Aleksiej Zajcew- jeden z najjaśniejszych przedstawicieli impresjonizm. Dzieła tego współczesny artysta dobrze znany nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Mistrz maluje olejami, obficie nakładając pociągnięcia, ale obrazy okazują się jasne i słoneczne. Być może w tym właśnie tkwi sekret uroku jego obrazów.
Aleksiej Zajcew pochodzi z Riazania. Jego miłość do malarstwa rozwijała się od dzieciństwa - ciotka Aleksieja była zasłużoną artystką związku, chętnie wprowadzała swojego siostrzeńca w świat sztuki. Być może punktem wyjścia stały się dziecięce obserwacje dotyczące powstawania obrazów kreatywne zadania przyszły artysta.
Decydując się połączyć swoje życie ze sztukami pięknymi, Aleksiej rozpoczyna studia na Uniwersytecie Moskiewskim i otrzymuje specjalizację „ wykres książkowy„Nigdy nie został zawodowym ilustratorem, ale wiedza i umiejętności zdobyte na uniwersytecie pozwoliły Aleksiejowi Zajcewowi rozwinąć swój talent artystyczny.
Charakterystyczną cechą charakteru Aleksieja Zacewa jest bezinteresowna miłość do Ojczyzny. Podróżując po Moskwie i jej przedmieściach, z entuzjazmem obserwuje życie codzienne zwykli ludzie, często wykonuje szkice w plenerze, a następnie wracając do studia, finalizuje obrazy. Artysta równie dobrze radzi sobie ze szkicami miejskimi i naturalne krajobrazy i sceny rodzajowe. Wszystko tchnie życiem, jest pełne kolorów. Artysta umiejętnie łączy pracę szpachelką z rysowaniem detali pędzlem, dzięki czemu obrazy nie tracą na wyrafinowaniu, lecz zyskują szczególne bogactwo koloru.
teksturowane malarstwo Dmitrija Kustanowicza, petersburskiego artysty, którego prace są kochane także na całym świecie.
Impresjonizm pojawił się we Francji pod koniec XIX wiek. Przed pojawieniem się tego ruchu martwe natury, portrety, a nawet pejzaże były malowane głównie przez artystów w pracowniach. Obrazy impresjonistyczne często powstawały przy użyciu na dworze, a ich fabuły stały się prawdziwymi ulotnymi scenami Nowoczesne życie. I choć początkowo impresjonizm był krytykowany, szybko zyskał wielu zwolenników i zapoczątkował podobne ruchy w muzyce i literaturze.
Znani francuscy artyści impresjoniści
Nic dziwnego, że jeden z najbardziej znane miejsca docelowe To impresjonizm w malarstwie stał się częścią sztuki pięknej: artyści pracujący w tym stylu pozostawili po sobie niezwykle piękne płótna, lekkie jak powiew świeżego powietrza, pełne światła i kolorów. Wiele z nich piękne prace autorstwa kolejnych mistrzów impresjonizmu, których zna każdy szanujący się koneser światowego malarstwa.
Edwarda Maneta
Pomimo tego, że całej twórczości Edouarda Maneta nie można sytuować wyłącznie w ramach impresjonizmu, malarz w dużym stopniu wpłynął na powstanie tego nurtu, a inni francuscy artyści tworzący w tym stylu uważali go za twórcę impresjonizmu i ich ideowego inspiratora. dobrzy przyjaciele byli inni znani mistrzowie francuscy impresjoniści: Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, a także impresjonista o podobnym nazwisku, które wprawia w zakłopotanie nowicjuszy w świecie malarstwa – Claude Monet.
Po spotkaniu z tymi artystami w twórczości Maneta zaszły impresjonistyczne zmiany: zaczął preferować pracę na świeżym powietrzu, w jego obrazach zaczęły dominować światło, jasne kolory, obfitość światła i ułamkowa kompozycja. Chociaż od ciemne kolory nadal nie odmawia i woli malować pejzaże gatunek codzienny- widać to w pracach malarza „Bar w Folies Bergere”, „Muzyka w Tuileries”, „Śniadanie na trawie”, „U ojca Lathuille’a”, „Argenteuil” i innych.
Claude Monet
Zapewne każdy choć raz w życiu słyszał nazwisko tego francuskiego artysty. Claude Monet był jednym z twórców impresjonizmu i to właśnie jego obraz „Impresja: Wschodzące słońce„dał nazwę temu ruchowi.
