Branicka, ur Engelhardt, Aleksandra Wasiliewna (1754-1838) - siostrzenica i kochanka Grigorija Potiomkina, żona hetmana koronnego Polski Ksawerego Branickiego. Artysta I. Grassi, 1793
Kridener, ur Lerchenfeld, Amalia Maximilianovna (1808-1888) – nieślubna córka M. Lerchenfelda, niemieckiego dyplomaty i męża stanu, posła bawarskiego w Rosji i księżnej Teresy Thurn-and-Taxis, z domu księżnej Mecklenburg-Strelitz.
Malarz Karl Joseph Stieler, 1827
Pototskaya, Olga Stanislavovna, przez męża Naryszkina (1802-1861) - córkę polskiego magnata Stanisława Szczeńskiego Potockiego i słynnej awanturniczki Sofii Glyavone.
Artysta NS Froste, lata 30. XIX wieku
Gruby, urodzony Księżniczka Baryatinsky, Anna Ivanovna (1772-1825) - siostra faktycznego szambelana księcia II Baryatinsky'ego, żona marszałka N.A. Tołstoja; bliski przyjaciel cesarzowej Elżbiety Aleksiejewnej.
Portret autorstwa E. Vigee-Lebruna, lata 90. XVIII wieku
Woroncowa, ur Senyavin, Ekaterina Alekseevna (1761-1784) - druhna, córka admirała AN Senyavina; żona ambasadora w Londynie hrabiego S.R. Woroncowa; matka feldmarszałka hrabiego MS Woroncowa; siostra pani stanu MA Naryszkina.
Artysta DG Levitsky, 1783
Divova, urodzony Hrabina Buturlina, Elizaveta Petrovna (1762-1813) - druhna Katarzyny II, siostrzenica jej przyjaciółki Woroncowej-Daszkowej, żona Tajnego Radnego Adriana Diwowa.
Portret autorstwa A. Grafa, 1794
Zawadowskaja, ur Apraksina, Vera Nikolaevna (1768-1845) - druhna, kawalerka Zakonu św. Katarzyny od Mniejszego Krzyża, jedna z pierwszych piękności swoich czasów; żona ulubieńca Katarzyny II i pierwszego ministra edukacji Rosji, hrabiego P.V. Zawadowskiego.
Artysta V.L. Borowikowski, lata 90. XVIII wieku
Łopuchina, ur Baronowa von Wenkstern, Anna (Jeanette) Iwanowna (1786-1869) - słynna piękność, w pierwszym małżeństwie hrabina Alopeus; matka generała porucznika FD Alopeusa.
Malarz Friedrich Johann Gottlieb Lieder, 1821
Musin-Puszkin, z domu. Shenwall, Emilia Karlovna (1810-1846) - słynna piękność (poświęcony jest jej madrygał Lermontowa), znajoma A.S. Puszkina, siostra słynnej Aurory Demidowej.
Artysta Gau VI, 1840
Naryszkina, jej mąż Golicyna, Elena Aleksandrowna (1785-1855), w swoim pierwszym małżeństwie, najjaśniejsza księżniczka Włoch, hrabina Suvorova-Rymnikskaya; - druhna; córka A.L. Naryszkina i Marii Senyavina, wnuczka słynnego admirała A.N. Senyavina, siostra L.A. i KA Naryshkins; synowa generalissimusa AV Suworowa, kuzynka hrabiego MS Woroncowa.
Artysta VL Borowikowski, 1799
Orlova-Chesmenskaya, z domu. Lopukhina, Evdokia Nikolaevna (1761-1786) - żona hrabiego Aleksieja Grigoriewicza Orłowa, matka pokojówki honorowej Anny Aleksiejewnej Orłowej.
Artysta Jean-Louis de Velli, ok. 1780 r
Orłowa, ur Zinovieva, Ekaterina Nikolaevna (1758-1781) - kuzynka i żona byłego ulubieńca Katarzyny II, księcia Grigorija Orłowa.
Artysta Rokotow, Fiodor Stiepanowicz
Orlova-Chesmenskaya, Anna Alekseevna (1785-1848) - druhna, jedyna córka Aleksieja Orłowa, współpracownika cesarzowej Katarzyny II i spadkobierczyni jego wielomilionowej fortuny.
Portret autorstwa IV Bażenowa, 1838
Protasova, Anna Stepanovna (1745-1826) - zaufana druhna Katarzyny II.
Portret autorstwa DG Levitsky'ego, ok. 1790 r
Pushkina-Dubelt, Natalya Alexandrovnaa, hrabina Merenberg (1836-1913) - córka Aleksandra Siergiejewicza Puszkina, morganatycznej żony księcia Mikołaja Wilhelma z Nassau.
Artysta IK Makarow, 1849
Rostopchina, ur Protasova, Ekaterina Petrovna (1776-1859) - druhna, autorka kilku dzieł o treści duchowej; żona generalnego gubernatora Moskwy F.V. Rostopchina i matka pisarki hrabiny de Segur.
Portret autorstwa Oresta Kiprensky'ego, 1809
Stroganowa, ur Golitsyna, Sofya Vladimirovna (1775-1845) - druhna czterech cesarzowych, najmłodsza córka„Wąsata księżniczka” NP Golitsyna, siostra moskiewskiego generalnego gubernatora księcia DV Golicyna i pani państwowej EV Apraksiny; żona generała hrabiego PA Stroganowa. Była bardzo przyjazna z cesarzową Elżbietą Aleksiejewną.
