- jest to jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych; reprezentuje obraz artystyczny obiektywny świat kolorowe farby na powierzchni. Malarstwo dzielimy na: sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

- reprezentowane głównie przez wykonane prace farby olejne na płótnie (tektura, deska lub gołe). Jest to najpopularniejszy rodzaj malarstwa. To właśnie ten typ jest zwykle stosowany w odniesieniu do terminu „ obraz".

to technika malowania na ścianach przy dekorowaniu budynków i elementów architektonicznych w budynkach. Szczególnie powszechne w Europie fresk - malarstwo monumentalne na mokrym tynku farbami wodorozcieńczalnymi. Ta technika rysowania jest dobrze znana od starożytności. Później technikę tę wykorzystano przy projektowaniu wielu chrześcijańskich kościołów religijnych i ich sklepień.

Malarstwo dekoracyjne - (od łacińskiego słowa Decoro - dekorować) to sposób rysowania i nanoszenia obrazów na przedmioty i detale wnętrz, ściany, meble i inne elementy dekoracyjne. Nawiązuje do sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Możliwości Sztuka obrazowa Szczególnie wyraźnie ujawnia się malarstwo sztalugowe z XV w., pochodzące z czasów masowego stosowania farb olejnych. To w nim dostępna jest szczególna różnorodność treści i głęboko rozwinięta forma. Podstawą malarskich środków artystycznych są kolory (możliwości farb), nierozerwalnie związane ze światłocieniem i linią; kolor i światłocień są opracowywane i rozwijane za pomocą technik malarskich o kompletności i jasności niedostępnej dla innych rodzajów sztuki. Od tego zależy doskonałość modelowania wolumetrycznego i przestrzennego, właściwa malarstwu realistycznemu, żywe i dokładne oddanie rzeczywistości, możliwość realizacji wymyślonych przez artystę wątków (i sposobów konstruowania kompozycji) oraz inne walory wizualne.

Kolejną różnicą w różnicach między rodzajami malarstwa jest technika wykonania w zależności od rodzaju farb. Nie zawsze wystarczy wspólne cechy do ustalenia. Granica malarstwa i grafiki w każdym indywidualnym przypadku: np. prace wykonane akwarelą lub pastelami mogą należeć do obu dziedzin, w zależności od podejścia artysty i postawionych przez niego zadań. Choć rysunki na papierze kojarzą się z grafiką, to zastosowanie różne techniki Malarstwo czasami zaciera różnice pomiędzy malarstwem a grafiką.

Należy wziąć pod uwagę, że sam termin semantyczny „malarstwo” jest słowem w języku rosyjskim. Został on przyjęty jako termin podczas tworzenia się sztuk pięknych w Rosji w epoce baroku. Użycie słowa „malarstwo” odnosiło się wówczas tylko do pewnego rodzaju malarstwa realistycznego. Ale pierwotnie wywodzi się z kościelnej techniki malowania ikon, która używa słowa „pisać” (związanego z pisaniem), ponieważ słowo to jest tłumaczeniem znaczenia w tekstach greckich (te „zaginęły w tłumaczeniu”). Rozwój w Rosji własnej szkoły artystycznej i dziedziczenie europejskiej wiedzy akademickiej w dziedzinie sztuki rozszerzyło zakres rosyjskiego słowa „malarstwo”, wpisując je w terminologię pedagogiczną i język literacki. Ale w języku rosyjskim ukształtowała się osobliwość znaczenia czasownika „pisać” w odniesieniu do pisania i rysowania obrazów.

Gatunki malarstwa

W trakcie rozwoju sztuk pięknych powstało kilka klasycznych gatunków malarstwa, które nabyły swoje własne cechy i zasady.

Portret to realistyczne przedstawienie osoby, w którym artysta stara się osiągnąć podobieństwo do oryginału. Jeden z najpopularniejszych gatunków malarstwa. Większość klientów wykorzystywała talent artystów do utrwalenia własnego wizerunku lub chcąc uzyskać wizerunek bliskiej osoby, krewnego itp. Klienci starali się uzyskać podobiznę portretu (a nawet go upiększyć), pozostawiając wizualne ucieleśnienie w historii. Portrety w różnych stylach są najpopularniejszą częścią ekspozycji większości muzeów sztuki i kolekcji prywatnych. Ten gatunek obejmuje taki rodzaj portretu jak autoportret - wizerunek samego artysty, namalowany przez niego samego.

Sceneria- jeden z popularnych gatunków malarstwa, w którym artysta stara się przedstawić naturę, jej piękno lub osobliwość. Różne rodzaje przyrody (nastrój pory roku i pogoda) wywierają silny wpływ emocjonalny na każdego widza - to cecha psychologiczna osoba. Chęć uzyskania emocjonalnego wrażenia z krajobrazów uczyniła ten gatunek jednym z najpopularniejszych w twórczości artystycznej.

- gatunek ten pod wieloma względami przypomina pejzaż, ma jednak kluczową cechę: obrazy przedstawiają pejzaże z udziałem obiektów architektonicznych, budynków czy miast. Szczególny nacisk położono na widoki ulic miast, które oddają atmosferę miejsca. Innym kierunkiem tego gatunku jest ukazanie piękna architektury konkretnego budynku - jego wyglądu lub wizerunków jego wnętrz.

- gatunek, w którym głównym tematem obrazów jest wydarzenie historyczne lub jego interpretacja przez artystę. Co ciekawe, ogromna liczba obrazów należy do tego gatunku. motyw biblijny. Ponieważ w średniowieczu sceny biblijne uważano za wydarzenia „historyczne”, a głównymi odbiorcami tych obrazów był kościół. Tematyka biblijna „historyczna” jest obecna w twórczości większości artystów. Drugie narodziny malarstwa historycznego mają miejsce w okresie neoklasycyzmu, kiedy artyści zwracają się ku sławie tematy historyczne, wydarzenia ze starożytności czy legendy narodowe.

