Jaka jest magiczna moc sztuki? Jaką rolę pełni w życiu człowieka? Czy to prawda, że sztuka odzwierciedla duszę narodu? Pisarz V.Konetsky, autor proponowanego tekstu do analizy, próbuje odpowiedzieć na te i inne pytania. Na przykład, zastanawiając się nad oryginalnością malarstwa rosyjskiego, zwraca uwagę na twórczość takich artystów jak Sawrasow, Lewitan, Serow, Korowin, Kustodiew. „W tych nazwach kryje się nie tylko wieczna radość życia w sztuce. Ukryta jest rosyjska radość, z całą jej delikatnością, skromnością i głębią. A jak prosta jest rosyjska piosenka, tak proste jest malowanie” – zauważa autorka. Podkreśla, że twórczość tych artystów odzwierciedla postawę naszych ludzi, ich umiejętność cieszenia się pięknem rodzima natura, umiejętność docenienia jego prostoty i bezpretensjonalności, odnajdywania harmonii tam, gdzie inni jej nie czują.
Sztuka dla człowieka jest także rodzajem koła ratunkowego, ponieważ jest nie tylko środkiem do wyrażania siebie, ale także siłą, która łączy nas z historią i kulturą ojczyzna, nie pozwala zapomnieć o swoich przestrzeniach, wciąż na nowo przypomina wszystkim, jak piękna jest Rosja. W. Konetsky uważa tę właściwość prawdziwej sztuki za bardzo ważną, ponieważ pomaga ludziom uświadomić sobie swoje zaangażowanie w swoją historię, swój naród, swoją Ojczyznę: „W naszych czasach artyści tym bardziej nie powinni zapominać o jednej prostej funkcji sztuki - obudzić i oświecić współplemieńca poczuciem ojczyzny”.
Dzieła malarskie, literackie, muzyczne również pełnią bardzo ważną rolę, której nie można pominąć. Podsumowując, pisarz wyraża przekonanie: „Sztuka jest sztuką, gdy wywołuje w człowieku uczucie szczęścia, choć ulotne”.
Zgadzam się z punktem widzenia autora: prawdziwa sztuka zawsze znajdzie sposób, by dotknąć strun naszej duszy, dotrzeć nawet do najbardziej zatwardziałego serca. Jest w stanie podnieść z kolan osobę, która straciła nadzieję, a nawet uratować jej życie.
W ten sposób sztuka wskrzesiła pragnienie życia w bohaterze epickiej powieści Lwa Tołstoja Wojna i pokój. Nikołaj Rostow, przegrywając w kartach z Dołochowem duża ilość Po prostu nie widziałem wyjścia z obecnej sytuacji. Zadłużenie na karcie trzeba spłacić, ale takie ogromne pieniądze młody oficer nie. W tej sytuacji miał być może jedyną opcję rozwoju wydarzeń - samobójstwo. Od ponurych myśli bohatera powieści odwrócił się głos siostry. Natasza uczyła się nowej arii. W tym momencie Mikołaj, oczarowany muzyką, oczarowany pięknem głosu Nataszy, zapomniał o problemach, które jeszcze przed chwilą wydawały mu się nie do rozwiązania. Słuchał śpiewu i martwił się tylko, czy dziewczyna uderzy w górną nutę. Jej łagodny głos, urok magicznej melodii przywróciły Nikołaja do życia: bohater zrozumiał, że oprócz przeciwności losu i smutku na świecie jest piękno i szczęście, dla których warto żyć. Tak działa prawdziwa sztuka!
Uratowała także Sue, bohaterkę opowiadania O'Henry'ego „Ostatni liść”. Dziewczyna, która zachorowała na zapalenie płuc, całkowicie straciła nadzieję na wyzdrowienie. Obserwując spadający bluszcz za oknem, postanawia, że umrze, gdy odleci z jego gałęzi. Ostatnia strona OK. Stary sąsiad artysty Berman, dowiedziawszy się o jej zamiarach od przyjaciela bohaterki, postanawia oszukać los. W nocy, podczas zimnego jesiennego deszczu i silny wiatr, tworzy swoje główny obraz, prawdziwe arcydzieło: rysuje listek bluszczu na ceglanej ścianie domu naprzeciwko. Rano Sue widzi dzielny ostatni liść dzielnie walczący z burzą przez całą noc. Dziewczyna również postanawia wziąć się w garść i uwierzyć w życie. Odzyskuje dzięki sile miłości, którą stary artysta włożył w swoje dzieło, czyli dzięki sztuce. To właśnie daje jej możliwość dalszego życia, wiary w siebie i bycia szczęśliwym.
Tak więc sztuka odgrywa istotną rolę w naszym życiu. Daje możliwość wyrażenia swoich uczuć i myśli, jednoczy różnych ludzi, pomaga żyć.
Skuteczne przygotowanie do egzaminu (wszystkie przedmioty) -
W jakiś sposób uderzyła mnie prosta myśl: ludzkość szlifuje i gromadzi swoje doświadczenie moralne przez tysiące lat, a człowiek musi je opanować, aby za jakieś 15-20 lat osiągnąć poziom kultury swoich czasów. A żeby wejść w różnorodną komunikację z ludźmi, musi opanować to doświadczenie, a przynajmniej jego podstawy, jeszcze wcześniej - w wieku pięciu do siedmiu lat! Bez względu na to, jaką różnorodność życia i zajęć zapewnia dziecku rodzina, bez względu na to, jak rozwinięte są więzi dzieci z ludźmi i otaczającym je światem, świat ten nadal będzie ciasny, a to doświadczenie będzie ubogie bez skorelowania go z doświadczeniem moralnym dziecka. ludzkości, z całym bogactwem, które zgromadziła, jest dla niej wieki historii. Ale jak możesz porównywać swoje osobiste doświadczenie z tym, co już było, co jest i powinno być, co będzie? Do tego, moim zdaniem, potrzebna jest sztuka, która wyposaża człowieka w coś, czego nie da się pojąć prostym doświadczeniem życiowym. Jest jak ogień prometejski, który przekazują sobie pokolenia ludzi z nadzieją, że wniesie go do serca i umysłu każdego, kto miał szczęście urodzić się mężczyzną. Przekazuj, aby każdy stał się osobą.
BP (inicjały autora): Myślę, że nie należy przesadzać z rolą sztuki. Człowieka tworzą okoliczności, charakter jego działalności, warunki jego życia. Sztuka wśród tych warunków również ma swoje miejsce, ale po pierwsze nie jest najważniejsza, a po drugie nie jest niezależna: sama, jak wiadomo, jest niejednorodna i podporządkowana interesom różnych klas i warstw społecznych. Więc piękne słowa o ogniu prometejskim, jak sądzę, nawet w przenośni nie odpowiadają rzeczywistości. Oczywiście sztuka wiele uczy, daje wiedzę o świecie, o człowieku, o relacjach międzyludzkich, ale przerobić ludzi, zrobić z noworodka mężczyznę, jest poza jego mocą.
L.A.: To nasz stary spór, do którego kiedyś przyczynił się siedemnastoletni syn. Zwykle na pytanie: „Dlaczego człowiek musi nauczyć się czytać w wieku trzech lat?” - odpowiedzieliśmy tak: już przed szkołą dziecko dużo się uczy z książek. Ma dostęp do map i leksykony, poszerza się krąg jego zainteresowań, rozwija się jego fantazja, wyobraźnia. Czytanie staje się jego potrzebą i satysfakcją. Staje się bezbłędnie piśmienny bez opanowania gramatyki. Wreszcie oszczędza czas dorosłych: przestaje męczyć: „Czytaj, czytaj!” Tak, i na swoje liczne pytania, dlaczego szuka odpowiedzi w książkach. I Alosza powiedział coś, o czym my sami niestety nie pomyśleliśmy, ale co jest niezwykle ważnym wynikiem wczesnej lektury. Oto jego myśl (oczywiście nie mówię dosłownie, ale ręczę za znaczenie): nasza beletrystyka, zwłaszcza literatura dziecięca, jest w swej istocie niezwykle moralna. Nauczywszy się wcześnie czytać i czytając znacznie więcej, niż dorośli by mu czytali, dziecko, niepostrzeżenie dla siebie, z pewnością zdobędzie normę moralną, wzór do naśladowania - jeszcze zanim napotka jakieś ciemne strony życia, zanim zaczną silnie na niego wpływać. różne warunki, w tym niekorzystne. Następnie spełnia te warunki, jakby chroniony moralnie, opanowując już stopniowo podstawowe pojęcia o stosunkach między ludźmi: o dobru i złu, o odwadze i tchórzostwie, o skąpstwie i hojności, o wiele, wiele więcej.
B.P.: Okazuje się, że wpływ literatury może być silniejszy niż wpływ rzeczywistości? Nawet jeśli mają przeciwny kierunek? Coś jest niewiarygodne. Zbyt łatwo byłoby wtedy edukować ludzi: czytać od rana do wieczora bajki i „pouczające” opowiadania - i wszystko jest w porządku: zapewniona jest wysoce moralna osoba.