Malarz Jean Laurent Monnier, 1808
Żubowa, ur Suvorova, Natalya Alexandrovna (1775-1844) - jedyna córka feldmarszałka Suworowa, który pieszczotliwie nazywał ją „Suvorochka”. Żonaty z Nikołajem Zubowem, bratem ostatniego ulubieńca Katarzyny II.
Artysta VL Borowikowski, 1795
Ficquelmont, urodzony Hrabina Tizenhausen, Daria Fedorovna (1804-1863) - wnuczka feldmarszałka Kutuzowa, córka E.M. Chitrowa, żona austriackiego dyplomaty i polityk KL Ficquelmont. Znana jako gospodyni petersburskiego salonu i autorka szczegółowego „dziennika towarzyskiego”, w którego notatkach Szczególne zainteresowanie Puszkiniści są przywoływani z fragmentami odnoszącymi się do Puszkina i jego żony oraz szczegółowym opisem pojedynku i śmierci Puszkina.
Akwarela autorstwa PFSokova, 1837
Chitrowo, ur Golenishcheva-Kutuzova, Elizaveta Mikhailovna (1783-1839), w swoim pierwszym małżeństwie, hrabina Tizenhausen, córka MI Kutuzowa, przyjaciela A.S. Puszkina. Właściciel słynnego salonu w Petersburgu.
Portret PF Sokołowa, 1838
Czernyszewa, ur Rzhevskaya, Avdotya Ivanovna (1693-1747) - generał, nazywany „Avdotya the boy-woman”, nadany jej przez Piotra I, jedną z kochanek Piotra Wielkiego, według Vilboa, „swoim nieobliczalnym zachowaniem miał szkodliwy wpływ na zdrowie Piotra”; matka braci Czernyszewów - wybitnych postaci za panowania Katarzyny II.
Nieznany artysta XVIII wiek
Czernyszewa, ur Islenyeva, Anna Aleksandrovna (1740-1794) - krewna (po matce) księcia G.A. Potiomkina, żona feldmarszałka generalnego marynarki wojennej, prezesa Kolegium Admiralicji hrabiego Iwana Grigoriewicza Czernyszewa.
Artysta S. Torelli, 1764
Chernysheva, z domu Ushakova, Ekaterina Andreevna (1715-1779) - druhna, córka hrabiego A.I. Uszakowa; siostra przyrodnia Feldmarszałek SF Apraksin; żona dyplomaty hrabiego P. G. Czernyszewa; matka hrabiny DP Saltykova i księżnej NP Golicyny.
Artysta Aleksander Roslin, 1776
Sheremeteva, Anna Petrovna (1744-1768) - druhna, córka PB Szeremietiew; narzeczona mentora Wielkiego Księcia N.I. Panina.
Artysta I.P. Argunow, lata 60. XVIII wieku
Shuvalova, ur Shepeleva, Mavra Egorovna (1708-1759) - najbliższa przyjaciółka Elżbiety Pietrowna i dama stanu jej dworu, żona Piotra Iwanowicza Szuwałowa. To jej wpływom partia Szuwałowa zawdzięcza swój rozkwit.
Portret autorstwa Antropowa, koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku
Demidova-Karamzina, Aurora Karlovna (Eva Aurora Charlotte Shenval), 1808-1902, - osoba publiczna, druhna o godz dwór cesarski Finlandia. Aurora Shenval i jej siostra Emilia (mężatka hrabina Musina-Puszkina) były uważane za jedne z pierwszych piękności Petersburga.
Artysta Bryullov KP, 1837
Woroncowa, ur Hrabina Skavronskaya, Anna Karlovna (1722-1776) - żona kanclerza hrabiego M.I. Woroncowa, kuzynka cesarzowej Elżbiety Pietrowna, pani stanu.
Artysta AP Andropow, 1763
Vorontsova, Ekaterina Siemionowna, poślubiła Lady Pembroke (1783-1856) - druhnę, córkę hrabiego S.R. Woroncowa, siostrę hrabiego M.S. Woroncowa, żonę hrabiego Jerzego Herberta z Pembroke.
Artysta Henry Raeburn, 1810 r
Hanskaya Evelina (pol. Ewelina Hanska), z domu hrabina Rzhevuskaya (1801-1882) - polska właścicielka ziemska i poddana rosyjska, żona Honoriusza Balzaca.
Artysta Ferdinand Georg Waldmüller, 1835
Potocka, ur Glyavone, Sofia Konstantinovna, w pierwszym małżeństwie Witt, w drugim - Pototskaya (1760-1822) - kurtyzana Konstantynopola greckie pochodzenie według jednej z legend była konkubiną sułtana, współmieszkanką wielu znakomitości, szpiegiem i awanturnikiem, udało jej się zostać polską arystokratką (utytułowaną hrabiną).
Artysta IB Lampi, lata 90. XVIII wieku
Samojłowa, ur Trubetskaya, Ekaterina Sergeevna, (1763-1830) - druhna, żona prokuratora generalnego A.N. Samojłowa, siostra księcia V.S. Trubetskoya i baronowej A.S. Stroganowej, matka N.A. Samoilova i hrabiny S.A.Bobrinskaya, teściowa Yu. P. Samoiłowa.