- odzwierciedla sceny wojen i bitew. Osobliwością jest nie tylko chęć odzwierciedlenia wydarzenia historycznego, ale także przekazanie widzowi emocjonalnego wzniesienia wyczynu i bohaterstwa. Następnie gatunek ten staje się również polityczny, pozwalając artyście przekazać widzowi swój pogląd (swoją postawę) na to, co się dzieje. Podobny efekt nacisku politycznego i siły talentu artysty widzimy w twórczości V. Vereshchagina.

to gatunek malarstwa z kompozycjami z obiekty nieożywione, używając kwiatów, produktów, naczyń. Gatunek ten jest jednym z najnowszych i powstał w holenderskiej szkole malarstwa. Być może jego pojawienie się wynika ze specyfiki szkoły holenderskiej. Rozkwit gospodarczy XVII wieku w Holandii doprowadził do pragnienia niedrogiego luksusu (obrazów) wśród znacznej liczby ludności. Sytuacja ta przyciągnęła do Holandii dużą liczbę artystów, powodując między nimi ostrą konkurencję. Modelki i warsztaty (ludzie w odpowiednich strojach) nie były dostępne dla biednych artystów. Malując obrazy na sprzedaż, komponowali obrazy za pomocą improwizowanych środków (przedmiotów). Ta sytuacja w historii szkoły holenderskiej stała się przyczyną rozwoju malarstwa gatunkowego.

Malarstwo rodzajowe — tematem obrazów są sceny z życia codziennego lub święta, zwykle z udziałem zwykłych ludzi. Podobnie jak martwa natura, rozpowszechniła się wśród artystów holenderskich w XVII wieku. W okresie romantyzmu i neoklasycyzmu gatunek ten nabiera nowych narodzin; obrazy starają się nie tyle odzwierciedlać życie codzienne, ile je romantyzować, wprowadzać do fabuły pewne znaczenie lub moralność.

przystań- rodzaj krajobrazu przedstawiający widoki na morze, krajobrazy przybrzeżne z widokiem na morze, wschody i zachody słońca na morzu, statki, a nawet bitwy morskie. Chociaż jest też osobny gatunek bitewny, ale bitwy morskie nadal należą do gatunku „marina”. Rozwój i popularyzację tego gatunku można przypisać także szkole holenderskiej XVII wieku. Był popularny w Rosji dzięki twórczości Aiwazowskiego.

— cechą tego gatunku jest tworzenie realistycznych obrazów przedstawiających piękno zwierząt i ptaków. Jedną z ciekawych cech tego gatunku jest obecność obrazów przedstawiających nieistniejące lub mityczne zwierzęta. Nazywani są artyści specjalizujący się w wizerunkach zwierząt zwierzęcy.

Historia malarstwa

Potrzebujesz realistyczny obraz istniał od czasów starożytnych, ale miał wiele wad wynikających z braku technologii, usystematyzowanej szkoły i edukacji. W czasach starożytnych częściej można znaleźć przykłady zastosowań i monumentalne malarstwo z techniką malowania na tynku. W starożytności większą wagę przywiązywano do talentu wykonawcy, artyści mieli ograniczoną technologię wytwarzania farb i możliwość systematycznego kształcenia. Ale już w starożytności ukształtowała się specjalistyczna wiedza i dzieła (Witruwiusz), które będą podstawą nowego rozkwitu sztuki europejskiej w okresie renesansu. Malarstwo dekoracyjne znacznie rozwinęło się w okresie starożytności greckiej i rzymskiej (szkoła zanikła w średniowieczu), której poziom osiągnął dopiero po XV wieku.

Malowanie fresku rzymskiego (Pompeje, I w. p.n.e.), przykład poziomu technologii malarstwa starożytnego:

„Ciemne wieki” średniowiecza, wojownicze chrześcijaństwo i inkwizycja doprowadziły do ​​zakazów studiowania dziedzictwa artystycznego starożytności. Zakazane jest ogromne doświadczenie starożytnych mistrzów, wiedza z zakresu proporcji, kompozycji, architektury i rzeźby, a wiele artystycznych skarbów ulega zniszczeniu z powodu ich oddania starożytnym bóstwom. Powrót do wartości sztuki i nauki w Europie następuje dopiero w okresie renesansu (odrodzenia).

Dla artystów wczesny renesans(odrodzenie) musimy nadrobić i ożywić dorobek i poziom artystów starożytnych. To, co podziwiamy w twórczości artystów wczesnego renesansu, to poziom mistrzów rzymskich. Wyraźny przykład utraty kilkusetletniego rozwoju sztuki (i cywilizacji) europejskiej w okresie „ średniowiecze„Średniowiecze, wojownicze chrześcijaństwo i inkwizycja – różnica między tymi obrazami z XIV wieku!

Pojawienie się i rozpowszechnienie technologii wytwarzania farb olejnych oraz techniki malowania nimi w XV wieku dało początek rozwojowi malarstwa sztalugowego i specjalny rodzaj wyroby artystów - kolorowe obrazy olejne na zagruntowanym płótnie lub drewnie.

