Freski wczesnego renesansu. Charakterystyka porównawcza kultur epok

Wczesny renesans(XIV-XV w.) w sztuce Włoch kojarzony jest przede wszystkim z Florencją, gdzie Medyceusze patronowali humanistom i całej sztuce. Na początku XVw. szkoła florencka jest awangardą sztuki humanistycznej renesansu. Tutaj w 1439 r. powstała Akademia Platońska, Biblioteka Laurenziana, powstały zbiory sztuki Medyceuszy; pracują pisarze, poeci, humaniści, naukowcy.

Fra Filippo Lippi. Kult Dzieciątka.

Postrzeganie rzeczywistości jest testowane przez doświadczenie, eksperyment, kontrolowane przez umysł. Stąd duch porządku i miary, tak charakterystyczny dla sztuki renesansu. Geometria, matematyka, anatomia, doktryna proporcji ludzkiego ciała mają dla artystów ogromne znaczenie; wtedy zaczynają dokładnie studiować budowę człowieka. Powstaje nowe kryterium oceny piękna, oparte na podobieństwie do natury i wyczuciu proporcji. W sztuce szczególną uwagę przywiązuje się do plastycznego opracowania form i rysunków. Chęć poznania praw natury prowadzi do badania proporcji sylwetki ludzkiej, anatomii. W XV wieku artyści włoscy rozwiązali także problem perspektywy prostoliniowej, który dojrzał w sztuce trecenta.

W tym okresie świadomie i celowo studiuje się sztukę starożytną, starożytna filozofia i literatura. Jednak wpływ starożytności nakłada się na wielowiekowe i silne tradycje średniowiecza, na sztukę chrześcijańską. Wątki pogańskie i chrześcijańskie przeplatają się, przekształcają, nadając kulturze renesansu specyficznie złożony charakter.

Architektura wczesnego renesansu.

Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, rzeźbiarz i naukowiec, jeden z twórców naukowej teorii perspektywy, stał się protoplastą włoskiej architektury renesansowej. Największym osiągnięciem inżynierskim Brunelleschiego było wzniesienie kopuły katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Dzięki swojemu geniuszowi matematycznemu i technicznemu Brunelleschi zdołał rozwiązać najtrudniejszy problem swoich czasów. Kopuła katedry Santa Maria del Fiore stała się prekursorem wielu kościołów z kopułą we Włoszech i innych krajach europejskich.

Brunelleschi był jednym z pierwszych we włoskiej architekturze, który twórczo pojął i zinterpretował starożytny system porządku i położył podwaliny pod stworzenie kościoła z kopułą opartego na starożytnym porządku. Prawdziwym klejnotem wczesnego renesansu była Kaplica Pazzi, zbudowana na zlecenie Brunelleschiego i na zlecenie zamożnej rodziny florenckiej (rozpoczęta w 1429 r.). Humanizm i poezja twórczości Brunelleschiego, harmonijne proporcje, lekkość i elegancja jego budowli, pozostawanie w kontakcie z tradycjami gotyku, swoboda twórcza i naukowa słuszność jego idei zadecydowały o wielkim wpływie Brunelleschiego na dalszy rozwój architektury renesansowej.

Jedno z głównych osiągnięć architektura włoska XV wiek było powstanie nowego typu pałaców miejskich, które służyły jako wzór dla późniejszych budowli użyteczności publicznej. Włoskie pałace nazywane są palazzo (od łac. palatium; to właśnie tam rosyjskie słowo"kancelaria"). Cechy XV-wiecznego palazzo to wyraźny podział zamkniętej kubatury budynku na trzy kondygnacje, otwarty dziedziniec z letnimi arkadami piętra, zastosowanie rdzy, tj. kamień o zgrubnie zaokrąglonej lub wypukłej powierzchni czołowej, do okładzin elewacyjnych, a także mocno wysunięty gzyms ozdobny. Uderzającym przykładem tego stylu jest stołeczny budynek ucznia Brunelleschiego i jego utalentowanego następcy Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), nadwornego architekta rodziny Medyceuszy, pałac Medici-Riccardi (1444-60), który służył jako model do budowy wielu florenckich pałaców.

Rzeźba wczesnego renesansu.