L.A.: Nie ma co ironizować w tych bajkach i opowieściach. Ich wpływ na kształtowanie się osobowości dziecka jest bardzo duży.
W bibliotece, w której pracowałam i wśród naszych gości, spotkałam w swoim życiu tylko czworo nastolatków, którzy nie czytali i nie lubili bajek. Czy to był przypadek, nie wiem, ale wszyscy byli do siebie podobni w kategoryczności, racjonalności, braku żywej ciekawości, a nawet poczucia humoru. Wszystko to w różnym, ale zauważalnym stopniu. Dwóch z nich było bardzo rozwiniętych, ale trudno było z nimi rozmawiać, trudno się z nimi dogadać. Trudno opisać wrażenie, jakie na nich wywarli; może coś przesadzam albo mówię coś nieprecyzyjnego, ale pamiętam bardzo wyraźnie: żal mi było wszystkich, bo byli pozbawieni jakiejś wewnętrznej dobrej woli, niezbędnej do nawiązywania kontaktów z ludźmi. Jeden z nich sprawiał bolesne wrażenie obcej, wręcz chorej osoby, choć był zupełnie zdrowy i odpowiedział na moje pytanie: „Jak się uczysz?”. - protekcjonalnie odpowiedział: „Oczywiście na„ piątce ”. - „Dlaczego czytasz beletrystykę?” – zapytałem, zapisując wybrane książki. Wykrzywił usta: „Nie wszystkie. Ja na przykład nie lubię Greena. Cóż to za fantazja – cała ta fikcja. Fikcja to naukowa prognoza, co się naprawdę wydarzy, a ten Green to piękne kłamstwo, to wszystko ”. Patrzył na mnie zimnymi, ironicznymi oczami, pewny swojej słuszności. Nie miałem mu nic do powiedzenia: jakie słowa mógłbym mu przekazać, gdyby najjaśniejsze człowieczeństwo i życzliwość Greena nie mogły tego zrobić? Jak ten „myśliciel” zrozumie ludzi, jak z nimi żyć?
Czy winna jest niechęć do bajek? Myślę, że tak. Po co powstał ten największy wynalazek ludzkości - bajki? Zapewne przede wszystkim aby przekazać nowym pokoleniom już w dzieciństwie, najdelikatniejszym, najbardziej wrażliwym wieku, podstawowe pojęcia i uczucia moralne wypracowane przez stulecia doświadczeń, aby przekazać nie w formie nagiej moralności, kazania, ale w przejrzystej treści, uroczej i baśniowej, zabawnej w formie, za pomocą której dzieciom przedstawiana jest wiedza o złożonej i pełnej sprzeczności rzeczywistości.
Wszyscy w naszej rodzinie kochają bajki. Czytamy je kilka razy, zwłaszcza ulubione, zarówno na głos, jak i do siebie, i bawimy się baśniowi bohaterowie i oglądać bajki w telewizji. Cóż to za przyjemność widzieć, jak nawet najmniejsi wczuwają się, sympatyzują z bohaterami lub są oburzeni, oburzeni na machinacje swoich wrogów – uczą się rozumieć, o co chodzi.
Oglądamy i czytamy oczywiście nie tylko bajki. Czytamy na głos dużo książek dla dzieci i dorosłych, albo rozciągając przyjemność na kilka wieczorów, albo nie zatrzymując się na trzy, cztery godziny pod rząd, czytając wszystko od początku do końca.
Na przykład czytamy „Odmieńcy wiosny” V. Tendryakova, „Nie strzelaj do białych łabędzi” B. Wasiliewa - nie można ich było rozerwać, absolutnie niemożliwe! Zwykle słuchają wszyscy, nawet ci starsi, choć treść dla nich może być znana od dawna.
Jakoś nie mogłem tego znieść (stało się to najciekawsze) i zapytałem:
- Już czytałeś, dlaczego słuchasz?
- Wiesz, mamo, kiedy czytasz sobie, okazuje się tak szybko, że nie masz czasu na szczegółowe wyobrażenie. Wszystko się łączy, jak podczas jazdy z dużą prędkością. I czytasz na głos powoli, a wszystko nagle nabiera kolorów i dźwięków, ożywa w wyobraźni – masz czas na przemyślenia i przemyślenia.
- Coś dla pieszych, okazuje się, że lepiej być? Roześmiałam się, zaskoczona i zachwycona nieoczekiwanym odkryciem mojego syna.
Nie prowadzimy żadnych "rozmów o" po przeczytaniu. Absolutnie nie mogę zadawać dzieciom pytań w jakimkolwiek celu edukacyjnym i dydaktycznym - boję się zniszczyć integralność wrażeń i uczuć. Jedyne, na co się odważę, to jakieś uwagi w trakcie tego, co czytamy, czasem po prostu trudno się im oprzeć.
B.P.: Był czas, kiedy byłam sceptycznie nastawiona do bajek, fikcja, do filmów, spektakli - uważał je za rozrywkę, relaks, w ogóle, za niezbyt poważną sprawę. Zdarza się nawet i teraz, nie bez irytacji, rezygnuję z jakiegoś interesu i idę – na zaproszenie chłopaków lub mamy – obejrzeć coś w telewizji. A potem mówię: „Dziękuję”. Rzeczywiście, jest to bardzo konieczne - usiąść obok dzieci, przytulić się do siebie, jeśli jest to przerażające; jedną chusteczką otrzyj łzy, jeśli są gorzkie; skakać i śmiać się, przytulając się, jeśli radośnie i dobrze.
L.A.: Ten rodzaj empatii jest jednym z najbardziej niezawodnych sposobów prowadzenia dzieci skomplikowany świat ludzkie uczucia: z czego się cieszyć, kiedy się oburzać, kogo współczuć, kogo podziwiać – w końcu tego uczą się od nas, kiedy razem czytamy, razem oglądamy, razem czegoś słuchamy. Jednocześnie sprawdzasz własne poglądy i odczucia - czy nie są przestarzałe? Czy nie zardzewiały? Więc my, dorośli, też tego potrzebujemy.
I naprawdę potrzebuję jeszcze jednego. Sam to naprawdę zrozumiałem, kiedy zacząłem czytać dzieciom książki Nosowa, Dragunskiego, Aleksina, Dubowa… Są uważane za książki dla dzieci. Odkryciem było dla mnie, że te książki są przede wszystkim dla nas rodziców! I dla wszystkich, którzy mają cokolwiek wspólnego z dziećmi. Teraz nie wyobrażam sobie, jak zrozumiałbym moich chłopaków, gdybym nie znał książki Janusza Korczaka Kiedy znowu będę mały, albo opowiadania Richiego Dostyana Lęk, poświęconego ludziom, którzy zapomnieli o swoim dzieciństwie, albo Uciekiniera Dubowa, albo „Sierioża „Panowa, czyli niesamowite książki o dzieciństwie L. Tołstoja, Garina-Michajłowskiego, Aksakowa? Wydaje się, że pisarze próbują dotrzeć do naszej dorosłej świadomości i serca: spójrz, posłuchaj, zrozum, doceń, pokochaj Dzieciństwo! I pomagają nam zrozumieć dzieci, a dzieci zrozumieć dorosłych. Dlatego czytam to, co czytają moje dzieci, mogę odłożyć wszystko na bok i przeczytać książkę, którą mój syn czyta trzeci raz z rzędu.
Teraz o telewizorze. Może stać się prawdziwą katastrofą, jeśli zastępuje wszystko: książki, zajęcia, spacery, rodzinne wakacje, spotkania ze znajomymi, gry, rozmowy – krótko mówiąc, zastępuje samo życie. A może być też asystentem i przyjacielem, jeśli jest używany zgodnie z jego przeznaczeniem: jako informator, jako sposób na poznanie ciekawych ludzi, jako magik, który oszczędzając nasz czas, daje nam najlepsze prace sztuki bezpośrednio do domu. Trzeba tylko wiedzieć, że ten czarodziej ma jedną wadę: skoro ma obowiązek zadowolić miliony klientów o najróżniejszych gustach i potrzebach (a jest tylko jeden ekran!), to pracuje bez przerwy na cztery twarze na raz ( czyli cztery programy) dla wszystkich naraz: przekonaj się sam, kto czego potrzebuje. I pozostaje tylko ustalić, czego dokładnie potrzebujemy. Od tego są programy. Z góry odnotowujemy, co chcielibyśmy zobaczyć: trzy, cztery programy tygodniowo, a czasem jeden, dwa, a czasem ani jednego. I to wszystko. I nie ma problemu.
Myślę, że my sami, dorośli, znowu stwarzamy tu problemy, kiedy umawiamy się np. na „oglądanie” wszystkiego po kolei.
W końcu oznacza to: długie siedzenie, nadmiar wrażeń, przepracowanie, a dla dzieci przede wszystkim. A jednak moim zdaniem nie jest to najgorsza opcja. Gorzej niż nie wyłączanie telewizora przez cały dzień. Czy oglądają, czy nie, to nieważne: jest włączone, a spiker może się uśmiechać i mówić tyle, ile chce – każdemu, a artysta może płakać i odwoływać się do uczuć i rozsądku… puste krzesło.
