W ciągu tysiącleci rozwoju kulturowego ludzkość stworzyła niezliczone dzieła literackie, wśród których można wyróżnić kilka podstawowych typów, które są podobne w sposobie i formie refleksji ludzkich wyobrażeń o otaczającym świecie. Są to trzy typy (lub typy) literatury: epos, dramat, poezja.

Czym różnią się poszczególne rodzaje literatury?

Epos jako rodzaj literatury

epicki(epos - grecki, narracja, opowieść) to obraz wydarzeń, zjawisk, procesów, które są zewnętrzne wobec autora. Dzieła epickie odzwierciedlają obiektywny bieg życia, ludzką egzystencję jako całość. Za pomocą różnych środków artystycznych autorzy dzieł epickich wyrażają swoje zrozumienie historycznych, społeczno-politycznych, moralnych, psychologicznych i wielu innych problemów, z którymi żyje społeczeństwo ludzkie jako całość, a każdy z jego przedstawicieli w szczególności. Dzieła epickie mają znaczne możliwości obrazowe, pomagając w ten sposób czytelnikowi poznać otaczający go świat, zrozumieć głębokie problemy ludzkiej egzystencji.

Dramat jako rodzaj literatury

Dramat(dramat - grecki, akcja, akcja) jest rodzajem literatury, główna cecha czyli sceniczne wykonanie dzieł. Odtwarza, tj. utwory dramatyczne powstają specjalnie dla teatru, do wystawiania na scenie, co oczywiście nie wyklucza ich istnienia jako niezależnych teksty literackie do czytania. Podobnie jak epopeja, dramat odtwarza relacje między ludźmi, ich działania, konflikty, które się między nimi rodzą. Ale w przeciwieństwie do eposu, który ma charakter narracyjny, dramat ma formę dialogiczną.

Związane z tym cechy utworów dramatycznych :

2) na tekst spektaklu składają się rozmowy bohaterów: ich monologi (mowa jednej postaci), dialogi (rozmowa dwóch postaci), polilogi (jednoczesna wymiana zdań kilku uczestników akcji). Dlatego charakterystyka mowy okazuje się być jednym z najważniejszych sposobów na stworzenie niezapomnianej postaci bohatera;

3) akcja spektaklu z reguły rozwija się dość dynamicznie, intensywnie, z reguły poświęca się mu 2-3 godziny czasu scenicznego.

Tekst jako rodzaj literatury

tekst piosenki(lira – po grecku instrument muzyczny, przy akompaniamencie którego wykonywano utwory poetyckie, pieśni) wyróżnia się szczególnym rodzajem konstrukcji obrazu artystycznego – jest to obraz-doświadczenie, w którym indywidualne przeżycie emocjonalne i duchowe osoby autor jest ucieleśniony. Teksty można nazwać najbardziej tajemniczym rodzajem literatury, ponieważ są skierowane do wewnętrznego świata człowieka, jego subiektywnych odczuć, idei, idei. Innymi słowy, utwór liryczny służy przede wszystkim indywidualnej autoekspresji autora. Powstaje pytanie: dlaczego czytelnicy, tj. inni powołują się na takie prace? Rzecz w tym, że liryk, mówiąc we własnym imieniu io sobie, zaskakująco ucieleśnia uniwersalne ludzkie emocje, idee, nadzieje, a im bardziej znacząca jest osobowość autora, tym ważniejsze dla czytelnika jest jego indywidualne doświadczenie.

Każdy rodzaj literatury ma również swój własny system gatunków.

Gatunek muzyczny(gatunek - francuski rodzaj, gatunek) - historycznie ustalony rodzaj dzieła literackiego, który ma podobne cechy typologiczne. Nazwy gatunków pomagają czytelnikowi poruszać się po bezkresnym morzu literatury: ktoś kocha kryminały, inny preferuje fantastykę, a trzeci jest fanem pamiętników.

Jak ustalić Do jakiego gatunku należy dany utwór? Najczęściej pomagają nam w tym sami autorzy, nazywając ich twórczość powieścią, opowiadaniem, wierszem itp. Jednak niektóre definicje autora wydają nam się nieoczekiwane: pamiętajmy, że A.P. Czechow podkreślił, że Wiśniowy sad to komedia, a nie dramat, ale A.I. Sołżenicyn uważał „Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza” za historię, a nie historię. Niektórzy literaturoznawcy nazywają literaturę rosyjską zbiorem paradoksów gatunkowych: powieść wierszem „Eugeniusz Oniegin”, wiersz prozą „Martwe dusze”, satyryczna kronika „Historia miasta”. Było wiele kontrowersji wokół „Wojny i pokoju” L.N. Tołstoj. Sam pisarz powiedział tylko o tym, czym jego książka nie jest: „Czym jest wojna i pokój? To nie jest powieść, a tym bardziej wiersz, jeszcze mniej - kronika historyczna. „Wojna i pokój” jest tym, co autor chciał i mógł wyrazić w formie, w jakiej zostało to wyrażone. I dopiero w XX wieku krytycy literaccy zgodzili się zadzwonić genialne stworzenie L.N. Epicka powieść Tołstoja.

Każdy gatunek literacki ma szereg stałych cech, których znajomość pozwala nam przypisać określoną pracę do jednej lub drugiej grupy. Gatunki rozwijają się, zmieniają, wymierają i rodzą, na przykład dosłownie na naszych oczach powstał nowy gatunek bloga (web loq English network magazine) - osobisty pamiętnik internetowy.

Jednak od kilku stuleci istnieją gatunki stałe (nazywane też kanonicznymi).

Literatura utworów literackich – patrz tabela 1).

Tabela 1.

Gatunki utworów literackich

Epickie gatunki literackie

Gatunki epickie różnią się przede wszystkim objętością, na tej podstawie dzielą się na małe ( esej, opowiadanie, opowiadanie, bajka, przypowieść ), przeciętny ( fabuła ), duży ( powieść, powieść epicka ).

Artykuł fabularny- mały szkic z natury, gatunek jest zarówno opisowy, jak i narracyjny. Wiele esejów powstaje na podstawie dokumentu, życia, często łączy się je w cykle: klasycznym przykładem jest „Podróż sentymentalna przez Francję i Włochy” (1768) angielskiego pisarza Laurence'a Sterne'a, w literaturze rosyjskiej jest to „Podróż z St. Petersburg do Moskwy” (1790) A. Radishcheva, „Frigata Pallada” (1858) I. Goncharov „Włochy” (1922) B. Zajcew i inni.

Fabuła- mały gatunek narracyjny, który zwykle przedstawia jeden epizod, zdarzenie, postać ludzką lub ważne wydarzenie z życia bohatera, które wpłynęło na jego dalsze losy („Po balu” L. Tołstoja). Historie są często tworzone jak dokument podłoże autobiograficzne(„Matryonin Dvor” A. Sołżenicyna), a także dzięki czystej fikcji („Dżentelmen z San Francisco” I. Bunina).

Intonacja i treść opowiadań są bardzo różne – od komicznych, ciekawych (wczesne opowiadania A. P. Czechowa) po głęboko tragiczne (Opowieści kołymskie W. Szałamowa). Opowiadania, podobnie jak eseje, często łączone są w cykle („Notatki myśliwego” I. Turgieniewa).

Nowela(novella ital. news) pod wieloma względami przypomina opowiadanie i jest uważana za jego odmianę, ale wyróżnia się szczególnym dynamizmem narracji, ostrym i często nieoczekiwane zwroty akcji w rozwoju wydarzeń. Dość często narracja w opowiadaniu zaczyna się od finału, budowana jest na zasadzie inwersji, tj. w odwrotnej kolejności, gdy rozwiązanie poprzedza główne wydarzenia („Straszna zemsta” N. Gogola). Ta cecha konstrukcji opowiadania zostanie później zapożyczona przez gatunek detektywistyczny.

Słowo „nowela” ma jeszcze jedno znaczenie, o którym powinni wiedzieć przyszli prawnicy. W starożytnym Rzymie określenia „novellae leges” (nowe prawa) używano w odniesieniu do praw wprowadzonych po oficjalnej kodyfikacji prawa (po wydaniu Kodeksu Teodozjusza II w 438 r.). Opowiadania Justyniana i jego następców, opublikowane po drugim wydaniu Kodeksu Justyniana, weszły później w skład kodeksu praw rzymskich ( Corpus iuris cywilny). W czasach nowożytnych powieść nazywana jest ustawą skierowaną do rozpatrzenia przez parlament (innymi słowy projektem ustawy).

Fabuła- najstarszy z małych epickich gatunków, jeden z głównych w sztuce ustnej każdego ludu. To małe dzieło o charakterze magicznym, przygodowym lub codziennym, w którym wyraźnie zaakcentowana jest fikcja. Inną ważną cechą opowieści ludowej jest jej pouczający charakter: „Opowieść jest kłamstwem, ale jest w niej wskazówka, lekcja dla dobrych ludzi”. Bajki ludowe są zwykle podzielone na magiczne („Opowieść o żabiej księżniczce”), domowe („Owsianka z topora”) i baśnie o zwierzętach („Chata Zayushkiny”).

