Fresky ranej renesancie. Porovnávacia charakteristika kultúr epoch

Raná renesancia(XIV-XV storočia) v umení Talianska sa spája predovšetkým s Florenciou, kde Medici sponzorovali humanistov a všetky druhy umenia. Na začiatku XV storočia. florentská škola je predvojom humanistického umenia renesancie. Tu v roku 1439 vznikla Platónska akadémia, Laurentiánska knižnica, boli založené umelecké zbierky Mediciovcov; pracujú spisovatelia, básnici, humanisti, vedci.

Fra Filippo Lippi. Uctievanie dieťaťa.

Vnímanie reality je skúšané skúsenosťou, experimentom, ovládané mysľou. Preto duch poriadku a miery, ktorý je tak charakteristický pre umenie renesancie. Geometria, matematika, anatómia, náuka o proporciách ľudského tela majú pre umelcov veľký význam; práve vtedy začnú starostlivo študovať štruktúru človeka. Vzniká nové kritérium hodnotenia krásneho, založené na podobnosti s prírodou a zmyslom pre proporcie. V umení sa osobitná pozornosť venuje plastickému spracovaniu foriem a kresby. Túžba po poznaní prírodných zákonov vedie k štúdiu proporcií ľudskej postavy, anatómie. V 15. storočí talianski umelci riešili aj problém priamočiarej perspektívy, ktorý dozrel v umení trecenta.

V tomto období sa vedome a cieľavedome študuje antické umenie, antickej filozofie a literatúre. Vplyv antiky sa však prekrýva so stáročnými a silnými tradíciami stredoveku, s kresťanským umením. Pohanské a kresťanské zápletky sa prelínajú, transformujú a dodávajú kultúre renesancie špecificky komplexný charakter.

Architektúra ranej renesancie.

Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, sochár a vedec, jeden z tvorcov vedeckej teórie perspektívy, sa stal praotcom talianskej renesančnej architektúry. Najväčším inžinierskym úspechom Brunelleschiho bolo postavenie kupoly katedrály Santa Maria del Fiore vo Florencii. Brunelleschimu sa vďaka svojej matematickej a technickej genialite podarilo vyriešiť najťažší problém svojej doby. Kupola katedrály Santa Maria del Fiore sa stala predchodcom mnohých kupolových kostolov v Taliansku a ďalších európskych krajinách.

Brunelleschi bol jedným z prvých v talianskej architektúre, ktorý kreatívne pochopil a originálne interpretoval staroveký systém rádu a položil základ pre vytvorenie kupolového kostola založeného na starovekom poriadku. Skutočným klenotom ranej renesancie bola kaplnka Pazzi, ktorú objednal Brunelleschi a objednala ju bohatá florentská rodina (začatá v roku 1429). Humanizmus a poézia Brunelleschiho tvorby, harmonická proporcia, ľahkosť a elegancia jeho stavieb, udržiavanie kontaktu s tradíciami gotiky, tvorivá sloboda a vedecká platnosť jeho myšlienok predurčili Brunelleschiho veľký vplyv na nasledujúci vývoj renesančnej architektúry.

Jeden z hlavných úspechov talianska architektúra 15. storočia bolo vytvorenie nového typu mestských palácov, ktoré slúžili ako vzor pre verejné budovy neskoršej doby. Talianske paláce sa nazývajú palazzo (z lat. palatium; to je miesto ruské slovo"komory"). Prvky paláca z 15. storočia sú jasné členenie uzavretého objemu objektu na tri podlažia, otvorený dvor s letnými poschodovými arkádami, použitie hrdze, t.j. kameň s hrubo zaoblenou alebo konvexnou čelnou plochou, na fasádne obklady, ako aj silne rozšírená ozdobná rímsa. Výrazným príkladom tohto štýlu je hlavná budova Brunelleschiho študenta a jeho nadaného nasledovníka Michelozza di Bartolommeo (1396-1472), dvorného architekta rodu Mediciovcov, palác Medici-Riccardi (1444-60), ktorý slúžil ako vzor. na stavbu mnohých florentských palácov.

Sochárstvo ranej renesancie.

15. storočia talianske sochárstvo, ktorý nadobudol samostatný význam nezávislý od architektúry, prekvitá. Prax umeleckého života začala zahŕňať objednávky od bohatých remeselníkov a obchodníkov na výzdobu verejných budov; sa konajú výtvarných súťaží. Jedna z týchto súťaží - na výrobu bronzu druhých severných dverí florentského baptistéria (1401) - sa považuje za významnú udalosť, ktorá otvorila novú stránku v dejinách talianskeho renesančného sochárstva. Tejto súťaže sa zúčastnil Filippo Brunelleschi, ktorý sa neskôr stal slávny architekt. Vyhral však Lorenzo Ghiberti(1381-1455). Jeden z najvzdelanejších ľudí svojej doby, prvý historik talianskeho umenia, brilantný kresliar, Ghiberti zasvätil svoj život jednému typu sochy – reliéfu. Ghiberti považoval za hlavný princíp svojho umenia rovnováhu a harmóniu všetkých prvkov obrazu. Vrcholom Ghibertiho tvorby boli východné dvere florentského baptistéria (1425-52), ktoré zvečnili majstrovo meno. Výzdobu dverí tvorí desať štvorcových kompozícií z pozláteného bronzu, ktoré svojou mimoriadnou expresivitou pripomínajú malebné maľby.

ho od najväčších sochárov prvej polovice XV storočia. bol Jacopo della Quercia (1374-1438), starší súčasník Ghibertiho a Donatella. Jeho dielo, bohaté na mnohé objavy, stálo akoby bokom od všeobecnej cesty, po ktorej sa rozvíjalo umenie renesancie. Monumentálne reliéfy, ktoré vytvoril Quercia na hlavnom portáli kostola San Petronio v Bologni („Stvorenie Adama“), mali významný vplyv na umenie Michelangela.

Maľba ranej renesancie.

Obrovská úloha, ktorú Brunelleschi zohral v architektúre ranej renesancie, a Donatello v sochárstve, patril Masacciovi (1401-1428) v maliarstve. Slávny historik umenia Vipper povedal: „Masaccio je jedným z najnezávislejších a najdôslednejších géniov v dejinách európskeho maliarstva, zakladateľ nového realizmu...“ Masaccio pokračuje v hľadaní Giotta a odvážne sa rozchádza so stredovekými umeleckými tradíciami. Vo freske „Trojica“ (1426-27), vytvorenej pre kostol Santa Maria Novella vo Florencii, Masaccio po prvýkrát v nástennej maľbe používa plnú perspektívu. V nástenných maľbách kaplnky Brancacci kostola Santa Maria del Carmine vo Florencii (1425-28) - hlavnej výtvore svojho krátkeho života - Masaccio dodáva obrazom nebývalú vitalitu, zdôrazňuje fyzickosť a monumentalitu svojich postáv, majstrovsky sprostredkuje emocionálny stav psychologickej hĺbky obrazov. Vo freske „Vyhnanie z raja“ rieši umelec najťažšiu úlohu svojej doby zobraziť nahú ľudskú postavu. Drsné a odvážne umenie Masaccia malo obrovský vplyv na umeleckú kultúru renesancie, najmä na dielo Piera della Francesca a Michelangela.

Osobitné miesto v maľbe ranej renesancie patrí Sandrovi Botticellimu (1445-1510), súčasníkovi Leonarda da Vinciho a mladého Michelangela. vynikajúce umenie Botticelli s prvkami štylizácie (t. j. zovšeobecňovanie obrazov pomocou konvenčných techník – zjednodušenie farby, tvaru a objemu) zožal veľký úspech medzi vzdelanými Florenťanmi. Botticelliho umenie, na rozdiel od väčšiny majstrov ranej renesancie, bolo založené na osobnej skúsenosti. Medzi mnohými obrazmi, ktoré vytvoril Botticelli, sú niektoré z najkrajších výtvorov svetového umenia („Zrodenie Venuše“, „Jar“). Mimoriadne citlivý a úprimný Botticelli prešiel náročnou a tragickou cestou. kreatívne činnosti- od poetického vnímania sveta v mladosti až po mystiku a náboženskú exaltáciu v dospelosti.

Umenie ranej talianskej renesancie reprezentovalo nové maliarstvo, sochárstvo a architektúra. Prvými významnými maliarskymi majstrami boli Giotto (1266-1337) a Masaccio (1401-1428) - florentskí umelci. Maľovali na cirkevno-náboženské námety (fresková maľba-maľba stien vo vnútri chrámov), ale svojim obrazom dodávali realistické črty. Giotto bol prvým umelcom, ktorý sa oslobodil talianska maľba z vplyvu byzantskej ikonografie.

hlavný sochár tohto obdobia bol Donatello (1386-1466). Brunelleschi (1377-1445) bol najväčším architektom ranej renesancie. Oživenie bolo nejednoznačné: umelci niekedy išli sami rôzne cesty. Svetský začiatok, túžba po fascinujúcom rozprávaní, lyrický pozemský cit našli živé vyjadrenie v dielach Fra Filippa Lippiho (1406--1469), mnícha karmelitánskeho rádu. Očarujúci majster, autor mnohých oltárnych obrazov, medzi ktorými sa za najlepší považuje obraz „Adorácia dieťaťa“, vytvorený pre kaplnku v paláci Medici. Do konca XV storočia. princípy, formy, obrazy nového umenia sa stali majetkom celého Talianska. Základy sú položené nový systémžánrov, nazbieral množstvo skúseností umelecké znalostičlovek a svet okolo neho. Vplyv nového talianskeho umenia sa začal šíriť do ďalších európskych krajín. Skončila sa etapa ranej renesancie, ktorá pripravila mohutný rozmach všetkých druhov umenia v dobe vrcholnej renesancie.

LÍSTOK #13

Tretie obdobie renesancie – doba najveľkolepejšieho rozvoja jeho štýlu – sa bežne nazýva „vrchná renesancia“. Zasahuje do Talianska približne od roku 1500 do roku 1527. V tomto čase sa centrum vplyvu talianskeho umenia z Florencie presťahovalo do Ríma, vďaka nástupu na pápežský stolec Júliusa II. – ambiciózneho, odvážneho a podnikavého muža, ktorý zaujal najlepších umelcov Taliansko, ktoré ich obsadilo početnými a významnými dielami a iným dalo príklad lásky k umeniu. S týmto pápežom a jeho najbližšími nástupcami sa Rím stáva akoby novými Aténami Periklovej doby: stavajú sa v ňom mnohé monumentálne stavby, veľkolepé sochárske diela, maľujú sa fresky a obrazy, ktoré sú dodnes považované za perly maliarstva; všetky tri odvetvia umenia zároveň harmonicky idú ruka v ruke, pomáhajú si a navzájom na seba pôsobia. Antika sa teraz študuje dôkladnejšie, reprodukuje sa s väčšou prísnosťou a dôslednosťou; pokoj a dôstojnosť nahrádzajú hravú krásu, ktorá bola ašpiráciou predchádzajúceho obdobia; úplne miznú reminiscencie na stredovek a na všetky umelecké diela dopadá úplne klasický odtlačok. Ale napodobňovanie staroveku nedusí ich nezávislosť v umelcoch a oni s veľkou vynaliezavosťou a živosťou fantázie voľne spracovávajú a aplikujú vo svojej tvorbe to, čo uznajú za vhodné požičať si zo starovekého grécko-rímskeho umenia.