Malarstwo przeżyło w okresie renesansu ogromny skok jakościowy, głównie dzięki twórczości Leona Battisty Albertiego (1404-1472). Jako pierwszy położył podwaliny perspektywy w malarstwie (traktat „O malarstwie” z 1436 r.). To jemu (jego praca nad systematyzacją wiedzy naukowej) zawdzięcza europejskiej szkole artystycznej pojawienie się (odrodzenie) realistycznej perspektywy i naturalnych proporcji w malarstwie artystów. Słynny i znany rysunek Leonarda da Vinci "Człowiek witruwiański"(proporcje ludzkie) z 1493 r., poświęcona usystematyzowaniu starożytnej wiedzy Witruwiusza o proporcjach i kompozycji, Leonardo stworzył pół wieku później niż traktat Albertiego „O malarstwie”. A twórczość Leonarda jest kontynuacją rozwoju europejskiej (włoskiej) szkoły artystycznej renesansu.

Ale jasne i rozwój masowy malarstwo otrzymało swoją nazwę już w XVI i XVII wieku, kiedy to rozpowszechniła się technika malarstwa olejnego, pojawiły się różne technologie wytwarzania farb i ukształtowały się szkoły malarskie. To właśnie system wiedzy i edukacji artystycznej (techniki rysunkowe) w połączeniu z zapotrzebowaniem na dzieła sztuki wśród arystokracji i monarchów doprowadził do szybkiego rozkwitu sztuk pięknych w Europie (okres baroku).

Nieograniczone możliwości finansowe europejskich monarchii, arystokracji i przedsiębiorców stały się doskonałą glebą dla dalszego rozwoju malarstwa w XVII-XIX w. A słabnący wpływ kościoła i świeckiego stylu życia (pomnożony przez rozwój protestantyzmu) pozwolił na narodziny wielu tematów, stylów i ruchów w malarstwie (barok i rokoko).

W trakcie rozwoju sztuk pięknych artyści ukształtowali wiele stylów i technik, które prowadzą do na najwyższy poziom realizm w pracach. Pod koniec XIX wieku (wraz z pojawieniem się ruchów modernistycznych) rozpoczęły się ciekawe przemiany w malarstwie. Dostępność edukacji artystycznej, masowa konkurencja i wysokie wymagania wobec umiejętności artystów ze strony publiczności (i nabywców) powodują powstanie nowych kierunków w środkach wyrazu. Sztuka piękna nie jest już ograniczona jedynie poziomem techniki, artyści starają się wprowadzać do dzieł szczególne znaczenia, sposoby „patrzenia” i filozofię. To, co często odbywa się kosztem poziomu wykonania, staje się spekulacjami lub metodą szokowania. Różnorodność rodzących się stylów, ożywione dyskusje, a nawet skandale powodują rozwój zainteresowania nowymi formami malarstwa.

Nowoczesne technologie rysowania komputerowego (cyfrowego) należą do grafiki i nie można ich nazwać malarstwem, choć jest ich wiele programy komputerowe i sprzęt pozwalają na całkowite powtórzenie dowolnej techniki malowania farbami.

Błyskotliwy rozkwit kultury rosyjskiej drugiej połowy XIX wieku dał wyraźny wyraz w sztuce pięknej, sztuce realistycznej, iście ludowej, głęboko narodowej. To właśnie sztuka humanistyczna, przesiąknięta ideami ruchu rewolucyjno-wyzwoleńczego, odzwierciedlająca walkę lat sześćdziesiątych i populizm z pańszczyzną i autokracją, spotkała się z wielkim oddźwiękiem społecznym w demokratycznych kręgach rosyjskiej inteligencji. Poświęcony ludziom, przemawiał do nich językiem zgodnym z prawdą, prostym i jasnym. Nigdy wcześniej rosyjscy artyści nie mieli tak ogromnej i wdzięcznej publiczności.

Sztuka piękna przepojona była ideami ludowej walki wyzwoleńczej, odpowiadała na potrzeby życia i aktywnie w nie ingerowała. W sztukach pięknych ostatecznie ugruntował się realizm - prawdziwe i wszechstronne odzwierciedlenie życia ludzi, chęć odbudowania tego życia na zasadach równości i sprawiedliwości. Druga połowa XIX wieku stała się ważny etap w rozwoju rosyjskiej sztuki pięknej. Stało się naprawdę wielkie, aktywnie wkraczając w życie i odzwierciedlając je, czyli rozwiązując problemy, jakie stawia czas.

W malarstwie rosyjskim istniały dwa główne kierunki, które zwykle nazywane są „akademickim”, wyrażającym poglądy szlachecko-burżuazyjne, oraz „Pieredwiżnikami”, czyli demokratycznym.

Personifikację rutyny można było zaobserwować w Akademii Sztuk Pięknych, zależnej od środowiska dworskiego, która znalazła się z dala od wzrostu świadomości społecznej. Akademia stała na straży ginących tradycji, „wysokiego” stylu i „wysokich” tematów – od starożytna mitologia, religijny, pseudohistoryczny. Bała się bliskiego kontaktu sztuki ze współczesnym życiem.

W obrazach z rosyjskiej rzeczywistości, które od końca lat 50. i początku 60. pojawiają się coraz liczniej na wystawach, nasilają się rysy oskarżycielskie; Rośnie realizm krytyczny i chęć ingerencji w życie i wpływania na nie w interesie ludzi.

Druga połowa XIX wieku to czas kształtowania się realistycznego, narodowego, demokratycznego kierunku w sztukach pięknych, to czas życia i twórczości wybitnych rosyjskich artystów, którzy wnieśli ogromny wkład w rozwój rosyjskiej sztuki pięknej sztuka.