Wraz z rozwojem literatury pisanej powstają opowieści literackie, w których wykorzystuje się tradycyjne motywy i symboliczne możliwości baśni ludowej. Duński pisarz Hans Christian Andersen (1805-1875) jest słusznie uważany za klasyka literackiego gatunku baśni, jego wspaniała „Mała syrenka”, „Księżniczka na ziarnku grochu”, „Królowa śniegu”, „Niezłomny ołowiany żołnierzyk ", "Cień", "Calineczka" pokochało wiele pokoleń czytelników, zarówno bardzo młodych, jak i całkiem dojrzałych. I nie jest to bynajmniej przypadkowe, bo baśnie Andersena są nie tylko niezwykłe, ale czasem wręcz niezwykłe dziwne przygody bohaterów, zawierają głębokie znaczenie filozoficzne i moralne, zamknięte w pięknych symbolicznych obrazach.

Spośród europejskich opowieści literackich XX wieku klasyk stał się „ Mały Książę» (1942) Francuski pisarz Antoine de Saint-Exupéry. A słynne „Opowieści z Narnii” (1950 - 1956) angielskiego pisarza Kl. Lewis i Władca Pierścieni (1954-1955), również autorstwa Anglika J. R. Tolkiena, są napisane w gatunku fantasy, który można nazwać współczesną transformacją starożytnej baśni ludowej.

W literaturze rosyjskiej niezrównane są oczywiście opowieści A.S. Puszkin: „O martwa księżniczka i siedmiu bohaterów”, „O rybaku i rybie”, „O carze Saltanie…”, „O złotym koguciku”, „O księdzu i jego robotniku Baldzie”. Narratorem zastępczym był P. Erszow, autor „Konika garbatego”. E. Schwartz w XX wieku tworzy formę baśni, jedną z nich jest „Niedźwiedź” (inna nazwa to „ Zwykły cud”) jest dobrze znany wielu dzięki wspaniałemu filmowi w reżyserii M. Zacharowa.

Przypowieść- także bardzo starożytny gatunek folklorystyczny, ale w przeciwieństwie do baśni, przypowieści zawierały pisane zabytki: Talmud, Biblię, Koran, zabytek literatury syryjskiej „Nauczanie Akahara”. Przypowieść to dzieło o charakterze pouczającym, symbolicznym, odznaczające się wzniosłością i powagą treści. Starożytne przypowieści z reguły mają niewielką objętość, nie zawierają szczegółowego opisu wydarzeń ani cechy psychologiczne charakter bohatera.

Celem przypowieści jest zbudowanie lub, jak kiedyś powiedzieli, nauka mądrości. W kulturze europejskiej najbardziej znane są przypowieści z Ewangelii: o synu marnotrawnym, o bogaczu i Łazarzu, o niesprawiedliwym sędzi, o szalonym bogaczu i inne. Chrystus często rozmawiał z uczniami alegorycznie, a jeśli nie rozumieli znaczenia przypowieści, wyjaśniał je.

Wielu pisarzy zwróciło się do gatunku przypowieści, nie zawsze oczywiście nadając mu wysokie znaczenie religijne, raczej starając się wyrazić jakieś moralistyczne zbudowanie w alegorycznej formie, jak na przykład L. Tołstoj w swoim później praca. Trzymaj to. V. Rasputin - Pożegnanie z Materą "można też nazwać szczegółową przypowieścią, w której pisarz z niepokojem i smutkiem mówi o zniszczeniu "ekologii sumienia" człowieka. Opowieść „Stary człowiek i morze” E. Hemingwaya jest również uważana przez wielu krytyków za wpisującą się w tradycję literackiej przypowieści. Znany współczesny brazylijski pisarz Paulo Coelho również używa formy przypowieści w swoich powieściach i opowiadaniach (powieść Alchemik).

Opowieść- przeciętny gatunek literacki, szeroko reprezentowany w literaturze światowej. Historia przedstawia kilka ważnych epizodów z życia bohatera, z reguły jedną fabułę i niewielką liczbę postaci. Historie charakteryzują się dużym nasyceniem psychologicznym, autor skupia się na przeżyciach i zmianach nastroju bohaterów. Bardzo często głównym tematem opowieści jest miłość bohatera, np. „Białe noce” F. Dostojewskiego, „Azja” I. Turgieniewa, „Miłość Mitiny” I. Bunina. Opowiadania można też łączyć w cykle, zwłaszcza te pisane na materiale autobiograficznym: „Dzieciństwo”, „Dorastanie”, „Młodość” L. Tołstoja, „Dzieciństwo”, „W ludziach”, „Moje uniwersytety” A. Gorkiego. Intonacje i tematyka opowiadań jest bardzo różnorodna: tragiczna, skierowana do palących kwestii społecznych i moralnych („Wszystko płynie” V. Grossmana, „Dom na skarpie” Y. Trifonova), romantyczna, heroiczna („Taras Bulba” N. Gogola), filozoficzne, przypowieść („Pit” A. Płatonowa), psotne, komiczne („Trzy w łodzi, nie licząc psa” angielskiego pisarza Jerome'a ​​​​K. Jerome'a).

Powieść(Gotap pierwotnie francuski, w późnym średniowieczu wszelkie dzieła pisane w języku romańskim, w przeciwieństwie do tych pisanych po łacinie) – główne dzieło epickie, w którym narracja skupia się na losie indywidualna osoba. Powieść jest najbardziej złożonym gatunkiem epickim, który wyróżnia się niesamowitą liczbą tematów i wątków: miłosnych, historycznych, detektywistycznych, psychologicznych, fantastycznych, historycznych, autobiograficznych, społecznych, filozoficznych, satyrycznych itp. Wszystkie te formy i typy powieści łączy jej centralna idea - idea osobowości, indywidualność osoby.

Powieść nazywana jest eposem życia prywatnego, ponieważ ukazuje różnorodne powiązania między światem a człowiekiem, społeczeństwem a jednostką. Otaczanie osoby Rzeczywistość ukazana jest w powieści w różnych kontekstach: historycznym, politycznym, społecznym, kulturowym, narodowym itp. Autor powieści interesuje się tym, jak środowisko wpływa na charakter człowieka, jak się kształtuje, jak rozwija się jego życie, czy udało mu się znaleźć swoje przeznaczenie i zrealizować się.

Wielu przypisuje pojawienie się tego gatunku starożytności, są to Daphnis i Chloe Longa, Złoty osioł Apulejusza, rycerska powieść Tristan i Izolda.

W twórczości klasyków literatury światowej powieść jest reprezentowana przez liczne arcydzieła:

Tabela 2. Przykłady klasycznej powieści pisarzy zagranicznych i rosyjskich (XIX, XX w.)

słynne powieści Rosjanie pisarze 19 w .:

W XX wieku pisarze rosyjscy rozwijają i mnożą tradycje swoich wielkich poprzedników, tworząc nie mniej niezwykłe powieści:

Oczywiście żadne z tych wyliczeń nie może rościć sobie pretensji do kompletności i wyczerpującej obiektywności, zwłaszcza we współczesnej prozie. W tym przypadku najbardziej znane prace który gloryfikował zarówno literaturę kraju, jak i nazwisko pisarza.

powieść epicka. W starożytności istniały formy heroiczna epopeja: sagi folklorystyczne, runy, eposy, pieśni. Są to indyjskie „Ramayana” i „Mahabharata”, anglosaski „Beowulf”, francuski „Pieśń o Rolandzie”, niemiecki „Pieśń o Nibelungach” itp. W tych dziełach wywyższono wyczyny bohatera w wyidealizowanej, często przesadzonej formie. Późniejsze poematy epickie „Iliada” i „Odyseja” Homera, „Imię szacha” Ferdowsiego, zachowując mitologiczny charakter wczesnego eposu, miały jednak wyraźny związek z prawdziwą historią, a temat przeplatania się ludzkie przeznaczenie a życie ludzi staje się w nich jednym z głównych. Doświadczenia starożytnych będą potrzebne w XIX-XX wieku, kiedy to pisarze będą starali się zrozumieć dramatyczny związek między epoką a jednostkową osobowością, opowiedzą o próbach, jakim poddawana jest moralność, a czasem i psychika człowieka. czas największych przełomów historycznych. Przypomnijmy słowa F. Tyutczewa: „Błogosławiony ten, który odwiedził ten świat w jego fatalnych chwilach”. Romantyczna formuła poety oznaczała w rzeczywistości zniszczenie wszelkich zwyczajowych form życia, tragiczne straty i niespełnione marzenia.

Złożona forma powieści epickiej pozwala pisarzom na artystyczną eksplorację tych problemów w całej ich kompletności i niespójności.

Kiedy mówimy o gatunku powieści epickiej, oczywiście od razu przypominamy sobie Wojnę i pokój Lwa Tołstoja. Można wymienić inne przykłady: Quiet Flows the Don M. Szołochowa, Życie i los V. Grossmana, Saga o Forsytach angielskiego pisarza Galsworthy'ego; Przeminęło z wiatrem amerykańskiej pisarki Margaret Mitchell świetny powód można zaliczyć do tego gatunku.