W latach 60 lata XIX wieku impresjonista jako jeden z pierwszych zainteresował się malarstwem świeże powietrze, a wielu później stworzyło nowe, eksperymentalne podejście do pracy. Polegała na obserwacji i zobrazowaniu tego samego obiektu w inny czas dni: tak powstała cała seria płócien z widokiem na fasadę katedry w Rouen, naprzeciw której artysta nawet się osiedlił, aby nie stracić budynku z oczu.
Jeśli szukasz impresjonizmu w malarstwie, nie przegap Pola maków Moneta w Argenteuil, Spaceru na klif w Pourville, Kobiet w ogrodzie, Damy z parasolką, Boulevard des Capucines i serii Watermen. Lilie.
Pierre'a Augusta Renoira
Ten impresjonistyczny artysta miał wyjątkową wizję piękna, co uczyniło Renoira jednym z najbardziej znani przedstawiciele tego kierunku. Przede wszystkim słynie z obrazów hałaśliwych Życie paryskie i rekreacji końca XIX w. Renoir doskonale radził sobie z kolorem i światłocieniem, szczególnie zwracano uwagę na jego wyjątkową umiejętność malowania aktów, z unikalnym oddaniem tonów i faktur.
Już od lat 80. artysta impresjonista zaczął bardziej skłaniać się ku malarstwu klasycznemu i zainteresował się malarstwem renesansowym, co wymusiło na nim wprowadzenie w swoich dojrzałych dziełach ostrzejszych linii i wyraźniejszej kompozycji. To właśnie w tym okresie Pierre Auguste Renoir stworzył jedne z najbardziej niezniszczalnych dzieł swojej epoki.
Zwróć szczególną uwagę na takie obrazy Renoira jak „Śniadanie wioślarzy”, „Bal w Moulin de la Galette”, „Taniec w wiosce”, „Parasole”, „Taniec w Bougival”, „Dziewczyny przy fortepianie” .
Edgara Degasa
W historii sztuki Edgar Degas pozostał artystą impresjonistycznym, choć sam odrzucił tę etykietę, woląc nazywać siebie artystą niezależnym. Rzeczywiście, miał pewne zainteresowanie realizmem, co odróżniało artystę od innych impresjonistów, ale jednocześnie stosował w swojej twórczości wiele technik impresjonistycznych, w szczególności w ten sam sposób „bawił się” światłem i lubił przedstawiać sceny z życia miasta.
Degasa zawsze pociągała postać ludzka; często przedstawiał śpiewaków, tancerzy i praczki, próbując przedstawić Ludzkie ciało w różnych pozycjach, np. na płótnach” Klasa taneczna”, „Próba”, „Koncert w Ambasador Cafe”, „Orkiestra Operowa”, „Tancerze w Błękicie”.
Kamila Pissarro
Pissarro był jedynym artystą, który wziął udział we wszystkich ośmiu wystawach impresjonistów w latach 1874–1886. Podczas gdy obrazy impresjonistów znane są ze scen miejskich i wiejskich świąt, obrazy Pissarro przedstawiają widzowi życie codzienne Francuscy chłopi, przedstawiający wiejski charakter V różne warunki i w różnych warunkach oświetleniowych.
Zapoznając się z obrazami namalowanymi przez tego impresjonistycznego artystę, warto przede wszystkim obejrzeć dzieła „Boulevard Montmartre nocą”, „Żniwa w Eragny”, „Odpoczynek żniwiarzy”, „Ogród w Pontoise” i „Wejście wieś Voisin”.
Zaledwie rok temu określenie „rosyjski impresjonizm” brzmiało w uszach przeciętnego obywatela naszego rozległego kraju. Każdy wykształcona osoba wie o świetle, jasnym i szybkim francuski impresjonizm, potrafi odróżnić Moneta od Maneta i rozpoznać słoneczniki Van Gogha spośród wszystkich martwych natur. Ktoś słyszał coś o amerykańskiej gałęzi rozwoju tego kierunku malarstwa - bardziej miejskich pejzaży Hassama i portretów Chase'a w porównaniu do francuskich. Ale badacze wciąż spierają się o istnienie rosyjskiego impresjonizmu.