Typowa dla malarstwa lat 60. była postać V. G. Perowa (1833–1882). Jest najwybitniejszym przedstawicielem oskarżycielskiego nurtu w malarstwie. Jego rola w rozwoju narodowej sztuki realistycznej była bardzo znacząca zarówno przed, jak i zwłaszcza po latach 60. Imię Perowa stało się popularne od ostatnich lat przedreformacyjnych, kiedy zaczęły pojawiać się jego płótna poświęcone różnym aspektom życia Rosjan, przedstawiające różne typy społeczne, który ostro potępił biurokrację i duchowieństwo („Przybycie szefa na śledztwo”, 1857; „Pierwsza ranga” – 1860; w latach 1861–1862 - „Wsi procesja na Wielkanoc”, „Kazanie we wsi”, „Picie herbaty w Mytishchi”). W latach 1865-1868. Obrazy Perowa „Widzenie zmarłego”, „Trojka”, „Przybycie guwernantki do dom kupiecki”, „Utopiona kobieta”, „Ostatnia karczma na placówce”, gdzie uwaga artysty zwraca się na trudną sytuację chłopstwa, na ofiary niesprawiedliwości społecznej. Sympatia artysty niewątpliwie stoi po stronie chłopa, którego wizerunek jest wyraźnie wyidealizowany. Później Perow przeszedł na neutralność w sensie społecznym wątki gatunkowe(„Birdcatcher”, „Hunters at Rest”) dał się także poznać jako znakomity portrecista (portrety A. N. Ostrowskiego, V. I. Dahla, posła Pogodina, I. S. Turgieniewa, słynny portret F. M. Dostojewskiego to jedno z szczytowych osiągnięć portretu) . Twórczość V. G. Perowa wyróżnia się niezniszczalną prawdomównością, głębokim uczuciem i darem wnikliwości psychologicznej.

Na atmosferę ideową i społeczną epoki wpłynęły pamiętne wydarzenia roku 1863, które doprowadziły do ​​zerwania z Akademią Sztuk Pięknych przez grupę utalentowanych młodych artystów.

Grupa artystów składała się z trzynastu malarzy (I. N. Kramskoy, A. I. Korzukhin, A. I. Morozov, F. S. Zhuravlev, K. E. Makovsky itp.) i jednego rzeźbiarza (V. P. Kreitan). Jej inspiratorem i przywódcą był I. N. Kramskoj (1837-1887).

„Bunt” czternastki i ich decyzja o zorganizowaniu się w wolny artel artystyczny zaalarmowały rząd. „Najwyższym rozkazem” monitorowano „działania tych młodych ludzi” i „kierunek społeczeństwa, które utworzyli”. Artel artystów petersburskich był stowarzyszeniem zawodowym realizującym wszelkiego rodzaju zamówienia, a jednocześnie gminą codzienną i, co najważniejsze, ośrodkiem ideowo-artystycznym; To tu niejako na tym etapie ukształtowała się opinia publiczna środowiska artystycznego. Artel organizował wystawy malarstwa, które cieszyły się dużym powodzeniem wśród publiczności.

Praca artelu okazała się jednak trudna i złożona: w przypadku niektórych jego członków ostatecznie dominowały motywy ekonomiczne, a strona pryncypialna zeszła na dalszy plan. W artelu zaczęło narastać tarcie. W 1870 r. Kramskoj opuścił artel; istniało jeszcze przez kilka lat, ale nie miało już tego samego znaczenia. Warto zauważyć, że w połowie lat 60. w Petersburgu przez pewien czas istniał drugi artel artystyczny, który powstał na wzór inicjatywy Kramskoja i jego towarzyszy. Należeli do niego V. M. Maksimov, A. A. Kiselev (przyszli Wędrowcy), N. A. Koshelev i inni.

Uczestnicy obu arteli, zwłaszcza pierwszego, w dużej mierze zdeterminowali charakter malarstwa lat 60., adresowanego do rosyjskiej rzeczywistości, przepojonego serdeczną uwagą na życie i doświadczenia zwykłych ludzi. Nie wyczerpują one jednak kręgu twórców nowej szkoły realistycznej z lat sześćdziesiątych. Wróć do lat 60 najlepsze obrazy N.V. Nevrev (1830-1904), spokrewniony duchem twórczości z Perowem, taki jak „Targowanie” (sprzedaż młodej chłopki przez właściciela ziemskiego) i seria obrazów. W tym samym okresie rozwinęła się twórczość satyrycznego artysty i pisarza opisującego życie codzienne biedoty miejskiej L. I. Solomatkina (1837–1883). V. G. Schwartz (1838-1869) wytyczył nowe ścieżki w malarstwie historycznym, wprowadzając do niego cechy realizmu, psychologizmu i do pewnego stopnia inkryminacji; jest właścicielem wybitnego obrazu „Wiosenny pociąg królowej w pielgrzymce za cara Aleksieja Michajłowicza” (1868), szeregu dzieł z czasów Iwana IV. Inny malarz historyczny K.D. Flavitsky (1830–1866), który pozostawał w ramach kierunku akademickiego, niemniej jednak w sensacyjnym obrazie „Księżniczka Tarakanova” (1864) doświadczył wpływu demokratycznej szkoły malarstwa.

Ruch artystyczny lat 60. utorował drogę do powstania partnerstwa objazdowych wystaw sztuki.