Dielo troch veľkých talianskych majstrov predstavuje vrchol renesancie, ktorými sú Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) a Rafael Santi (1483 - 1520).

Renesanční titáni

Titánmi talianskej renesancie sú tri vrcholy umenia: Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo. Prečo ich nazývame „titáni“? AT starovekej mytológie titáni boli tí, ktorí sa odvážili napadnúť bohov a chceli sa porovnávať s bohmi pri moci. Ale olympijskí bohovia hrdých tvrdo potrestali a zvrhli ich do zubného kameňa. Jedným z titánov bol Prometheus, ktorý tiež vyzval bohov, aby pomohli ľudskej rase. Rozdával ľuďom oheň, no sám sa stal obeťou pomsty bohov: bol pripútaný ku skale a do pečene mu kloval šarkan.
Titáni renesancie, podobne ako polobohovia staroveku, napadli nebo. Na rozdiel od stredoveká reprezentácia o bezvýznamnosti človeka, jeho slabosti a hriešnosti pred všemocným Bohom tvrdili veľkosť človeka, bezhraničnosť jeho možností a bohatstvo talentov a nie na. slovami, ale skutkami, vlastný príklad. Je ťažké si čo i len predstaviť, koľko talentov sa zmestí do jednej osoby!
Leonardo da Vinci spájal talent vedca (matematika, mechanika, optika, fyzika, biológa, anatóma atď.), umelca (kresliara, maliara, sochára a architekta), filozofa a spisovateľa. Michelangelo bol zároveň sochár, maliar, architekt a básnik. Raphael možno nebol taký všestranný, ale jeho umelecký dar bol taký dokonalý, že už za života ho volali Santi, teda „božský“.
Pozrite sa na Leonardov neskorý autoportrét. Vidíme človeka, ktorý toho v živote veľa zažil. Vlasy a brada mu splývajú po tvári, vďaka čomu vyzerá ako múdry čarodej, ktorý objavil tajomstvá nedostupné obyčajnému smrteľníkovi. Prenikavý pohľad, kútiky pier sú znížené, čo vyjadruje sklamanie. Prichádzajú mi na myseľ riadky kráľa Šalamúna z knihy „Kazateľ“ v Starom zákone: „Vedomosť rozmnožuje smútok“. Leonardo da Vinci je obrazom múdreho umelca. Jeho štipendium sa snaží preniknúť do všetkých kútov sveta. Aj krásu chce poznať a merať kompasom a pravítkom. A darí sa mu to. Poznanie najvnútornejších tajomstiev prírody – to je duša Leonarda.
Rafael - svetlý génius, anjel znovuzrodenia. Všetko bolo pre neho ľahké. Netrpí, jeho myseľ sa neponáhľa hľadať pravdu. Odhalí sa mu samotná pravda – v kráse a stelesňuje ju tak dokonale, že ho odvtedy nikto nedokázal prekonať. Čoskoro tento svetlý génius renesancie zomrel. V 38 rokoch skoro ako Puškin. Jeho smrť oplakával celý Rím. Vasari povedal, že ľudia ako Raphael, bohato obdarení krásou a talentom, jemným charakterom, skromnosťou a milosťou, nie sú ľudia, ale smrteľní bohovia. Michelangelo je skutočný titán. Vždy v boji so sebou samým, so svetom a Bohom. Kolosálny impulz, viera v človeka. Sám povedal: "Ešte sa na svete nenarodil človek, ktorý by tak ako ja bol taký naklonený láske k ľuďom." Michelangelo prežil vzostup renesančných ideálov a ich tragický pád.
Výskyt takých pozoruhodných osobností v kultúre ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo nebol náhodný. Svedčí o hlbokých zmenách v postoji k umeniu v minulosti a k ​​umelcovi zvlášť.
V stredoveku nebola identita umelca dôležitá. Pri vytváraní umeleckého diela sa majster považoval iba za nástroj v rukách Božích. Diela neboli podpísané, pretože sa verilo, že ich skutočným autorom je sám Boh.
Tvorca umeleckých diel nebol nazývaný umelcom vo vysokom zmysle, ako to dnes dávame do tohto slova. Maliari ikon, stavitelia katedrál atď. považovaní len za remeselníkov. Tieto názory pretrvávali dlho.
Keď sa Michelangelo rozhodol stať sa sochárom, jeho otec mu to zakázal, pretože považoval takéto povolanie za nehodné slávneho rodu Buonar-roti; jednoducho nevidel rozdiel medzi sochárom a kamenárom.

VSTUPENKA #15

REVIVAL SEVER Severná renesancia je termín používaný na opis renesancie v r Severná Európa, alebo všeobecnejšie - v celej Európe mimo Talianska, severne od Álp.

Označenie obdobia v kultúrnom a ideologický vývoj krajiny ležiace severne od Talianska (hlavne Holandsko, Nemecko a Francúzsko v 1. tretine 15.-16. stor.; napr. jednotlivé krajiny existuje vlastná periodizácia), prechodný od stredoveká kultúra ku kultúre novej doby. Na rozdiel od talianskej renesancie ( cm. REVIVAL (Renesancia)), severná renesancia sa vyznačuje veľkým pretrvávaním stredovekých tradícií, záujmom o individuálnu jedinečnosť človeka a jeho prostredia (vrátane interiéru, zátišia, krajiny). Najväčší predstavitelia Severná renesancia: Van Eyck ( cm. VAN EYCK), H. Bosch ( cm. BOSCH Hieronymus), P. Brueghel starší ( cm. Brueghel Peter starší) - v Holandsku; A. Durer ( cm. DURER Albrecht), M. Niethard ( cm. NITHHARDT Mathis), L. Cranach starší ( cm. CRANAH Lucas starší), H. Holbein mladší ( cm. HOLBEIN Hans mladší) - v Nemecku; J. Fouquet( cm. FOUQUET Jean), F. Clouet ( cm. KLUET), J. Goujon ( cm. GOUJON Jean) - vo Francúzsku.

architektúra 17. storočia Lorenzo Bernini (1598-1680) - stal sa dirigentom oficiálnej línie pápežov v umení baroka, postavil sa ako univerzálny majster, schopný rovnako plodne sa venovať maľbe, architektúre a sochárstvu. Ukázalo sa však, že je slabým umelcom a v architektúre zostal nadaným amatérom, schopným vyvinúť nápad, pracovný program, pričom všetky problémy s výpočtami, inžinierskou podporou a skutočnou realizáciou prenechal početnej armáde sochárov a pomocných architektov. z vlastnej rímskej dielne. Zanechal si obrovské honoráre a slávu.

· Francesco Borromini (1599-1667) – zaoberal sa len architektúrou. Je virtuóznym architektom a majstrom kresieb, ktorým sa plodne venoval v Miláne. Borrominiho kresby nemali v Taliansku 17. storočia obdobu v profesionálnej dokonalosti. Odsunutý na okraj architektonickej praxe v Ríme sa stáva architektom mníšskych rádov. Preto je jeho tvorba neopodstatnene skromná. Ale významný umeleckú hodnotu a popularita Borominiho diel prekročí hranice Talianska a nájde skutočných pokračovateľov a potomkov v tvorivých osobnostiach, medzi ktoré patrí Nicolo Michetti (Konstantinovský palác, Strelna, Ruské impérium) alebo Jan Blazhey Santini Aichl (Česká republika).

·

Plán kostola Sant'Ivo alla Sapienza

·

Nádvorie Sant Ivo alla Sapienza

sant ivo, vintage gravírovanie 1695

Zloženie paláca a kostola Sant Ivo.

Talianska baroková záhrada

Villa Aldobrandini.

Baroková záhrada talianskeho typu je logickým pokračovaním renesančnej záhrady. Renesančné záhrady boli stále malé, bez veľkoleposti. Využili fontánu s plastikou, lavičky, črepníky s citrónovníkmi. Všetkému dominoval palác či vila. Terasy zatiaľ nepodliehajú jedinej umelecký zámer, navzájom a v paláci. Tesnosť budov v mestských hradbách neumožňovala vznik záhrad v mestách a objavujú sa na perifériách (záhrady Boboli vo Florencii) alebo na vidieku.

Umenie Talianska v 18. storočí

[upraviť] neskorého baroka

Barok, zrodený a dozretý v Taliansku, pretrvával národné umenie dlhšie ako v iných európskych krajinách. Kúsok po kúsku sa v ňom hromadia krízové ​​črty a únava. Už v dielach Carla Marattu (1625-1713) stráca baroková maľba dôstojnosť, pravdivosť, ktoré sú nahradené bravúrou a neúprimným pátosom. Výskumník J. Argan trpko poznamenal: "Jeho maľba v službách vládcov symbolizuje banálne veci, skrývajúce sa za autoritu Raphaela a Tiziana." Ale baroková maľba Talianska ešte nestratila schopnosť obnovovať sa a vypovedať o prírode, histórii a svete ľudských citov, tak v dielach provinčných majstrov (Crespi, Vittore Gislandi), ako aj v r. dekoratívna maľba(Giovanni Battista Tiepolo). Doznievajúci barok si ešte dlho udrží svoje postavenie v divadelnom a dekoratívnom umení Talianska a mnohých európskych krajín (Andrea Pozzo, Ferdinando Bibiena, Giuseppe Valeriani).

No centrum umeleckého hľadania v Európe napokon smeruje do Francúzska.

·

Crespi. Sibyla Kuma, Aeneas a nosič Cháron, 1705

Giacomo Cheruti. "Tri žobráci", 1736

Lorenzo Tiepolo. Portrét Cecilie Guardiovej

·

Vittore Ghislandi. Mladý umelec , 1732

VSTUPENKA #17

Caravaggio a karavaggizmus

Caravaggio (Caravaggio; vlastne Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) Michelangelo (28. september 1573, Caravaggio, Lombardia, - 18. júl 1610, Porto Ercole, Toskánsko), taliansky maliar. Zakladateľ realistický smer v európskom maliarstve 17. storočia.

Študoval v Miláne (1584-88) u S. Peterzana. V rokoch 1589 až 1593 prišiel do Ríma, kde pôsobil do roku 1606, potom - v Neapole (1607 a 1609-10), na ostrove Malta a na Sicílii (1608-09). Tvorba K., ktorá nepatrila k žiadnej konkrétnej umeleckej škole, vznikla ako opozícia voči dominantným trendom v r. talianske umenie koniec 16. – začiatok 17. storočia (manierizmus a akademizmus).