Konstanty Korowin
Historia rosyjskiego impresjonizmu rozpoczęła się od obrazu „Portret chórzystki” Konstantina Korovina, a także od niezrozumienia i potępienia opinii publicznej. Widząc to dzieło po raz pierwszy, I. E. Repin nie od razu uwierzył, że dzieło to wykonał rosyjski malarz: „Hiszpan! Widzę. Pisze odważnie i soczyście. Wspaniały. Ale to tylko malowanie dla samego malowania. Hiszpan jednak z temperamentem...” Sam Konstantin Aleksiejewicz zaczął ponownie malować swoje płótna w sposób impresjonistyczny lata studenckie, nie znając malarstwa Cezanne'a, Moneta i Renoira, na długo przed wyjazdem do Francji. Dopiero dzięki doświadczonemu oku Polenowa Korowin dowiedział się, że posługuje się ówczesną francuską techniką, do której doszedł intuicyjnie. Jednocześnie rosyjski artysta zdradza tematy, których używa w swoich obrazach - uznane arcydzieło „Północna idylla”, namalowane w 1892 roku i przechowywane w Galeria Trietiakowska, pokazuje nam miłość Korovina do rosyjskich tradycji i folkloru. Miłość tę zaszczepiła w artyście „Mamutowy krąg” – społeczność twórcza inteligencja, w skład którego wchodzili Repin, Polenow, Wasnetsow, Vrubel i wielu innych przyjaciół znany filantrop Savva Mamontow. W Abramcewie, gdzie znajdowała się posiadłość Mamontowa i gdzie gromadzili się członkowie środowiska artystycznego, Korovin miał szczęście spotkać się i współpracować z Walentinem Serowem. Dzięki tej znajomości twórczość już utalentowanego artysty Sierowa nabrała cech lekkiego, jasnego i szybkiego impresjonizmu, co widzimy w jednym z jego wczesne prace- "Otwórz okno. Liliowy".
Portret chórzystki, 1883
Północna idylla, 1886
Czeremcha, 1912
Gurzuf 2, 1915
Molo w Gurzuf, 1914
Paryż, 1933
Walenty Sierow
Malarstwo Sierowa jest przesiąknięte cechą właściwą tylko rosyjskiemu impresjonizmowi - jego obrazy odzwierciedlają nie tylko wrażenie tego, co widział artysta, ale także stan jego duszy w ten moment. Na przykład na obrazie „Plac św. Marka w Wenecji” namalowanym we Włoszech, dokąd Sierow udał się w 1887 r. z powodu poważnej choroby, panuje zimna pogoda. odcienie szarości, co daje nam wyobrażenie o kondycji artysty. Ale pomimo dość ponurej palety obraz jest standardowym dziełem impresjonistycznym, ponieważ Sierowowi udało się uchwycić prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia. W liście do swojej narzeczonej z Wenecji Sierow napisał: „W ten wiek Piszą wszystko, co trudne, nic radosnego. Chcę, chcę, rzeczy satysfakcjonujących i będę pisać tylko rzeczy satysfakcjonujące.
Otwórz okno. Liliowy, 1886
Plac Świętego Marka w Wenecji, 1887
Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret V. S. Mamontowej)
Koronacja. Bierzmowanie Mikołaja II w katedrze Wniebowzięcia, 1896
Dziewczyna oświetlona przez słońce, 1888
Kąpiel konia, 1905
Aleksander Gierasimow
Jednym z uczniów Korowina i Sierowa, który przyjął ich ekspresyjne malowanie pędzlem, jasną paletę i szkicowy styl malarstwa, był Aleksander Michajłowicz Gerasimow. Twórczość artysty rozkwitła w czasie rewolucji, co nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w tematach jego obrazów. Pomimo tego, że Gierasimow oddał swój pędzel na służbę partii i zasłynął dzięki wybitnym portretom Lenina i Stalina, nadal pracował nad bliskimi mu impresjonistycznymi pejzażami. Praca Aleksandra Michajłowicza „Po deszczu” ukazuje nam artystę jako mistrza przekazywania powietrza i światła na obrazie, co Gierasimow zawdzięcza wpływowi swoich wybitnych mentorów.