Sama nazwa gatunku wskazuje na syntezę, połączenie w nim dwóch głównych zasad: powieści i epopei, tj. związane z tematem życia jednostki i tematem historii ludu. Innymi słowy, powieść epicka opowiada o losach bohaterów (z reguły sami bohaterowie i ich losy są fikcyjne, wymyślone przez autora) na tle i w ścisłym związku z epokowymi wydarzeniami historycznymi. Tak więc w „Wojnie i pokoju” – takie są losy poszczególnych rodzin (Rostów, Bołkońskich), ulubionych bohaterów (księcia Andrieja, Pierre’a Bezuchowa, Nataszy i księżnej Marii) w przełomowym dla Rosji i całej Europy okresie historycznym początku XIX wieku, Wojna Ojczyźniana 1812 roku. W książce Szołochowa wydarzenia pierwszej wojny światowej, dwie rewolucje i krwawa wojna domowa tragicznie wkraczają w życie kozackiej farmy, rodziny Melechowów, losy głównych bohaterów: Grigorija, Aksinyi, Natalii. V. Grossman opowiada o Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej i jej głównym wydarzeniu - bitwie pod Stalingradem, o tragedii Holokaustu. W „Życiu i losie” splata się także wątek historyczny i rodzinny: autorka śledzi losy Szaposznikowów, starając się zrozumieć, dlaczego losy członków tej rodziny potoczyły się tak odmiennie. Galsworthy opisuje życie rodziny Forsyte w legendarnej epoce wiktoriańskiej w Anglii. Margaret Mitchell – centralne wydarzenie w historii Stanów Zjednoczonych, wojna secesyjna między Północą a Południem, która dramatycznie zmieniła życie wielu rodzin i losy jej samej słynna bohaterka Literatura amerykańska- Scarlett O'Hara.

Dramatyczne gatunki literackie

Tragedia(tragodia grecka pieśń kozła) to gatunek dramatyczny wywodzący się ze starożytnej Grecji. Powstanie starożytnego teatru i tragedii związane jest z kultem boga płodności i wina, Dionizosa. Poświęcono mu szereg świąt, podczas których odbywały się rytualne zabawy magiczne z mumerami, satyrami, których starożytni Grecy przedstawiali jako dwunożne stworzenia przypominające kozy. Przypuszcza się, że to pojawienie się satyrów, którzy śpiewali hymny ku chwale Dionizosa, nadało tak dziwną nazwę w tłumaczeniu temu poważnemu gatunkowi. Akcja teatralna w starożytnej Grecji przypisywano magiczne znaczenie religijne, a teatry budowano w formie wielkich aren pod otwarte niebo, zawsze znajdowały się w ścisłym centrum miast i były jednym z głównych miejsc publicznych. Widzowie spędzali tu czasem cały dzień: jedli, pili, głośno wyrażali aprobatę lub potępienie prezentowanego spektaklu. Rozkwit starożytnej greckiej tragedii wiąże się z imionami trzech wielkich tragików: Ajschylosa (525-456 pne) - autora tragedii Przykuty Prometeusz, Oresteja itp.; Sofokles (496-406 pne) - autor „Króla Edypa”, „Antygony” i innych; i Eurypides (480-406 pne) - twórca Medei, Troy Nok itp. Ich dzieła pozostaną przykładami gatunku przez wieki, będą próbowali naśladować, ale pozostaną niedoścignione. Niektóre z nich („Antygona”, „Medea”) wystawiane są do dziś.

Jakie są główne cechy tragedii? Głównym z nich jest obecność nierozwiązywalnego konfliktu globalnego: w starożytna tragedia to przeciwieństwo losu, losu z jednej strony i człowieka, jego woli, wolny wybór- z innym. W tragediach późniejszych epok konflikt ten nabierał charakteru moralno-filozoficznego, jako konfrontacja dobra ze złem, lojalności ze zdradą, miłości z nienawiścią. Ma charakter absolutny, bohaterowie, ucieleśniając przeciwstawne siły, nie są gotowi na pojednanie, kompromis, dlatego często na końcu tragedii dochodzi do wielu zgonów. Tak powstały tragedie wielkiego angielskiego dramatopisarza Williama Szekspira (1564-1616), przypomnijmy najsłynniejsze z nich: Hamleta, Romea i Julię, Otella, Króla Leara, Makbeta, Juliusza Cezara itp.

W tragediach francuskich dramaturgów XVII wieku Corneille'a („Horacy”, „Polyeuctus”) i Racine'a („Andromacha”, „Britanic”) konflikt ten otrzymał inną interpretację – jako konflikt obowiązku i uczucia, racjonalnego i uczuciowego w duszach głównych bohaterów, tj. otrzymał interpretację psychologiczną.

Najbardziej znana w literaturze rosyjskiej jest tragedia romantyczna „Borys Godunow” A.S. Puszkina, stworzony na materiale historycznym. W jednym ze swoich najlepszych dzieł poeta ostro postawił problem „prawdziwego nieszczęścia” państwa moskiewskiego - reakcji łańcuchowej oszustów i „strasznych okrucieństw”, na które ludzie są gotowi ze względu na władzę. Innym problemem jest stosunek ludzi do wszystkiego, co dzieje się w kraju. Obraz „cichych” ludzi w finale „Borysa Godunowa” jest symboliczny; do dziś trwają dyskusje na temat tego, co chciał przez to powiedzieć Puszkin. Napisane tragedią operę o tym samym tytule M. P. Musorgskiego, który stał się arcydziełem rosyjskiej klasyki operowej.

Komedia(gr. komos – wesoły tłum, oda – pieśń) – gatunek, który powstał w starożytnej Grecji nieco później niż tragedia (V wiek p.n.e.). Najbardziej znanym komikiem tamtych czasów jest Arystofanes („Chmury”, „Żaby” itp.).

W komedii, za pomocą satyry i humoru, tj. komiczne, wyśmiewane są wady moralne: hipokryzja, głupota, chciwość, zazdrość, tchórzostwo, samozadowolenie. Komedie są zwykle aktualne; adresowane do kwestii społecznych, obnażające słabości władzy. Rozróżnij sitcomy i komedie postaci. W pierwszym ważna jest przebiegła intryga, splot wydarzeń (Komedia omyłek Szekspira), w drugim – charaktery bohaterów, ich absurdalność, jednostronność, jak w komediach „Podszycie” D. Fonvizina , „Handlowiec w szlachcie”, „Tartuffe”, napisany przez klasycznego gatunku, francuskiego komika z XVII wieku Jean-Baptiste Molière. W rosyjskiej dramaturgii szczególnie poszukiwana okazała się komedia satyryczna z ostrą krytyką społeczną, taka jak Generalny Inspektor N. Gogola, Karmazynowa wyspa M. Bułhakowa. A. Ostrovsky stworzył wiele wspaniałych komedii („Wilki i owce”, „Las”, „Szalone pieniądze” itp.).

Gatunek komedii niezmiennie cieszy się powodzeniem wśród publiczności, być może dlatego, że potwierdza triumf sprawiedliwości: w finale występek musi zostać ukarany, a cnota musi zatriumfować.

Dramat- stosunkowo "młody" gatunek, który pojawił się w Niemczech w XVIII wieku jako lesedram (po niemiecku) - sztuka do czytania. Dramat adresowany jest do życia codziennego człowieka i społeczeństwa, życia codziennego, relacji rodzinnych. Dramat przede wszystkim wewnętrzny świat Człowieku, to najbardziej psychologiczny ze wszystkich gatunków dramatycznych. Jednocześnie jest to również najbardziej literacki gatunek sceniczny, np. sztuki A. Czechowa są w dużej mierze postrzegane bardziej jako teksty do czytania, a nie jako spektakle teatralne.

Liryczne gatunki literackie

Podział na gatunki w tekstach nie jest bowiem absolutny. różnice między gatunkami są w tym przypadku warunkowe i nie tak oczywiste, jak w eposie i dramacie. Częściej rozróżniamy utwory liryczne według nich cechy tematyczne: teksty krajobrazowe, miłosne, filozoficzne, przyjacielskie, intymne itp. Możemy jednak wymienić niektóre gatunki, które mają wyraźne cechy indywidualne: elegię, sonet, fraszki, przesłanie, epitafium.

Elegia(elegos grecka pieśń żałobna) - wiersz średniej długości, z reguły moralno-filozoficzny, miłosny, wyznaniowy.

Gatunek powstał w starożytności, a za jego główną cechę uznano dystych elegijny, tj. dzielenie wiersza na kuplety, np.:

Nadeszła upragniona chwila: moja wieloletnia praca dobiegła końca. Dlaczego dręczy mnie potajemnie niezrozumiały smutek?