Rané diela K. (v rokoch 1592 – 1598) so zvučnou farebnosťou a priehľadným šerosvitom prezrádzajú spojenie s tradíciami severotalianskeho maliarstva 16. storočia. (J. Savoldo, L. Lotto, A. Moretto a ďalší). Zároveň sa v nich už objavuje množstvo v podstate nových funkcií. K. stavia princíp idealizácie obrazu do kontrastu s individuálnou expresivitou konkrétneho modelu („Malý chorý Bacchus“, Galéria Borghese, Rím), alegorická interpretácia deja - nezaujatá štúdia prírody v jednoduchom každodennom motíve („“ Mladý muž s košíkom ovocia, Borghese Gallery, Rím). Hádať sa s umelecké koncepty manierizmus a akademizmus, K. stelesňuje v starožitný príbeh sviatočný a hravý, ľudový začiatok („Bacchus“, 1592-93, Galéria Uffizi, Florencia), prichádza k popretiu dominantného systému žánrov a prispieva k vytvoreniu nových typov maľby – zátišia („Ovocný košík“, asi 1596, Pinacoteca Ambrosiana, Miláno) a domáci žáner("Fortuneteller", Louvre, Paríž). náboženská maľba dostáva od neho novú, intímnu psychologickú interpretáciu („Odpočinok na úteku do Egypta“, Galéria Doria-Pamphilj, Rím). Do konca 90. rokov 16. storočia. formuje sa pôvodný obrazový systém K. Popredie obrazu, jasne osvetlené lúčom svetla, vyniká na pozadí ponorenom do hustého tieňa, čím sa dosahuje zvýraznená optická čistota obrazu a vytvára dojem jeho v bezprostrednej blízkosti diváka („Lute Player“, Ermitáž, Leningrad). zrelé diela K. (1599-1606) - to sú plátna monumentálne kompozičným riešením, disponujúce mimoriadnou dramatickou silou. Silné kontrasty svetla a tieňa, expresívna jednoduchosť gest, energická plastická modelácia a zvučná, bohatá farebnosť odrážajú emocionálne napätie, ktoré vzniká z nečakaného prejavu ideálne vznešeného v každodenný životľudí alebo vo chvíľach duchovnej opozície človeka k nepriateľskému prostrediu („Volanie apoštola Matúša“ a „Utrpenie apoštola Matúša“, 1599-1600, kostol San Luigi dei Francesi, „Ukrižovanie sv. Apoštol Peter“ a „Obrátenie Saula“, 1600-01, kostol Santa Maria del Popolo, Madonna di Loreto, približne 1603-06, Kostol Sant'Agostino, všetko v Ríme; Pohreb, 1602-04 (pozri obrázok) , Pinacoteca, Vatikán; Smrť Márie “, približne 1605-06, Louvre, Paríž). Zdôraznená obyčajnosť typu, rozhodnosť presadzovania demokratických umeleckých ideálov v obrazoch K. vzbudzovali ostrý odpor prívržencov oficiálneho umenia. Množstvo umelcových diel zákazníci odmietli. AT neskoršie práce K., vytvorený počas rokov putovania po južnom Taliansku (1606-10), ďalší vývoj realistické tendencie, rozširovanie záberu životných javov („Sedem skutkov milosrdenstva“, 1607, kostol Pio Monte della Misericordia, Neapol) sprevádza prehlbovanie tragiky svetonázoru. Spolu s tónmi žalostnej neviazanosti sa v nich prejavuje duch vznešeného stoicizmu („Poprava Jána Krstiteľa“, 1609, Katedrála San Giovanni, La Valletta; „Pohreb sv. Lucie“, 1608, Kostol Santa Lucia, Syrakúzy). K. odkazuje na tému osamelosti ľudí v rozľahlom svete, priťahuje ho obraz zohraného ľudského tímu, spájaného atmosférou rodinnej blízkosti a vrúcnosti. svetlo v neskoré maľby K. sa stáva jemným a vibrujúcim, farebná schéma tiahne k tónovej jednote („Klaňanie pastierov“, 1609, Národné múzeum, Messina). Spôsob predvedenia nadobúda črty voľnej improvizácie. Inovatívne umenie K. našlo nasledovníkov v Taliansku a iných európskych krajinách, čím ovplyvnilo pridanie realistických prúdov v mnohých európskych umeleckých škôl(Karavagizmus).

karavaggizmus:

1) systém umeleckými prostriedkami, charakteristické pre počiatočná fáza formovanie realizmu v európskom maliarstve 17. storočia. a získal najživšie stelesnenie v práci taliansky maliar Caravaggio. K. charakterizuje demokracia
umelecký ideál, záujem o priamu reprodukciu prírody, zvýšený zmysel pre skutočnú objektivitu obrazu, aktívna úloha kontrastov svetla a tieňa v obrazovom riešení obrazu, túžba po monumentalizácii žánrových motívov. Dôležitým krokom bolo odvolanie sa na techniky K kreatívny rozvoj mnoho popredných majstrov 17. storočia. (P. P. Rubene, Rembrandt), aj keď v niektorých prípadoch nešlo o výsledok priameho vplyvu umenia Caravaggia a jeho nasledovníkov (F. Ribalt, D. Vslaskes, Georges de Latour).

2) Smer v európskom maliarstve 17. storočia reprezentovaný nasledovníkmi Caravaggia. V Taliansku, kde si maliarske tendencie udržali svoj význam až do konca 17. storočia, prenikli do všetkých významných umeleckých centier a zvlášť silne zapôsobili na maliarstvo Ríma, Janova, Neapola. Odkaz Caravaggia dostal najoriginálnejšiu a najsamostatnejšiu reflexiu v dielach O. Borjanniho, O. Geptileschiho, C. Saraceniho, G. B. Caracciola. Pre množstvo majstrov sa k. vyjadrovalo v povrchnom preberaní formálnych techník a dejové motívy umenie Caravaggia (diela L. Spadu, B. Manfrediho a i.). Zo zahraničných predstaviteľov C. sú najvýznamnejší: v Holandsku - H. Terbruggen, G. Honthorst, D. van Baburen, vo Flámsku - T. Rombouts, A. Jansens, vo Francúzsku - J. Valentin, S. Vuz , v Španielsku - X Ribera, v Nemecku - A. Elsheimer.

VSTUPENKA č. 18

Umenie Francúzska. Architektúra Architektúra XVIII storočia vo Francúzsku je tradične rozdelená do dvoch období, ktoré zodpovedajú dvom architektonickým štýlom: v prvej polovici XVIII storočia. dominantné postavenie zaujíma rokoko, v druhom - neoklasicizmus. Tieto štýly sú vo všetkých smeroch protikladné, a preto sa prechod od rokoka k neoklasicizmu často nazýva „revolta“.

Rokokový štýl sa odklonil od prísnych pravidiel klasicizmu 17. storočia; jej majstrov viac priťahovali zmyselné, voľné formy. Rokoková architektúra, ešte silnejšia ako baroko, sa snažila o dynamickejšie obrysy budov a dekoratívnosť ich výzdoby, ale odmietala slávnosť baroka a jeho úzke prepojenie s katolíckou cirkvou.

Samotné slovo "neoklasicizmus" v XVIII storočí. ešte neexistoval. Kritici a umelci používali iné definície – „pravý štýl“ alebo „obroda umenia“. záujem o antiku XVIII storočia nadobudli vedecký charakter: archeológovia začali metodické vykopávky antických pamiatok, architekti začali robiť presné merania a nákresy zachovaných fragmentov a ruín. Pre neoklasicistov bola architektúra spôsobom prestavby sveta. Objavili sa utopické projekty, ktoré stelesňovali ideály osvietenstva; neskôr sa im hovorilo „hovoriaca architektúra“.

ROKOKOVÁ ARCHITEKTÚRA

Rokoko vzniklo v posledných rokoch panovania kráľa Ľudovít XIV(1643-1715), ale na rozdiel od všetkých štýlov francúzskej architektúry, ktoré mu predchádzali, nešlo o dvorné umenie. Väčšina rokokových budov sú súkromné ​​domy francúzskej aristokracie: bohaté mestské sídla (vo Francúzsku nazývané „hotely“) a vidiecke paláce.

Od mesta oddeľoval kaštieľ spravidla vysoký plot, ktorý skrýval život majiteľov domu. Hotelové izby mali často krivočiare obrysy; neboli umiestnené v enfilade, ako bolo zvykom v kaštieľoch 17. storočia, ale tvorili veľmi elegantné asymetrické kompozície. Hlavná sála, takzvaný salón, bola zvyčajne umiestnená v strede. Izby boli oveľa menšie ako sály klasických palácov a mali nižšie stropy. A okná v týchto sídlach boli veľmi veľké, takmer od podlahy. Interiéry rokokových budov zdobili sochárske a vyrezávané dekorácie, maľby na fantastické námety a množstvo zrkadiel.

Hotel Soubise v Paríži bol postavený pre princa de Soubise v rokoch 1705 až 1709. navrhol Pierre Alexis Delamere (1675-1745). Rovnako ako ostatné kaštiele je od priľahlých ulíc oplotený vysokým múrom s luxusnými vstupnými bránami.

Číslo lístka 19

Architektúra a umenie Španielska v 17. storočí Arabi priniesli do španielskeho umenia rozvinutú ornamentálnu kultúru a zanechali množstvo veľkolepých architektonických pamiatok v maurskom štýle, medzi nimi mešitu v Cordobe (8. storočie) a palác Alhambra v Granade (13.-15. storočie). V 11.-12.st. rozvíja v Španielsku Rímsky štýl v architektúre, ktorej pozoruhodnou pamiatkou je majestátna katedrála v meste Santiago de Compostela. V 13. – prvej polovici 15. stor. v Španielsku, ako vo všetkých západná Európa, tvorí sa gotický štýl. Španielska gotika si často požičiava maurské črty, čoho dôkazom sú majestátne katedrály v Seville, Burgose a Tolede (jedna z najväčších v Európe). Osobitným umeleckým fenoménom je tzv. štýl<мудехар>, ktorá vznikla spojením gotických prvkov v architektúre a neskôr renesancia s mauritánskymi Arabmi priniesla španielskemu umeniu rozvinutú ornamentálnu kultúru a zanechala množstvo nádherných architektonických pamiatok v maurskom štýle, medzi nimi mešitu v Cordobe ( 8. storočie) a palác Alhambra v Granade (13. -15. storočie). V 11.-12.st. Na území Španielska sa rozvíja románsky štýl v architektúre, ktorého pozoruhodnou pamiatkou je majestátna katedrála v meste Santiago de Compostela. V 13. – prvej polovici 15. stor. v Španielsku, tak ako v celej západnej Európe, sa formuje gotický štýl. Španielska gotika si často požičiava maurské črty, čoho dôkazom sú majestátne katedrály v Seville, Burgose a Tolede (jedna z najväčších v Európe). Osobitným umeleckým fenoménom je tzv. štýl<мудехар>, ktorý vznikol ako výsledok splynutia gotických prvkov v architektúre, neskôr renesancie s maurským dedičstvom.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

V 16. storočí pod vplyvom talianskeho umenia v Španielsku sa formuje škola manierizmu: jej významnými predstaviteľmi boli sochár Alonso Berruguete (1490-1561), maliari Luis de Morales (asi 1508-1586) a veľký El Greco (1541). -1614). Zakladateľmi umenia dvorného portrétovania boli slávni maliari Alonso Sanchez Coelho (asi 1531-1588) a jeho žiak Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). Vo svetskej architektúre 16. stor. zavedený ornamentálny štýl<платереск>, ktorý koncom storočia vystriedal studený štýl<эрререско>, ktorého príkladom je kláštor-palác Escorial pri Madride, postavený v rokoch 1563-1584 ako rezidencia španielskych kráľov.