Artyści w daczy Stalina, 1951
Stalin i Woroszyłow na Kremlu, lata 50. XX wieku
Po deszczu. Mokry taras, 1935
Martwa natura. Bukiet polny, 1952
Igor Grabar
W rozmowie o późnym rosyjskim impresjonizmie nie można nie zwrócić się do twórczości wielkiego artysty Igora Emmanuilovicha Grabara, który przyjął wiele technik malarze francuscy drugi połowa XIX wieku stulecia dzięki licznym podróżom po Europie. Korzystając z technik klasycznych impresjonistów, w swoich obrazach Grabar przedstawia absolutnie rosyjskie motywy pejzażowe i codzienne historie. Podczas gdy Monet maluje kwitnące ogrody Giverny, a Degas piękne baletnice, Grabar przedstawia surową rosyjską zimę tymi samymi pastelowymi kolorami i życie na wsi. Przede wszystkim Grabar uwielbiał przedstawiać szron na swoich płótnach i poświęcił mu cały zbiór prac, składający się z ponad stu małych, wielobarwnych szkiców tworzonych o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie. Trudność w pracy nad takimi rysunkami polegała na tym, że farba zamarzała na mrozie, więc musieliśmy pracować szybko. Ale to właśnie pozwoliło artyście odtworzyć „ten moment” i przekazać swoje wrażenia na jego temat, co jest główną ideą klasycznego impresjonizmu. Styl malarstwa Igora Emmanuilovicha często nazywany jest impresjonizmem naukowym, ponieważ dawał bardzo ważneświatło i powietrze na płótnach i stworzył wiele badań nad transmisją kolorów. Co więcej, to właśnie jemu jesteśmy to winni układ chronologiczny obrazy w Galerii Trietiakowskiej, której był dyrektorem w latach 1920-1925.
Aleja Brzozowa, 1940 rok
Pejzaż zimowy, 1954
Mróz, 1905
Gruszki na niebieskim obrusie, 1915
Narożnik osiedla (Promień słońca), 1901 r
Jurij Pimenow
Zupełnie nieklasyczny, ale mimo to rozwinął się impresjonizm Czas sowiecki, wybitnego przedstawiciela czyli Jurij Iwanowicz Pimenow, który po pracy w stylu ekspresjonizmu zaczął malować „ulotne wrażenie w kolorach łóżka”. Jeden z najbardziej znane prace Pimenov staje się obrazem „Nowa Moskwa” z lat 30. XX wieku - lekkim, ciepłym, jakby namalowanym zwiewnymi pociągnięciami Renoira. Ale jednocześnie fabuła tego dzieła jest całkowicie niezgodna z jedną z głównych idei impresjonizmu - odmową wykorzystywania tematów społecznych i politycznych. „Nowa Moskwa” Pimenowa doskonale to odzwierciedla zmiana społeczna w życiu miasta, które zawsze inspirowały artystę. „Pimenow kocha Moskwę, jej nowość, jej mieszkańców. Malarz hojnie daje widzowi to uczucie” – pisze w 1973 roku artysta i badacz Igor Dołgopołow. I rzeczywiście, patrząc na obrazy Jurija Iwanowicza, jesteśmy przepojeni miłością Życie sowieckie, nowe dzielnice, liryczne parapety i urbanistyka uchwycone w technice impresjonizmu.
Twórczość Pimenowa po raz kolejny udowadnia, że wszystko „rosyjskie” przywiezione z innych krajów ma swoją szczególną i niepowtarzalną ścieżkę rozwoju. Podobnie jest z francuskim impresjonizmem Imperium Rosyjskie a Związek Radziecki wchłonął cechy rosyjskiego światopoglądu, charakter narodowy i życie codzienne. Impresjonizm jako sposób przekazywania jedynie postrzegania rzeczywistości w czysta forma pozostał obcy sztuce rosyjskiej, ponieważ każdy obraz rosyjskich artystów jest pełen znaczenia, świadomości, stanu zmiennej rosyjskiej duszy, a nie tylko ulotnego wrażenia. Dlatego w najbliższy weekend, kiedy Muzeum Impresjonizmu Rosyjskiego ponownie zaprezentuje wystawę główną Moskalom i gościom stolicy, każdy znajdzie coś dla siebie wśród zmysłowych portretów Sierowa, urbanistyki Pimenowa i nietypowych dla Kustodiewa krajobrazów.