XV wiek rzeźba włoska, która nabrała niezależnego od architektury znaczenia, przeżywa rozkwit. Praktyka życia artystycznego zaczęła obejmować zamówienia zamożnych rzemieślników i kupców na zdobienie budynków użyteczności publicznej; są utrzymywane konkursy plastyczne. Jeden z tych konkursów – na wykonanie z brązu drugich północnych drzwi baptysterium florenckiego (1401) – uważany jest za znaczące wydarzenie, które otworzyło nową kartę w historii włoskiej rzeźby renesansowej. W konkursie tym uczestniczył Filippo Brunelleschi, który później został słynny architekt. Jednak wygrał Lorenza Ghibertiego(1381-1455). Jeden z najbardziej wykształconych ludzi swoich czasów, pierwszy historyk sztuki włoskiej, genialny rysownik, Ghiberti poświęcił swoje życie jednemu rodzajowi rzeźby - reliefowi. Główną zasadą jego sztuki, Ghiberti, była równowaga i harmonia wszystkich elementów obrazu. Szczytem dzieła Ghibertiego były wschodnie drzwi florenckiej baptysterium (1425-52), które uwieczniły imię mistrza. Dekorację drzwi stanowi dziesięć kwadratowych kompozycji wykonanych z pozłacanego brązu, swoją niezwykłą wyrazistością przywodzących na myśl malownicze malowidła.

go od największych rzeźbiarzy pierwszej połowy XV wieku. był Jacopo della Quercia (1374-1438), starszy współczesny Ghibertiemu i Donatello. Jego bogata w wiele odkryć twórczość stała niejako z dala od ogólnej ścieżki rozwoju sztuki renesansu. Znaczący wpływ na twórczość Michała Anioła wywarły monumentalne płaskorzeźby wykonane przez Quercię na głównym portalu kościoła San Petronio w Bolonii („Stworzenie Adama”).

Malarstwo wczesnego renesansu.

Ogromną rolę, jaką Brunelleschi odegrał w architekturze wczesnego renesansu, a Donatello w rzeźbie, odegrał Masaccio (1401-1428) w malarstwie. Słynny historyk sztuki Vipper powiedział: „Masaccio to jeden z najbardziej niezależnych i konsekwentnych geniuszy w historii malarstwa europejskiego, twórca nowego realizmu…” Kontynuując poszukiwania Giotta, Masaccio śmiało zrywa ze średniowiecznymi tradycjami artystycznymi. Na fresku „Trójca” (1426-27), stworzonym dla kościoła Santa Maria Novella we Florencji, Masaccio po raz pierwszy używa pełnej perspektywy w malarstwie ściennym. Na malowidłach ściennych kaplicy Brancacci kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji (1425-28) – głównego dzieła jego krótkiego życia – Masaccio nadaje obrazom niespotykaną żywotność, podkreśla fizyczność i monumentalność swoich postaci, po mistrzowsku przekazuje stan emocjonalny psychologiczna głębia obrazów. Na fresku „Wygnanie z raju” artysta rozwiązuje najtrudniejsze zadanie swoich czasów, przedstawiając nagą postać ludzką. Surowa i odważna sztuka Masaccio wywarła ogromny wpływ na kulturę artystyczną renesansu, w szczególności na twórczość Piero della Francesca i Michała Anioła.

Szczególne miejsce w malarstwie wczesnego renesansu zajmuje Sandro Botticelli (1445-1510), rówieśnik Leonarda da Vinci i młodego Michała Anioła. wyśmienita sztuka Botticelli z elementami stylizacji (tj. uogólnieniem obrazów za pomocą konwencjonalnych technik - uproszczenie koloru, kształtu i objętości) cieszył się dużym powodzeniem wśród wykształconych Florentczyków. Sztuka Botticellego, w przeciwieństwie do większości mistrzów wczesnego renesansu, opierała się na osobistych doświadczeniach. Wśród wielu obrazów stworzonych przez Botticellego znajdują się jedne z najpiękniejszych dzieł sztuki światowej („Narodziny Wenus”, „Wiosna”). Wyjątkowo wrażliwy i szczery Botticelli przeszedł trudną i tragiczną drogę. zajęcia twórcze- od poetyckiego postrzegania świata w młodości do mistycyzmu i religijnej egzaltacji w wieku dorosłym.