<Золотым веком>Španielske maliarstvo sa nazýva 17. storočie, keď pôsobili veľkí umelci Jusepe Ribera (1588-1652), Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), Francisco Zurbaran (1598-1664) a Diego de Silva Velazquez (1599-1660). Diskrétne v architektúre<эрререско>v druhej polovici 17. storočia. nahradený príliš dekoratívnym štýlom<чурригуреско>.

Obdobie 18-19 storočia. všeobecne charakterizované poklesom španielske umenie, uzavretý v imitatívnom klasicizme, neskôr v povrchnom kostýme. Na tomto pozadí sa obzvlášť zreteľne vyníma dielo Francisca Goyu (1746 – 1828).

K oživeniu veľkej španielskej tradície dochádza v prvej polovici 20. storočia. Nové cesty vo svetovom umení razil pôvodný architekt Antonio Gaudi (1852-1926), ktorý bol tzv.<гением модерна>Salvador Dalí (1904-1989), jeden zo zakladateľov kubizmu Juan Gris (1887-1921), abstraktný umelec Juan Miro (1893-1983) a Pablo Picasso (1881-1973), ktorí prispeli k rozvoju viacerých súčasných trendov. umenie.

V 17. storočí umelecká tradícia holandského umenia pokračovala vo Flámsku a Holandsku. Na ich základe príbuzné, no osobité flámske a holandská škola maľovanie. Dôvodom tohto rozdelenia bolo dramatický príbeh Holandsko v druhej polovici 16. storočia.

V tom čase bol v Holandsku rozšírený protestantizmus – krédo, ktoré popieralo úctu k ikonám ako modlárstvo a opustené cirkevné umenie. V roku 1566 sa krajinou prehnala vlna ikonoklazmu. Za pár dní boli zničené mnohé chrámy a kláštory, zničené boli sochy svätých, oltáre a ikony. Španielsky kráľ Filip II., ktorý vtedy vládol Holandsku, vyslal do krajiny veľkú armádu, aby obnovila dominantné postavenie katolíckej cirkvi. Španieli nepokoje brutálne potlačili, zatiaľ čo desaťtisíce Holandska zomreli. V reakcii na násilie vypuklo ozbrojené povstanie.

Na severe krajiny, kde väčšinu obyvateľstva tvorili protestanti, bol v roku 1581 vyhlásený nový štát – Republika spojených provincií. Vedúca úloha v ňom patrila Holandsku a čoskoro sa tak začala nazývať celá krajina.

Na juhu Holandska vyhrali Španieli. V roku 1585 sa vzdala posledná bašta povstalcov, mesto Antverpy.

Filip II. v roku 1598 previedol južné Holandsko na svoju milovanú dcéru Infante Isabellu (1566-1633). Novovzniknutý štát sa v oficiálnych dokumentoch nazýval Katolícke Holandsko, v odbornej literatúre - Belgicko, v bežnej reči - Flámsko, ako aj najrozvinutejšia z jeho provincií. Bolo to úplne závislé od Španielska.

V boji o náboženské predstavy kultúra utrpela porážku: mnohé krásne umelecké pamiatky zničili protestanti, ale aj v katolíckych provinciách museli zabudnúť na originál umeleckej tradície. katolícky kostol bol podozrivý z rozprávkovej rozmanitosti starého holandského umenia. Umelci, ktorí sa snažili interpretovať po svojom biblické príbehy riskoval obvinenie z kacírstva. cirkevné umenie zmenila. Odteraz mala farníkom nielen vysvetľovať Sväté písmo, ale doslova čarovať, podriaďovať ich vedomie autorite Cirkvi. Podávalo sa organová hudba, bizarná architektúra chrámov, náboženská maľba. Ak bol v stredoveku chrám koncipovaný ako škola, potom v 17. storočí. bolo to skôr divadlo.

Podobné informácie.

Federálna agentúra pre vzdelávanie

Štátna univerzita architektúry a stavebníctva v Petrohrade

Katedra histórie

Disciplína: kulturológia

Titáni a majstrovské diela renesančnej kultúry

Skupina 1 študent EŠ 2

E. Yu. Nalivko

vedúci:

a. n., učiteľ

I. Yu, Lapina

Saint Petersburg

Úvod ………………………………………………………………… 3

Umenie ranej renesancie………………………..4

Obdobie vrcholnej renesancie……………………………….5

Sandro Botticelli……………………………………….5

Leonardo Da Vinci ……………………………………… 7

Michelangelo Buonarroti ………………………………… 10

Raffaello Santi……………………………………………………….. 13

Záver……………………………………………………………….. 15

Zoznam použitej literatúry………………………………..16

Úvod

Renesancia je dôležitým obdobím svetovej kultúry. Spočiatku nový fenomén v Európe kultúrny život vyzeral ako návrat k zabudnutým výdobytkom antickej kultúry v oblasti vedy, filozofie, literatúry. Fenomén renesancie spočíva v tom, že antické dedičstvo sa stalo zbraňou na zvrhnutie cirkevných kánonov a zákazov. V podstate musíme hovoriť o grandióznej kultúrnej revolúcii, ktorá trvala dve a pol storočia a skončila vytvorením nového typu svetonázoru a nového typu kultúry. Mimo európskeho regiónu sa v tom čase nič také nepozorovalo. Preto táto téma vzbudil vo mne veľký záujem a túžbu podrobnejšie rozobrať toto obdobie.

Vo svojej eseji sa chcem zamerať práve na takéto prominentní ľudia ako Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Práve oni sa stali najvýraznejšími predstaviteľmi hlavných etáp talianskej renesancie.

1. Umenie ranej renesancie

V prvých desaťročiach 15. storočia nastal rozhodujúci obrat v umení Talianska. Vznik mocného centra renesancie vo Florencii viedol k obnove celej talianskej umeleckej kultúry.

Dielo Donatella, Masaccia a ich spolupracovníkov znamená víťazstvo renesančného realizmu, ktorý sa výrazne líšil od „realizmu detailov“, ktorý bol charakteristický pre gotické umenie neskorého trecenta. Diela týchto majstrov sú presiaknuté ideálmi humanizmu. Oslavujú a oslavujú človeka, pozdvihujú ho nad úroveň všedného dňa.

Umelci ranej renesancie v boji s gotickou tradíciou hľadali oporu v antike a umení protorenesancie. To, čo majstri protorenesancie hľadali len intuitívne, hmatom, sa dnes zakladá na presnom poznaní.

Talianske umenie 15. storočia sa vyznačuje veľkou rozmanitosťou. Novému umeniu, ktoré zvíťazilo na začiatku 15. storočia vo vyspelej Florencii, sa v iných oblastiach krajiny okamžite nedostalo uznania a distribúcie. Kým Bruneleschi, Masaccio, Donatello pôsobili vo Florencii, v severnom Taliansku boli stále živé tradície byzantského a gotického umenia, ktoré postupne nahrádzala renesancia.

Florencia bola hlavným centrom ranej renesancie. Florentská kultúra prvej polovice a polovice 15. storočia je pestrá a bohatá. Od roku 1439, od ekumenického cirkevného koncilu vo Florencii, na ktorý prišiel byzantský cisár Ján Palaiologos a konštantínopolský patriarcha v sprievode veľkolepého sprievodu, a najmä po páde Byzancie v roku 1453, keď mnohí vedci, ktorí utiekli z Východ našiel útočisko vo Florencii, toto mesto sa stáva jedným z hlavných centier v Taliansku pre štúdium gréckeho jazyka, ako aj literatúry a filozofie starovekého Grécka. A predsa vedúca úloha v kultúrnom živote Florencie v prvej polovici a polovici 15. storočia nepochybne patrila umeniu. jeden

2. Obdobie vrcholnej renesancie

Toto obdobie predstavuje vrchol renesancie. Bolo to krátke obdobie, ktoré trvalo asi 30 rokov, no kvantitatívne a kvalitatívne je toto obdobie ako storočia. Umenie vrcholnej renesancie je zhrnutím výdobytkov 15. storočia, no zároveň ide o nový kvalitatívny skok v teórii umenia aj v jeho realizácii. Nezvyčajné „zahusťovanie“ tohto obdobia možno vysvetliť tým, že počet súčasne (v jednom historickom období) pracujúcich brilantných umelcov je akýmsi rekordom dokonca celých dejín umenia. Stačí vymenovať také mená ako Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo.

3. Sandro Botticelli

Meno Sandro Botticelli je známe po celom svete ako meno jedného z najpozoruhodnejších umelcov talianskej renesancie.

Sandro Botticelli sa narodil v roku 1444 (alebo 1445) v rodine garbiara, florentského občana Mariana Filippepiho. Sandro bol najmladší, štvrtý syn Philippepiho. Bohužiaľ, takmer nič nie je známe o tom, kde a kedy bol Sandro vyučený ako umelec, a či, ako hovoria staré zdroje, skutočne najprv študoval šperky a potom začal maľovať. V roku 1470 už mal vlastnú dielňu a samostatne vykonával prijaté zákazky.

Čaro Botticelliho umenia zostáva vždy trochu tajomné. Jeho diela vyvolávajú pocit, ktorý diela iných majstrov nevyvolávajú.

Botticelli bol horší ako mnohí umelci 15. storočia, niektorí v odvážnej energii, iní v skutočnej autentickosti detailov. Jeho obrazy (až na veľmi vzácne výnimky) sú bez monumentality a dramatickosti, ich prehnane krehké formy sú vždy trochu arbitrárne. Ale ako žiadny iný maliar 15. storočia bol Botticelli obdarený schopnosťou najjemnejšieho poetického chápania života. Prvýkrát dokázal sprostredkovať jemné nuansy ľudských skúseností. Radostné vzrušenie je v jeho obrazoch nahradené melancholickým snom, výbuchy zábavy - bolestivá melanchólia, pokojné rozjímanie - nekontrolovateľná vášeň.

Nové smerovanie Botticelliho umenia dostáva svoj extrémny výraz v poslednom období jeho činnosti, v dielach 90. a začiatku 16. storočia. Tu sa prostriedky preháňania a nesúladu stávajú takmer neznesiteľnými (napríklad „Zázrak sv. Zenóbia“). Umelec sa potom ponorí do priepasti beznádejného smútku („Pieta“), potom sa odovzdá osvietenému povzneseniu („Spoločenstvo sv. Hieronyma“). Jeho obrazové maniere sú zjednodušené takmer na ikonopiseckú konvenciu, vyznačujúce sa akousi naivnou jazykozobou. Rovinný lineárny rytmus sa úplne podriaďuje kresbe, dovedenej až na hranicu svojej jednoduchosti, aj farebnosti s ostrými kontrastmi miestnych farieb. Obrazy akoby strácali svoju skutočnú, pozemskú schránku, pôsobiacu ako mystické symboly. A predsa v tomto čisto náboženskom umení si ľudský princíp razí cestu s veľkou silou. Nikdy predtým umelec nevložil do svojich diel toľko osobného citu, nikdy predtým nemali jeho obrazy taký vysoký morálny význam.