Nowa Moskwa
Parapetówka liryczna, 1965
Pokój kostiumowy Teatr Bolszoj, 1972
Wczesny poranek w Moskwie, 1961 rok
Paryż. Rue Saint-Dominique. 1958
Stewardessa, 1964
Być może dla większości nazwiska Korovin, Serow, Gierasimow i Pimenow nadal nie są kojarzone z konkretnym stylem sztuki, ale Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu, otwarte w maju 2016 roku w Moskwie, mimo wszystko zgromadziło prace tych artystów pod jednym dachem.
Impresjonizm
jest gazetą duszy.
Henryk Matisse.
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał i rozwinął się we Francji w drugiej połowie XIX wieku – pierwszej ćwierci XX wieku. To było Szkoła Artystyczna, które stawiają na pierwszym planie „aby przekazać wrażenia, ale w taki sposób, aby było to postrzegane jako coś materialnego”. Zadaniem impresjonistycznego artysty było przedstawienie własnych uczuć z przedmiotów.
Powszechnie wiadomo, że samego słowa „impresjonizm” w odniesieniu do artystów po raz pierwszy użył dziennikarz Louis Leroy, inspirując się tytułem obrazu Claude’a Moneta „ Wrażenie. wschód słońca", gdzie port Le Havre jest przedstawiony w niebieskawej mgle przed świtem.
Obraz znajduje się w Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Istnieje ponad trzysta obrazów impresjonistów i neoimpresjonistów, co oznacza, że po odwiedzeniu muzeum nabędziesz pewne zrozumienie idei impresjonizmu. Możesz kontynuować w Musée d’Orsay, którego kolekcja budzi zazdrość wielu osób.
Artyści impresjonistyczni przekazali jedynie swoje postrzeganie rzeczywistości i jej różne przejawy, a nie to, co wiedzieli: na przykład ziemia na ich obrazach może być fioletowa, liliowa, niebieska, różowa lub pomarańczowa, ale nigdy czarna lub ciemnobrązowa.
Impresjonizm, tak krytykowany przez współczesnych, został doceniony pięćdziesiąt lat później, a dziś impresjoniści są uważani i doceniani za arcydzieła malarstwa światowego. Przedstawiamy Państwu najbardziej pamiętnych przedstawicieli impresjonizmu.
Renoir, Pierre Auguste (1841-1919).
Tak twierdzą krytycy sztuki ważne osiągnięcie Renoir to wykorzystanie teorii impresjonistów i ich techniki nie tylko przy malowaniu pejzaży i martwych natur czy ludzi w plenerze, ale także przy malowaniu aktów modelek i portretów.
Renoira często zwracał się do obrazu nagiego kobiecego ciała. Przekazywał grę światła i słońca na skórze, która na jego obrazach wydawała się żywa. Pisał akty kobiece ciało, z zamarzniętymi kroplami wody, perłowo mieniącą się skórą, różową, opaloną, a u schyłku życia - pomarańczową, mieniącą się w ogniu promieni słonecznych.
Renoir odrzucił wszelkie teorie, mówiąc: „ Teorie nie pomagają w pisaniu dobre zdjęcie, najczęściej starają się zatuszować brak środków wyrazu».
Co ciekawe, pierwsze dzieła Renoira zostały wykonane w sposób realistyczny. Na przykład „Diana Łowczyni” i „Tawerna Matki Antoniny”.
Renoir przyjaźnił się z Monetem, impresjonistą, który zostanie omówiony poniżej. Ta przyjaźń doprowadziła w rzeczywistości do tego, że Renoir zastosował technikę impresjonistyczną.
Krytycy sztuki i historycy malarstwa zwracają jednak uwagę na fakt, że idąc za przykładem impresjonistów, Renoir odrzuca ciemne tony, ale od czasu do czasu wciąż wprowadza do swoich obrazów drobne inkluzje. Wśród dzieł tego okresu można wymienić przede wszystkim „Pont Neuf”, „Wielkie Bulwary”, „Ścieżkę wśród wysokiej trawy”.
Artysta cierpiący na ataki reumatyzmu ostatnie lata życia spędził na południu Francji w Cagnes-sur-Mer na terenie posiadłości Colette. Dzieła z tego okresu, od 1903 do 1919 roku. w przesiąkniętych zmysłowością płótnach Renoira dominują ciepłe barwy – róż, czerwień, pomarańcz.