Artysta IB Lampi, 1792-1796
Andro, urodzony Olenina, Anna Alekseevna (1808-1888) - córka rektora Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Aleksieja Olenina. Ukochany Puszkina w latach 1828-29 Muzyk i piosenkarz. Autor niepublikowanych pamiętników i wspomnień o Puszkinie. Żona wiceprezydenta Warszawy hrabiego FA Langerona.
Portret O. Kiprensky'ego, 1828
Samoilova, Yulia Pavlovna (1803-1875) - hrabina, córka generała Palena i Marii Skavronskiej, druhna, słynąca ze związku z artystą Karlem Bryullovem.
Artysta B.Sh.Mitoire, 1825
Woroncowa, ur Branitskaya, Elizata Ksaveryevna (1792-1880) - najjaśniejsza księżniczka, dama stanu, honorowy powiernik w zarządzaniu kobietami instytucje edukacyjne, druhna, kawalerka Zakonu św. Katarzyny; adresat wielu wierszy A.S. Puszkina; żona generalnego gubernatora Noworosyjska M.S. Woroncowa.
Hayter George Malarz, 1839
Zawadowskaja, ur Vlodek, Elena Mikhailovna (1807-1874) - córka generała kawalerii, adiutanta generała M.F. Vlodka, żona głównego prokuratora Senatu V.P. Zawadowskiego. Jedna z najwspanialszych piękności z wyższych sfer czasów Puszkina, wspomnienia i listy z tamtej epoki nie przestawały powtarzać o jej wyjątkowej urodzie; znajomy M.Yu Lermontowa; A.S. Puszkin, I.I. Kozlov, P.A. Vyazemsky poświęcili jej wiersze.
Artysta Chalon Alfred Edward (Chalon Alfred Edward), akwarela, 1838 Twoja młodość lśni pięknem, Sercom oddana za miłość, Jasna, urzekająca, jak radość, I jak zamyślenie, czuła.
W pięknej twarzy. śnieżnobiały i szkarłatne róże na policzkach - Wszędzie wszystko oddycha czułym sercem. Jest w niebieskich oczach, Jest w uśmiechu na ustach; I jak rumiany świt Blask słońca z ognistym strumieniem Rzuca życie w niebo, - Twoje piękno jest oświetlone czystą anielską duszą ... I.I. Kozlov (E.M. Zavadovskoy)
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowani artyści nowoczesność. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. W ostatnie czasy rysuje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest obrazy realistyczne stworzyć nastrój i emocje poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty samouka i rzeźbiarza, więc od młodym wieku, działalność artystyczna otrzymywał pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do Szkoła Artystyczna. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. realizm figuratywny i malarstwo portretowe byli bardzo twórczość Balosa z lat 90. i początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i podmiotowego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.
Alicja Monks
Alyssa Monks – nowoczesna amerykański artysta. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Studiował w New School w Nowym Jorku i Uniwersytet stanowy Montclair, ukończył Boston College w 1999 roku, uzyskał tytuł licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i instytucje edukacyjne w całym kraju, nauczając malarstwa w New York Academy of Art, a także Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie duże obszary abstrakcyjny projekt, z wystającymi przez nie kolorowymi wyspami - części Ludzkie ciało.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska zachwycający właściwości fizyczne farba olejna. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antoni Finelli
włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jako jedno, Nazwa zwyczajowa: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspirowana jest dziełami wielkich mistrzów malarstwa, takich jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi ruchy artystyczne: sztuka uliczna, realizm chiński, surrealizm i realizm renesansowy. Jej ulubione malarza Caravaggia. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Czernow jest utalentowany Ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze, obwód lwowski, Ukraina. Po ukończeniu Charkowa Szkoła Artystyczna w 1998 przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również w Charkowie akademia państwowa projektowanie i sztuka, wydział grafiki, dyplom w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawy sztuki, w tej chwili jest ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis pracuje w szerokim zakresie grafiki i techniki malarskie. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista jego tematów rysunki ołówkiem także bardzo różnorodny, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, literackie i rekonstrukcje historyczne i fantazje.
Najbardziej znane i znaczące dla historii sztuki obrazy świata dla Twojej inspiracji.
Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z głównych źródeł inspiracji, smaku i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a nawet bardziej kreatywnego.
Z pewnością jest więcej obrazów światowej sławy niż 33. Jest ich kilkaset i wszystkie nie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego dla ułatwienia przeglądania wybraliśmy kilka najbardziej znaczących dla światowej kultury i często kopiowanych. Każdej pracy towarzyszy ciekawostka, wyjaśnienie zmysł artystyczny lub historię jego powstania.
Rafaela „Madonna Sykstyńska” 1512
Przechowywany w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz ma mały sekret: tło, które z daleka wygląda jak chmury, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się głowami aniołów. A dwa anioły ukazane na poniższym obrazku stały się motywem wielu pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Straż nocna” 1642
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwa nazwa obrazu Rembrandta to „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Krytycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, myśleli, że postacie stoją na ciemnym tle, i nazwali go „Nocną strażą”. Później okazało się, że warstwa sadzy przyciemnia obraz, a akcja faktycznie toczy się za dnia. Jednak obraz wszedł już do skarbca sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ponad 500-letniej historii istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: wykonano drzwi przez obraz, a następnie ułożono drzwi, wykorzystano refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz jako zbrojownia, więzienie i zbombardowany. słynny fresk odnawiany co najmniej pięć razy, przy czym ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, zwiedzający muszą wcześniej zarezerwować bilety i spędzić w refektarzu tylko 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci” 1931
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się w Dali na widok topionego sera. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto raz zobaczył „Trwałość pamięci”, tego nie zapomni.
Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywane w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Zdaniem Brueghela niepowodzenie, jakie spotkało budowę Wieży Babel, nie jest winą nagłego powstania wg. historia biblijna bariery językowe oraz błędy popełnione podczas procesu budowy. Na pierwszy rzut oka ogromny budynek wydaje się dość solidny, ale po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierówno, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy dla całego projektu są bardzo smutne.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty malował obraz przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć pracy nad obrazem w odpowiednim czasie, więc musiał zakryć dzieło czarną farbą. Następnie, po uznaniu publiczności, Malewicz namalował nowe „Czarne kwadraty” już na pustych płótnach. Malewicz namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i jeden „Biały kwadrat”.
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wódkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w państwie Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerski. Czerwony koń pełni rolę Przeznaczenia Rosji lub samej Rosji, której kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. w ten sposób artysta symbolicznie przepowiedział swoim obrazem „czerwony” los Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leucypa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Porwanie córek Leucypa” uważany jest za uosobienie odważnej namiętności i cielesnego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety, by wsadzić je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoich kuzynów.
Paul Gauguin „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?” 1898
Przechowywany w Museum of Fine Arts w Bostonie.
Pod kierunkiem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem reprezentują początek życia; grupa średnia symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z intencją artystki, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pogodzona i pogrążona w myślach”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.
Eugene Delacroix „Wolność prowadząca lud” 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa kobiety przewodzącej ludowi symbolizuje bezinteresowność ówczesnych Francuzów, którzy „ nagi tors' udał się do wroga.
Claude Monet „Impresja. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywany w Musée Marmottan w Paryżu.
Tytuł utworu to „Impression, soleil levant”. lekka ręka dziennikarz L. Leroy stał się nazwiskiem kierunek artystyczny"impresjonizm". Obraz został namalowany z natury w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665 r
Przechowywany w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najbardziej znanych obrazów Holenderski artysta Jan Vermeer jest często nazywany północną lub holenderską Mona Lisą. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest datowany, nie jest znane imię przedstawionej dziewczyny. W 2003 r. wg powieść o tym samym tytule Tracey Chevalier został sfilmowany Film fabularny„Dziewczyna z perłą”, w której historia powstania płótna zostaje hipotetycznie przywrócona w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera.
Ivan Aivazovsky „Dziewiąta fala” 1850
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Ivan Aivazovsky jest światowej sławy rosyjskim malarzem morskim, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy prac, z których każda zyskała uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najbardziej znanych rosyjskich ikon. Ikona to plansza w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i kamienie szlachetne. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Muzeum-Rezerwacie Siergijewa Posada.
Michaił Vrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła obrazu inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Tragicznie splatając ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w Brytyjskie Muzeum w Londynie.
Nazwa obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. To wyrażenie było używane jako imię Boga. Główny bohater obrazy - Bóg w momencie stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergère” 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergère to program rozrywkowy i kabaret w Paryżu. Manet bywał w Folies Bergère i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośród tłumu pijących, jedzących, rozmawiających i palących, barmanka pogrążona we własnych myślach obserwuje akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galleria Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno upiększone i nieozdobione” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i światowe” (1700), wreszcie „Miłość ziemska i Niebiańska miłość » (1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja dla młodzieży Bartłomiej” 1889-1890
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsza i najważniejsza praca z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodego Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „To nie ja będę żył, ale „Młody Bartłomiej” będzie żył”. żyje, to znaczy, że ja też żyję”.
Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o niewidomych” 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne nazwy obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła obrazu oparta jest na biblijnej przypowieści o niewidomych: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alionuszka” 1881
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Podstawą jest bajka „O siostrze Alyonushce i bracie Iwanushce”. Początkowo obraz Wasniecowa nosił tytuł „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka”, powiedział później sam artysta, „jakby żyła w mojej głowie od dawna, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która uderzyła w moją wyobraźnię. Było tak wiele tęsknota, samotność i czysto rosyjski smutek w jej oczach… Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch”.
Vincent van Gogh Gwiaździsta noc 1889
Przechowywany w Museum of Modern Art w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, Gwiaździsta noc została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Remy, dręczony napadami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompei” 1830-1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 rne. mi. i zniszczenie miasta Pompeje w pobliżu Neapolu. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina, Moskwa
Obraz trafił do Rosji dzięki przemysłowcowi Iwanowi Abramowiczowi Morozowowi, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. Znacjonalizowano kolekcję osobistą I. A. Morozowa. Obraz znajduje się obecnie w zbiorach. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Nowoczesna nazwa obraz pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litt, właściciela rodziny Galeria Sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa jak na manierę autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnie tureckie” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres skończył malować ten obraz mając już ponad 80 lat. Tym obrazem artysta podsumowuje swoisty rezultat wizerunku kąpiących się, którego tematyka od dawna jest obecna w jego twórczości. Początkowo płótno miało formę kwadratu, ale rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w kwadrat okrągły obraz- tondo.