Zawsze robi mi się smutno, gdy widzę dziecko o tępym spojrzeniu, kręcące gałką strojenia i obojętnie patrzące na wszystko, co migocze na ekranie. To śmieszne, nieludzkie! A co jeśli to tylko pudełko, ekran - w końcu na ekranie jest to, co ludzie zrobili dla ludzi, próbując coś im powiedzieć, przekazać, przekazać. Kiedy dziecko płacze, przeżywając nieszczęście drewnianej lalki, jest to normalne. A jeśli dziecko patrzy obojętnie na wykrzywioną bólem twarz żywego człowieka, to zabija się w człowieku coś ludzkiego.
BP: Może to za dużo - morderstwo? Dziecko rozumie, że jest to artysta, który w rzeczywistości ...
LA: Muszę zapamiętać jeden smutny epizod. Nawiasem mówiąc, nasz dobry przyjaciel jest mądry i wydaje się, że taki jest miła osoba, postanowił pocieszyć dziewczyny, które gorzko płakały, ponieważ Gerasim musiał utopić Mumu.
- Dlaczego? Dlaczego on to zrobił, mamo? - wyszeptała do mnie z rozpaczą trzyletnia córka, wybuchając płaczem i bojąc się spojrzeć na ekran. I nagle spokojny, uśmiechnięty głos:
- No co z ciebie ekscentryk, bo on właściwie jej nie topi, to są artyści. Nakręcony, a następnie wyciągnięty. Pewnie gdzieś jeszcze żywa biega...
- Tak? - zdziwiła się dziewczyna iz ciekawością wpatrywała się w ekran. Po prostu zakrztusiłem się z oburzenia - brak słów, ale było obrzydliwe uczucie, że na twoich oczach popełniono podłość, ale nie oparłeś się temu. Tak, w istocie tak było, chociaż wydaje się, że nasz przyjaciel nie rozumiał, co takiego specjalnego zrobił. W końcu dobrze życzył, a poza tym powiedział w istocie prawdę ...
I to było kłamstwo, a nie prawda! Kłamstwo, ponieważ w rzeczywistości Mumu utonął, ponieważ niesprawiedliwość i okrucieństwo istnieją w prawdziwym życiu, trzeba ich nienawidzić. Oczywiście lepiej uczyć się tego w prawdziwym życiu. Nie tylko martwić się, patrząc na ekran, ale walczyć z prawdziwą niesprawiedliwością, gdy ją spotkasz. To prawda, ale żeby walczyć z kłamstwem, niesprawiedliwością, podłością, obrzydliwością, trzeba nauczyć się je dostrzegać, odróżniać je pod jakąkolwiek postacią. Tego właśnie uczy sztuka, uczy sięgania po to, co wzniosłe, jasne, bez względu na to, jak dziwne i niezwykłe przybiera formy, uczy opierania się wszystkiemu, co nieludzkie, bez względu na to, jakie maski może przybrać. Wystarczy zrozumieć jego język i rozróżnić autentyczna sztuka z wyobraźni, ale tego trzeba się uczyć od dzieciństwa na najlepszych przykładach kultury światowej i naszej, sowieckiej.
Przyznam ze smutkiem, że sporo nas tu ominęło: nasi chłopcy prawie nie znają historii malarstwa, muzyki, nie mówiąc już o rzeźbie i architekturze. Rzadko chodzili do teatru, rzadko nawet chodzimy z nimi do kina. Jest mało prawdopodobne, aby wymienili wielu znanych kompozytorów, artystów, architektów lub pamiętali ich dzieła. I stało się to nie dlatego, że nie chcieliśmy dzieciom tej wiedzy przekazywać – po prostu nie mieliśmy na to dość, czego bardzo żałuję. Ale mam jedną pocieszającą myśl, którą chcę się trochę usprawiedliwić. Na tym polega. Co jest ważniejsze: nauczyć się ze słuchu, kto jest właścicielem tej lub innej melodii, czy poczuć tę melodię sercem, odpowiedzieć na nią całym sobą? Co jest lepsze: znać bezbłędnie wszystkie obrazy Rafaela, czy zastygnąć w zachwycie nawet przed prostą reprodukcją „Madonny Sykstyńskiej”, widząc ją po raz pierwszy? Prawdopodobnie dobrze jest mieć jedno i drugie. Oczywiście nie wiedząc kiedy, kto i dlaczego stworzył to dzieło, nie pojmiecie jego głębi, nie poczujecie go naprawdę. A jednak nie wszystko zależy od wiedzy, daleko od wszystkiego! Kiedy widzę dzieci, które ze znudzonymi twarzami śpiewają w chórze lub w jakiś sposób beznamiętnie wykonują skomplikowane utwory na fortepianie, czuję się zakłopotany: dlaczego tak jest? Po co umiejętności, skoro dusza milczy? W końcu muzyka jest wtedy, gdy osoba mówi do osoby bez słów o najbardziej złożonych i najbardziej osobistych sprawach. I nie ma zmartwień. Nie, niech będzie na odwrót: nie być ekspertem, ale umieć czuć.
Czasem lubimy wsłuchać się z dziećmi w nocną ciszę, możemy zatrzymać się i popatrzeć na niepowtarzalną, uroczą grę o zachodzie słońca, albo na prawdziwy cud - oszroniony ogród, albo zastygnąć w ciemnym pokoju przy fortepianie , słuchając bardzo prostej melodii granej przez Anochkę tak uduchowioną i czule... Moim zdaniem to wszystko jest też wstępem do sztuki.
B.P.: A jednak stoję na stanowisku, że człowiek sam musi działać, próbować, tworzyć, a nie tylko asymilować to, co zrobił ktoś inny. Nawet w sztuce. Wydaje mi się ważne, aby na naszych domowych koncertach, przedstawieniach chłopaki sami tworzyli scenografię, pisali wiersze, a nawet sztuki teatralne i piosenki. Czy to też nie jest wstęp do sztuki?
Nasze rodzinne wakacje
L.A.: Mamy święta, wydaje mi się czasem, że nawet za często, bo do wszystkich świąt narodowych, które bardzo kochamy i zawsze obchodzimy w rodzinie, dołączają też uroczystości wewnątrzrodzinne. Czasami, zmęczony zwykłymi ciastami i ciastami, które trzeba piec za każdym razem dla piętnastu lub dwudziestu osób, śpiewam żartobliwie: „Niestety urodziny są dziesięć razy w roku”. Jest jednak jedenasty, chociaż jest raczej pierwszy. To są urodziny naszej rodziny - nie dzień naszego ślubu, ale dzień naszego spotkania, bo najważniejsze to się spotkać i nie przejść obojętnie. I do tego dnia kupujemy jabłka i ciastka i dzielimy każde na pół, tak jak kiedyś, wiele lat temu, pierwszego dnia naszego spotkania. To już jedna z naszych tradycji. Nie mamy ich zbyt wiele, ale są nam drogie i żyją długo.
Jak przebiegają nasze rodzinne uroczystości? Czasami chłopaki przygotowują zaproszenia, częściej radzimy sobie z zaproszeniami słownymi: „Witamy na naszych wakacjach”. Na długo przed wieczorem dom wypełnia się hałasem i gwarem. Z góry, ze strychu, dobiegają piski i wybuchy śmiechu - jest przymiarka kostiumów i ostatnia próba, ale bywa też i pierwsza; Artyści nie zawsze mają cierpliwość do kilku prób, wolą improwizację. Okazuje się, że jest to niespodzianka nie tylko dla publiczności, ale także dla ciebie. Na dole, w kuchni, słup dymu (czasami dosłownie) - tutaj zajęci są przygotowywaniem jedzenia, które już nie jest duchowe, ale całkiem materialne. I dlatego z reguły nie ma tu czasu na śmiech, inaczej coś się spali, ucieknie, poparzy. Ledwo trzymam się na nogach od upału, gwaru, hałasu i zmartwień.
Wydaje się, że wszystko jest gotowe, można już nakryć do stołu i zaprosić gości. Dziewczyny to zrobią, a ja na razie odpocznę i odpowiem na pytanie, które nam czasem zadają: "A po co się męczysz ciastami, ciastem, nie szkoda Ci czasu? Kupilibyśmy ciasto albo coś gotowego i bez kłopotów”. Co na to powiedzieć? Zgadza się: bez kłopotów, ale o wiele mniej radości! Ile przyjemności dla każdego z samego zapachu ciasta. I każdy może go dotknąć, zgnieść w dłoniach - jak delikatny, giętki, ciepły, jak żywy! I możesz sam go uformować, co chcesz, udekorować go, jak chcesz, i zrobić prawdziwy. wesoły piernikowy ludzik, ostrożnie wyjmij go z piekarnika, zanieś jako prezent dla babć i z dumą powiedz: „Sam to zrobiłem!” Jak żyć bez tego?
A teraz koncert gotowy, artyści są już w kostiumach, publiczność siedzi na krzesłach przed „kurtyną” oddzielającą „scenę” od „audytorium”.