A. Puszkin

W poezji XIX-XX wieku podział na kuplety nie jest już tak ścisłym wymogiem, teraz większe znaczenie mają cechy semantyczne, które wiążą się z genezą gatunku. Treściowo elegia powraca do formy antycznych „płacz pogrzebowych”, w których opłakując zmarłego, jednocześnie wspominano jego niezwykłe cnoty. To pochodzenie z góry zdeterminowało główny rys elegii – połączenie smutku z wiarą, żalu z nadzieją, akceptacji istnienia przez smutek. Liryczny bohater elegii jest świadomy niedoskonałości świata i ludzi, własnej grzeszności i słabości, ale nie odrzuca życia, lecz przyjmuje je w całej jego tragicznej urodzie. Uderzający przykład- „Elegia” A.S. Puszkin:

Szalone lata wyblakły zabawa

To dla mnie trudne, jak niejasny kac.

Ale jak wino - smutek minione dni

W mojej duszy im starszy, tym silniejszy.

Moja droga jest smutna. Obiecuje mi pracę i smutek

Nadchodzące wzburzone morze.

Ale ja nie chcę, o przyjaciele, umierać;

Chcę żyć, aby myśleć i cierpieć;

I wiem, że będę się cieszyć

Pomiędzy smutkami, zmartwieniami i niepokojem:

Czasem znów upiję się z harmonią,

Będę ronić łzy nad fikcją,

A może - na mój smutny zachód słońca

Miłość rozbłyśnie pożegnalnym uśmiechem.

Sonet(sonetto, wł. pieśń) - tzw. „solidna” forma poetycka, która ma ścisłe reguły konstrukcyjne. Sonet ma 14 wersów, podzielonych na dwa czterowiersze (czterowiersze) i dwa trzywersy (tercet). W czterowierszach powtarzają się tylko dwa rymy, w terce dwa lub trzy. Metody rymowania również miały swoje wymagania, które jednak były zróżnicowane.

Miejscem narodzin sonetu są Włochy, gatunek ten jest również reprezentowany w poezji angielskiej i francuskiej. Petrarka, XIV-wieczny włoski poeta, uważany jest za luminarza gatunku. Wszystkie swoje sonety zadedykował ukochanej Donnie Laurze.

W literaturze rosyjskiej sonety A.S. Puszkina pozostają niezrównane, piękne sonety stworzyli także poeci srebrnego wieku.

Epigram(gr. epigramma, inskrypcja) to krótki, szyderczy poemat, adresowany zwykle do konkretnej osoby. Wielu poetów pisze epigramaty, czasem zwiększając liczbę swoich nieżyczliwych, a nawet wrogów. Epigram na temat hrabiego Woroncowa odwrócił się do A.S. Puszkina nienawiścią do tego szlachcica i ostatecznie wypędzeniem z Odessy do Michajłowskiego:

Popu-mój panie, półkupiec,

Pół mądry, pół ignorant,

Pół-łajdak, ale jest nadzieja

Co w końcu będzie kompletne.

Szydercze wersety mogą być poświęcone nie tylko konkretnej osobie, ale także uogólnionemu adresatowi, jak na przykład w epigramacie A. Achmatowej:

Czy Bice mógłby tworzyć jak Dante,

Czy Laura miała gloryfikować żar miłości?

Uczyłem kobiety mówić...

Ale, Boże, jak ich uciszyć!

Zdarzają się nawet przypadki swoistego pojedynku fraszek. Kiedy słynny rosyjski prawnik A.F. Konie zostały powołane do Senatu, nieżyczliwi skierowali do niego zły epigram:

Kaligula przyprowadził konia do Senatu,

Stoi ubrany w aksamit i złoto.

Ale powiem, że mamy tę samą arbitralność:

Czytałem w gazetach, że Kony jest w Senacie.

co AF Koni, który wyróżniał się niezwykłym talentem literackim, odpowiedział:

(gr. epitafia, nagrobek) – wiersz pożegnalny dla zmarłej osoby, przeznaczony na nagrobek. Początkowo słowo to było używane w sensie dosłownym, ale później nabrało bardziej przenośnego znaczenia. Na przykład I. Bunin ma liryczną miniaturę w prozie „Epitafium”, poświęconą pożegnaniu z drogim pisarzem, ale na zawsze oddalającym się rosyjskim majątkiem. Stopniowo epitafium przekształca się w wiersz-dedykację, wiersz pożegnalny („Wieniec umarłym” A. Achmatowej). Być może najbardziej znanym tego rodzaju wierszem w poezji rosyjskiej jest „Śmierć poety” M. Lermontowa. Innym przykładem jest „Epitafium” M. Lermontowa, poświęcone pamięci zmarłego w wieku dwudziestu dwóch lat poety i filozofa Dmitrija Wenewitinowa.

Jednym z założycieli rosyjskiej krytyki literackiej był V. G. Belinsky. I chociaż w starożytności podjęto poważne kroki w rozwoju koncepcji płci literackiej (Arystoteles), to Belinsky jest właścicielem opartej na nauce teorii trzech rodzajów literackich, z którymi można się szczegółowo zapoznać, czytając artykuł Belinsky'ego „Podział poezję na rodzaje i typy”.

Istnieją trzy rodzaje fikcji: epicki(z gr. Epos, narracja), liryczny(lira była instrumentem muzycznym, przy akompaniamencie śpiewano wersety) i dramatyczny(z greckiego dramatu, akcja).

Przedstawiając czytelnikowi określony temat (czyli temat rozmowy), autor wybiera różne podejścia do niego:

Pierwsze podejście: może być szczegółowe powiedzieć o przedmiocie, o zdarzeniach z nim związanych, o okolicznościach istnienia tego podmiotu itp.; jednocześnie pozycja autora będzie mniej lub bardziej oderwana, autor będzie pełnił rolę swego rodzaju kronikarza, narratora lub wybierze na narratora jedną z postaci; najważniejsze w takiej pracy będzie właśnie historia, narracja o temacie wiodącym rodzajem wypowiedzi będzie właśnie narracja; ten rodzaj literatury nazywa się epicki;

Drugie podejście: można powiedzieć nie tyle o wydarzeniach, co o wrażenie, które wyprodukowali na autorze, o tamtych uczuciaże zadzwonili; obraz świat wewnętrzny, przeżycia, wrażenia i nawiązywać będzie do gatunku literatury lirycznej; Dokładnie doświadczenie staje się głównym wydarzeniem tekstu;

Trzecie podejście: możesz przedstawiać przedmiot w akcji, pokaz on na scenie; przedstawiać dla czytelnika i widza, w otoczeniu innych zjawisk; ten rodzaj literatury jest dramatyczny; w samym dramacie głos autora zabrzmi najrzadziej – w uwagach, czyli autorskich wyjaśnieniach akcji i replikach postaci.

Rozważ poniższą tabelę i spróbuj zapamiętać jej zawartość:

Gatunki fikcji

Z kolei każdy rodzaj literatury obejmuje kilka gatunków.

GATUNEK MUZYCZNY- Jest to ugruntowana historycznie grupa dzieł, które łączą wspólne cechy treści i formy. Grupy te obejmują powieści, opowiadania, wiersze, elegie, opowiadania, felietony, komedie itp. W krytyce literackiej pojęcie to jest często wprowadzane styl literacki, to pojęcie szersze niż gatunek. W tym przypadku powieść będzie uważana za rodzaj fikcji, a gatunki - różne odmiany powieści, na przykład powieść przygodowa, detektywistyczna, psychologiczna, powieść przypowieściowa, powieść dystopijna itp.

Przykłady relacji rodzaj-gatunek w literaturze:

• Rodzaj: dramatyczny; pogląd: komedia; gatunek muzyczny: komedia sytuacyjna.
• Rodzaj: epicki; pogląd: fabuła; gatunek muzyczny: opowiadanie fantasy itp.

Gatunki będące kategoriami historyczny pojawiają się, rozwijają i ostatecznie „wychodzą” z „rezerwy czynnej” artystów, w zależności od epoki historycznej: starożytni poeci liryczni nie znali sonetu; w naszych czasach archaiczny gatunek narodził się w starożytności i stał się popularny w XVII-XVIII wieku O tak; dziewiętnastowieczny romantyzm dał początek literaturze detektywistycznej i tak dalej.

Rozważ poniższą tabelę, w której wymieniono typy i gatunki związane z różnymi rodzajami sztuki słownej:

Rodzaje, rodzaje i gatunki fikcji

Podkreśla również współczesna krytyka literacka czwarty, pokrewny gatunek literatury, łączący cechy rodzajów epickich i lirycznych: liryczno-epicki do którego się odnosi wiersz. Rzeczywiście, opowiadając czytelnikowi historię, wiersz jawi się jako epopeja; odsłaniając czytelnikowi głębię uczuć, wewnętrzny świat osoby, która opowiada tę historię, wiersz jawi się jako liryka.