Smrťou Botticelliho sa končia dejiny florentského maliarstva ranej renesancie – tento skutočný jar talianskej umeleckej kultúry. Súčasník Leonarda, Michelangela a mladého Raphaela Botticelli zostal cudzím ich klasickým ideálom. Ako umelec patril výlučne do 15. storočia a nemal priamych pokračovateľov vo vrcholnej renesančnej maľbe. Jeho umenie však nezomrelo s ním. Bol to prvý pokus o odhalenie duchovného sveta človeka, pokus nesmelý a končiaci sa tragicky, no v priebehu generácií a storočí dostával svoj nekonečne mnohostranný odraz v práci iných majstrov.

Botticelliho umenie je poetickým vyznaním veľkého umelca, ktoré vzrušuje a vždy bude vzrušovať srdcia ľudí. 2

4. Leonardo Da Vinci

V dejinách ľudstva nie je ľahké nájsť inú osobu tak geniálnu, ako bol zakladateľ umenia vrcholnej renesancie Leonardo da Vinci (1452-1519). Ucelený charakter činnosti tohto veľkého umelca a vedca sa ukázal až pri skúmaní roztrúsených rukopisov z jeho pozostalosti. Leonardovi je venovaná kolosálna literatúra, jeho život bol podrobne študovaný. A napriek tomu veľa v jeho práci zostáva záhadných a naďalej vzrušuje mysle ľudí.

Leonardo da Vinci sa narodil v dedine Anchiano neďaleko Vinci: neďaleko Florencie. Bol nemanželským synom bohatého notára a jednoduchej roľníčky. Keď si jeho otec všimol chlapcovu mimoriadnu schopnosť maľovať, dal ho do dielne Andrea Verrocchio. Na obrázku učiteľa „Krst Krista“ patrí postava zduchovneného blonďavého anjela do štetca mladého Leonarda.

Medzi jeho rané diela patrí Madona s kvetom (1472), maľovaná olejomaľbou, vtedy vzácna v Taliansku.

Okolo roku 1482 vstúpil Leonardo do služieb milánskeho vojvodu Lodovica Mora. Majster sa odporúčal predovšetkým ako vojenský inžinier, architekt, odborník v oblasti hydrotechniky a až potom ako maliar a sochár. Prvé milánske obdobie Leonardovej tvorivosti (1482-1499) sa však ukázalo ako najplodnejšie. Majster sa stal najslávnejším umelcom v Taliansku, študoval architektúru a sochárstvo, venoval sa freskám a oltárnej maľbe.

Malebné obrazy Leonarda z milánskeho obdobia prežili až do našej doby. Prvým oltárnym obrazom vrcholnej renesancie bola Madona v jaskyni (1483-1494). Maliar sa vzdialil od tradícií pätnásteho storočia: v náboženských obrazoch, v ktorých prevládala slávnostná strnulosť. Na Leonardovom oltárnom obraze je málo postáv: žena Mária, Dieťa Kristus žehnajúce malému Jánovi Krstiteľovi a kľačiaci anjel, ktorý akoby hľadel mimo obraz. Zábery sú dokonale krásne, prirodzene spojené s prostredím. Je to druh jaskyne medzi tmavými čadičovými skalami s medzerou v hĺbke - krajina typická pre Leonarda ako celok je fantasticky tajomná. Postavy a tváre sú zahalené do vzdušného oparu, čo im dodáva zvláštnu jemnosť. Taliani túto techniku ​​nazvali Deonardo sfumato.

V Miláne zrejme majster vytvoril plátno „Madonna a dieťa“ („Madonna Lita“). Tu sa na rozdiel od Madony s kvetom snažil o väčšie zovšeobecnenie ideality obrazu. Nie je zobrazený určitý moment, ale určitý dlhodobý stav pokoja radosti, do ktorého je ponorená mladá krásna žena. Studené jasné svetlo osvetľuje jej tenkú mäkkú tvár s polosklopeným pohľadom a miernym, sotva postrehnuteľným úsmevom. Obraz je maľovaný temperou a dodáva tóny Máriinho modrého plášťa a červených šiat. Nadýchané tmavozlaté kučeravé vlásky Dojčaťa sú úžasne namaľované, jeho pozorný pohľad nasmerovaný na diváka nie je detinsky vážny.

Keď Miláno v roku 1499 obsadili francúzske vojská, Leonardo mesto opustil. Začal sa čas jeho potuliek. Nejaký čas pôsobil vo Florencii. Tam sa Leonardovo dielo zdalo byť osvetlené jasným zábleskom: namaľoval portrét Mony Lisy, manželky bohatého Florenťana Francesca di Gioconda (okolo roku 1503). Portrét je známy ako „Gioconda“, stal sa jedným z najznámejších diel svetovej maľby.

Malý portrét mladej ženy, zahalenej vo vzdušnom opare, sediacej na pozadí modrozelenej krajiny, je plný takého živého a nežného chvenia, že podľa Vasariho možno vidieť pulzovať pulz v prehlbovaní Mony. Lisin krk. Zdá sa, že obrázok je ľahko pochopiteľný. Medzitým sa v rozsiahlej literatúre venovanej Mone Lise stretávajú najprotikladnejšie interpretácie obrazu vytvoreného Leonardom.

V posledných rokoch svojho života Leonardo da Vinci pracoval málo ako umelec. Po pozvaní od francúzskeho kráľa Františka 1 odišiel v roku 1517 do Francúzska a stal sa dvorným maliarom. Čoskoro Leonardo zomrel. Na autoportréte - kresbe (1510-1515) vyzeral sivobradý patriarcha s hlbokým trúchlivým pohľadom oveľa starší ako svoj vek.

Mierku a jedinečnosť Leonardovho talentu možno posúdiť podľa jeho kresieb, ktoré zaujímajú jedno z čestných miest v dejinách umenia. Nielen rukopisy venované exaktným vedám, ale aj diela z teórie umenia sú nerozlučne späté s kresbami Leonarda da Vinciho, náčrtmi, náčrtmi a schémami. Veľký priestor je venovaný problematike šerosvitu, objemovému modelovaniu, lineárnej a vzdušnej perspektíve. Leonardo da Vinci vlastní množstvo objavov, projektov a experimentálnych štúdií v oblasti matematiky, mechaniky a iných prírodných vied.

Umenie Leonarda da Vinciho, jeho vedecký a teoretický výskum, jedinečnosť jeho osobnosti prešli celými dejinami svetovej kultúry a vedy a mali obrovský vplyv. 3

5 Michelangelo Buonarroti

Medzi polobohmi a titánmi vrcholnej renesancie zaujíma Michelangelo zvláštne miesto. Ako tvorca nového umenia si zaslúži meno Prometheus 16. storočia

Nádherná mramorová socha, známa ako Pieta, zostala dodnes pamiatkou prvého pobytu v Ríme a plnej zrelosti 24. letný umelec. Svätá Panna sedí na kameni, na jej lone spočíva bezvládne Ježišovo telo sňaté z kríža. Podopiera ho rukou. Michelangelo pod vplyvom antických diel odhodil všetky stredoveké tradície v zobrazovaní náboženských námetov. Kristovmu telu a celému dielu dal harmóniu a krásu. Nebola to Ježišova smrť, ktorá mala vyvolať hrôzu, ale len pocit pietneho prekvapenia voči veľkému trpiteľovi. Kráse nahého tela výrazne prospieva efekt svetla a tieňa, ktorý vytvárajú umne upravené záhyby Máriiných šiat. V Ježišovej tvári, ktorú umelec zobrazil, dokonca našli podobnosti so Savonarolou. Pieta zostala večným svedectvom boja a protestu, večným pamätníkom skrytých utrpení samotného umelca.

Michelangelo sa v roku 1501 v ťažkej chvíli pre mesto vrátil do Florencie, kde sa z obrovského bloku carrarského mramoru, ktorý bol určený pre kolosálnu sochu biblického Dávida na výzdobu kupole katedrály, rozhodol vytvoriť integrálnu a perfektná práca, bez toho, aby sa zmenšila jeho veľkosť, a bol to David. V roku 1503, 18. mája, bola socha inštalovaná na Piazza Senoria, kde stála viac ako 350 rokov.

V dlhom a bezútešnom živote Michelangela bolo len jedno obdobie, keď sa naňho usmialo šťastie – vtedy pracoval pre pápeža Júliusa II. Michelangelo svojím spôsobom miloval tohto hrubého otca bojovníka, ktorý nemal vôbec pápežské ostré spôsoby. Hrob pápeža Júliusa nedopadol tak veľkolepo, ako to Michelangelo zamýšľal. Namiesto Katedrály sv. Petra, bola umiestnená v malom kostolíku sv. Petra, kam ani nevstúpila celá a jej jednotlivé časti sa rozišli rôzne miesta. Ale aj v tejto podobe právom patrí medzi najznámejšie výtvory renesancie. Jeho ústrednou postavou je biblický Mojžiš, osloboditeľ svojho ľudu z egyptského zajatia (umelec dúfal, že Július oslobodí Taliansko od dobyvateľov). Všetko pohlcujúca vášeň, neľudská sila napína mocné telo hrdinu, v jeho tvári sa odráža vôľa a odhodlanie, vášnivý smäd po čine, jeho pohľad smeruje do zasľúbenej zeme. V olympskom majestáte sedí poloboh. Jedna jeho ruka sa mocne opiera o kamennú dosku na kolenách, druhá tu spočíva s neopatrnosťou hodnou človeka, ktorému stačí pohyb obočia, aby všetci poslúchli. Ako povedal básnik: „Pred takouto modlou mal židovský ľud právo padnúť na zem v modlitbe.“ Podľa súčasníkov Michelangelov „Mojžiš“ skutočne videl Boha.

Na žiadosť pápeža Júliusa Michelangelo vymaľoval strop Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne freskami zobrazujúcimi stvorenie sveta. V jeho obrazoch dominujú línie a telá. O 20 rokov neskôr, na jednu zo stien tej istej kaplnky, Michelangelo namaľoval fresku Posledný súd – ohromujúcu víziu zjavenia sa Krista pri poslednom súde, pri mávaní ruky ktorého hriešnici padajú do priepasti pekla. Svalnatý, herkulovský gigant nevyzerá ako biblický Kristus, ktorý sa obetoval pre dobro ľudstva, ale zosobnenie odplaty antickej mytológie, freska odhaľuje strašnú priepasť zúfalej duše, duše Michelangela.