Wszystkie występy są przygotowywane przez samych chłopaków, układają program wieczoru, wybierają animatora, chłopcy przygotowują oświetlenie i oczywiście efekty dźwiękowe. „Zasłona” jest rozchylona nie tylko w ten sposób, ale za pomocą genialnego urządzenia. Ale miłość do improwizacji przynosi i bez przygotowania okazuje się:
- Pospiesz się, pospiesz się - już tego potrzebujesz!
- Nie mogę - zapomniałem.
- No to idź.
- Nie ty!
- Cicho... cicho! - Zarumieniony „artysta” zostaje wepchnięty na scenę i:
- Kontynuujemy nasz koncert...
W programie: wiersze i piosenki (m.in własny skład), sztuki teatralne (tylko moja kompozycja), muzyka (fortepian), więcej muzyki (bałałajka), numery akrobatyczne, tańce, pantomimy, klaunady, sztuczki magiczne… Niektóre numery łączą niemal wszystkie gatunki na raz.
Często w przedstawieniach bierze udział „publiczność”, „artyści” stają się widzami. Śmiech, brawa - to wszystko jest prawdziwe. A co najważniejsze - prawdziwe podekscytowanie przed występem, wysiłek, aby zrobić jak najlepiej i radość z drugiego, gdy wszystko dobrze się potoczyło - to jest najważniejsze.
Po tak burzliwym początku uczta okazuje się burzliwa i wesoła. Wszyscy stukają się kieliszkami, a po kolei wznoszą toasty lub gratulacje dla bohatera okazji i piją z dużych kieliszków - ile chcesz! - Lemoniada. Tak, dzieci są razem z dorosłymi przy stole, a zamiast tego kolorowo butelki wina na stole leży lemoniada, sok winogronowy lub własnoręcznie zrobiony napój owocowy. Nawet Nowy Rok spotykamy się. I nie nudzimy się. Najważniejsze to stukać się okularami, patrzeć sobie w oczy i mówić jak najwięcej miłe słowa na świecie…
B.P.: Nie wierzą nam, gdy mówimy, że od miesięcy, a nawet lat mamy nieotwierane butelki wina, przyniesione przez jednego z gości, który jako pierwszy odwiedził nasz dom. I to nie dlatego, że mamy suche prawo czy czyjś zakaz. Po prostu tego nie potrzebujemy, to zamknięte w butelce szczęście, jest bezużyteczne, to wszystko. Tak przy okazji, jak papierosy. A nasi nastoletni faceci mają pewien stosunek do tych atrybutów wyimaginowanej męskości: ani ciekawość, ani zachcianki, ale raczej świadomy wstręt.
L.A.: Moim zdaniem to jest po prostu normalne. W końcu człowiek nie zaraża się gruźlicą, rakiem ani niczym podobnym. Coś innego jest nienormalne: wiedzieć, że trucizna jest chorobą, a mimo to wepchnąć ją w siebie na siłę, wepchnąć, aż przylgnie do wszystkich wątróbek w środku i zrobi z człowieka zgniłego człowieka.
B.P.: I tu mamy swoje własne tradycje. W końcu, jak to zwykle bywa w urodziny: wszystkie prezenty, cała uwaga - dla noworodka, a matka, główna bohaterka okazji, ma w tym dniu same kłopoty. Uznaliśmy, że to niesprawiedliwe, a nasz jubilat wręcza mamie prezent z okazji urodzin. Taki jest u nas zwyczaj od dawna, odkąd pierwszy syn mógł podarować coś, co własnoręcznie wykonał.
Nasze wakacje kończą się na ganku, czasem fajerwerkami i ognie. Odprowadzamy gości i jednogłośnie krzyczymy od progu:
- Do widzenia!
Dzieło sztuki może przykuć uwagę widza, czytelnika, słuchacza na dwa sposoby. Jedną determinuje pytanie „co”, drugą – pytanie „jak”.
„Co” to przedmiot przedstawiony w utworze, zjawisko, wydarzenie, temat, materiał, czyli to, co nazywa się treścią dzieła. Kiedy rozmawiamy o rzeczach, które kogoś interesują, to w naturalny sposób rodzi w nim pragnienie zagłębienia się w znaczenie tego, co zostało powiedziane. Jednak dzieło bogate w treść niekoniecznie musi być dziełem sztuki. Prace filozoficzne, naukowe, społeczno-polityczne mogą być nie mniej interesujące niż artystyczne. Ale nie jest ich zadaniem tworzenie artystycznych obrazów (choć czasem mogą się do nich odwoływać). Jeśli dzieło sztuki interesuje człowieka wyłącznie swoją treścią, to w tym przypadku jego walory artystyczne schodzą na drugi plan. Wtedy nawet nieartystyczne przedstawienie tego, co jest dla człowieka najważniejsze, może głęboko zranić jego uczucia. Z mało wymagającym gustem osoba może być z tego całkiem zadowolona. Żywe zainteresowanie opisywanymi zdarzeniami pozwala miłośnikom kryminałów czy powieści erotycznych przeżywać je emocjonalnie w wyobraźni, niezależnie od niezdarności ich opisu, stereotypowości czy nędzy zastosowanych w utworze środków plastycznych.
Co prawda w tym przypadku również obrazy artystyczne okazują się prymitywne, standardowe, słabo pobudzające do samodzielnego myślenia widza czy czytelnika i rodzące w nim jedynie mniej lub bardziej stereotypowe kompleksy emocjonalne.
Innym sposobem związanym z pytaniem „jak” jest forma dzieła sztuki, czyli sposoby i środki organizacji i prezentacji treści. W tym tkwi „magiczna moc sztuki”, która przetwarza, przetwarza i przedstawia treść dzieła w taki sposób, aby została ona ucieleśniona w artystycznych obrazach. Materiał lub temat dzieła nie może sam w sobie być ani artystyczny, ani nieartystyczny. Obraz artystyczny składa się z materiału, który stanowi treść dzieła sztuki, ale kształtuje się tylko dzięki formie, w jaką ten materiał jest ubrany.
Rozważać cechy obraz artystyczny.
Najważniejszą cechą obrazu artystycznego jest to, że wyraża on emocjonalny i wartościujący stosunek do przedmiotu. Wiedza o przedmiocie służy w nim jedynie jako tło, na którym wyłaniają się doświadczenia związane z tym obiektem.
I. Erenburg w książce „Ludzie, lata, życie” opowiada o swojej rozmowie z francuski malarz Matisse'a. Matisse poprosił Lidię, swoją asystentkę, o przyniesienie rzeźby słonia. Widziałem - pisze Erenburg - murzyńską rzeźbę, bardzo wyrazistą - rzeźbiarz wyrzeźbił z drewna wściekłego słonia. „Podoba ci się?" Zapytał Matisse. Odpowiedziałem: „Bardzo". - "I nic ci nie przeszkadza?" - "Nie." - "Ja też. Ale wtedy przyszedł Europejczyk, misjonarz i zaczął nauczać Murzyna: „Dlaczego słonie mają uniesione kły? Słoń może unieść trąbę, a kły to zęby, nie ruszają się. Śmiejąc się chytrze, pokazał mi figurkę podobną do tych sprzedawanych w domach towarowych w Europie: „Kły są na miejscu, ale sztuka się skończyła”. jest, ale gdyby wykonał anatomicznie wierną rzeźbiarską kopię zwierzęcia, jest mało prawdopodobne, aby osoba badająca je przeżyła, doświadczyła, „odczuła” wrażenie widoku wściekłego słonia. najbardziej groźna część jego ciała, wydaje się gotowa spaść na ofiarę. Przesuwając je z ich normalnej pozycji, rzeźbiarz wywołuje u widza napięcie emocjonalne, co jest znakiem, że obraz artystyczny wywołuje reakcję w jego dusza.
Z rozważanego przykładu widać, że obraz artystyczny to nie tylko obraz powstający w psychice w wyniku odbicia przedmiotów zewnętrznych. Jego celem nie jest odzwierciedlenie rzeczywistości takiej, jaka jest, ale ewokacja ludzka dusza doświadczenia związane z jego postrzeganiem. Widzowi nie zawsze łatwo jest wyrazić słowami to, co przeżywa. Patrząc na afrykańską figurkę, może to być wrażenie potęgi, wściekłości i wściekłości słonia, poczucie zagrożenia itp. Różni ludzie ta sama rzecz może być postrzegana i doświadczana inaczej. Wiele zależy tu od subiektywnych cech jednostki, od jej charakteru, poglądów, wartości. Ale w każdym razie dzieło sztuki może wywołać uczucia w człowieku tylko wtedy, gdy zawiera w sobie jego wyobraźnię. Artysta nie może wywołać w człowieku pewnych uczuć, nazywając je po prostu. Jeśli po prostu informuje nas, że takie a takie uczucia i nastroje powinny się w nas pojawić, lub nawet szczegółowo je opisuje, to jest mało prawdopodobne, że je będziemy mieli. Wzbudza doznania, modelując środkami język artystyczny przyczyny, które je zrodziły, tj. ubranie tych przyczyn w niektórych forma sztuki. Obraz artystyczny jest modelem przyczyny wywołującej emocje. Jeśli model przyczyny „działa”, czyli obraz artystyczny jest postrzegany, odtwarzany w ludzkiej wyobraźni, to pojawiają się skutki tej przyczyny – „sztucznie” wywołane emocje. I wtedy następuje cud sztuki – jej magiczna moc oczarowuje człowieka i przenosi go do innego życia, do świata stworzonego dla niego przez poetę, rzeźbiarza, śpiewaka. „Michał Anioł i Szekspir, Goya i Balzac, Rodin i Dostojewski stworzyli modele zmysłowych przyczyn, które są niemal bardziej zdumiewające niż te, które przedstawia nam życie. Dlatego nazywa się ich wielkimi mistrzami.