DRAMAT - specjalny rodzaj twórczość literacka. Dramat, oprócz formy werbalnej, tekstowej, ma też drugie po tekście „życie” – inscenizację na scenie w formie spektaklu, spektaklu. W organizacji spektaklu oprócz autora biorą udział reżyserzy, aktorzy, kostiumolodzy, artyści, kompozytorzy, dekoratorzy, charakteryzatorzy, iluminatorzy, pracownicy sceny itp. Ich wspólne zadanie dzieli się na dwa etapy:

2) wydawania tłumaczenia reżyserskiego, nowa interpretacja intencji autora w scenografii dzieła.

Ponieważ utwór dramatyczny jest przeznaczony do obowiązkowej (choć w większości przypadków „pośmiertnej zaocznej”) współpracy autora z teatrem, tekst utworu dramatycznego w szczególny sposób zorganizowany.

Przeczytajmy fragmenty pierwszych stron tekstu dramatu A. Ostrowskiego „Burza z piorunami”:

Zauważyłeś, że w przeciwieństwie do autora eposu (dzieła narracyjnego), autor nie opowiada długiej historii bohaterów, ale wskazuje ich na „liście”, podając zwięzłe niezbędne informacje o każdym, w zależności od własnego planu: kto jak się nazywa, ile lat ma kto, kto jest kim w tym miejscu i społeczeństwie, w którym toczy się akcja, kto do kogo należy itp. Ta „lista” aktorów nazywa się plakat.

Ostrowski zwrócił ponadto uwagę, gdzie akcja ma miejsce ile czasu przechodzi pomiędzy pewnymi momentami akcji, jak są ubrani postacie; w przypisach do pierwszego aktu czytamy: kto jest na scenie, co robisz postacie, co on robi Każda z nich. W kolejnych fragmentach tekstu autor pokrótce podaje w nawiasach: Do kogo bohaterowie zastosować z mową, czym one są gesty i postawy z którego intonacja Mówią. Wyjaśnienia te są dokonywane przede wszystkim dla artystów i reżysera i są tzw uwagi.

To, co się dzieje, jest podzielone na części kompozycyjne - działania(lub dzieje), które z kolei są również podzielone na zjawiska(lub sceny, lub obrazy). Wyjaśnia to fakt, że akcja sceniczna jest ściśle ograniczona w czasie: przedstawienie trwa zwykle 2-3 godziny, aw tym czasie autor i aktorzy muszą wyrazić wszystko, dla czego utwór został napisany i wystawiony.

Wszystkie zjawiska, jak widać, dzielą się też na małe (a czasem duże!) Fragmenty, którymi są słowa – monologi i dialogi – postacie. Jednocześnie autor zawsze wskazuje, do którego z bohaterów należą, zwracając się do bohatera po imieniu, jakby wręczając mu „mikrofon”. Te słowa bohaterów dramatu nazywają się repliki. Jak już zauważyliście, słowom bohaterów często towarzyszą uwagi.

Więc,
Organizacja tekstu utworu dramatycznego i niezbędne terminy:

PLAKAT- oto lista aktorów wraz z autorskimi wyjaśnieniami;

REPLIKA- to słowa bohaterów utworu dramatycznego; repliki porządkują sceniczne dialogi postaci;

ZJAWISKO(albo obraz, albo scena) to pełny fabularnie fragment tekstu utworu dramatycznego; każde zjawisko (lub scena, obraz) jest odrębnym zakończonym momentem akcji scenicznej, czyli epizodem.

Ponieważ dramat jest akcją sceniczną, spektaklem teatralnym, przeznaczony jest nie tyle do komunikowania się jednego czytelnika z tekstem autora (jak powieści, opowiadania, wiersze, wiersze, gdzie czytelnik i dzieło „komunikują się” tete-a- tete, sami ze sobą), ile za masowy kontakt dzieła z publicznością. Do kin przychodzą setki i tysiące ludzi. A utrzymanie ich uwagi jest bardzo, bardzo trudne. Dlatego podstawą każdego spektaklu jest autor Praca literacka- powinien opierać się na zainteresowaniu odbiorców i wytrwale je „zachować”. Dramaturg pomaga w tym dramatopisarzowi intryga.

INTRYGA(z łac. Intricare, „zmylić”) - 1) intrygi, ukryte działania, zwykle niestosowne, aby coś osiągnąć; 2) korelacja charakterów i okoliczności, która zapewnia rozwój akcji w dziele sztuki. (Słownik wyrazów obcych, 1988.)

Innymi słowy, intryga to rodzaj zagadki, zagadki, często układanej przez jednego z bohaterów własne cele, którego rozwiązanie jest podstawą akcji dramatycznej. Żadna gra nie może obejść się bez intrygi, ponieważ w przeciwnym razie nie będzie interesująca dla czytelników i widzów.

Teraz przejdźmy do treść prace dramatyczne . To przede wszystkim związane z rodzajem i gatunkiem dramatu. Istnieją trzy rodzaje dzieł dramatycznych: tragedia, komedia i dramat (nie mylić, nazwa rodzaju jest taka sama jak nazwa gatunku literackiego, ale są to różne określenia).

Ważnym aspektem dzieła dramatycznego jest kompozycja. Istnieje kilka rodzajów kompozycji dramatu jako rodzaju literatury. Rozważmy niektóre z nich:

Kompozycja fabularna- to jest całość wszystkich relacji między postaciami, system ich mowy-gestów i czynów-czynów, połączonych jednym celem autorskim, czyli głównym tematem utworu dramatycznego. Ten zestaw ma na celu ujawnienie charakterów bohaterów, przyczyn ich uzależnienia od cech codziennych i psychologicznych.

Dynamiczna kompozycja - zorganizowany przez autora łącząc wszystkie ostre punkty dramatycznej akcji(ekspozycja --> wzrost akcji --> konflikt --> rozwiązanie --> wzrost --> punkt kulminacyjny --> spadek itp.). Kompozycja dynamiczna jest charakterystyczna zarówno dla całości dzieła, jak i poszczególnych jego elementów: akcji, aktów, zjawisk, scen, obrazów itp.

• Każda postać prowadzi własny temat i ma swój własny nastrój emocjonalny (różne tematy);
• Tematy zmieniają się okresowo: od sygnału do sygnału, od odcinka do odcinka, od akcji do akcji (zmiana tematu);
• Temat jest rozwijany w dialogu przez jedną postać i podejmowany przez inną (podbieranie motywu);
• Temat jednego bohatera w dialogu zostaje przerwany przez innego, ale nie opuszcza dialogu (przerwanie tematu);
• Postacie odchodzą od tematu, a potem do niego wracają;
• Temat porzucony w jednym dialogu jest powracany przez bohaterów w innym;
• Temat można przerwać bez zakończenia (podział tematu).

Ponieważ utwór dramatyczny przeznaczony jest do wystawiania w teatrze, na który przychodzą setki widzów, zakres zjawisk życiowych rozważanych przez autora ( temat) muszą być istotne dla widza – inaczej widz opuści teatr. Dlatego dramaturg wybiera sztukę tematy zdeterminowane bądź przez epokę, bądź przez odwieczne potrzeby człowieka, przede wszystkim duchowe, z pewnością. To samo można powiedzieć o zagadnienia, czyli o tych problemach, które nurtują autora i które wnosi na dwór czytelnika i widza.

AN Ostrowski zwrócił się do tematów z życia rosyjskich kupców, małych i dużych urzędników, mieszczan, twórców, przede wszystkim publiczności teatralnej - czyli tych warstw społeczeństwa rosyjskiego, które były mu dobrze znane i badane zarówno od strony pozytywnej, jak i negatywnej . A problemy poruszane przez dramatopisarza dotyczyły także sfer publicznych:

• Jak młoda, inteligentna, utalentowana osoba może przebić się przez życie, ale która ze względu na biedę i pochodzenie nie ma silnego wsparcia bogatego i wpływowego krewnego lub znajomego? („Jest wystarczająco dużo prostoty dla każdego mądrego człowieka”)
• Gdzie podziało się sumienie rosyjskich kupców? Jak to się stało, że w pogoni za zyskiem zarówno córka, jak i zięć są gotowi obrabować teścia i zostawić go w więzieniu dłużnika, aby nie spłacać długów? („Własni ludzie - ustalmy!”)
• Dlaczego matka sprzedaje urodę córki? ("Posag")
• Co powinna zrobić piękna, ale biedna i pozbawiona ochrony dziewczyna, aby jej miłość i honor nie zostały zrujnowane? ("Posag")
• Jak człowiek, który czuje, kocha i tęskni za wolnością, może żyć w „ciemnym królestwie” ignorantów i tyranów? („Burza”) itp.