Bardzo zauważalny jest wpływ mistrzów przeszłości - Rubensa Bouchera i innych. Na przykład „ Wyrok Paryża», « Kąpiąca się wyciera stopę" Najlepszy i Ostatnia praca Rozważany jest obraz „Kąpiący się” namalowany w 1918 roku. Dziś jego posiadłość, położona w cieniu gaju oliwnego i pomarańczowego, jest otwarta dla zwiedzających. Można zajrzeć do salonu i jadalni, udać się na górę do sypialni artysty, która zachowuje jego klimat ostatnie dni: wózek inwalidzki, sztalugi i pędzle. Na jednej ze ścian w pokoju jego żony wisi fotografia syna Renoira, Pierre'a, a z okna roztacza się niesamowity widok na Antibes i Hautes Cannes.
Dzięki kinu francuskiemu możesz się w nim zanurzyć ostatni okresżycie Auguste'a Renoira, poznaj jego syna i zobacz zmagania sztuki z trudną rzeczywistością. W marcu na ekrany kin wejdzie film francuskiego reżysera Gillesa Bourdota „Renoir: Ostatnia miłość" Artystka właśnie kończy „Kąpiących się”.
Lazurowe Wybrzeże, wspaniały artysta, jego muza... Francuzi są mistrzami w swoim rzemiośle, a możliwość zobaczenia na własne oczy wielkiego mistrza przy pracy, a potem zobaczenia efektu jego pracy, jest wiele warta. To właśnie ten obraz zamknął ostatni Festiwal Filmowy w Cannes.
Monet Claude (1840 - 1926).
Claude Monet nazywany ojcem impresjonizmu. Przyszły artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo i młodość spędził na północy Francji, w mieście Le Havre. Eugene Boudin miał ogromny wpływ na Moneta, Artysta francuski, uważany za prekursora impresjonizmu. To on nauczył go pracy na świeżym powietrzu (na zaułku, pod gołym niebem).
Cezanne powiedział: „ Monet to tylko oko, ale jakie oko!» Trudno się nie zgodzić i nie zakochać w paryskich ulicach, wybrzeżach i krajobrazach Normandii na płótnach Moneta.
Jego sławny obraz„Śniadanie na trawie” powstało w 1863 roku. we wsi Chailly-en-Bières, położonej na obrzeżach lasu Fontainebleau; jego środkowa część, uszkodzona przez wilgoć i wycięta przez autora, przechowywana jest w Musée d'Orsay w Paryżu, a powtórzenie obrazu w muzeum sztuki piękne ich. A. S. Puszkina w Moskwie.
Jesień 1908 i 1909 artysta spędził czas w Wenecji, urzeczony urokiem miasta, jego nieustannie zmieniającym się odbiciem na tafli wody kanału. Tutaj Monet namalował Wenecję: Pałac Dożów i Wenecję: Kanał Grande. Geniuszowi Monetowi niesamowicie udało się przedstawić miasto jakby pokryte lekką mgłą przed świtem.
O zachodzie słońca ścieżka twórcza Monet stworzył wyrafinowane obrazy inspirowane liliami wodnymi w stawie w swoim domu w Giverny.
Kiedy artysta przeprowadził się w 1883 roku w poszukiwaniu spokojnego miejsca do Giverny, mało prawdopodobne, aby podejrzewał, jak bardzo życie zmieni senną wioskę w Normandii. Wkrótce po jego przybyciu miasto oddalone o osiemdziesiąt kilometrów od Paryża zostało zalane młodymi artystami z całego świata różne części Europa.
Obecnie artyści i miłośnicy sztuki w poszukiwaniu inspiracji przychodzą na spacer po ogrodach Giverny i odwiedzają odrestaurowany dom. Dlatego jeśli zakochaliście się w pięknych obrazach Moneta w muzeach d'Orsay, Marmottan i Orangerie, to Giverny będzie na pierwszym miejscu na Waszej liście must see.
Sisleya Alfreda (1839-1899).
Być impresjonistą Sisleya Szczególną wagę przywiązywał do przekazania niuansów i wrażeń. Uwielbiał malować taflę wody, niebo, mgłę, śnieg. „Obraz musi wywołać w widzu te same uczucia, które ogarnęły artystę, gdy patrzył na ten krajobraz” – powiedział Sisley.
Zwróć uwagę, jak lekkie, prawie nieważkie wydają się domy, powierzchnia wody z lekkimi zmarszczkami, pastelowe niebo i listowie drzew. Jego obrazy, pisane cienką, zwiewną kreską, wprowadzają w nastrój poetycki, romantyczny.