Obraz artystyczny jest „złotym kluczem” uruchamiającym mechanizm doświadczenia. Odtwarzając siłą swojej wyobraźni to, co jest przedstawione w dziele sztuki, widz, czytelnik, słuchacz staje się w mniejszym lub większym stopniu „współautorem” zawartego w nim artystycznego obrazu.
W sztuce „przedmiotowej” (pięknej) – malarstwie, rzeźbie, przedstawieniu dramatycznym, filmie, powieści, opowiadaniu itp. – obraz artystyczny budowany jest na podstawie obrazu, opisu pewnych zjawisk, które istnieją (lub są przedstawiane jako istniejące) ) w prawdziwy świat. Emocje wywołane w ten artystyczny sposób są dwojakie. Z jednej strony odnoszą się one do treści obrazu artystycznego i wyrażają indywidualną ocenę tych rzeczywistości (przedmiotów, przedmiotów, zjawisk rzeczywistości), które znajdują odzwierciedlenie w obrazie. Z drugiej strony odnoszą się do formy, w jakiej zawarta jest treść obrazu, wyrażają ocenę walorów artystycznych dzieła. Emocje pierwszego rodzaju to „sztucznie” wywołane uczucia, które odtwarzają doświadczenia prawdziwe wydarzenie i zjawiska. Emocje drugiego rodzaju nazywane są estetycznymi. Wiążą się z zaspokojeniem potrzeb estetycznych człowieka – potrzebą takich wartości jak piękno, harmonia, proporcjonalność. Postawa estetyczna to „emocjonalna ocena tego, jak dana treść jest zorganizowana, zbudowana, wyrażona, ucieleśniona przez formę, a nie samą treść”.
Obraz artystyczny w swej istocie jest nie tyle odbiciem zjawisk rzeczywistości, co wyrazem ich ludzkiego postrzegania, przeżyć z nimi związanych, emocjonalnego i wartościującego stosunku do nich.
Ale po co ludziom sztucznie wywołane emocje zrodzone w procesie postrzegania obrazów artystycznych? Czy nie wystarczy im doświadczeń związanych z ich prawdziwe życie? W pewnym stopniu jest to prawda. Monotonne, monotonne życie może powodować „głód emocjonalny”. I wtedy osoba odczuwa potrzebę dodatkowych źródeł emocji. Ta potrzeba skłania ich do szukania „ dreszczyk» w grze, w celowym dążeniu do ryzyka, w dobrowolnym stwarzaniu niebezpiecznych sytuacji.
Sztuka daje ludziom możliwość „dodatkowego życia” w wyimaginowanych światach obrazów artystycznych.
„Sztuka „przeniosła” człowieka w przeszłość i przyszłość, „przeniosła” go do innych krajów, pozwoliła człowiekowi „reinkarnować się” w inny, stać się na chwilę Spartakusem i Cezarem, Romeem i Makbetem, Chrystusem i Demonem, nawet Białym Kieł i brzydkie kaczątko; zmieniała dorosłego w dziecko i starca, pozwalała każdemu poczuć i poznać to, czego nigdy nie mógł pojąć i doświadczyć w swoim prawdziwym życiu.
Emocje, jakie wywołują w człowieku dzieła sztuki, nie tylko sprawiają, że jego postrzeganie obrazów artystycznych jest głębsze i bardziej ekscytujące. Jak wykazał V.M. Allahverdova, emocje są sygnałami, które przechodzą z obszaru nieświadomości do sfery świadomości. Sygnalizują, czy otrzymane informacje wzmacniają wypracowany w głębi podświadomości „model świata”, czy wręcz przeciwnie, ujawniają jego niekompletność, nieścisłość i niekonsekwencję. „Przenosząc się” w świat artystycznych obrazów i przeżywając w nim „dodatkowe życia”, człowiek ma szerokie możliwości weryfikacji i dopracowania „modelu świata”, jaki ukształtował się w jego głowie na podstawie jego wąskiej osobiste doświadczenie. Sygnały emocjonalne przebijają się przez „pas ochronny” świadomości i skłaniają człowieka do uświadomienia sobie i zmiany niezrealizowanych wcześniej postaw.
Dlatego emocje, jakie wywołuje sztuka, są zabawą ważna rola w życiu ludzi. Emocjonalne doznania „dodatkowych żyć” prowadzą do poszerzenia światopoglądu kulturowego jednostki, wzbogacenia jej doświadczeń duchowych i udoskonalenia jej „modelu świata”.
Nierzadko można usłyszeć, jak ludzie, patrząc na zdjęcie, zachwycają się jego podobieństwem do rzeczywistości („Jabłko jest jak prawdziwe!”; „Na portrecie stoi jak żywy!”). Powszechny jest pogląd, że sztuka – przynajmniej „obiektywna” – polega na umiejętności osiągania podobieństwa między obrazem a przedstawionym. Już w starożytności opinia ta stanowiła podstawę „teorii naśladownictwa” (po grecku – mimesis), według której sztuka jest imitacją rzeczywistości. Z tego punktu widzenia ideałem estetycznym powinno być maksymalne podobieństwo obrazu artystycznego do przedmiotu. W starożytnej greckiej legendzie publiczność zachwyciła artysta, który namalował krzak z jagodami tak podobnie, że ptaki gromadziły się, by się nimi pożywić. A dwa i pół tysiąca lat później podejrzewano, że Rodin osiągnął niesamowitą wiarygodność, oklejając gipsem nagiego mężczyznę, robiąc jego kopię i przedstawiając ją jako rzeźbę.
Ale obraz artystyczny, jak widać z tego, co zostało powiedziane powyżej, nie może być po prostu kopią rzeczywistości. Oczywiście pisarz czy artysta, który chce przedstawić jakiekolwiek zjawiska rzeczywistości, musi to zrobić w taki sposób, aby czytelnicy i widzowie mogli je przynajmniej rozpoznać. Ale podobieństwo do przedstawionego nie jest bynajmniej główną zaletą obrazu artystycznego.
Goethe powiedział kiedyś, że jeśli artysta rysuje pudla w bardzo podobny sposób, to można się cieszyć z pojawienia się innego psa, ale nie dzieła sztuki. I Gorky o jednym ze swoich portretów, który się różnił dokładność fotograficzna, ująć to w ten sposób: „To nie jest mój portret. To jest portret mojej skóry. "Fotografie, odlewy dłoni i twarzy, figury woskowe zaprojektowane tak, aby jak najdokładniej kopiować oryginały.
Jednak dokładność nie czyni z nich dzieł sztuki. Co więcej, emocjonalny i wartościujący charakter obrazu artystycznego, jak już wykazano, implikuje odwrót od beznamiętnej obiektywności w przedstawianiu rzeczywistości.
Obrazy artystyczne to mentalne modele zjawisk, a podobieństwo modelu do przedmiotu, który reprodukuje, jest zawsze względne: każdy model musi różnić się od oryginału, inaczej byłby tylko drugim oryginałem, a nie modelem. „Artystyczne eksplorowanie rzeczywistości nie udaje samej rzeczywistości – to odróżnia sztukę od iluzjonistycznych sztuczek mających oszukać wzrok i słuch”.
Postrzegając dzieło sztuki, niejako „ujmujemy w nawias fakt, że obraz artystyczny, jaki ono niesie, nie pokrywa się z oryginałem. Akceptujemy obraz tak, jakby był ucieleśnieniem rzeczywistego obiektu, „zaaranżowany” tak, by ignorować jego „fałszywy charakter”. Taka jest konwencja artystyczna.
Konwencja artystyczna to świadomie przyjęte założenie, zgodnie z którym „fałszywa”, stworzona przez sztukę przyczyna doznań staje się zdolna do wywoływania doznań „jak prawdziwe”, choć jednocześnie mamy świadomość, że mają one sztuczne pochodzenie. „Będę ronić łzy nad fikcją” - tak Puszkin określił efekt konwencja artystyczna.
Kiedy dzieło sztuki budzi w człowieku pewne emocje, nie tylko je przeżywa, ale także rozumie ich sztuczne pochodzenie. Zrozumienie ich sztucznego pochodzenia przyczynia się do tego, że odnajdują odprężenie w swoich myślach. Pozwoliło to L. S. Wygotski powiedział: „Emocje sztuki to emocje inteligentne”. Związek ze zrozumieniem i refleksją odróżnia emocje artystyczne od emocji wywołanych realnymi okolicznościami życiowymi.