Inicjatywa utworzenia tego stowarzyszenia, które odegrało ogromną rolę w kulturze rosyjskiej, należała do G. G. Myasoedova (1834 lub 1835-1911). W listopadzie 1870 roku zatwierdzono Statut Partnerstwa, a rok później otwarto jego pierwszą wystawę w Petersburgu. Stopniowo poszerzał się zakres działalności Spółki. W latach 80. liczba miast odwiedzanych przez wystawę Pieredwiżniki wzrosła kilkukrotnie. Istotna sama w sobie idea wystaw ruchomych, przybliżających sztukę mniej lub bardziej szerokim grupom ludności, nie tylko rosyjskiej, ale także ukraińskiej, litewskiej, łotewskiej itp., nie wyczerpała zadań nowego stowarzyszenie, które nie wyróżniało się całkowitą jednością wewnętrzną wszystkich uczestników, zostało jednak skomponowane i faktycznie działało w oparciu o jakąś zasadniczą ogólne zasady i aspiracje. Partnerstwo konsekwentnie broniło swoich zasad krytyczny realizm i narodowości.

Głównymi bohaterami wielu obrazów Pieriedwiżników byli ludzie. Niektórzy Pieredwiżnicy przywiązywali dużą wagę do życia w mieście. W malarstwie Pieredwiżników od połowy lat 70. pojawiały się dzieła poświęcone pracy robotników i typom pracującym. Zaawansowany kręgi społeczne Z wyjątkowym zainteresowaniem i sympatią powitali powstanie Stowarzyszenia Wędrowców. Przeciwnie, środowiska reakcyjne wykazywały niemiły stosunek do Wędrowców. Wystawy, które odniosły największy sukces, przekształciły się w ważne wydarzenia nie tylko artystyczne, ale i społeczne. W ciągu pierwszego ćwierćwiecza ich istnienia wystawy objazdowe odwiedziło ponad milion osób.

Tacy wędrowcy jak Myasojedow (głównie w pierwszym okresie swojej twórczości), Maksimow, Sawicki i inni pracowali w obszarze głównie gatunkowym, a najważniejsze miejsce w malarstwie rodzajowym zajmowała tematyka chłopska.

W odróżnieniu od Maksimowa czy Myasojedowa V. E. Makovsky (1846-1920) poświęcił się przede wszystkim gatunkowi miejskiemu. Nazwisko artysty N. A. Yaroshenko (1846–1898) wiąże się również z rozwojem gatunku miejskiego. Był jednym z przywódców ideologicznych Partnerstwa. Należał do tych artystów, którzy najściślej związali swoją twórczość z ruchem społeczno-politycznym epoki.

Portrety, czego nie można wystarczająco podkreślić, zajmowały znaczące, a w niektórych przypadkach główne miejsce w twórczości wielu wędrowców. Wybitnym mistrzem portretu był I.N. Kramskoj. Praca nad portretem otworzyła przed nim, podobnie jak przed innymi wędrowcami, możliwość ukazania pozytywnej postaci naszych czasów – przede wszystkim wybitnych przedstawicieli kultury.

Na początku lat 70. wykonał swoje pierwsze większe dzieła wspaniały artysta Tj. E. Repin (1844-1930) Genialny mistrz rysunku i kompozycji, stale dążący do doskonalenia, artysta o ogromnym temperamencie, Repin szczególnie podkreślał rolę idei i treści w sztuce.

Wiele gatunków Repina jest przepojonych szczerym współczuciem dla wyczynów rewolucyjnych bojowników („Pod eskortą”, 1876; „Aresztowanie propagandysty”, 1878–1892; „Odmowa spowiedzi”, 1879–1885; „Nie zrobiliśmy tego” Spodziewajcie się”, 1883 i 1884-1888 itd.). Wielki dar psychologiczny Repina znalazł odzwierciedlenie w ogromnej i różnorodnej galerii portretów, którą stworzył. Malarz portretowy Repin uchwycił obraz z niepowtarzalną głębią, siłą i dokładnością najwybitniejszych przedstawicieli literaturę i społeczeństwo, muzykę, malarstwo i teatr. Elita rządząca Rosja carska na przełomie dwóch stuleci Repin został przedstawiony z bezlitosną prawdomównością w portrecie grupowym „Wielkie posiedzenie Rady Państwa” i w szkicach do niego. Repin należy do wybitnych rosyjskich malarzy historycznych.

Na początku lat 90-tych został ukończony (co najwyżej znana wersja) obraz „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana„(drugi obraz o tej samej tematyce artysta ukończył w 1896 r.). Ideą artysty przy tworzeniu obrazu było gloryfikowanie umiłowania wolności, przypływu ducha i energii, jakiego doświadczyli w walce o niepodległość i wolność.

Historia malarstwa rosyjskiego zna wielu niezwykle utalentowanych artystów. Ale nie było takiego, którego obrazy łączyłyby głębię myśli i uczuć z takimi umiejętnościami malarskimi jak Repin. Repin to najgłębszy, najbardziej poruszający ze wszystkich mistrzów malarstwa rosyjskiego niedawnej przeszłości, a w historii naszej sztuki zajął szczególne miejsce. Stasow opisał go w ten sposób: „Ma swój własny, wyjątkowy wygląd i uczucia, i tylko wtedy jest silny i znaczący, kiedy wyraża to uczucie. A to uczucie polega na zrozumieniu i przekazaniu masom ludzkim”.

Malarstwo historyczne poświęcone było głównie twórczości innego wielkiego artysty – V. I. Surikow (1848-1916). Największy rozkwit jego sił twórczych przypada na lata 80-90-te. damy XIX wieku Surikow był artystą mas. Masa Surikowa, tłum, nigdy nie była bez twarzy, każdemu z uczestników nadał cechy głęboko indywidualne.