Iwan Szyszkin, Konstanty Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Rano w Las sosnowy”- obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantego Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Trietiakow, kiedy nabył obraz, wymazał swój podpis, więc teraz tylko Shishkin jest wskazany jako autor obrazu.
Michaił Vrubel „Księżniczka łabędzi” 1900
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz został namalowany na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery „Opowieść o Caru Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa na podstawie fabuły baśni A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów do premiery opery w 1900 roku, a jego żona śpiewała partię Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II w postaci Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z nielicznych zachowanych dzieł artysty, który wykonywał portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawiany jako starożytny rzymski bóg pór roku, wegetacji i przemian. Na zdjęciu Rudolph składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkin w Moskwie.
Degas był wielkim fanem baletu. Nazywany jest artystą baletnic. Praca " niebiescy tancerze" odnosi się do późny okres Kreatywność Degasa, gdy jego wzrok osłabł, zaczął pracować z dużymi kolorowymi plamami, przywiązując ogromną wagę do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu.
Leonardo da Vinci „Mona Lisa” 1503-1505
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Mona Lisa być może nie zdobyłaby światowej sławy, gdyby nie kradzież w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował reżyserowi sprzedaż Giocondy galerie Uffizi. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie opuszczała okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” 1486
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi
Obraz ilustruje mit narodzin Afrodyty. Naga bogini unosi się do brzegu w otwartej skorupie, napędzana wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (zachodni wiatr) w ramionach swojej żony Chloridy dmucha w muszlę, tworząc wiatr pełen kwiatów. Na brzegu bogini spotyka jedną z łask. „Narodziny Wenus” są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli zastosował się do obrazu warstwa ochronna z żółtka jaja.
Michał Anioł „Stworzenie Adama” 1511
Znajduje się w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Słynne portrety m.in „Portret damy w błękicie” T. Gainsborougha, „Młody człowiek z koszem owoców” Michelangelo Merisi de Caravaggio, „Autoportret” K. P. Bryullova itp. stały się dziś standardem doskonałości w sztukach pięknych.
Dla konesera piękna słynne portrety to dziś nie tylko płótna, o których piszą krytycy sztuki i kosztują bajeczne pieniądze.
Dla konesera każdego obraz jest niejako „duszą” artysty – wyrazem światopoglądu, estetycznego credo, sposobu wykonania malarza. Słynne portrety („Portret E. N. Arsenyeva” V. L. Borowikowskiego, „Gioconda” Leonarda da Vinci itp.) Są tak drogie, ponieważ wywołują w duszy widzów coś wyjątkowego. To jest to wyjątkowe uczucie, które nazywa się poczuciem piękna.
Mona Lisa piękny w jej oczach - zdawał się łączyć delikatną kobiecość i uśmiech, który jest nieco podobny do męskiego. Nie bez powodu wielu, którzy widzieli prawdziwy obraz da Vinci, twierdzi, że patrząc na Giocondę z daleka, wydaje się, że patrzy się na łagodną, łagodną kobietę. Ale jeśli przyjrzysz się bliżej obrazowi, przekonasz się, że płótno przedstawia mężczyznę z niemal diabolicznym, niemal okrutnym uśmiechem. Słynne portrety są tak sławne, ponieważ mają swoją wyjątkowość, „zapał”.
Portrety znanych artystów
Niezwykłe są także portrety znanych artystów. Od ich własnych obrazy jest odzwierciedleniem ich światopoglądu, to nawet w oczach malarzy można odczytać coś szczególnego, charakterystycznego dla nich i ich obrazów. Jest to szczególny przypadek, gdy portrety znanych artystów są tworzone przez nich samych.
Słynne portrety pojawiają się czasem jako obrazy wyglądu ich autora. W autoportrecie artysta może wyrazić własną wizję swojego wyglądu. Na przykład „Autoportret” I. I. Lewitana utworzony w latach 90. XIX wieku. Obraz przedstawia Izaaka Lewitana w pełnym stroju. Sam artysta jest przedstawiony w bardziej zrelaksowanej pozie, ale jego postać jest otoczona szarobrązową mgiełką, jakby zapowiadała coś złego, śmiertelnego. A jego drugi autoportret, datowany na rok 1880, wygląda zupełnie inaczej. Tutaj pokazano młodego Piękna twarz malarz, uśmiechając się chytrze. Tutaj postać Lewitana jest na niebieskim tle, wesoła i pozytywna. Wpływ obrazu na widza często zależy od oceny własnego wyglądu malarza. Portrety znanych artystów dają osobie możliwość spojrzenia na geniusza, który stworzył to lub inne zdjęcie. Kto nie chciałby spojrzeć na twarz tego, który przedstawił Demona z dzieła M. Yu Lermontowa? Lub spójrz na osobę, która stworzyła obraz niefortunna Alyonushka, która straciła brata?
Portrety znanych kobiet
Szczególne miejsce w galaktyce wielkich obrazów zajmują portrety. znane kobiety. Słynne portrety kobiet najczęściej opowiadają o pięknie przedstawionych. Ale zdarzało się też, że kobieta sama była malarką i sama potrafiła interpretować swój wygląd (autoportret) i wygląd otaczających ją osób.
sławny obraz Louise Vigee-Lebrun „Autoportret z córką”
pokazuje nie tylko piękno jej twórcy, ale także przywiązanie Louise do córki: tak czule się przytulają. Pędzel Louise należy do serii portretów przedstawiających Marię Antoninę. Tworzył wielki portrecista A. G. Warnek (1782–1843). wspaniałe portrety znane kobiety. Były to tak znane portrety, jak Portret E. M. Oleniny w Priyutino, kochanki literackiej soli. Również pędzle mistrza należą do takich płócien jak „ portret Kołosowa Jewgienij Iwanowna" - słynna baletnica, jeden ze stu wielkich mistrzów baletu. Na zdjęciu młody piękna dziewczyna, z włosami zaczesanymi do tyłu iz kołczanem ze strzałami w dłoniach. Kobieta na takich portretach zrównała się z mężczyzną.