V. Nabokov w swoich wykładach o literaturze mówi: „W rzeczywistości cała literatura jest fikcją. Każda sztuka jest oszustwem... Świat każdego wielkiego pisarza jest światem fantazji z własną logiką, z własnymi konwencjami...” . Artysta nas oszukuje, a my dobrowolnie jesteśmy oszukiwani. Według wyrażenia francuski filozof i pisarz J.-P. Sartre, poeta kłamie, aby powiedzieć prawdę, czyli wzbudzić szczere, zgodne z prawdą przeżycie. Wybitny reżyser A. Tairow powiedział żartobliwie, że teatr to kłamstwo wbudowane w system: „Bilet, który kupuje widz, to symboliczna zgoda na oszustwo: teatr zobowiązuje się oszukać widza; widz, prawdziwy dobry widz, zobowiązuje się ulec zwiedzeniu i dać się oszukać... Ale oszukiwanie sztuki - staje się prawdą dzięki autentyczności ludzkich uczuć.
istnieje różne rodzaje konwencje artystyczne, w tym:
„oznaczający” – oddziela dzieło sztuki od środowisko. Temu zadaniu służą warunki, które określają obszar percepcji artystycznej – scena teatru, cokół rzeźby, rama obrazu;
„kompensujący” – wprowadza w kontekst obrazu artystycznego ideę jego elementów, które nie są ukazane w dziele sztuki. Ponieważ obraz nie pasuje do oryginału, jego odbiór zawsze wymaga domysłu w wyobraźni, czego artysta nie mógł pokazać lub celowo przemilczał.
Taka jest na przykład konwencja czasoprzestrzenna w malarstwie. Percepcja obrazu zakłada, że widz reprezentuje mentalnie trzeci wymiar, który warunkowo wyraża perspektywę na płaszczyźnie, rysuje w umyśle drzewo odcięte granicą płótna, wprowadza w statyczny obraz upływ czasu i, odpowiednio tymczasowe zmiany, które są przekazywane na obrazie za pomocą niektórych funduszy warunkowych;
„akcentujący” - podkreśla, uwydatnia, wyolbrzymia istotne emocjonalnie elementy obrazu artystycznego.
Malarze często osiągają to poprzez wyolbrzymianie wielkości obiektu. Modigliani maluje kobiety o nienaturalnie dużych oczach, które wystają poza twarz. Na obrazie Surikowa „Mieńszykow w Berezowie” niewiarygodnie wielka postać Mienszykowa stwarza wrażenie skali i potęgi tej postaci, która była „prawą ręką” Piotra;
„uzupełnianie” – powiększanie zestawu symbolicznych środków języka artystycznego. Ten rodzaj umowności jest szczególnie ważny w sztuce „nieobiektywnej”, gdzie obraz artystyczny powstaje bez odwoływania się do obrazu jakichkolwiek przedmiotów. Niemalarskie środki znakowe czasem nie wystarczają do zbudowania artystycznego wizerunku, a „dopełnienie” umowności poszerza ich krąg.
Tak w balet klasyczny ruchy i postawy, naturalnie kojarzone z przeżyciami emocjonalnymi, są uzupełniane warunkowymi symbolicznymi środkami wyrażania określonych uczuć i stanów. W muzyce tego rodzaju dodatkowymi środkami są np. rytmy i melodie, które nadają narodowego posmaku lub przypominają o wydarzeniach historycznych.
Symbol reprezentuje specjalny rodzaj znak. Użycie dowolnego znaku jako symbolu pozwala nam, poprzez obraz konkretnej, pojedynczej rzeczy ( wygląd symbol), aby przekazać myśli o charakterze ogólnym i abstrakcyjnym (głębokie znaczenie symbolu).
Zwrócenie się ku symbolom otwiera przed sztuką szerokie możliwości. Za ich pomocą dzieło sztuki może zostać wypełnione treściami ideologicznymi, które znacznie wykraczają poza te treści konkretne sytuacje i wydarzenia, które są w nim bezpośrednio przedstawione. Dlatego sztuka jako wtórny system modelowania szeroko posługuje się różnorodną symboliką. W językach sztuki środki znakowe są używane nie tylko w ich bezpośrednim znaczeniu, ale także w celu „zakodowania” głębokich, „wtórnych” znaczeń symbolicznych.
Z semiotycznego punktu widzenia obraz artystyczny to tekst, który zawiera estetycznie zaprojektowaną, bogatą emocjonalnie informację. Poprzez użycie języka symbolicznego informacje te prezentowane są na dwóch poziomach. Na pierwszym wyraża się bezpośrednio w zmysłowo postrzeganej „tkaninie” obrazu artystycznego – w przebraniu konkretne osoby, akcje, pozycje wyświetlane w ten sposób. Po drugie, należy go uzyskać poprzez penetrację znaczenie symboliczne obraz artystyczny, poprzez mentalną interpretację jego ideologicznej treści. Dlatego obraz artystyczny niesie ze sobą nie tylko emocje, ale także myśli. O oddziaływaniu emocjonalnym obrazu artystycznego decyduje wrażenie, że zarówno informacje, które otrzymujemy na poziomie pierwszym, poprzez postrzeganie opisu konkretnych zjawisk bezpośrednio nam przekazanych, jak i te, które wychwytujemy na poziomie drugim poprzez interpretację symboliki obrazu, mamy na sobie. Oczywiście zrozumienie symboliki wymaga dodatkowego wysiłku intelektualnego. Ale z drugiej strony znacznie wzmacnia to emocjonalne wrażenie, jakie wywierają na nas obrazy artystyczne.
Najwięcej może mieć treść symboliczna obrazów artystycznych inny charakter. Ale zawsze jest w jakimś stopniu obecny. Dlatego obraz artystyczny nie ogranicza się do tego, co jest na nim przedstawione. Zawsze „mówi” nam nie tylko o tym, ale też o czymś innym, co wykracza poza konkretny, widoczny i słyszalny przedmiot, który reprezentuje.
W rosyjskiej bajce Baba-Jaga to nie tylko brzydka stara kobieta, ale także symboliczny obraz smierci. Bizantyjska kopuła kościoła to nie tylko architektoniczna forma dachu, ale symbol sklepienia nieba. Płaszcz Gogola Akaki Akakievich to nie tylko ubranie, ale symboliczny obraz daremności marzeń biednego człowieka o lepszym życiu.
Symbolika obrazu artystycznego może opierać się, po pierwsze, na prawach ludzkiej psychiki.
Zatem postrzeganie koloru przez ludzi ma modalność emocjonalną związaną z warunkami, w jakich ten inny kolor jest zwykle obserwowany w praktyce. Kolor czerwony - kolor krwi, ognia, dojrzałych owoców - wzbudza poczucie zagrożenia, aktywność, pociąg erotyczny, pragnienie błogosławieństw życiowych. Zielony - kolor trawy, liści - symbolizuje wzrost witalność, ochrona, niezawodność, spokój ducha. Czerń jest postrzegana jako brak żywe koloryżycia, przypomina ciemność, tajemnicę, cierpienie, śmierć. Ciemny karmazyn - mieszanka czerni i czerwieni - przywołuje ciężki, ponury nastrój.
Badacze percepcji kolorów, przy pewnych różnicach w interpretacji poszczególnych kolorów, na ogół dochodzą do podobnych wniosków co do ich psychologicznego wpływu. Według Freelinga i Auera kolory charakteryzują się w następujący sposób.
Po drugie, obraz artystyczny można budować na symbolice, która historycznie rozwinęła się w kulturze.
Z biegiem historii okazało się, że zielony kolor stał się kolorem sztandaru islamu i artyści europejscy, przedstawiające zielonkawą mgiełkę za Saracenami przeciwstawiającymi się krzyżowcom, symbolicznie wskazują na leżący w oddali świat muzułmański. W chiński obraz zielony symbolizuje wiosnę, a in tradycja chrześcijańska bywa symbolem głupoty i grzeszności (szwedzki mistyk Swedenberg mówi, że głupcy w piekle mają zielone oczy; jeden z witraży katedry w Chartres przedstawia zielonoskórego i zielonookiego szatana).
Inny przykład. Piszemy od lewej do prawej, a ruch w tym kierunku wydaje się normalny. Kiedy Surikow przedstawia szlachciankę Morozową jadącą na saniach od prawej do lewej, jej ruch w tym kierunku symbolizuje protest przeciwko przyjętym postawom społecznym. Jednak na mapie po lewej stronie jest Zachód, po prawej Wschód. Dlatego w filmach o Wojna Ojczyźniana zwykle wróg atakuje z lewej strony i wojska sowieckie- po prawej.
Po trzecie, tworząc obraz artystyczny, autor może nadać mu znaczenie symboliczne, opierając się na własnych skojarzeniach, które czasem nieoczekiwanie rzucają światło na znajome rzeczy z nowej perspektywy.