Na długo przed pojawieniem się obrazów bitewno-historycznych Surikowa V.V. Vereshchagin (1842–1904) zdobył światową sławę w malarstwie batalistycznym. Wierieszczagin osobiście brał udział w działaniach wojsk rosyjskich w Azji Środkowej w latach 60. i na Bałkanach pod koniec lat 70. Tworzył cykle obrazów poświęcone działaniom zbrojnym w Turkiestanie i wojnie rosyjsko-tureckiej. Twórczość Vereshchagina wyznaczyła nowy etap w rosyjskim i światowym malarstwie batalistycznym. Stasow tak go opisał: „...malarz takiego typu, jakiego nikt wcześniej nie widział i o nim nie słyszał ani u nas, ani w Europie”. Postawił sobie za cel ukazanie wojny jako narzędzia przemocy, straszliwej katastrofy dla ludzkości.

Nowością, którą wprowadził Wierieszczagin, było oczywiście to, że interesowała go przede wszystkim nie elita wojskowa, ale szeregowi żołnierze. Vereshchagin uczynił ludzi bohaterami swoich obrazów. Jego dzieło potępiające wojnę wywarło poważny wpływ na umysły. Dużym zainteresowaniem cieszy się cykl obrazów Wierieszczagina powstały w latach 90. XX w., przedstawiający Wojnę Ojczyźnianą 1812 r. Wcześniejsze obrazy i szkice Wierieszczagina z cyklu indyjskiego.

Twój specjalne słowo w malarstwie rosyjskim, zwłaszcza historycznym, powiedział W. M. Wasniecow (1848–1926). Do historii malarstwa wszedł jako artysta rosyjski epos ludowy, eposy, baśnie. Na podstawie „Opowieści o kampanii Igora” namalowano obraz „Po bitwie Igora Światosławicza z Połowcami” (1878–1880), a następnie „Bitwa Rosjan z Scytami” (1879–1881), „ Rycerz na rozdrożu” (1878-1882). Słynna „Alyonushka”, jedno z najszczerszych dzieł malarstwa, pojawiła się na wystawie objazdowej w 1881 roku. Wasnetsow pracował przez około dwie dekady nad obrazem „Bogatyrs” (ukończonym w 1898), który dał szczególnie pełną personifikację piękna , moc i znaczenie naszych rodzimych obrazów, naszej rosyjskiej natury i człowieka, których ekspresja artysta uznał za zadanie sztuki. Do lat 1882-1885 nawiązuje do wybitnej twórczości Wasnetsowa w dziedzinie malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego - malarstwa sali „Epoka kamienia” w Muzeum Historycznym w Moskwie. Przez kilka lat (1885-1896) Wasnetsow zajęty był malowaniem katedry Włodzimierza w Kijowie. I w tym rabacie wykazano wysokie umiejętności artysty.

Bogatą sekcję sztuk pięknych epoki stanowiło malarstwo pejzażowe. Wybitne walory w dziedzinie pejzażu stworzyło wielu artystów niebędących „specjalistami” w malarstwie pejzażowym, dla których pejzaż pełnił zazwyczaj rolę tła obrazu. Czasem pejzaż okazywał się najbardziej rozpoznawalną stroną twórczości artysty. Jednocześnie pejzaż był samodzielną gałęzią sztuki, której wiele postaci poświęcało wszystko i wysiłek.

Realistyczny pejzaż Wędrowców zajął zaszczytne miejsce w rozwoju malarstwa pejzażowego. Charakteryzuje je zwrócenie się do rodzimej natury. Zamiast egzotycznych, „ceremonialnych” pejzaży (włoskich, szwajcarskich itp.), do których ciągnęli akademiccy artyści, Wędrowcy wprowadzili w pejzaż motyw narodowy, odkrywali piękno w prostocie i naturze, która otaczała ich na co dzień. W pejzażach wędrownych często dało się wyczuć i dostrzec swego rodzaju podtekst społeczny. Widz, podążając za artystą, widział i czuł tych ludzi, tę masę ludzi, którzy żyli w otoczeniu malowanej na płótnie natury.

Jednym z założycieli krajobrazu wędrownego był I. I. Szyszkin (1832–1898). Najważniejszy przedstawiciel epickiej linii w malarstwie pejzażowym, Szyszkin, z wyjątkową wiedzą i umiejętnościami rzadka miłość Malował głównie lasy środkowej i północnej Rosji, ukazując bogactwo, szerokość i siłę natury Ojczyzny. " Las sosnowy„(1872), „Żyto”, (1878), „Wśród płaskich dolin” (1883), „Sosny oświetlone słońcem” (1886), „Poranek w Las sosnowy Do najliczniejszych należą „(1889), „Ship Grove” (1898). popularne obrazy Szyszkina, katarzy byli postrzegani jako artyści ludowi.

Kolejny z twórców malarstwa pejzażowego Wędrowców, A.K. Savrasov (1830-1897). Savrasov odkrył liryczną linię rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony!”, pokazany na I wystawie objazdowej, został odebrany jako rewelacja ze względu na niespotykaną dotąd szczerość, poezję, skromność i naturalne piękno. Obrazy „Wiejska droga” (1873) i „Tęcza” (1875) ugruntowały sławę artysty-poety, a jednocześnie utalentowanego nauczyciela, który odegrał dużą rolę w wychowaniu całej galaktyki malarzy.

I. I. Lewitan (1860-1900) należy do więcej do młodszego pokolenia artyści. Lewitan kochał entuzjastycznie rodzima przyroda głęboko odczuł „nieskończone piękno otoczenia”. Z wszechpotężną mocą przekazywał uczucia i nastroje, jakie budzi w człowieku natura. Najbardziej złożona gama przeżyć wyraża się w jego płótnach. Lewitan rozumiał te uczucia zaawansowani ludzie swojej epoki, ich ból za cierpienie ojczyzny. Temat cywilny znalazł szczególnie żywe, choć wyjątkowe ze względu na naturę malarstwa pejzażowego, odbicie w słynnym obrazie „Władimirka” (1892), inspirowanym myślą o losach tysięcy wygnańców. Do ulubionych dzieł Lewitana należą także „Wieczór nad Wołgą” (1888), „W wirze” (1892), „Ponad wiecznym pokojem” (1894), „ Złota jesień„(1895), „Wieczór letni” (1899), „Jezioro. Rusi” (1899-1900).