A. Czechow dedykował swoje sztuki ludziom z innych środowisk: inteligencji rosyjskiej, ostatnim „odłamkom” rodów szlacheckich i ludziom sztuki. Ale intelektualiści Czechowa zbyt głęboko wikłają się w „odwieczne” kwestie, które pozbawiają ich możliwości podejmowania decyzji; jego właściciele, ubóstwiając sad wiśniowy jako skarb całej Rosji, nie robią nic, aby go uratować i przygotowują się do wyjazdu właśnie wtedy, gdy sad jest wycinany; a aktorzy, artyści i pisarze Czechowa na scenie są zupełnie inni niż oklaskiwane przez publiczność „gwiazdy”, „idole”: są małostkowi, skąpi, przeklinają rubla, kłócą się z bliskimi, tchórzliwie znoszą to, co już wymarłe a teraz wcale nie kochający, ale nudny i uciążliwy związek ... A problemy sztuk Czechowa wynikają również w dużej mierze z czasu:

• Czy można uratować przemijające życie i jak to zrobić? („Wujek Wania”, „Wiśniowy sad”)
• Ale czy z taką czcią będą tego oczekiwali bohaterowie Czechowa „jutro”, „później”, „kiedyś”? ("Trzy siostry")
• Dlaczego czas mija, a człowiek się nie zmienia? („Mewa”, „Trzy siostry”, „Wujek Wania”)
• Czy ta droga, te wędrówki, które przypadają losowi urodzonego człowieka, kiedykolwiek zakończy się szczęśliwie? („Wiśniowy sad”)
• Czym jest szczęście, chwała, wielkość? ("Frajer")
• Dlaczego człowiek musi cierpieć, aby uwolnić się od złudzeń i odkryć swój talent? ("Frajer")
• Dlaczego sztuka wymaga od człowieka tak strasznych poświęceń? ("Frajer")
• Czy człowiek jest w stanie wyrwać się z rutyny, w którą się wpędził? („Trzy siostry”, „Wiśniowy sad”, „Mewa”)
• Jak zachować piękny "wiśniowy ogród" - naszą Rosję - tak jak ją kochamy i pamiętamy? („Wiśniowy sad”) itp.

Sztuki Czechowa wprowadziły do ​​dramaturgii rosyjskiej nową specyfikę akcji scenicznej: na scenie nie odbywają się żadne specjalne wydarzenia, „przygody”. Nawet zdarzenia niecodzienne (na przykład próba samobójcza i samobójstwo Trepleva w Mewie) mają miejsce tylko „za kulisami”. Na scenie bohaterowie tylko rozmawiają: kłócą się o drobiazgi, układają jasne dla wszystkich relacje, rozmawiają o rzeczach bez znaczenia, nudzą się i dyskutują o tym, co wydarzyło się „za kulisami”. Ale ich dialogi są przepełnione potężną energią wewnętrznego działania: za błahymi uwagami kryje się ciężki ludzka samotność, świadomość własnego niepokoju, czegoś nie zrobionego, ale bardzo ważnego, bez czego życie nigdy nie będzie lepsze. Ta właściwość sztuk Czechowa pozwoliła uznać je za gry o wewnętrznej dynamice i stała się nowym krokiem w rozwoju dramaturgii rosyjskiej.

Wiele osób często pyta: Czemu przy stawianiu takich problemów i rozwijaniu wątków sztuki „Wiśniowy sad” i „Mewa” to komedie? Nie zapominajmy, że nie zostały one zdefiniowane przez krytyków, ale przez samego autora. Wróć do stołu. Co jest kreatywne zadanie komedia?

Zgadza się, ośmieszaj występek. Czechow zaś wyśmiewa, a raczej chichocze – subtelnie, ironicznie, pięknie i smutno – nie tyle z wad, co z niekongruencji, „nieprawidłowości” życia współczesnego człowieka, czy to ziemianina, pisarz, lekarz lub ktoś inny: świetna aktorka- chciwy; słynny pisarz - pod pantoflem; "do Moskwy, do Moskwy" - i całe życie spędzimy w prowincjonalnym pustkowiu; ziemianin ze szlacheckiej i zamożnej rodziny - i idzie do banku jako zwykły pracownik, nie mający pojęcia o bankowości; nie ma pieniędzy - a my dajemy złoto żebrakowi; zamierzamy zmienić świat - a spadamy ze schodów... Dokładnie tak jest rozbieżność przytłacza sztuki Czechowa (w istocie stanowiące podstawę komiksu) i czyni je komediami w najwyższym, starożytnym tego słowa znaczeniu: są to prawdziwe „komedie życia”.

Epoka przełomowa (koniec XIX-początek XX wieku) wymagała od dramaturgów zwrócenia uwagi na nowe tematy, a przede wszystkim na samo zjawisko „człowieka”. M. Gorki w spektaklu „Na dnie” kreśli straszliwy model „dna” ludzkiego społeczeństwa, tworząc na scenie swego rodzaju pokojowy dom-jaskinię, jakby mieszczący w sobie cały świat współczesnych relacji międzyludzkich. Ale „dno” Gorkiego to nie tylko bieda i niepokój. Dusza ma również „dno”, a objawienie głuchych, mrocznych tajemnic tej duszy zostało ucieleśnione w obrazach Barona, Kleshcha, Aktora, Kostyleva, Asha… ciemność, ta negatywność, która nagromadziła się w ich duszach przez cały czas ich prawdziwe, rzeczywiste życie. Nikt nie zmieni twojego życia inaczej niż ty sam – to wynik obserwacji autora dramatu. Dlatego dramat Gorkiego „Na dnie” jest określany przez gatunek jako społeczno-filozoficzny. Kluczowymi problemami dla Gorkiego były:

• Jaka jest prawdziwa prawda o życiu?
• Do jakiego stopnia człowiek jest w stanie przejąć kontrolę nad własnym losem? Co zrobiłeś, aby Twoje życie wyglądało inaczej, tak jakbyś chciał?
• Kto jest winny, że próbuje „wyskoczyć z tramwaju” i wystartować nowe życie przegrany?
• Jak należy dziś widzieć człowieka, autor współczesny, za chwilę?
• Litować się czy potępiać? Co naprawdę pomaga człowiekowi?
• Jak odpowiedzialne jest społeczeństwo i środowisko za życie człowieka? Itd.

Analizując utwór dramatyczny, będziesz potrzebować umiejętności, które nabyłeś podczas wykonywania zadań związanych z analizą odcinka utworu.

Bądź ostrożny, ściśle przestrzegaj planu analizy.

Tematy 15 i 16 są ze sobą ściśle powiązane, więc pomyślne ukończenie pracy jest możliwe tylko po szczegółowym przestudiowaniu materiałów teoretycznych na te tematy.

• A.S.Griboyedov. Komedia „Biada dowcipowi”
• N. Gogol. Komedia „Inspektor”
• AN Ostrowski. Komedia „Własni ludzie - ustalmy!”; dramaty „Burza”, „Posag”
• AP Czechow. Spektakl „Wiśniowy sad”
• M. Gorki. Spektakl „Na dnie”

Czym jest dramaturgia? Odpowiedź na to pytanie będzie zależała od kontekstu, w jakim użyto tego słowa. Przede wszystkim jest to rodzaj literatury przeznaczonej do spektakli teatralnych, implikujący interakcję postaci ze światem zewnętrznym, której towarzyszy wyjaśnienie autora.

Dramaturgia to także dzieło zbudowane według jednej zasady i praw.

Cechy dramaturgii

• Akcja powinna toczyć się w czasie teraźniejszym i rozwijać się szybko w tym samym miejscu. Widz staje się świadkiem, musi być w napięciu i wczuwać się w to, co się dzieje.
• Produkcja może obejmować okres kilku godzin, a nawet lat. Akcja nie powinna jednak trwać dłużej niż jeden dzień na scenie, gdyż jest ograniczona możliwościami oglądania przez widzów.
• W zależności od chronologii utworu dramat może składać się z jednego lub kilku aktów. Tak, literatura Klasycyzm francuski zwykle reprezentowane przez 5 aktów, a 2 akty są typowe dla dramaturgii hiszpańskiej.
• Wszyscy aktorzy występujący w dramacie podzieleni są na dwie grupy – antagonistów i bohaterów (mogą być obecne także postacie spoza sceny), a każdy akt jest pojedynkiem. Ale autor nie powinien opowiadać się po niczyjej stronie - widz może się tylko domyślać na podstawie wskazówek wynikających z kontekstu dzieła.

Budowa dramatu

Dramat ma fabułę, fabułę, temat i intrygę.

• Fabuła jest konfliktem, związkiem postaci z wydarzeniami, które z kolei obejmują kilka elementów: ekspozycję, fabułę, rozwój akcji, kulminację, zakończenie akcji, rozwiązanie i finał.
• Fabuła to połączone ze sobą rzeczywiste lub fikcyjne wydarzenia w sekwencji czasowej. Zarówno fabuła, jak i fabuła są narracją wydarzeń, ale fabuła jest tylko faktem tego, co się wydarzyło, a fabuła jest związkiem przyczynowym.
• Temat to ciąg wydarzeń, które stanowią podstawę utworu dramatycznego, które łączy jeden problem, czyli to, o czym autor chciał, aby widz lub czytelnik pomyślał.
• Dramatyczna intryga to interakcja postaci, która wpływa na oczekiwany przebieg wydarzeń w utworze.

