუშკა“, როგორც ამჯერად“.