Portrety znanych osób
Portrety sławnych osób pozwalają potomkom zobaczyć prawdziwy wygląd pisarzy, muzyków, polityków itp. Na przykład portret słynnego sowiecki pisarz A. N. Tołstoj, wykonany przez P. D. Kokorina, daje nam nie tylko obraz twarzy pisarza. Obraz przedstawia zamyślone, ponure spojrzenie Tołstoja, odwrócone w bok. W prawej dłoni trzyma ten przedstawiony fajka, ale palce mocno ściskają drewnianą powierzchnię, co wskazuje na koncentrację Aleksieja Tołstoja. Portrety znanych osób mogą być transmitowane Głównym punktem przedstawione zawody.
Tak powstaje kolejny portret - portret FI Chaliapina(1905. Płótno, węgiel drzewny, kreda) VA Serov. Tutaj smutny wygląd Fiodora Chaliapina jest w pełni wyrażony. Chaliapin ma na sobie frak, ale skrzydełka jego nosa unoszą się w podnieceniu, jakby Słynny piosenkarz właśnie skończyłam kolejną arię.
Być może tylko Silna kobieta potrafi być żoną artysty: znosić jego wzloty i upadki, przeżywać jego porażki jak własne. Dowodem miłości i wdzięczności są portrety kobiet autorstwa znanych artystów, malowane przez samych malarzy. Jedną z takich silnych, ale jednocześnie miękkich kobiet była Nadieżda Iwanowna Zabala-Vrubel. Była słynną śpiewaczką operową, w której Michaił Wrubel, twórca słynnego Demona, zakochał się od pierwszego wejrzenia. Pierwowzorem słynnej postaci z obrazu była Nadieżda Zabela Vrubel „Księżniczka łabędzi”.
Była piękną kobietą, która kochała swojego męża, nawet pomimo faktu, że Michaił Aleksandrowicz miał bardzo zły charakter. Do wielkich portretów kobiet znanych artystów należy cykl obrazów Gali, namalowany przez Salvadora Dali. W 1929 roku Gala (Elena Dyakonova) wraz ze swoim pierwszym mężem Paulem Eluardem odwiedziła młodego katalońskiego malarza Salvadora Dali. Salvador i Elena od razu się w sobie zakochali, mimo że Dyakonova miała dziesięć lat starszy od artysty i miał córkę z pierwszego małżeństwa, Cecile. Gala (tak nazywał ją Dali) stała się pierwszą i jedyną miłością, muzą i żoną geniusza malarstwa. Zbudowała harmonogram pracy artysty, została jego "producentką".
Elena Dyakonova namalowała tak słynne portrety, jak: „Portret Gali z dwoma jagnięcymi żeberkami”, „Gala w postaci Ledy” itp. Salvador Dali napisał o swojej ukochanej w dedykacji w swojej biografii „Dziennik geniusza”: „ Dedykuję tę książkę mojemu geniuszowi, mojej zwycięskiej Gali Gradivie, mojej Helenie Trojańskiej, mojej Świętej Helenie, mojej olśniewającej jak powierzchnia morza, Gala Galatea the Serene”.
Wybitne portrety kobiet
Nawet najbardziej znane portrety kobiet nie można porównać pod względem znaczenia i sławy z obrazem Leonarda da Vinci „La Gioconda”. Ten obraz uderzył wielu swoją odmiennością od innych znanych portretów. Stała się tak sławna także dlatego, że krążyła opinia, że portretował się w niej sam Leonardo. I rzeczywiście, jak wspomniano powyżej, niektórzy historycy sztuki uważają, że uśmiech Mony Lisy jest prawdziwie męski. Słynne portrety kobiet są czasem symbolami kobiecości i piękna.
Są to tak znane portrety kobiet jak „Portret N. N. Puszkiny” A. P. Bryullov(Akwarela, 1831) oraz portret Niny Czawczawadze pędzla N. Iankoszwilego. Obie młode dziewczyny ukazane są w kwiecie wieku i piękna. Oboje są małżonkami wielkich rosyjskich pisarzy. W obu tych dziewczynach jest coś jasnego, czystego, wzniosłego, są one przedstawiane jako muzy A. S. Gribojedowa i A. S. Puszkina. Dziewczyny ubrane są w lekkie sukienki z gazy, jakby mieniące się w promieniach niewinne piękno Ich właścicieli. To znane portrety nie tylko kobiet, ale inspiratorek pisarzy.
Najsłynniejsze portrety
Najsłynniejsze portrety to być może te, które wywarły największe wrażenie na widzach. Tak znane portrety przyciągają niezwykłą kolorystyką, oryginalnością fabuły itp. Tak postrzegany jest portret A. S. Puszkina, wykonany przez Oresta Kiprensky'ego.