V dielach Michelangela je vyjadrená bolesť spôsobená tragédiou Talianska, spojená s bolesťou nad vlastným smutným osudom.Krásu, ktorá sa nemieša s utrpením a nešťastím, našiel Michelangelo v architektúre. Michelangelo prevzal po Bramanteho smrti stavbu kostola sv. Ako dôstojný nástupca Bramanteho vytvoril kupolu a dodnes je neprekonateľná či už veľkosťou, ani majestátnosťou,

Michelangelo nemal žiakov, žiadnu takzvanú školu. Ale ním vytvorený bol celý svet. 4

6. Rafael

Dielo Rafaela Santiho je jedným z tých fenoménov európskej kultúry, ktoré sú nielen pokryté svetovou slávou, ale aj získali zvláštny význam- najvyššie medzníky v duchovnom živote ľudstva. Už päť storočí je jeho umenie vnímané ako jeden z príkladov estetickej dokonalosti.

Genialita Raphaela sa prejavila v maľbe, grafike, architektúre. Diela Raphaela sú najkompletnejším a najživším vyjadrením klasickej línie, klasického začiatku v umení vrcholnej renesancie (príloha 3). Raphael vytvoril „univerzálny obraz“ krásnej osoby, dokonalej fyzicky a duchovne, stelesňoval myšlienku harmonickej krásy bytia.

Raphael (presnejšie Raffaello Santi) sa narodil 6. apríla 1483 v meste Urbino. Prvé hodiny maľby dostal od svojho otca Giovanniho Santiho. Keď mal Raphael 11 rokov, Giovanni Santi zomrel a chlapec zostal sirotou (o chlapca prišiel 3 roky pred smrťou svojho otca). V priebehu nasledujúcich 5-6 rokov zrejme študoval maliarstvo u Evangelista di Piandimeleto a Timoteo Viti, menších provinciálnych majstrov.

Prvé známe diela Raphaela boli uvedené okolo roku 1500 - 1502, keď mal 17-19 rokov. Ide o miniatúrne kompozície „Tri grácie“, „Dream of a Knight“. Tieto prostoduché, stále študentsky bojazlivé veci sa vyznačujú jemnou poéziou a úprimnosťou citu. Od prvých krôčikov kreativity sa Raphaelov talent odhaľuje v celej svojej originalite, je načrtnutá jeho vlastná umelecká téma.

K najlepším dielam raného obdobia patrí Conestabile Madonna. Skladby zobrazujúce Madonu s dieťaťom priniesli Raphaelovi širokú slávu a popularitu. Krehké, krotké, zasnené Madony umbrijského obdobia vystriedali zemitejšie, plnokrvnejšie obrazy, ich vnútorný svet sa stal komplexnejším, bohatým na emocionálne odtiene. Raphael vytvoril nový typ zobrazenia Madony s dieťaťom - monumentálny, prísny a lyrický zároveň, dal tejto téme nebývalý význam.

Oslávil pozemskú existenciu človeka, harmóniu duchovných a fyzických síl v obrazoch strof (miestností) Vatikánu (1509-1517), pričom dosiahol dokonalý zmysel pre proporcie, rytmus, proporcie, harmóniu farieb, jednotu postavy a majestátnosť architektonického pozadia. Existuje mnoho obrazov Matky Božej („Sixtínskej Madony“, 1515-1919), umeleckých súborov na nástenných maľbách vo vile Farnesina (1514-18) a lodžiach Vatikánu (1519, so študentmi). V portrétoch vytvára ideálny obraz renesančného človeka (Baldassare Castiglione, 1515). Navrhol Katedrálu sv. Petra, postavil kaplnku Chigi kostola Santa Maria del Popolo (1512-20) v Ríme.

Raphaelova maľba, jej štýl, jej estetické princípy odrážali svetonázor éry. Do tretieho desaťročia 16. storočia sa kultúrna a duchovná situácia v Taliansku zmenila. Historická realita zničila ilúzie renesančného humanizmu. Oživenie sa chýlilo ku koncu. päť

Záver

V období renesancie vznikol záujem o umenie starovekého Grécka a Ríma, čo podnietilo Európu k zmenám, ktoré znamenali koniec stredoveku a začiatok novej doby. Toto obdobie nebolo len časom „oživovania“ dávnej minulosti, bolo časom objavov a výskumov, časom nových myšlienok. Klasické príklady inšpirovali nové myslenie, zdôrazňujúce ľudskú osobnosť, rozvoj a prejav schopností, a nie ich obmedzenia, čo bolo príznačné pre stredovek. Školenie a Vedecký výskum už neboli výlučne dielom cirkvi. Vznikali nové školy a univerzity, robili sa prírodovedné a medicínske experimenty. Umelci a sochári sa vo svojej tvorbe snažili o prirodzenosť, o realistickú rekreáciu sveta a človeka. Študovali sa klasické sochy a ľudská anatómia. Umelci začali používať perspektívu a opustili rovinný obraz. Umeleckými predmetmi boli ľudské telo, klasické a moderné námety, ako aj náboženské námety. V Taliansku vznikali kapitalistické vzťahy a ako nástroj vo vzťahoch medzi mestskými štátmi sa začala využívať diplomacia. Vedecké a technologické objavy, ako napríklad vynález kníhtlače, prispeli k šíreniu nových myšlienok. Postupne sa nové myšlienky zmocňovali celej Európy.

(XIV-XVI/XVII storočia) ... to je veľký prínos pre umenie renesancie.TITÁNI VYSOKORESNESANČNÝ SALEONARDO DA VINCI koniec... jeho jedinečný príspevok k éra renesancie a vytvorili si vlastné majstrovské diela. AT kultúra XV-XVI storočia ...

Sto rokov po Giottovej smrti nebol vo Florencii ani jeden umelec tak nadaný ako on. Najlepší z nasledujúcich majstrov si boli vedomí svojej menejcennosti, ale nevideli inú cestu ako posilniť kopírovanie a skresľovanie Giotta. Giotto predbehol dobu a len o sto rokov neskôr ďalší Florenťan - Masaccio (1401-1428) - pozdvihol umenie na ešte vyššiu úroveň.

Necelých desať rokov tvorivosti mu uvoľnil osud. Ale aj za tento krátky čas dokázal urobiť podľa jeho súčasníkov „skutočnú revolúciu v maliarstve“. Vo Florencii namaľoval dve najväčšie katedrály – kostol Santa Maria Novella a kaplnku Brancacci v kostole Santa Maria del Carmine.

Giottov nástupca Masaccio sa vždy snažil budovať priestor podľa zákonov perspektívy, prenášajúc skutočné objemy na rovinu. Jeho inovácia sa však neobmedzovala len na rozvoj perspektívy. Priťahoval ho obraz okolitého sveta, napodobňovanie prírodnej prírody. Umelecký kritik A.K. Dzhivelegov poznamenal inovatívny charakter svojej práce: „Maľba pred Masacciom a maľba po Masacciovi sú dve úplne odlišné veci, dve odlišné epochy. Giotto objavil tajomstvo sprostredkovania pocitov človeka a davu. Masaccio učil zobrazovať človeka a prírodu ... Úplne sa oslobodil od štylizácie. Hory už nie sú špicaté, rímsové kamienky, ale skutočné hory. Buď nadobudnú jemné obrysy výbežkov Apenín ... alebo sa sformujú do drsnej skalnatej krajiny ... Krajina, na ktorej ľudia stoja, je skutočná rovina, na ktorej sa dá skutočne stáť a ktorú oko dokáže sledovať do pozadia. Stromy a vegetácia vo všeobecnosti už nie sú rekvizity, teraz štylizované, teraz jednoducho vymyslené, ale samotná príroda... kolaps. Masaccio začal vidieť, ako sa všetko deje v skutočnosti. Potom podmienené pózy, neprirodzené fakty a fiktívna krajina samy od seba odpadli.

Hlavnými námetmi obrazov Masaccia boli život a skutky apoštolov, Ježiš Kristus, scény stvorenia sveta. Takými sú fresky „Vyhnanie Adama a Evy z raja“ (1427 – 1428) [Príloha 3] a „Zázrak so statrom“ (1427 – 1428) [Príloha 4] v kostole Santa Maria del Carmine. Jeden z prvých Masacciových obrazov, Madona a dieťa s anjelmi [Príloha 5], bol koncipovaný ako stredobod veľkého oltárneho obrazu pre kostol Santa Maria del Carmine. Na vysokom tróne umiestnenom v hlbokom výklenku sedí Mária s dieťaťom v náručí. Zlaté pozadie, svätožiary na hlavách, kaskádové zľavy na oblečenie dodávajú vyobrazenému obrázku zvláštnu slávnosť. Na obrázku je nápadná novosť výtvarného riešenia. Žiadny z majstrov XV storočia. nie je taká jednoznačnosť pri prenose hĺbky priestoru, "dosiahnuté vďaka geometricky presnému zmenšeniu veľkosti trónu. Postavy sú prirodzene vpísané do architektonického priestoru gotickým oblúkom a klasickými stĺpmi trónu.

„Trojica“ [Príloha 6] je jedným z posledných a dokonalých výtvorov Masaccia, v ktorom bola navrhnutá úplne nová interpretácia deja starozákonnej Trojice. V trojrozmernom priestore umelec zobrazuje skutočné postavy Boha Otca, Krista a Ducha Svätého, ktoré symbolicky stelesňujú obraz sveta, ktorý vytvorila ľudská myseľ. V schopnosti rozložiť svetlo a tiene, vo vytváraní jasnej priestorovej kompozície, v objeme a hmatateľnosti postáv Masaccio v mnohom prevyšuje svojich súčasníkov. Ukazuje nahé telo Krista, dáva mu ideálne, hrdinské črty, vyzdvihuje jeho silu a krásu, oslavuje silu ľudského ducha. Vo vnútri kaplnky pri päte kríža sú Panna Mária a apoštol Ján. K divákovi sa obracia tvár matky Kristovej, zbavená obvyklej krásy. Ako spojenie medzi Bohom a človekom ukazuje zdržanlivým gestom ruky na ukrižovaného Syna. V tejto všeobecne statickej kompozícii je Máriino gesto jediným pohybom, ktorý symbolicky organizuje priestor. Pred oblokom pri vchode do kaplnky sú z profilu vyobrazení kľačiaci muž a žena - objednávatelia nástenných malieb pre kostol.