Elementy dramatu

• Ekspozycja – stwierdzenie aktualnego stanu rzeczy, który powoduje powstanie konfliktu.
• Więź to zapoczątkowanie konfliktu lub warunek jego rozwoju.
• Punktem kulminacyjnym jest punkt kulminacyjny konfliktu.
• Rozwiązaniem jest zamach stanu lub upadek głównego bohatera.
• Finał - rozwiązanie konfliktu, który może zakończyć się na trzy sposoby: konflikt został rozwiązany i ma szczęśliwe zakończenie, konflikt nie zostanie rozwiązany lub konflikt zostanie rozwiązany tragicznie – śmierć bohatera lub jakiekolwiek inne wycofanie się bohatera z pracy w finale.

Na pytanie „czym jest dramaturgia” można teraz odpowiedzieć inną definicją – jest to teoria i sztuka konstruowania utworu dramatycznego. Powinien opierać się na zasadach budowy działki, mieć plan i główną ideę. Ale w toku rozwoju historycznego zmieniła się dramaturgia, gatunki (tragedia, komedia, dramat), jej elementy i środki wyrazu, co podzieliło historię dramaturgii na kilka cykli.

Narodziny dramaturgii

Po raz pierwszy o pochodzeniu dramaturgii świadczą inskrypcje ścienne i papirusy w epoce starożytnego Egiptu, w której była też fabuła, kulminacja i rozwiązanie. Kapłani, którzy posiadali wiedzę o bóstwach, wpłynęli na świadomość narodu egipskiego właśnie dzięki mitom.

Mit Izydy, Ozyrysa i Horusa stanowił dla Egipcjan rodzaj Biblii. Dramaturgia była dalej rozwijana w starożytnej Grecji w V-VI wieku pne. mi. Gatunek tragedii narodził się w starożytnej greckiej dramaturgii. Fabuła tragedii została wyrażona w opozycji dobrego i sprawiedliwego bohatera do zła. Finał zakończył się tragiczną śmiercią bohatera i miał się zakończyć mocne uczucia widza do głębokiego oczyszczenia jego duszy. Zjawisko to ma swoją definicję – katharsis.

Mity były zdominowane przez wojsko i motywy polityczne, ponieważ tragicy tamtych czasów sami nie raz brali udział w wojnach. Dramaturgię starożytnej Grecji reprezentują następujący znani pisarze: Ajschylos, Sofokles, Eurypides. Oprócz tragedii odrodził się także gatunek komedii, w której Arystofanes uczynił głównym tematem świata. Ludzie są zmęczeni wojnami i bezprawiem władzy, dlatego domagają się spokojnego i spokojnego życia. Komedia wywodzi się z komiksowych piosenek, które czasami były nawet frywolne. Humanizm i demokracja były głównymi ideami w twórczości komików. Bardzo słynne tragedie z tego okresu można wymienić sztuki „Persowie” i „Skuty Prometeusz” Ajschylosa, „Król Edyp” Sofoklesa i „Medea” Eurypidesa.

O rozwoju dramaturgii w II-III wieku pne. mi. pod wpływem starożytnych dramaturgów rzymskich: Plauta, Terencjusza i Seneki. Plaut sympatyzował z niższymi warstwami społeczeństwa niewolniczego, wyśmiewał chciwych lichwiarzy i kupców, dlatego opierając się na antycznych opowieściach greckich uzupełnił je opowieściami o trudnym życiu zwykłych obywateli. W jego utworach było wiele piosenek i żartów, autor był popularny wśród współczesnych, a następnie wywarł wpływ na europejską dramaturgię. Tak więc jego słynna komedia „Skarb” została wzięta za podstawę przez Moliere podczas pisania jego dzieła „Skąpiec”.

Terence jest przedstawicielem późniejszego pokolenia. Nie skupia się na środkach wyrazu, ale zagłębia się w opis psychologicznego komponentu charakteru bohaterów, a domowe i rodzinne konflikty między ojcami i dziećmi stają się tematem komedii. Jego słynna sztuka „Bracia” najdobitniej oddaje ten problem.

Kolejnym dramatopisarzem, który wniósł wielki wkład w rozwój dramatu, jest Seneka. Był wychowawcą Nerona, cesarza Rzymu i zajmował się nim wysoka pozycja. Tragedie dramatopisarza zawsze rozwijały się wokół zemsty bohatera, która pchnęła go do straszliwych zbrodni. Historycy tłumaczą to krwawymi okrucieństwami, które miały wówczas miejsce Pałac Królewski. Dzieło Seneki „Medea” wpłynęło później na teatr zachodnioeuropejski, jednak w przeciwieństwie do „Medei” Eurypidesa królowa przedstawiona została jako postać negatywna, żądna zemsty i nie przeżywająca żadnych uczuć.

Tragedie w epoce imperialnej zostały zastąpione innym gatunkiem - pantomimą. Jest to taniec przy akompaniamencie muzyki i śpiewu, który zwykle wykonywał jeden aktor z zamkniętymi ustami. Ale jeszcze większą popularnością cieszyły się występy cyrkowe w amfiteatrach – walki gladiatorów i zawody rydwanów, które doprowadziły do ​​upadku moralności i upadku Cesarstwa Rzymskiego. Dramaturdzy po raz pierwszy najdokładniej pokazali widzom, czym jest dramaturgia, ale teatr został zniszczony, a dramat odrodził się dopiero po półtysiącletniej przerwie w rozwoju.

Dramat liturgiczny

Po upadku Cesarstwa Rzymskiego dramaturgia odżywa ponownie dopiero w IX wieku w obrzędach i modlitwach kościelnych. Kościół, aby przyciągnąć jak najwięcej ludzi do oddawania czci i kontrolowania mas poprzez oddawanie czci Bogu, wprowadza małe spektakularne przedstawienia, takie jak zmartwychwstanie Jezusa Chrystusa lub inne historie biblijne. Tak rozwijał się dramat liturgiczny.

Jednak ludzie gromadzili się na przedstawieniach i byli odciągani od samego nabożeństwa, w wyniku czego powstał na poły liturgiczny dramat – przedstawienia przenoszono na przedsionki, a bardziej zrozumiałe dla słuchaczy historie życiorysów oparte na historiach biblijnych przyjąć za podstawę.

Odrodzenie dramaturgii w Europie

Dramaturgia rozwijała się dalej w okresie renesansu w XIV-XVI wieku, powracając do wartości kultury antycznej. Fabuły ze starożytnych mitów greckich i rzymskich inspirują autorów renesansu

To właśnie we Włoszech teatr zaczął się odradzać, pojawiło się profesjonalne podejście do produkcji scenicznych, powstał taki muzyczny rodzaj dzieła, jak opera, odrodziła się komedia, tragedia i pastorał - gatunek dramaturgii, którego głównym tematem była wieś życie. Komedia w swoim rozwoju wyznaczyła dwa kierunki:

• komedia naukowa, przeznaczona dla kręgu ludzi wykształconych;
• komedia uliczna - improwizowany teatr masek.

Najwybitniejszymi przedstawicielami dramaturgii włoskiej są Angelo Beolco („Kokietka”, „Komedia bez tytułu”), Giangiorgio Trissino („Sofonisba”) i Lodovico Ariosto („Komedia o piersi”, „Wściekły Orlando”).

Dramat angielski umacnia pozycję teatru realizmu. Mity i tajemnice są zastępowane przez społeczno-filozoficzne rozumienie życia. Za przodka dramatu renesansowego uważany jest angielski dramaturg Christopher Marlo („Tamerlan”, „Tragiczna historia doktora Fausta”). Teatr realizmu rozwinął się za czasów Williama Szekspira, który w swoich utworach wspierał również idee humanistyczne – Romeo i Julia, Król Lear, Otello, Hamlet. Twórcy tamtych czasów wsłuchiwali się w pragnienia prostego ludu, a ulubionymi bohaterami sztuk byli prostacy, lichwiarze, wojownicy i kurtyzany, a także skromne, ofiarne bohaterki. Bohaterowie dopasowują się do fabuły, która oddawała ówczesne realia.

Okres XVII-XVIII w. reprezentuje dramaturgia epoki baroku i klasycyzmu. Humanizm jako kierunek schodzi na dalszy plan, a bohater czuje się zagubiony. Barokowe idee oddzielają Boga od człowieka, to znaczy teraz sam człowiek ma wpływ na swój los. Głównym kierunkiem dramaturgii barokowej jest manieryzm (nietrwałość świata i niepewna pozycja człowieka), który jest nieodłącznym elementem dramatów „Fuente Ovehuna” i „Gwiazda Sewilli” Lope de Vegi oraz twórczości Tirso de Molina - "Sewillski uwodziciel", "Pobożna Marta".

Klasycyzm jest przeciwieństwem baroku głównie dlatego, że opiera się na realizmie. Tragedia staje się głównym gatunkiem. Ulubionym tematem w twórczości Pierre'a Corneille'a, Jeana Racine'a i Jeana-Baptiste'a Moliere'a jest konflikt osobistych i obywatelskich interesów, uczuć i powinności. Służba państwu jest najwyższym szlachetnym celem człowieka. Tragedia „Sid” przyniosła Pierre'owi Corneille'owi wielki sukces, a dwie sztuki Jeana Racine'a „Aleksander Wielki”, „Thebais, czyli wrogowie bracia” zostały napisane i wystawione za radą Moliera.