Sztuka wczesnego renesansu włoskiego reprezentowana była przez nowe malarstwo, rzeźbę i architekturę. Pierwszymi wielkimi mistrzami malarstwa byli Giotto (1266-1337) i Masaccio (1401-1428) – artyści florenccy. Malowali o tematyce cerkiewno-religijnej (freski-malarstwo ścian wewnątrz świątyń), ale nadawali swoim obrazom cechy realistyczne. Giotto był pierwszym wolnym artystą malarstwo włoskie pod wpływem ikonografii bizantyjskiej.

główny rzeźbiarz tego okresu był Donatello (1386-1466). Brunelleschi (1377-1445) był największym architektem wczesnego renesansu. Odrodzenie było niejednoznaczne: artyści czasami szli na własną rękę różne sposoby. Świecki początek, pragnienie fascynującej narracji, liryczne, ziemskie uczucie znalazło wyrazisty wyraz w twórczości Fra Filippo Lippiego (1406-1469), mnicha z zakonu karmelitów. Czarujący mistrz, autor wielu ołtarzy, wśród których za najlepszy uchodzi obraz „Adoracja Dzieciątka”, stworzony do kaplicy w Pałacu Medyceuszy. Do końca XVw. zasady, formy, obrazy nowej sztuki stały się własnością całych Włoch. Fundamenty zostały położone nowy system gatunków, zgromadził bogate doświadczenie wiedza artystyczna człowieka i otaczającego go świata. Wpływ nowej sztuki włoskiej zaczął rozprzestrzeniać się na inne kraje europejskie. Etap wczesnego renesansu zakończył się, przygotowując potężny rozkwit wszystkich rodzajów sztuki w czasach wysokiego renesansu.

BILET NR 13

Trzeci okres renesansu – czas najwspanialszego rozwoju jego stylu – nazywany jest potocznie „wysokim renesansem”. Rozciąga się do Włoch od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie centrum wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniosło się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na papieski tron ​​Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego i przedsiębiorczego, który przyciągał najlepsi artyści Włochy, które zajmowały ich licznymi i ważnymi dziełami, a innym dawały przykład miłości do sztuki. Wraz z tym papieżem i jego najbliższymi następcami Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: powstaje w nim wiele monumentalnych budowli, wspaniałych prace rzeźbiarskie maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarstwa; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie oddziałując. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, reprodukowana z większą dyscypliną i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; całkowicie zanikają reminiscencje średniowiecza, a na wszystkich dziełach sztuki odciska się całkowicie klasyczny ślad. Ale naśladownictwo starożytnych nie umniejsza artystom ich niezależności, a oni z wielką zaradnością i żywością wyobraźni swobodnie przetwarzają i stosują w swojej twórczości to, co uważają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.

Dzieła trzech wielkich włoskich mistrzów wyznaczają szczyt renesansu, są to Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarotti (1475-1564) i Raphael Santi (1483-1520).