Styl artysty, wyróżniający się plastyczną ekspresją formy i prawdziwością, zdołał w ten czy inny sposób przekazać niepowtarzalny wizerunek poety. „Portret A. S. Puszkina” wywołał kiedyś wiele kontrowersji. Niektórzy widzowie (współcześni Puszkinowi) mówili o niesamowitym podobieństwie, inni twierdzili, że takiego podobieństwa nie ma. Tutaj raczej wszystko zależało od tego, jak współcześni znali Puszkina. Najsłynniejsze portrety są tak wspaniałe także dlatego, że sprawiają, że widz czuje odbicie ukazanej duszy. Czujemy aurę osoby, która zmarła wiele lat temu, czujemy na sobie jego wzrok. Być może nawet najlepsze zdjęcia nigdy nie zdołają uchwycić czarującej magii słynnych portretów. W większości słynne portrety zawsze jest coś od ich autora - artysty. W tworzenie portretu zaangażowane są dwie osoby – artysta i postać obrazu, jedna nadaje płótnu swój wygląd, a malarz, bez względu na to, jak realistyczny jest obraz, zawsze wnosi w niego echo swojej duszy.
Dziś przedstawiamy Waszej uwadze dwadzieścia obrazów, które są godne uwagi i uznania. Te obrazy były malowane znany artysta, a znać je powinien nie tylko osoba zajmująca się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, ponieważ sztuka maluje nasze życie, estetyka pogłębia nasze spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w twoim życiu...
1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498
Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Utworzony w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Lodovico Sforza i jego żony Beatrice d'Este. Herb Sforzów jest wymalowany na lunetach nad obrazem, utworzonych przez strop z trzema łukami. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; praca była przerywana. Data rozpoczęcia prac nie jest dokładna, gdyż „archiwum klasztoru uległo zniszczeniu, a znikomą część dokumentów, które mamy datowane na rok 1497, kiedy obraz był prawie ukończony”.
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.
Uważa się, że na tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład istnieje przypuszczenie, że obrazy Jezusa i Judasza są spisane od jednej osoby. Kiedy Da Vinci malował ten obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobroć, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz znalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak posłużył kilka lat wcześniej jako pierwowzór do namalowania wizerunku Jezusa. Możemy więc powiedzieć, że to zdjęcie uchwyciło osobę w różnych okresach jego życia.
2. „Słoneczniki”. Vincenta van Gogha, 1887
Tytuł dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest leżącym kwiatom. Druga seria została zakończona rok później, w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa paryskie obrazy nabył przyjaciel van Gogha, Paul Gauguin.
Artysta jedenaście razy malował słoneczniki. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu-wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.
3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Ajwazowski?, 1850.
W Muzeum Rosyjskim przechowywany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Aiwazowskiego.
Malarz przedstawia morze po najsilniejszej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich - dziewiąty szyb - gotowy jest spaść na ludzi próbujących uciec na szczątki masztu.
Pomimo faktu, że statek jest zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepła tonacja obrazu sprawia, że morze nie jest tak surowe i daje widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.
Stworzony w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został nabyty przez Mikołaja I.
4. „Naga Maja”. Francisco Goya, 1797-1800
Obraz Hiszpański artysta Francisco Goya, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu "Maja ubrana" (La maja vestida). Obrazy przedstawiają Maję - hiszpańską mieszczankę XVIII-XIX w., jeden z ulubionych obiektów artysty na obrazie. „Naga Maja” jest jednym z nich wczesne prace sztuka zachodnia, przedstawiający całkowicie nagą kobietę bez konotacji mitologicznych czy negatywnych.
5. „Lot kochanków”. Marc Chagall, 1914-1918
Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 roku, a mistrz wykonał ostatnie poprawki dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella zmieniła się z ukochanej nie tylko w uwielbianą małżonkę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarki. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego młodzieńca żydowskiego, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać tylko mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwenanse. To właśnie ta miłość ich inspirowała, unosząc ich do nieba.
Karina przedstawia jednocześnie dwie miłości Chagalla - Bellę i drogi Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim ciemnym płotem. Widz nie od razu zauważy pasącą się kozę na lewo od centrum obrazu, a na pierwszym planie prosty mężczyzna ze spuszczonymi spodniami – humor malarza, wyłamujący się z ogólnego kontekstu i romantycznego nastroju dzieła, ale to jest cały Chagall...
6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940 r
Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.
Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii, która wybuchła na świecie, krwiożerczości polityków, kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.
Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie, artysta wyjeżdża z ukochanego Paryża do Ameryki. Wojna obejmuje Stary Świat i dąży do przejęcia reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że pobyt w Nowym Świecie przez osiem lat uczyni go naprawdę sławnym, a jego dzieła – arcydziełami sztuki światowej.
7. „Krzyk”. Edwarda Muncha, 1893
Krzyk (norweski Skrik) to seria obrazów stworzonych w latach 1893-1910 przez norweskiego malarza ekspresjonistę Edvarda Muncha. Przedstawiają ludzką postać krzyczącą z rozpaczy na tle krwistoczerwonego nieba i mocno uogólnionego pejzażu. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.
Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei daje fantastyczny cień, podobny do pewnego potwór morski. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie się łamią, kolory nie pasują, perspektywa jest zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że \u200b\u200bfabuła obrazu jest owocem chorej fantazji osoby chorej psychicznie. Ktoś widzi w pracy przeczucie katastrofa ekologiczna, ktoś rozwiązuje kwestię, która mumia zainspirowała autora do wykonania tej pracy.