Opis styku przewodów elektrycznych zamienia się tu w filozoficzną refleksję nad syntezą (a nie tylko „przeplataniem się”!) przeciwieństw, nad martwym współistnieniem (jak dzieje się w życie rodzinne bez miłości) i błysk życia w chwili śmierci. Obrazy artystyczne zrodzone ze sztuki często stają się powszechnie akceptowane symbole kulturowe, rodzaj standardów oceny zjawisk rzeczywistości. Tytuł książki Gogola Dead Souls jest symboliczny. Maniłow i Sobakiewicz, Plyushkin i Korobochka - to wszystko ” martwe dusze". Symbole stali Puszkinskaja Tatiana, Czacki Gribojedowa, Famusow, Mołczalin, Obłomow i Obłomowizm Goncharowa, Judasz Gołowlew w Sołtykowie-Szczedrinie, Iwan Denisowicz Sołżenicyna i wielu innych bohaterów literackich. Bez znajomości symboli, które weszły do kultury ze sztuki przeszłości, często trudno jest zrozumieć treść dzieła współczesne sztuka. Sztuka na wskroś przesiąknięta jest skojarzeniami historycznymi i kulturowymi, a dla tych, którzy ich nie zauważają, symbolika obrazów artystycznych jest często niedostępna.
Symbolikę obrazu artystycznego można tworzyć i uchwycić zarówno na poziomie świadomości, jak i podświadomie, „intuicyjnie”. Jednak w każdym przypadku należy to zrozumieć. A to oznacza, że odbiór obrazu artystycznego nie ogranicza się do przeżycia emocjonalnego, ale wymaga zrozumienia, refleksji. Co więcej, włączenie intelektu do pracy podczas percepcji obrazu artystycznego wzmacnia i rozszerza efekt tkwiącego w nim ładunku emocjonalnego. Emocje artystyczne, których doświadcza osoba rozumiejąca sztukę, są emocjami organicznie związanymi z myśleniem. Tutaj, w jeszcze innym aspekcie, słuszna jest teza Wygotskiego: „emocje sztuki są emocjami inteligentnymi”.
Dodać jeszcze należy, że w dzieła literackie treści ideologiczne wyraża się nie tylko w symbolice artystycznych obrazów, ale także bezpośrednio w ustach bohaterów, w komentarzach autora, czasem rozrastających się do całych rozdziałów o charakterze naukowym i refleksje filozoficzne(Tołstoj w Wojnie i pokoju, T. Mann w Czarodziejskiej górze). To dodatkowo wskazuje, że percepcji artystycznej nie można sprowadzić wyłącznie do oddziaływania na sferę emocji. Sztuka wymaga zarówno od twórców, jak i odbiorców ich twórczości nie tylko przeżyć emocjonalnych, ale także wysiłku intelektualnego.
Każdy znak, ponieważ jego znaczenie może być dowolnie ustalane przez osobę, może być nośnikiem różne wartości. Dotyczy to również znaków słownych - słów. Jak wykazał V.M. Allahverdov, „niemożliwe jest wymienienie wszystkich możliwych znaczeń słowa, ponieważ znaczenie tego słowa, jak każdego innego znaku, może być dowolne. Wybór znaczenia zależy od świadomości odbierającej to słowo. Ale „arbitralność relacji znak-wartość nie oznacza nieprzewidywalności. Znaczenie raz nadane danemu znakowi musi być stale nadawane temu znakowi, jeśli zachowany jest kontekst jego pojawienia się. Zatem kontekst, w jakim jest używany, pomaga nam zrozumieć, co oznacza znak.
Kiedy chcemy przekazać innym wiedzę na dany temat, staramy się, aby treść naszego przekazu była jednoznaczna. W nauce w tym celu wprowadza się ścisłe zasady, które określają znaczenie używanych pojęć i warunki ich stosowania. Kontekst nie pozwala na wyjście poza te zasady. Rozumie się, że wniosek opiera się wyłącznie na logice, a nie na emocjach. Jakakolwiek strona, nieokreślone definicje, odcienie znaczeniowe są wyłączone z rozważań. Podręcznik do geometrii czy chemii powinien przedstawiać fakty, hipotezy i wnioski w taki sposób, aby wszyscy studiujący go studenci jednoznacznie iw pełnej zgodzie z intencją autora odebrali jego treść. Inaczej mamy zły podręcznik. Inaczej jest w przypadku art. Tutaj, jak już wspomniano, główne zadanie nie jest przekazywaniem informacji o jakichś przedmiotach, ale oddziaływaniem na uczucia, wzbudzaniem emocji, dlatego artysta szuka środków ikonicznych, które są w tym zakresie skuteczne. Bawi się tymi środkami, łącząc te nieuchwytne, asocjacyjne odcienie ich znaczenia, które pozostają poza ścisłymi definicjami logicznymi i do których nie można odnieść się w kontekście. dowód naukowy. Aby obraz artystyczny robił wrażenie, wzbudzał zainteresowanie, budził doznania, buduje się go za pomocą niestandardowych opisów, nieoczekiwanych porównań, barwnych metafor i alegorii.
Ale ludzie są różni. Mają różne doświadczenia życiowe, różne zdolności, upodobania, pragnienia, nastroje. Pisarz odbiera środki wyrazu do stworzenia obrazu artystycznego, wywodzi się z jego wyobrażeń o sile i charakterze ich oddziaływania na czytelnika. Posługuje się nimi i ocenia je w świetle swoich poglądów w określonym kontekście kulturowym. Kontekst ten wiąże się z epoką, w której żyje pisarz problemy społeczne które ekscytują ludzi w tej epoce, z orientacją zainteresowań i poziomem wykształcenia społeczeństwa, do którego autor się zwraca. A czytelnik postrzega te środki w swoim kontekście kulturowym. Różni czytelnicy, w oparciu o ich kontekst i tylko ich indywidualne cechy, mogą zobaczyć obraz stworzony przez pisarza na swój własny sposób.
W dzisiejszych czasach ludzie podziwiają malowidła naskalne zwierzęta wykonane rękami bezimiennych artystów epoki kamienia, ale patrząc na nie, widzą i doświadczają czegoś zupełnie innego niż to, co widzieli i przeżyli nasi dalecy przodkowie. Niewierzący może podziwiać Trójcę Rublowa, ale postrzega tę ikonę inaczej niż wierzący, co nie oznacza, że jego postrzeganie ikony jest błędne.
Jeśli obraz artystyczny wywoła w czytelniku dokładnie te przeżycia, które autor chciał wyrazić, on (czytelnik) dozna empatii.
Nie oznacza to, że doświadczenia i interpretacje obrazów artystycznych są całkowicie dowolne i mogą być dowolne. Powstają przecież na podstawie obrazu, z niego wypływają, a ich charakter określa ten obraz. Warunek ten nie jest jednak jednoznaczny. Relacja między obrazem artystycznym a jego interpretacjami jest taka sama, jak między przyczyną a jej skutkami: jedna i ta sama przyczyna może wywołać wiele skutków, ale nie żadnych, ale tylko z niej wynikających.
Znane są różne interpretacje obrazów Don Juana, Hamleta, Chatsky'ego, Obłomowa i wielu innych. bohaterowie literaccy. W powieści L. Tołstoja „Anna Karenina” obrazy głównych bohaterów są opisane z niesamowitą jasnością. Tołstoj, jak nikt inny, wie, jak przedstawić czytelnikowi swoje postacie w taki sposób, aby stały się niejako jego bliskimi znajomymi. Wydawałoby się, że pojawienie się Anny Arkadjewnej i jej męża Aleksieja Aleksandrowicza, ich duchowego świata, jest nam objawione do głębi. Jednak czytelnicy mogą mieć do nich różny stosunek (a w powieści ludzie traktują ich inaczej). Niektórzy aprobują zachowanie Kareniny, inni uważają je za niemoralne. Niektórzy ludzie absolutnie nie lubią Karenina, podczas gdy inni postrzegają go jako wyjątkowo godna osoba. Sam Tołstoj, sądząc po motcie powieści („Zemsta jest moja i odpłacę”), jakby potępiał swoją bohaterkę i sugeruje, że ponosi ona sprawiedliwą karę za swój grzech. Ale jednocześnie w gruncie rzeczy całym podtekstem powieści budzi dla niej współczucie. Co jest ważniejsze: prawo do miłości czy obowiązek małżeński? W powieści nie ma jednej odpowiedzi. Można sympatyzować z Anną i obwiniać jej męża lub odwrotnie. Wybór należy do czytelnika. A pole wyboru nie ogranicza się tylko do dwóch skrajnych opcji - być może niezliczonej liczby opcji pośrednich.
Tak więc każdy pełnoprawny obraz artystyczny jest polisemantyczny w tym sensie, że dopuszcza istnienie wielu różnych interpretacji. Są niejako potencjalnie w nim osadzone i postrzegane wraz z nim ujawniają jego treść różne punkty wizja i w różnych konteksty kulturowe. Nie empatia, ale współtworzenie – to jest potrzebne do zrozumienia sensu dzieła sztuki, a ponadto zrozumienia związanego z osobistym, subiektywnym, indywidualnym postrzeganiem i przeżywaniem artystycznych obrazów zawartych w dziele.