Umelecká jednota Masaccia, rovnako ako u veľkého Giotta, zakladateľa nového talianskeho maliarstva, nebola totožná s realitou, ale bola niečím, čo nad ňou stálo, niečím, čo by nemalo byť kópiou tejto reality. Tento jav sa stáva zreteľnejším pri analýze obrazu jednotlivých postáv ako celej kompozície ako celku. A fresky kaplnky Brancacci v tomto ohľade odrážajú najviac Nová éra. Obrovská priepasť oddeľuje mocné postavy Krista a jeho učeníkov od pôvabných kostýmovaných bábok diel bezprostredne predchádzajúceho obdobia. Preč sú nielen vzácne módne róby a zábavné detaily, ale aj všetky pokusy ovplyvňovať diváka pomocou vierohodnosti pri prenose skutočných predmetov prevzatých z reality: freska zachytáva nadčasovú, večne ľudskú existenciu, ktorá sa pred nami vynára v rovnakým spôsobom ako v Giottovi a opäť - úplne inak ako jeho. Zvyčajne je tento rozdiel definovaný ako odlišný zmysel pre formu. To, čo možno vidieť na Masacciových freskách, je typickosť, vyzdvihnutá intenzívnym štúdiom prírody. Ukázalo sa, že skutočné formy starých ikonografických schém sú natoľko obohatené o nové poznatky, že sa už nezdajú byť mŕtvymi formulkami, ale živými ľuďmi. Ďaleko od štíhlych a pôvabných obrazov zobrazených v živom pohybe z obdobia neskorého trecenta nám tieto postavy pripomínajú silné postavy Giotta. Tak ako v starovekom umení, aj tu sa ťažkosť a bezvládnosť tela prekonáva pomocou vitálnej energie a táto rovnováha je zdrojom nového zmyslu pre formu a zdrojom toho, čo by malo byť najdôležitejším obsahom umeleckého stvárnenia ľudskej postavy. A zároveň je to prekonanie gotiky.

Postavy Masaccia sú oveľa nezávislejšie ako postavy Giotta, preto sú plné nového chápania ľudskej dôstojnosti, vyjadrenej v celom ich vzhľade. Toto chápanie vychádza z odrazu istej duchovnej sily, vychádza aj z uvedomenia si vlastnej sily a slobodnej vôle Masacciových hrdinov. V tom spočíva moment určitej ich izolácie. Lebo do akejkoľvek miery sa na ňom podieľajú všetky tieto postavy posvätná história v zobrazovaných udalostiach sa však vyznačujú nielen svojím postojom k týmto udalostiam, ale aj vlastným individuálnym významom, ktorý im dodáva ráz slávnostnosti. Ale táto izolovanosť sa prejavuje aj v kompozičnej úlohe jednotlivých postáv. Giotto rozdelil na samostatné postavy tradičnú stredovekú masovú skupinu účastníkov nejakej udalosti; v Masacciu sú naopak skupiny postavené zo samostatných, úplne nezávislých postáv. Každá z týchto postáv sa zdá byť absolútne voľná vo svojej polohe v priestore a vo svojom plastickom objeme. Celý umelecký proces prebieha u Masaccia inak ako v umení obdobia, ktoré mu predchádzalo. Giotto, podobne ako stredovekí umelci, vo svojich kompozíciách vychádza zo všeobecného konceptu, v ktorom sú jednotlivým postavám priradené určité obsahové a formálne funkcie, ktoré určujú ich charakter. Masacciove kompozície sú obdarené osobitnou originalitou - je príznačné, že napriek všetkým úspechom v zobrazovaní postáv a priestorového prostredia sa ich vzájomné prepojenie nezúžilo ako predtým, ale naopak, oslabilo.

Obraz krajinného segmentu priestoru sa stal viac v súlade so zmyslovou skúsenosťou. Tieto občasné pokroky v perspektíve v období trecenta sú nahradené univerzálnym a presnejším systémom perspektívy. V Giottovi sa všetko – priestor aj figúry – skladá z jedného kusu a je postavené ako akási jednota, tu sú rovina a priestor nerozlučne prepojené. Túto absolútnu jednotu, ktorá uzatvára všetky prvky kompozície a vytvára pevnú štruktúru diela, nahrádza Masaccio (a ešte viac jeho nasledovníci) s trochu podmienenými súvislosťami. Vidno to na rozdelení obrazu na tri scény. V dôsledku toho dochádza k dualizmu postavy a priestoru. Tento dualizmus je ešte markantnejší u neskorších majstrov obdobia Quattrocenta než u Masaccia, v ktorom je Giottova skladba cítiť o niečo silnejšie; u neskorších majstrov vedie tento dualizmus k protikladu krajinného pozadia a postáv v rovine. Tento dualizmus je založený na skutočnosti, že telo a priestor sa javia ako samostatné komplexy vizuálnych prostriedkov. V dôsledku toho sa maľby stávajú juxtapozíciou priestoru a jednotlivých postáv a figúry, ako najdôležitejšia zložka tejto komplexnej jednoty, majú výhodu.

Bez tejto skutočnosti nie je možné dosiahnuť pochopenie podstaty vývoja umenia v období Quattrocenta. Kompozičné pravidlá sa počas celého pätnásteho storočia v malej miere menia - podľa toho sa zachovalo len veľmi málo náčrtov kompozícií - no na druhej strane v zobrazovaní postáv a v zobrazovaní priestoru dochádza k neustálemu intenzívnemu pokroku, ktorý svedčia nielen hotové diela, ale - v oveľa väčšej miere - početné náčrty a kresby. Veľkým činom renesancie nebolo „objavenie sveta a človeka“, ale objavenie materiálnych vzorov. Vychádzajúc z tohto objavu, ktorý je v úzkom kontakte s dávnym chápaním sveta, spočíval teraz zmysel a obsah celého následného vývoja umenia v úlohe nového chápania obrazu a nového dobytia sveta. Do popredia umeleckých záujmov sa mal dostať imidž človeka ako najdôležitejšieho a zodpovedného komplexu a práve v tejto oblasti možno sledovať ďalšie zdokonaľovanie nového štýlu. Aký krátky je čas, ktorý Masaccio vyčlenil na vytvorenie fresiek v kaplnke Brancacci, rovnako veľký je pokrok dosiahnutý počas tohto obdobia.

Na úzkej freske „Sv. Peter uzdravuje tieňom“ [Príloha 7] Peter ponorený do svojich myšlienok v sprievode svätého Jána prechádza štvrťou chudobných a jeho tieň lieči chorých, ktorý sa nachádza pri stene. domu. Vzrušenie chorých - je reprezentované rôznymi odtieňmi, je dizajnovo také krásne, ako je krásny majestátny behúň svätca. Svätcove rúcha – rovnako ako Giottove – sa stále dotýkajú zeme, čomu sa však Masaccio zvyčajne vyhýbal. jasnejšie charakterizovať motívy odpočinku a pohybu. Giotta však pripomínajú aj vrecovité odevy, na ktorých obraze len ojedinelé záhyby v hraniciach veľkých lietadiel vytvárajú plastickú animáciu. Náznaky realizmu neskorého trecentského umenia nájdeme aj v druhom výjave, ktorý zobrazuje svätých Petra a Jána pri rozdávaní almužny. Tentoraz sú zobrazené okraje mesta: ulice tu končia a pole predchádza len niekoľko budov. Schádzali sa tu chudobní, aby dostali skromné ​​dary od svätých. Nič také sa, samozrejme, v talianskej maľbe ešte nikdy nestalo: svojou majestátnosťou a voľným štýlom pripomínajú klasické oblečené postavy a svedčia o tom, že túžba zobraziť odev v jeho prirodzenej funkcii viedla umelca nielen k napodobňovaniu starožitné modely, ale aj pochopiť umelecký význam antického odevu. A nielen túto veľkosť, ale aj koncept krásy a dokonalosti, ktorý je jej základom - to nás môže naučiť freska umiestnená nad tou opísanou vyššie a zobrazujúca svätého Petra, ako vykonáva obrad krstu. Táto udalosť sa odohráva v púštnej hornatej oblasti, ktorej mohutné formy zdôrazňujú význam scény. Obrátení sa zhromaždili v polkruhu okolo svätca, ktorý mal byť pokrstený vo vode kľačiaceho muža. Už celé 15. storočie je medzi svedkami krstu obdivovaná postava nahého, zdanlivo chvejúceho sa mladíka, no väčšiu pozornosť si zaslúži skupina svätého Petra a kľačiaceho. Giotto v „Krstu Krista“ [Príloha 8] zobrazil nahého Spasiteľa: postavu stojaceho vyčerpaného muža; na freske od Masaccia sa do umenia opäť dostáva nádherné mužské telo, podobne ako starožitná socha predstavil klasický ideál telesnej krásy a dokonalosti. Zdá sa, že Masaccio pri zobrazovaní tela použil starožitný model – a predsa, napriek niektorým rozporom, ktoré sa prejavia až po dôkladnom štúdiu, je celá postava kľačiacej postavy vnímaná ako celok ako voľná súťaž so starodávnym zobrazením nahej postavy. telo. Na to, aby sme do takejto súťaže vstúpili s rovnakými silami, však stále chýbala – a o tom svedčí „Vyhnanie z raja“ [príloha 3] – presná znalosť živého organizmu. Ťažký, beznádejný beh ľudí zanechávajúcich stratenú blaženosť za bránami pôsobí nemotorne; prekonanie tohto obmedzenia bol problém, ktorý bolo potrebné vyriešiť. Masaccio získal poznatky z anatómie ľudského tela prácou s prírodou a štúdiom diel klasického sochárstva; vo svojej tvorbe opustil dekoratívnosť a konvenčnosť, ktorá je vlastná gotickému umeniu. Postavy, ktorých trojrozmernosť je prenášaná prostredníctvom výkonného modelovania svetla a tieňa, sú v mierke korelované s okolitou krajinou, maľované s ohľadom na perspektívu svetla a vzduchu.

Môžeme teda konštatovať, že Masaccio bol veľkým majstrom, ktorý pochopil podstatu maľby, bol vysoko nadaný schopnosťou sprostredkovať hmatovú hodnotu v umeleckých obrazoch.

Masaccio bol dôstojným nástupcom Giotta, ktorého umenie dobre poznal a starostlivo študoval. Giotto ho priviedol k monumentálnym formám, naučil ho zobrazovať to, čo je dôležité a významné z hľadiska vysokej umeleckej jednoty. Masacciovo umenie obsahuje celý program novej renesančnej maľby – človek ako stred vesmíru

Na rozdiel od Giotta je charakteristickým znakom Masacciovej tvorby presnejšie štúdium prírody. Je tiež prvým v maľbe, ktorý zobrazuje nahé telo a dáva človeku hrdinské črty. V maľbe neskoršej doby možno nájsť väčšiu dokonalosť detailov, ale nebude mať bývalý realizmus, silu a presvedčivosť. Masaccio získal poznatky z anatómie ľudského tela prácou s prírodou a štúdiom diel klasického sochárstva; vo svojej tvorbe opustil dekoratívnosť a konvenčnosť, ktorá je vlastná gotickému umeniu.

Masaccio sa vyznačuje racionálnym, trojrozmerným, priestorom vybudovaným podľa pravidiel perspektívneho, svetelného a tieňového spracovania formy, čím je konvexná a objemná, posilňujúca plasticitu formy prostredníctvom farby. Postavy, ktorých trojrozmernosť je prenášaná prostredníctvom výkonného modelovania svetla a tieňa, sú v mierke korelované s okolitou krajinou, maľované s ohľadom na perspektívu svetla a vzduchu.

Masaccio bol veľký majster, ktorý pochopil podstatu maľby, bol veľmi osvietený schopnosťou sprostredkovať hmatovú hodnotu v umeleckých obrazoch. Pojem umelca vyjadruje výrok jedného z jeho súčasníkov: freska alebo maľba je okno, cez ktoré vidíme svet.