8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665
Obraz „Dziewczyna z perłą” (hol. „Het meisje met de parel”) powstał około 1665 roku. Obecnie przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest karta telefoniczna muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest napisany w gatunku Tronie.
Dzięki filmowi „Dziewczyna z perłą” Petera Webbera z 2003 roku ogromna liczba osób, którym daleko do malarstwa, dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artyście Janie Vermeerze, a także o jego sławny obraz„Dziewczyna z perłą”
9. „Wieża Babel”. Pietera Brueghela, 1563 r
Słynny obraz Pietera Brueghela. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.
Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg sprawił, że mówili w różne języki, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. „Algierskie kobiety”. Pablo Picasso, 1955
„Kobiety Algierii” – cykl 15 obrazów stworzonych przez Picassa w latach 1954-1955 na podstawie obrazów Eugene'a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została napisana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku, Victora Ganza.
„Kobiety z Algieru (wersja O)” Pabla Picassa sprzedano za 180 milionów dolarów.
11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921
rosyjski malarz radziecki, mistrz pejzażu, artysta teatralny teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalina I stopnia. Od 1951 członek KPZR.
Ten niesamowity, stworzony w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona obraz „Nowa planeta” jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które uosabiały obraz zmian, które nastąpiły w drugiej dekadzie XX wieku. Rewolucja Październikowa. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia nowo narodzonego społeczeństwa sowieckiego. Co czeka teraz ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale co sowiecka Rosja a cały świat wkracza w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.
12. „Madonna Sykstyńska”. Rafał Santi, 1754
Obraz Rafaela, który od 1754 roku znajduje się w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznanych szczytów Wysokiego Renesansu.
Ogromny rozmiar (265 × 196 cm, na co wskazuje rozmiar obrazu w katalogu Galeria Drezdeńska) płótno zostało wykonane przez Rafała do ołtarza kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy na zlecenie papieża Juliusza II. Przypuszcza się, że obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy w czasie wojen włoskich najechali Lombardię, i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.
13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku
Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy Ermitaż państwowy w Petersburgu. Czasami datę powstania podaje się jako „lata sześćdziesiąte XVI wieku”.
Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę burzą złotych włosów. Gotowe płótno wywarło wielkie wrażenie na księciu Gonzagi i postanowił zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozując kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych prac.
14. Mona Lisa. Leonardo da Vinci, 1503-1505
Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jednym z najbardziej znane prace malarstwa na świecie, za który uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505.
Według jednej z przedstawionych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artysty.
15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.
Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Trietiakow wymazał swój podpis, więc jeden obraz jest często wymieniany jako autor.
Pomysł na obraz podsunął Shishkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie młodych. Niedźwiedzie te, z pewnymi różnicami w postawie i liczbie (początkowo było ich dwóch), pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Zwierzęta okazały się tak dobre dla Savitsky'ego, że podpisał nawet obraz razem z Shishkinem.
16. „Nie czekaliśmy”. Ilja Repin, 1884-1888
Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Obraz pokazany na XII wystawa objazdowa wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego populistycznego rewolucjonisty.
17. Bal w Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.
Obraz namalowany francuski artysta Pierre Auguste Renoir w 1876 r.
Miejscem, w którym znajduje się obraz, jest Musée d'Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca z Paryża.
18. Gwiaździsta noc. Vincenta van Gogha, 1889
Sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 r., przedstawiający przedświtowe niebo nad fikcyjnym miastem ze wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy-de-Provence. Od 1941 roku znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Jest uważany za jedno z najlepszych dzieł Van Gogha i jedno z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.
19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.
Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu. Kaplica Sykstyńska.
Stworzenie Adama to jedna z najwybitniejszych kompozycji ściennych w Kaplicy Sykstyńskiej. W nieskończonej przestrzeni leci Bóg Ojciec, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w powiewającej białej tunice. Prawa ręka jest wyciągnięta w kierunku dłoni Adama i prawie jej dotyka. Leżące na zielonej skale ciało Adama stopniowo zaczyna się poruszać, budzi się do życia. Cała kompozycja skoncentrowana jest na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go odbiera, dając całe ciało energia życiowa. Poprzez fakt, że ich ręce się nie dotykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia boskości i człowieka. W obrazie Boga, według artysty, nie panuje cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obrazie Adama Michał Anioł śpiewa o sile i pięknie ludzkiego ciała. W rzeczywistości nie samo stworzenie człowieka pojawia się przed nami, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, namiętne poszukiwanie boskości, pragnienie wiedzy.
20. „Pocałunek na rozgwieżdżonym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907
Obraz austriacki artysta Gustawa Klimta, napisany w latach 1907-1908. Płótno pochodzi z okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, Ostatnia praca autor w swoim „złotym okresie”.
Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze stoją zakochani całkowicie pogrążeni w sobie, odgrodzeni od całego świata. Ze względu na niepewność miejsca tego, co się dzieje, wydaje się, że przedstawiona na obrazie para przenosi się w kosmiczny stan, który nie podlega czasowi i przestrzeni, poza wszelkimi historycznymi i społecznymi stereotypami i kataklizmami. Zupełna samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko potęgują wrażenie izolacji i dystansu w stosunku do obserwatora.
Źródło - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