W drugiej połowie XIX w. Kontynuowano działania zapoczątkowane w latach trzydziestych XX wieku słynny malarz morski I. K. Aiwazowski. Pod jego wpływem rozwinął się talent innego artysty morskiego, a jednocześnie artysty-historiografa rosyjskiej floty A.P. Bogolyubova (1824–1896).

Osiągnięcia malarstwa pejzażowego zachwyciły miłośników sztuki. Z drugiej jednak strony niepokój budził stały wzrost udziału krajobrazu pod koniec stulecia. W prasie wyrażano zaniepokojenie zwłaszcza w związku z mniej lub bardziej zauważalnym zubożeniem gatunku społecznego i codziennego. W zubożeniu gatunku, w tym, że wystawy objazdowe Rzadziej pojawiały się ostre, ekscytujące obrazy z życia współczesnego, co znalazło odzwierciedlenie w pewnym spadku poziomu ideowego i społecznego działalności Stowarzyszenia Wędrowców. Z kolei ta ostatnia okoliczność zależała od całej sytuacji społeczno-politycznej. Stowarzyszenie Wędrowców wykazywało wahanie i zamiłowanie do tematów „neutralnych”. Jeśli niektórzy ze starych Pieredwiżników byli mniej lub bardziej zdezorientowani, wśród młodszego pokolenia Pieredwiżników pojawili się artyści wrażliwi na nowe zjawiska społeczne. Nie ograniczali się do tego, co osiągnęli ich poprzednicy, ale starali się poszerzać i aktualizować zakres tematów i obrazów.

S. A. Korovin (1858-1908), artysta o tematyce chłopskiej i częściowo żołnierskiej, w słynnym obrazie „Na świecie” oraz licznych szkicach i szkicach do niego (1883-1893) odzwierciedlonych artystycznie i przekonująco rozwarstwienie społeczne we wsi poreformacyjnej. Tematyka chłopska dominowała w twórczości jednego z największych mistrzów przełomu XIX i XX wieku. A. E. Arkhipov (1862-1930), malarz gatunkowy i pejzażowy. W młodszym pokoleniu artystów związanych z pewien okres w Stowarzyszeniu Wędrowców postać V.A. Sierowa (1865-1911) wyróżniała się bardzo wcześnie. Valentin Serov, już w wieku 22-23 lat, stworzył takie arcydzieła jak „Dziewczyna z brzoskwiniami” (portret Very Mamontowej, 1887), „Dziewczyna oświetlona przez słońce”, prawdziwe wiersze o bystrej młodości. Sierow – genialny mistrz, którzy pracowali w różnych dziedzinach sztuki.

Era „Wędrowców” była późna w porównaniu z początkiem realizm artystyczny w literaturze; ale kończy się mniej więcej w tym samym czasie, w latach 80-90, i przed tą samą presją nowego pokolenia. Nowa przerwa tradycji i buntu młodzieży lat 90. powtarza bunt samych Wędrowców przeciwko pokoleniu akademików, które ich poprzedziło. Ale powstanie to za swoje hasło przyjęło utworzenie rosyjskiej szkoły narodowej. Bunt młodzieży lat 90. występuje pod sztandarem kosmopolityzmu. Trzeba powiedzieć, że sami Wędrowcy znacznie ułatwili protest przeciwko sobie, który narastał w nowym pokoleniu. W połowie lat 70. nie byli już tymi samymi zagorzałymi protestantami i bojownikami, co organizatorzy Artelu w latach 60. Ich zapał opadł wraz z osiągniętym sukcesem.

Jednakże sympatie rozwiniętego społeczeństwa rosyjskiego były niezmiennie po stronie Pieriewiżników, gdyż w ich pracy rosyjska inteligencja i zwykli ludzie widzieli przedstawicieli swoich interesów. Osiągnięcia i podboje malarstwa rosyjskiego drugiej połowy XIX wieku, w których pokazali się rosyjscy artyści, mają ogromne znaczenie i wyjątkową wartość w rosyjskiej sztuce pięknej. Obrazy stworzone przez rosyjskich artystów na zawsze wzbogaciły rosyjską kulturę.

Malarstwo rosyjskie jako odzwierciedlenie światopoglądu narodu rosyjskiego i jego wielowiekowej historii

Świadome, twórcze istnienie narodu rosyjskiego na tej Ziemi, w tym Wszechświecie, w tym świecie trwa już ponad tysiąc lat. W tym czasie nasz naród stworzył wielkie państwo - jest wielkie nie tylko swoimi rozległymi przestrzeniami, ale także wielkością ducha narodu rosyjskiego i jego osiągnięcia twórcze. W historii cywilizacji światowej istnieją takie pojęcia: wielka nauka rosyjska, wielka literatura rosyjska, wielkie malarstwo rosyjskie.

Malarstwo zajmuje szczególne miejsce w kreowaniu wizerunku człowieka. Ona jest widoczna. To jest jasne dla wszystkich. Jest bezpośrednio postrzegana przez duszę człowieka i staje się widoczną kontynuacją jego duszy, duszy całego narodu.