Záver

V renesancii sa od maľby očakávalo, že bude zobrazovať nových ľudí, určených na veľké účely. Objektom veľkej pozornosti historikov je dodnes jedno z hlavných centier renesančnej kultúry – Florencia. Veď práve v ňom sa skôr ako v iných mestských štátoch vytvorili predpoklady na zmenu kultúrnych epoch, zrodili sa renesančné humanistické myšlienky a spisovatelia, výtvarníci, architekti, sochári vytvorili svoje najväčšie výtvory. A v ňom neobyčajne intenzívne pulzoval spoločenský život, ktorý priťahoval takmer celú dospelú mužskú populáciu, pre ktorú starosti o vzdelanie, výchovu a kultúru zďaleka neboli posledné.

Psychologická klíma mestského života ovplyvnila svetonázorové usmernenia talianskej renesančnej kultúry. V obchodnej morálke začali prevládať nové maximá orientované na svetské záležitosti - ideál ľudskej činnosti, energické osobné úsilie, bez ktorého nebolo možné dosiahnuť profesionálny úspech, a to krok za krokom odvádzalo od cirkevnej asketickej etiky, ktorá túžbu ostro odsudzovala na hromadenie. Dolné mestské prostredie bolo najkonzervatívnejšie, práve v ňom sa pevne zachovali tradície stredovekej ľudovej kultúry, čo malo určitý vplyv na kultúru renesancie.

Giottova inovácia sa prejavila v troch hlavných črtách jeho tvorby, ktorú potom jeho nasledovníci ďalej rozvíjali. Na jednej strane sa zlepšila krása línií, použili sa rôzne fúzie farieb. Na druhej strane má veľký význam naratívny prvok. Rovnako postavy a výjavy požičané zo života sú spojené s poetickým chápaním celku, a preto z tohto zdroja plynú aj mnohé realistické motívy, ako pravdivosť v zobrazovaní prírody a pod. Giottovo samotné chápanie človeka bolo v súlade s prírodou . Pre Giotta je dôležitý obraz pohybu a akcie. Zoskupenie postáv a ich gestá sú úplne podriadené významu zobrazovaného. S líniou a šerosvitom, vyjadrujúcim plný význam udalosti, s pohľadmi obrátenými k nebu alebo sklopenými, gestami, ktoré hovoria bez slov, na základe najjednoduchšej maliarskej techniky, bez znalosti anatómie, Giotto podáva obraz pohybu.

Masaccio je ako Giotto, no Giotto sa narodil o storočie neskôr a ocitol sa v priaznivých umeleckých podmienkach. Ukázal florentskému maliarstvu cestu, po ktorej išiel až do svojho úpadku. Táto cesta spočíva v schopnosti rozložiť svetlo a tiene, vo vytváraní jasnej priestorovej kompozície, v sile, ktorou sprostredkúva objem, Masaccio ďaleko prevyšuje Giotta. V maľbe neskoršej doby možno nájsť väčšiu dokonalosť detailov, ale nebude mať bývalý realizmus, silu a presvedčivosť.

Masaccio urobil po Giottovi ďalší rozhodujúci krok pri vytváraní kolektívneho obrazu človeka, ktorý je dnes oslobodený od náboženského a etického pozadia a je preniknutý novým, skutočne sekulárnym svetonázorom. Možnosti šerosvitu využil novým spôsobom, simulujúc plastickú formu.

Vo všeobecnosti je fenomén renesancie v kultúrnom vývoji Európy veľmi mnohostranný fenomén, ktorého jadrom bol nový svetonázor, nové sebauvedomenie človeka. V tomto období sa umenie rozvíja tak rýchlo, ako nikdy predtým. Každý umelec pridáva do vývoja maľby tohto obdobia niečo svoje, svoju jedinečnosť. Preto veľké umelecké diela, vytvorené aj vo vzdialenej dobe, nielenže nestrácajú svoj význam, ale nadobúdajú nové odtiene v chápaní ich obsahu, morálnych a etických problémov. Umelecké formy, chápané z hľadiska modernej doby, univerzálne hodnoty v nich obsiahnuté, vzrušujú vždy.

Bibliografia:

Argan Dis. K. Dejiny talianskeho umenia Per. s tým. V 2 t. Pod vedeckou vyd. V.D. Daisina - M: Ed. Dúha, 1990.- 319s.

Berestovskaya D.S. Umelecká kultúra renesancie. - Simf., 2002.- 143 s.

Bernson B. Maliari talianskej renesancie, prel. z angličtiny. Belousová N. A., Teplyáková I. P. - M.; Ed. B.S.G.-Press, 2006.-

Bragina L.M. Taliansky humanizmus- M.: Vyššie. Škola, 1977.- 252 s.

Burkhard J. Kultúra Talianska v renesancii.

Gukovsky M.A. talianska renesancia. - L.: ĽŠU, 1990.-618 s.

Dvořák M., Dejiny talianskeho umenia v renesancii. T.1. – M.: Ed. Umenie, 1971. - 392 s.

Dmitrieva I. A., Krátky príbeh umenia. – M.: Ed. čl. - 1991. - 318 s.

Lazarev V.N., Všeobecné dejiny umenia. - T. 3. - M.: Ed. čl.- 1962. - 510 s.

Lazarev V.N. Začiatok ranej renesancie v talianskom umení. - M.: Ed. Umenie, 1979. - 200 s.

Longhi R., Od Cimabue po Morandiho. – M.: Ed. Rainbow. - 1984. - 352 s.

Nesselshtraus G. Ts., Dejiny umenia cudzích krajín. Stredovek. renesancie. – M.: Ed. Umenie, 1982. - 418 s.

Stepanov A.V., Umenie renesancie. Taliansko XIV-XV storočia. -SPb.: Ed. Abeceda je klasika. - 2003. - 500 s.

Rotenberg E.I. Umenie Talianska. Stredné Taliansko v období renesancie.-M., 1974. - 310 s.

Príloha 1. Giotto „Judášov bozk“.

Freska.

Dodatok 2. Giotto "Oplakávanie Krista"

Freska.
Kaplnka Scrovegni (Capella del Arena), Padova

Dodatok 3. Masaccio "Vyhnanie Adama a Evy z raja."

Freska.

Príloha 4. Masaccio "Zázrak so statrom"

Freska.
Kostol Santa Maria del Carmine (kaplnka Brancacci), Florencia

www.school.edu.ru

Príloha 5. Masaccio "Madonna a dieťa s anjelmi"

Drevo, tempera.
Národná galéria, Londýn

www.school.edu.ru

Dodatok 6. Masaccio "Trojica"

Freska.
Kostol Santa Maria Novella, Florencia

www.school.edu.ru

Príloha 7. Masaccio "Svätý Peter uzdravuje svojim tieňom"

Freska.
Kostol Santa Maria del Carmine (kaplnka Brancacci), Florencia

www.school.edu.ru

Dodatok 8. Giotto "Krst Krista"

Freska.
Kaplnka Scrovegni (Capella del Arena), Padova

www.school.edu.ru

1. čléra renesancie (4)

   Abstrakt >> Kultúra a umenie

   Abstrakt na tému: " čléra renesancia" Vykonáva študent skupiny EK - ... - XIII - XIII-XIV storočia), Skoré znovuzrodenie(quattrocento XIV-XV stor.), vysokí ... surrealisti. Najväčší majster Severu renesancie v obrázkovom umenie bol Albrecht Dürer. ...

2. Kultúra éry renesancie renesancie

   Test >> Kultúra a umenie

   Giovanni Pisano. na začiatok ART EARLY OŽIVENIE V prvých desaťročiach 15. storočia umenie Taliansko je silné... , takmer portrét. Toto typický znak umenie skoro renesancie podmienené túžbou umelca oslobodiť sa od...

3. Kultúra éry renesancie XIV-XVI XVII storočia.

   Abstrakt >> Kultúra a umenie

   ... umenie skoro renesancie bol zložitý, protirečivý a tento rozpor ho viedol vpred. AT umenie skoro renesancie, ... vylepšená olejová technika.Benátska umenie dokončí vývoj umenie skoro

Každý vie, že práve Taliansko bolo srdcom celého obdobia renesancie. Veľkí majstri slova, štetca a filozofického myslenia sa objavili v každej kultúre v Taliansku dokazuje vznik tradícií, ktoré sa budú rozvíjať v nasledujúcich storočiach, toto obdobie sa stalo východiskom, začiatkom skvelá éra rozvoj kreativity v Európe.

Stručne o hlavnom

Umenie ranej renesancie v Taliansku pokrýva obdobie približne od roku 1420 do roku 1500, ktoré predchádzalo a dokončuje protorenesanciu. Ako každé prechodné obdobie, aj týchto osemdesiat rokov sa vyznačuje myšlienkami, ktoré predchádzali, ako aj novými, ktoré sú však prevzaté z dávnej minulosti, z klasiky. Postupne sa tvorcovia zbavili stredovekých konceptov a svoju pozornosť presunuli na antické umenie.

No napriek tomu, že sa väčšinou snažili o návrat k ideálom zabudnutého umenia, a to tak všeobecne, ako aj konkrétne, dávne tradície sa predsa len prelínali s novými, no v oveľa menšej miere.

Talianska architektúra v období ranej renesancie

Hlavným menom v architektúre tohto obdobia je samozrejme Filippo Brunelleschi. Stal sa zosobnením renesančnej architektúry, organicky stelesňujúcim svoje myšlienky, dokázal premeniť projekty na niečo očarujúce a mimochodom, až doteraz sú jeho majstrovské diela starostlivo strážené po mnoho generácií. Jeden z jeho hlavných tvorivé úspechy Je zvykom považovať budovy nachádzajúce sa v samom centre Florencie, z ktorých najpozoruhodnejšie sú kupola florentskej katedrály Santa Maria del Fiore a palác Pitti, ktorý sa stal východiskovým bodom talianskej architektúry ranej renesancie.

Ostatným dôležité úspechy platí aj talianska renesancia, ktorá sa nachádza v blízkosti hlavného námestia v Benátkach, palácov v Ríme od Bernarda di Lorenza a iných. Počas tohto obdobia sa architektúra Talianska snaží organicky kombinovať črty stredoveku a klasiky, pričom sa usiluje o logiku proporcií. Výborným príkladom tohto tvrdenia je Bazilika San Lorenzo, opäť od Filippa Brunelleschiho. V iných európskych krajinách raná renesancia nezanechala také výrazné príklady.

Umelci ranej renesancie

Výsledky

Kultúra ranej renesancie v Taliansku sa síce snaží o to isté – zobraziť klasiku cez prizmu prirodzenosti, no tvorcovia kráčajú rôznymi cestami a svoje mená zanechávajú v renesančnej kultúre. Veľa skvelých mien dômyselné majstrovské diela a úplné prehodnotenie nielen umeleckej, ale aj filozofickej kultúry – to všetko nám prinieslo obdobie, ktoré predznamenalo ďalšie etapy renesancie, v ktorých našli ustálené ideály svoje pokračovanie.