Znacząca kolekcja obrazów artysty znajduje się w Musée d’Orsay w Paryżu. Nie ignorujcie tego będąc w stolicy Francji. Spodoba ci się nie tylko twórczość Sisleya, ale także obrazy innych impresjonistów wystawiane w tym muzeum nad brzegiem Sekwany.
Pissarro Camille (1830 - 1903).
Krytycy sztuki piszą, że skoro Claude Monet i Sisley najbardziej lubili wyobrażać sobie na swoich obrazach wodę i zmieniające się odbicia na jej powierzchni, to Pisaro preferował ziemię. Jego sztuka jest wolna od ulotnych wrażeń - wszystko jest w niej bardziej szczegółowe. Zwróć uwagę, jak często sceny z wiejskie życie. Artysta wykorzystał to w ten sposób schemat kolorówże studiując jego obrazy, wydaje się, że są one wypełnione światłem od wewnątrz. Pissarro uwielbiał malować sady i pola, w niesamowity sposób oddając zmiany w przyrodzie.
Pissarro znał Moneta, z którym uwielbiali wspólnie malować w okolicach Paryża. Powstały tutaj „Gare Saint-Lazare”, „Pawilon Flore i Pont Royal”, „Place de Comedie-Française”, „Widok na Luwr, Sekwanę i Pont Neuf”.
Cezanne’a nazwał go „skromnym i wielkim”, całkiem zasłużenie, co o tym sądzicie?
Seurata Georgesa (1859-1891).
Jeden z charakterystyczne cechy Seurat pragnął wnieść świeżego ducha do impresjonizmu.
Jego prace - zarówno rysunki, jak i obrazy- w oparciu o teorię kontrastów. Bardzo słynny obraz, z pewnością Państwu znane, to arcydzieło „Niedzielny spacer po wyspie La La Grande Jatte”, przechowywane w Chicago instytut sztuki. Obraz ten stał się wyrazem nowych nurtów w sztuce, wyrazem idei neoimpresjonizmu. Poczucie całkowitego spokoju osiągnięto poprzez połączenie zimnych i ciepłych tonów, światła i cienia.
Przeciwnie, nie mniej znany obraz artysty „Cancan” oddaje poczucie radości i ruchu, używając ciepłych odcieni i jasnych kolorów.
Chciałbym zakończyć słowami Claude’a Moneta „ Ludzie dyskutują o mojej sztuce i udają, że rozumieją, jakby zrozumienie było konieczne, podczas gdy kochanie jest po prostu konieczne ». ( Ludzie dyskutują o moich obrazach, próbując zrozumieć. Dlaczego musisz rozumieć, jeśli możesz po prostu kochać??)
Uważa się, że sztuka nie ma granic. Niemniej jednak ludzie zdecydowali się podzielić twórczość artystów na gatunki, które dość łatwo można pomylić, ponieważ granice stylów są arbitralne. Dziś porozmawiamy o jednym z głównych trendów w malarstwie - impresjonizmie.
Pojawienie się impresjonizmu
Impresjonizm jako gatunek sztuki narodził się we Francji w latach 70. XIX wieku. Źródłem tego stylu było powstanie obrazu C. Moneta „Impresja. Wschód słońca” (1872). Jeden z dziennikarzy nazwał artystę impresjonistą, ale w negatywnym znaczeniu. Ale wkrótce o tym zapomniano, a obraz dał początek nowemu gatunkowi.
W 1874 roku artyści impresjoniści zorganizowali pierwszą odrębną wystawę. Wystawiane tam obrazy krytykowano za brak sensu, luźność i słabą przedstawienia. Artyści nie przestali jednak organizować tego typu wydarzeń, deklarując swoją sztukę.
Impresjonizm był zjawiskiem czysto francuskim. Artyści z innych krajów byli w stanie przejąć pewne cechy, ale nie w pełnym zakresie.
To impresjoniści jako pierwsi odeszli od ogólnie przyjętych standardów i wzorców. pisanie akademickie, dając tym samym ogromny impuls do rozwoju sztuki artystyczne. Głęboko badali kolory i nowe techniki pisania, co ostatecznie doprowadziło nas do różnorodności, którą mamy dzisiaj.