Nie każdy Rosjanin uważa, że ​​to dzięki pracom wielkiego rosyjskiego naukowca I.P. Pawłowa ludzkość zbliżyła się do rozwiązania zagadki myślenia, że ​​to rosyjski naukowiec V.I. Wernadski odkrył zasadę istnienia umysłu we Wszechświecie , a słynny D.I. Mendelejew nie tylko określił moc wódki, ale także wyjaśnił strukturę materii jako takiej. I nawet pamiętając nazwiska twórców literatury rosyjskiej, nie każdy czytał powieści F. M. Dostojewskiego i L. N. Tołstoja i będzie miał trudności z przypomnieniem sobie tego, co zostało zapomniane od tego czasu szkolne dni czterowiersz geniusza wszechczasów A.S. Puszkina.

Ale chyba nie było w Rosji wsi, w której nie można było znaleźć reprodukcji „Trzech bohaterów” Wasnetsowa, czasami reprodukowanych niezbyt wprawną ręką. Albo „Poranki w sosnowym lesie” Szyszkina. Albo jego „Sosny w zbożu”. Albo „Odpoczywający myśliwi” Perowa. Albo „Żona kupca” Kustodiewa.

Malarstwo rosyjskie – od miniatur kronikarskich i grafik popularnych po obrazy dramatyczne Repina i Surikowa – było zjawiskiem wszechogarniającym. „Dzieci uciekające przed burzą” Makowskiego, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” Repina, „Boyarina Morozowa” i „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa, „Złota jesień” Lewitana i krajobrazy Szyszkina, „ Rosyjska piękność” Kustodiewa, „Jeździstka” Bryullowa, „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego, chłopki z Wenecjanowa, „Podwieczorek w Mytiszcze” Perowa, baśniowi i epiccy bohaterowie Wasnetsowa, Bilibina, „Demon” Vrubela , „Święta Rosja” Niestierowa, „ Nierówne małżeństwo„Pukirew, „Kosiarki” Myasojedowa, „Major's Matchmaking” Fiedotowa, portrety A. S. Puszkina autorstwa Kiprensky'ego i Tropinina, portrety V. I. Dala i F. M. Dostojewskiego autorstwa Perowa, portrety rosyjskich carów i wizerunki koron artystki restauratorskiej Solntsevy – to wszystko nie są tylko obrazy. To dusza narodu rosyjskiego, twarz Rosji uchwycona pędzlem malarza.

Książka „Wielcy artyści Rosji” nie jest studium historii sztuki, a nie tylko albumem z reprodukcjami obrazów znany artysta, a nie spotkanie krótkie biografie Rosyjscy malarze z przykładami swojej twórczości.

Książka ta odtwarza obraz Rosji w całej jej różnorodności. Ta książka powinna znaleźć się w każdej rodzinie, warto choć raz w roku zajrzeć do niej wspólnie z dziećmi, aby w widoczny sposób przypomnieć sobie: kim jesteśmy, czym jesteśmy i skąd pochodzimy. Jak trzeba ponownie przeczytać „Wojnę i pokój” Tołstoja, „Braci Karamazow” Dostojewskiego, „ Martwe dusze„Gogol, „Eugeniusz Oniegin” Puszkina. Trzeba to zrobić, aby zachować swoją esencję narodową, aby pozostać osobą rosyjskiego ducha, rosyjskiej kultury. Do tego celu przeznaczona jest książka „Wielcy artyści rosyjscy”. Tyle, że w odróżnieniu od powyższego, nie pisano go piórem i tuszem, lecz pędzlem i farbami. Ale zawiera nie mniej znaczenia, myśli i ducha.

W XXI wieku nasz kraj, nasza materialna i duchowa Ojczyzna, nie po raz pierwszy w swojej historii znalazła się na krawędzi zagłady. Długie jarzmo mongolsko-tatarskie pozostawiło szczególny ślad w naszej historii, ale nie mogło zatrzymać rozwoju Rosji. Przezwyciężony został także krótki czas kłopotów, który groził krajowi utratą państwowości. Prawie siedemdziesięcioletnie jarzmo sowieckie wywarło najdotkliwszy i katastrofalny wpływ na duchowy, moralny i moralny charakter narodu rosyjskiego, który przetrwał epokę burzenia podstaw samoświadomości narodowej. Dwadzieścia lat poradzieckiej egzystencji jeszcze bardziej zbliżyło kraj na skraj materialnej i duchowej zagłady. Nikt nie wie, czy Rosja będzie w stanie przezwyciężyć tę duchową i moralną degenerację i rozkład i odrodzić się w swojej twórczej egzystencji, czy też zniknie z oblicza tej planety, z tego Wszechświata, tak jak zniknęła kiedyś Starożytna Grecja i starożytnego Rzymu. Ale to, co zostało stworzone ręką i duchem człowieka, pozostaje. I bez względu na to, jak potoczą się przyszłe losy Rosji, jej historia i kultura pozostaną jedną z najważniejszych znaczące wyniki istnienie człowieka na tym świecie. Znaczące i widoczne, po części dzięki geniuszowi i dziełom rosyjskich artystów, wielkich malarzy i zwykłych twórców, którzy odtworzyli na swoich płótnach wielowiekową historię narodu rosyjskiego i jego twórczej duszy, próbując zrozumieć w tym tajemnicę ludzkiej egzystencji świecie, w tym wszechświecie, na tej Ziemi.

V. P. Butromeev

Livadia dla królów i ludzi Zabytki Livadii zaczynają się od szczytu Mogabi (804 m n.p.m.), którego malownicze zbocza schodzą do doliny „wodospadu” rzeki Uchan-Su. Wąska krawędź wybrzeża od Jałty do przylądka Ai-Todor charakteryzuje się rzadkim skalistym krajobrazem i pięknymi