Molier był najpopularniejszym dramaturgiem tamtych czasów i znajdował się pod patronatem osoby panującej i pozostawił po sobie 32 sztuki napisane w różnych gatunkach. Najbardziej znaczące z nich to „Madcap”, „Zakochany lekarz” i „Imaginary Sick”.

W okresie oświecenia rozwinęły się trzy nurty: klasycyzm, sentymentalizm i rokoko, które w XVIII wieku wpłynęły na dramaturgię Anglii, Francji, Niemiec i Włoch. Niesprawiedliwość świata wobec zwykli ludzie stał się głównym tematem dramaturgów. Klasy wyższe dzielą miejsca ze zwykłymi ludźmi. Teatr Oświecenia uwalnia ludzi od utrwalonych uprzedzeń i staje się dla nich nie tylko rozrywką, ale także szkołą moralności. Popularność zyskuje dramat filisterski (George Lilo „The London Merchant” i Edward Moore „The Gambler”), który podkreśla problemy burżuazji, uznając je za równie ważne jak problemy rodziny królewskiej.

Po raz pierwszy dramaturgię gotycką przedstawił John Home w tragediach „Douglas” i „Fatal Discovery”, których tematyka miała charakter rodzinny i codzienny. Dramat francuski był w większym stopniu reprezentowany przez poetę, historyka i publicystę Francois Voltaire („Edyp”, „Śmierć Cezara”, „ Syn marnotrawny"). John Gay („Opera żebracza”) i Bertolt Brecht („Opera za trzy grosze”) otworzyli przed komedią nowe kierunki – moralizujące i realistyczne. A Henry Fielding prawie zawsze krytykował angielski system polityczny poprzez komedie satyryczne (Miłość w różnych przebraniach, The Coffeehouse Politician), parodie teatralne (Pasquin), farsy i ballady operowe (The Lottery, The Scheming Maid), po których ustawa o cenzurze teatralnej został wprowadzony.

Ponieważ Niemcy są przodkami romantyzmu, niemiecka dramaturgia była najbardziej rozwinięta w XVIII i XIX wieku. Bohaterem prac jest wyidealizowana, uzdolniona twórczo osoba, przeciwstawiona realnemu światu. F. Schelling wywarł wielki wpływ na światopogląd romantyków. Później Gotthald Lessing publikuje swoje dzieło „Hamburg Dramaturgy”, w którym krytykuje klasycyzm i propaguje idee realizm oświeceniowy Szekspir. Johann Goethe i Friedrich Schiller tworzą teatr weimarski i doskonalą szkołę aktorską. Heinrich von Kleist („Rodzina Schroffensteinów”, „Książę Fryderyk z Homburga”) i Johann Ludwig Tieck („Kot w butach”, „Świat na lewą stronę”) uważani są za najjaśniejszych przedstawicieli niemieckiej dramaturgii.

Rozkwit dramaturgii w Rosji

Dramat rosyjski zaczął się aktywnie rozwijać w XVIII wieku za przedstawiciela klasycyzmu - A.P. Sumarokowa, zwanego „ojcem teatru rosyjskiego”, którego tragedie („Potwory”, „Narcyz”, „Strażnik”, „Rogacz z wyobraźni”) koncentrowały się na twórczości Moliera. Ale to właśnie w XIX wieku kierunek ten odegrał wybitną rolę w dziejach kultury.

W dramatach rosyjskich rozwinęło się kilka gatunków. Są to tragedie V. A. Ozerova („Jaropolk i Oleg”, „Edyp w Atenach”, „Dimitri Donskoy”), które odzwierciedlały problemy społeczno-polityczne istotne podczas wojen napoleońskich, satyryczne komedie I. Kryłowa („Szalony Rodzina”, „Kawiarnia”) oraz dramaty edukacyjne A. Gribojedowa („Biada dowcipowi”), N. Gogola („Rewizor”) i A. Puszkina („Borys Godunow”, „Uczta w czasach Plaga").

W drugiej połowie XIX wieku realizm mocno ugruntował swoją pozycję w dramatach rosyjskich, a A. Ostrovsky stał się najwybitniejszym dramaturgiem w tym kierunku. Na jego twórczość składały się sztuki historyczne („Wojewoda”), dramaty („Burza”), komedie satyryczne („Wilki i owce”) oraz baśnie. Głównym bohaterem prac był zaradny poszukiwacz przygód, kupiec i prowincjonalny aktor.

Cechy nowego kierunku

Okres od XIX do XX wieku wprowadza nas w nowy dramat, jakim jest dramaturgia naturalistyczna. Pisarze tamtych czasów starali się przekazać „prawdziwe” życie, pokazując najbardziej brzydkie aspekty życia ówczesnych ludzi. Działania człowieka były zdeterminowane nie tylko jego wewnętrznymi przekonaniami, ale także otaczającymi okolicznościami, które na niego wpłynęły, więc głównym bohaterem pracy mogła być nie jedna osoba, ale nawet cała rodzina lub osobny problem, wydarzenie.

Nowy dramat reprezentuje kilka nurtów literackich. Wszystkich ich łączy zwrócenie uwagi dramaturgów na stan umysłu bohatera, wiarygodną transmisję rzeczywistości i wyjaśnienie wszystkich ludzkie działania z punktu widzenia nauk przyrodniczych. Założycielem jest Henryk Ibsen nowy dramat, a wpływ naturalizmu najdobitniej objawił się w jego sztuce „Duchy”.

W kulturze teatralnej XX wieku zaczynają się rozwijać 4 główne kierunki - symbolizm, ekspresjonizm, dadaizm i surrealizm. Wszystkich twórców tych nurtów w dramaturgii łączyło odrzucenie tradycyjnej kultury i poszukiwanie nowych środków wyrazu. Maeterlinck („Ślepcy”, „Joanna d'Arc”) i Hofmannsthal („Głupiec i śmierć”) jako przedstawiciele symbolizmu wykorzystują śmierć i rolę człowieka w społeczeństwie jako główny temat swoich sztuk, a Hugo Ball, przedstawiciel dramaturgii dadaistycznej, podkreślał bezsensowność ludzka egzystencja i całkowite odrzucenie wszelkich przekonań. Surrealizm kojarzy się z nazwiskiem Andre Bretona („Proszę”), którego bohaterów charakteryzują niespójne dialogi i autodestrukcja. Dramat ekspresjonistyczny dziedziczy romantyzm, gdzie główna postać sprzeciwia się całemu światu. Przedstawicielami tego nurtu w dramaturgii byli Gan Jost („Młody człowiek”, „Pustelnik”), Arnolt Bronnen („Zamieszki przeciwko Bogu”) i Frank Wedekind („Puszka Pandory”).

dramat współczesny

Na przełomie XX i XXI wieku współczesna dramaturgia straciła swoją pozycję i przeszła w stan poszukiwania nowych gatunków i środków wyrazu. W Rosji ukształtował się kierunek egzystencjalizmu, a następnie rozwinął się w Niemczech i Francji.

Jean-Paul Sartre w swoich dramatach („Za zamkniętymi drzwiami”, „Muchy”) i inni dramatopisarze wybierają na bohatera swoich dzieł osobę, która nieustannie myśli o bezmyślnym przeżywaniu życia. Ten strach każe mu myśleć o niedoskonałości otaczającego go świata i zmieniać go.

Pod wpływem Franza Kafki powstaje teatr absurdu, który zaprzecza postaciom realistycznym, a dzieła dramaturgów pisane są w formie powtarzalnych dialogów, niekonsekwencji działań i braku związków przyczynowych. Rosyjska dramaturgia jako główny temat wybiera uniwersalne wartości ludzkie. Broni ideałów człowieka i dąży do piękna.

Rozwój dramatu w literaturze jest bezpośrednio związany z biegiem wydarzeń historycznych na świecie. dramatopisarze różnych krajów, nieustannie pod wrażeniem problemów społeczno-politycznych, często sami kierowali kierunkiem w sztuce i tym samym wpływali na masy. Okres rozkwitu dramaturgii przypadł na epokę Cesarstwa Rzymskiego, starożytnego Egiptu i Grecji, w trakcie których zmieniały się formy i elementy dramatu, a temat dzieł albo wprowadzał nowe problemy do fabuły, albo wracał do pierwotnego stare problemy starożytności. A jeśli dramatopisarze pierwszych tysiącleci zwracali uwagę na ekspresję mowy i charakter bohatera, co najwyraźniej wyraża się w twórczości ówczesnego dramatopisarza - Szekspira, to przedstawiciele współczesnego kierunku wzmocnili rolę atmosferę i podtekst w swoich utworach. Na podstawie powyższego można udzielić trzeciej odpowiedzi na pytanie: czym jest dramaturgia? Są to dzieła dramatyczne, które łączy jedna epoka, kraj lub pisarz.