Należy zauważyć, że impresjonizm wywarł poważny wpływ i inspirował się swoją nowością przedstawicieli innych dziedzin sztuki: rzeźby, muzyki i literatury.
Co nam mówią obrazy impresjonistów?
Impresjonizm koncentruje się na obrazie i wrażeniu, jakie wywiera na widzu. Obrazy impresjonistów przedstawiają najczęściej zwykłe sceny z życia: zgiełk miasta lub pejzaże. Ich prace dostarczają widzowi ulotnych wrażeń, jakich doświadczyli sami malarze. Impresjonizm nie dostrzega problemów i negatywności, pokazuje wyłącznie pozytywne stronyżycie.
Najczęściej na obrazach można zobaczyć takie sceny jak pikniki, pływanie łódką, tańce, wieczorki herbaciane, zabawy na świeżym powietrzu i inne radości życia. Impresjoniści najczęściej przedstawiali na obrazach ludzi nie zamrożonych, ale poruszających się, bawiących się, śmiejących się. Obrazy pozwalają nam zanurzyć się w żywą rzeczywistość minionych stuleci, zobaczyć, jakie środowisko nas otacza ludzie XIX wiek.
Cechy malarstwa impresjonistycznego
Talent natychmiastowego odzwierciedlenia pierwszego wrażenia na płótnie główna cecha wszyscy artyści. Zawsze tworzyli z życia, bez żadnych szkiców, chwytania i przekazywania ogólny nastrój. Obrazy impresjonistyczne nie niosą głębokie znaczenie lub ukryte treści, które przedstawiają życie codzienne, ale robią to nie prosto, ale po mistrzowsku. Patrząc na takie obrazy, widz od razu ma pewną myśl lub emocję, która pozostaje jeszcze przez jakiś czas po obejrzeniu.
Impresjoniści rozwinęli specyficzny styl pisania. Malowane przez nich obrazy najczęściej wyróżniają się rozmytymi liniami i indywidualnymi kreskami, a fakt, że oddawały wszystkie kolory standardowy zestaw kolory, umiejętnie umieszczając kreski. Dużo uwagi w swoich pracach zwracali uwagę na grę światła i cienia, starając się stworzyć kontrast. Wskaźnikiem w tym względzie jest obraz O. Renoira „Bal w Moulin de la Galette” (1876).
Wielcy impresjoniści przeszłości
Od czasu powstania ruchu było wielu artystów, którzy pracowali w stylu impresjonizmu, ale bardzo niewielu można nazwać naprawdę wielkimi. Tak więc najbardziej znanymi artystami impresjonistycznymi są C. Monet, O. Renoir, A. Sisley i C. Pissarro. Ogólnie rzecz biorąc, impresjonizm jako ruch był szczególnie popularny w koniec XIX wieków, to właśnie wtedy tworzyli prawdziwi mistrzowie.
Stało się to początkiem i inspiracją dla innych, równie znanych artystów - V. van Gogha, P. Cezanne'a, P. Gauguina. Artyści ci stali się twórcami postimpresjonizmu, który za swój cel postawił odrzucenie obrazu prawdziwe życie, przejście do obrazu jego podstaw.
Współcześni impresjoniści
Nie myślcie, że kierunek po okresie swojej świetności przestał istnieć. Wciąż są artyści, którzy jako swoją twórczość wybierają impresjonizm.
Obrazy współczesnych impresjonistów budzą nie mniejszy podziw niż obrazy z przeszłości. Dziś w tym gatunku tworzy wielu mistrzów, ale czas pokaże, który z nich jest najbardziej godny tego tytułu. Jest jednak kilku artystów, których obrazy są pozycjonowane jako obrazy impresjonistyczne. Zdjęcia ich prac prezentujemy poniżej.
Weźmy na przykład artystę Kenta R. Wallisa. Jego płótna wyróżniają się jasnymi, bogatymi kolorami, dzięki którym tworzy wspaniałe krajobrazy.
Fascynujące są także obrazy artysty I.J. Paprocki (E.J. Paprocki).
Na jego obrazach kwiaty, liście i inne drobne elementy są wykonane bardzo realistycznie, reszta tła wykonana jest za pomocą pociągnięć pędzla. Dzięki temu potrafi oddać piękno detali i jednocześnie najpierw generał wrażenia charakterystyczne dla impresjonizmu.