Konkurencyjna praca
Nikulina Irina Dmitriewna
uczniowie klasy 6
MOU - Gimnazjum nr 1
Kierunek: „Sztuka jest mediatorem tego, czego nie da się wyrazić”
Temat eseju: magiczna siła sztuka"
Gatunek pisarski: esej.
Nauczyciel Gladkova N.V.
Klin
rok akademicki 2017-2018 rok
Jak mierzyć wpływ siły sztuki?
Bez Corota i Beethovena byłoby pusto
Bez Szekspira i Puszkina - nie do zniesienia,
nudny, smutny, przygnębiający.
Jak pomyśleliby ludzie?
Gdzie byś się spieszył
odeszło westchnienie dzieciństwa,
gdzie drzewa są „…duże”.
I sami by to zrobili
nie mogliśmy zobaczyć.
Dzień minąłby gładko.
zwyczajny, zwyczajny...
I nikt by nie drgnął
nie martw się
nie ma o czym dyskutować
nie włączył się.... Y. Kiprijanow.
Rzeczywiście, dzieła sztuki mają niesamowita siła. Dużo dobrego życia w człowieku, a literatura, muzyka, malarstwo mogą nam pomóc w ujawnieniu tego dobra...
O uczuciach, jakie budziła w nim muzyka, pisał A. Kolcow:
Ile dźwięków, ile pieśni Narodziło się we mnie na nowo. Ile cudownych obrazów
Zmartwychwstały na niebie!
Uszczęśliwiały go emocje, jakich doświadczał poeta: „Uwielbiam żyć na ziemi!”
Podobnie stało się z bohaterami opowiadania L. N. Tołstoja. Główny bohater działa „Albert” - muzyk. Wchodząc do pokoju robi nieprzyjemne wrażenie na obecnych. Rozczochrane włosy, brudna koszula, skręcony krawat – Albert wydaje się dziwny, żałosny. Ale teraz zaczyna grać na skrzypcach:
„Dźwięki tematu płynęły swobodnie, z wdziękiem po pierwszym, z niespodziewanie czystym i kojącym światłem, nagle oświetlając wewnętrzny świat każdego słuchacza”. Swoim występem „nieszczęsne stworzenie” obudziło w gościach restauracji uczucie „cichej kontemplacji przeszłości, namiętnego wspomnienia czegoś szczęśliwego…” i wydawało się, że „jakiś piękny nurt dawnej poezji, wyrażający po raz pierwszy wlewała się w duszę każdego”. A sam Albert w oczach innych rósł coraz wyżej.
Prawdziwa sztuka jest w stanie nie tylko przekazać myśli i uczucia ludzi, ale uczynić je lepszymi i czystszymi.
A w sztuce tkwi wielka tajemnica, którą kiedyś zauważył A. Einstein: „Najpiękniejszą rzeczą, jakiej możemy doświadczyć w życiu, jest tajemnica. Jest źródłem wszelkiej prawdziwej sztuki lub nauki”.
Od wielu lat twarz Mony Lisy Leonarda da Vinci niesie ze sobą tajemnicę. Portret przedstawia młodą kobietę, niezbyt piękną. Ale kiedy patrzysz na jej ręce, złożone w spokoju, na promienie miłe oczy, do delikatnego półuśmiechu - czujesz niesamowite ciepło. Wydaje mi się, zły człowiek, z pustym sercem, nie może odczuwać takich uczuć. Gioconda przypomina mi Madonnę z ikony: to samo światło, czystość. Poczuł to Mały Tomek z opowiadania R. Bradbury'ego. Historia „Smile” opowiada o strasznej przyszłości. Oto, jak może wyglądać nasz świat, jeśli sztuka i kultura go opuszczą: ludzie w odległym roku 2061 niszczą wszystko z nienawiści do cywilizacji: palą książki, rozbijają ostatni samochód. Człowiek nienawidzi tego, „że jego życie go złamało. Tak to jest zrobione”. A teraz kolejka - do Mona Lisy..
Mówiono, że kiedyś przywieziono arcydzieło Leonarda do Moskwy i ludzie stali całą noc w kolejce, by popatrzeć na uśmiechniętą Madonnę, by podziwiać kunszt wielkiego artysty. A na tym świecie ludzie nie chcą czuć piękna Giocondy, tylko na nią pluć… Ich serca stwardniały, dobre uczucia zamieniły się w kamień.
Ale w tłumie człowiek z duszą wyraża nadzieję, że pojawi się ktoś, kogo „dusza tkwi w pięknie”. A tym mężczyzną jest chłopiec Tom.
Kiedy dziecko zobaczyło Mona Lisę, wykrzyknął:
Jaka ona jest piękna!
„Kobieta na zdjęciu uśmiechnęła się tajemniczo smutno, a Tom, odpowiadając na jej spojrzenie, poczuł, jak bije mu serce, aw uszach rozbrzmiewała mu muzyka”.
A potem portret dano rozerwać na kawałki. Chłopiec próbuje uratować płótno, ale zabiera mu tylko jeden fragment – Uśmiech. „Zamknął oczy i znowu w ciemności nocy przed nim – Uśmiech. Czuły, miły” Tom wierzy, że prawdziwa sztuka może ocalić ludzkość. A uśmiech jest dla niego symbolem wszystkiego, co piękne.
Musimy zachować naszą kulturę, abyśmy mogli „zobaczyć siebie” i pozostać ludźmi.
Piękno musi ocalić świat, a my musimy ocalić piękno.
Im silniejszy i czystszy jest człowiek,
Szczególnie w świecie piękna.
A to piękno jest bez dna
I będzie rosła bez ograniczeń.
(410 słów) Czym jest sztuka? To właśnie porusza duszę. Może poruszyć nawet najbardziej bezduszne i skamieniałe serca. Twórczość wnosi piękno w życie ludzi i umożliwia obcowanie z nim poprzez muzykę, malarstwo, architekturę, literaturę... Wielka siła sztuki kieruje nas ku dobru i światłu, zaszczepiając w naszej świadomości nadzieję i poczucie znaczenia ten świat. Czasami tylko przez nią możemy wyrazić całą radość lub ból, rozpacz lub szczęście. Aby uzasadnić moje twierdzenia, przytoczę przykłady z książek.
W opowiadaniu A. P. „Skrzypce Rotszylda” Czechowa » główna postać stracił żonę i ledwo przeżył. To wydarzenie wybiło go z rutyny codzienności. W pewnym momencie uświadomił sobie, jak bezsensowna jest cała jego egzystencja, wypełniona codziennością, gromadzeniem i rutyną. Pod wpływem tych emocji gra na skrzypcach, wylewając w dźwiękach muzyki całą swoją duszę i wszystkie smutki. Wtedy Żyd o imieniu Rothschild usłyszał jego melodię, a ona nie zostawiła go na boku. Poszedł na wezwanie kreatywności. Nigdy dotąd w całym swoim życiu Jakow Matwiejewicz nie litował się nad nikim, nawet nad osobą, która wcześniej budziła w nim tylko pogardę. A on, niegdyś chciwy i samolubny, oddał Rothschildowi swój instrument wraz z całą swoją muzyką – niesamowite dzieło sztuki. Te skrzypce i muzyka Jacoba dały Rothschildowi sławę, uznanie i szansę na to nowe życie. W ten sposób moc kreatywności pomogła ludziom odkryć w sobie pozytywne strony, znaleźć wzajemne zrozumienie, a nawet pomóc niektórym z nich odmienić ich los.
W pracy I.S. Turgieniewa „Śpiewaków” możemy również znaleźć ciekawy przykład. Autor poświęcił historię narodowi rosyjskiemu i jego stosunkowi do sztuki, bo sam wiedział co Sztuka ludowa i rosyjska dusza. W tym utworze pokazuje nam, jak potężna może być moc muzyki i jak głęboko piosenka może poruszyć ludzkie serca. Podczas występu Jakowa, którego łamany głos przepełniony był głęboką zmysłowością, słuchając jego piosenki ludzie płakali. Autor, starając się przekazać wszystkie swoje emocje i uczucia z tego, co usłyszał i zobaczył, powiedział, że bardzo długo tej nocy nie mógł zmrużyć oka, bo w uszach ciągle płynęła mu piękna pieśń Jakowa. Oznacza to, że moc sztuki może wpływać na uczucia ludzi i kontrolować je, oczyszczając i uwznioślając duszę.
Sztuka jest dla każdego. Dla niegrzecznych i bezdusznych, dla miłych i wrażliwych, dla biednych i bogatych. Kimkolwiek jest człowiek, bez względu na to, jaką jest osobowością, Wielka moc twórczość zawsze będzie go skłaniać do cudownych czynów, zasiewać poczucie piękna w jego duszy, ucieleśniać prawdziwe cuda. Oczyszczająca i podnosząca na duchu energia sztuki daje nam możliwość prawidłowego życia - zgodnie z prawami dobra i piękna.