Renesansowi Tytani

Tytani włoskiego renesansu to trzy szczyty sztuki: Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł. Dlaczego nazywamy ich „tytanami”? W starożytna mitologia tytanami byli ci, którzy odważyli się rzucić wyzwanie bogom, chcąc być porównani z bogami u władzy. Ale bogowie olimpijscy surowo ukarali dumnych i obalili ich na kamień nazębny. Jednym z tytanów był Prometeusz, który również rzucił wyzwanie bogom, aby pomogli ludzkości. Dał ludziom ogień, ale sam stał się ofiarą zemsty bogów: został przykuty do skały, a latawiec dziobał jego wątrobę.
Tytani renesansu, podobnie jak starożytni półbogowie, rzucili wyzwanie Niebu. w odróżnieniu średniowieczna reprezentacja o znikomości człowieka, jego słabości i grzeszności wobec wszechmocnego Boga, głosili wielkość człowieka, ogrom jego możliwości i bogactwo talentów i nie tylko. w słowach, ale w czynach, własny przykład. Trudno sobie nawet wyobrazić, ile talentów mieści się w jednej osobie!
Leonardo da Vinci łączył talenty naukowca (matematyka, mechanika, optyka, fizyka, biologa, anatoma itp.), artysty (rysownika, malarza, rzeźbiarza i architekta), filozofa i pisarza. Michał Anioł był jednocześnie rzeźbiarzem, malarzem, architektem i poetą. Być może Rafael nie był tak wszechstronny, ale jego talent artystyczny był tak doskonały, że już za życia nazywano go Santi, czyli „boski”.
Spójrz na późny autoportret Leonarda. Widzimy człowieka, który wiele w życiu doświadczył. Włosy i broda spływają mu po twarzy, nadając mu wygląd mądrego czarnoksiężnika, który odkrył tajemnice niedostępne dla zwykłego śmiertelnika. Przenikliwe spojrzenie, kąciki ust opuszczone, co wyraża rozczarowanie. Przychodzą mi na myśl wersety króla Salomona z księgi „Kaznodziei” w Starym Testamencie: „Wiedza pomnaża smutek”. Leonardo da Vinci jest obrazem mędrca artysty. Jego stypendium ma na celu penetrację wszystkich zakątków świata. Nawet piękno chce poznać i zmierzyć kompasem i linijką. I mu się to udaje. Znajomość najskrytszych tajemnic natury – oto dusza Leonarda.
Rafał - jasny geniusz, anioł odrodzenia. Wszystko było dla niego łatwe. Nie cierpi, jego umysł nie śpieszy się w poszukiwaniu prawdy. Sama prawda zostaje mu objawiona - w pięknie, a on ucieleśnia ją tak doskonale, że od tamtej pory nikt nie był w stanie go prześcignąć. Wkrótce ten genialny geniusz renesansu zmarł. W wieku 38 lat, prawie jak Puszkin. Jego śmierć opłakiwał cały Rzym. Vasari powiedział, że ludzie tacy jak Rafael, bogato obdarzeni pięknem i talentem, łagodnym charakterem, skromnością i wdziękiem, nie są ludźmi, ale śmiertelnymi bogami. Michał Anioł to prawdziwy tytan. Zawsze w walce ze sobą, światem i Bogiem. Kolosalny impuls, wiara w człowieka. Sam powiedział: „Na świecie nie urodził się jeszcze człowiek, który tak jak ja byłby tak skłonny kochać ludzi”. Michał Anioł przeżył powstanie ideałów renesansu i ich tragiczny upadek.
Pojawienie się w kulturze tak wybitnych osobistości jak Leonardo da Vinci, Rafael czy Michał Anioł nie było przypadkowe. Świadczyło to o głębokich zmianach w stosunku zarówno do sztuki w przeszłości, jak i do artysty w szczególności.
W średniowieczu tożsamość artysty nie miała znaczenia. Tworząc dzieło sztuki, mistrz uważał się jedynie za narzędzie w rękach Boga. Prace nie były sygnowane, gdyż wierzono, że ich prawdziwym autorem jest sam Bóg.
Twórcy dzieł sztuki nie nazywano artystą w wysokim znaczeniu, jakie dziś nadajemy temu słowu. Malarze ikon, budowniczowie katedr itp. uważani za zwykłych rzemieślników. Poglądy te utrzymywały się przez długi czas.
Kiedy Michał Anioł postanowił zostać rzeźbiarzem, jego ojciec zabronił mu tego, uważając taki zawód za niegodny chwalebnej rodziny Buonar-roti; po prostu nie widział różnicy między rzeźbiarzem a kamieniarzem.

BILET NR 15

ODRODZENIE PÓŁNOCY Północny renesans to termin używany do opisania renesansu w Północna Europa, lub bardziej ogólnie - w całej Europie poza Włochami, na północ od Alp.

Oznaczenie okresu w kulturze i rozwój ideologiczny kraje leżące na północ od Italii (głównie Niderlandy, Niemcy i Francja w 1. tercji XV-XVI w.; np. poszczególne kraje istnieje jego własna periodyzacja), przejściowe od kultura średniowieczna do kultury nowej epoki. W przeciwieństwie do włoskiego renesansu ( cm. ODRODZENIE (renesans)), renesans północny charakteryzuje się dużą trwałością tradycji średniowiecznych, zainteresowaniem indywidualną wyjątkowością człowieka i jego otoczenia (w tym wnętrza, martwej natury, krajobrazu). Najwięksi przedstawiciele Północny renesans: Van Eyck ( cm. VAN EYCK), H. Bosch ( cm. BOSCH Hieronim), P. Brueghel Starszy ( cm. Brueghel Piotr Starszy) - w Holandii; A. Dürera ( cm. DURER Albrecht), M. Niethard ( cm. NITHHARDT Mathis), L. Cranach Starszy ( cm. CRANAH Lucas Starszy), H. Holbein Młodszy ( cm. HOLBEIN Hans Młodszy) – w Niemczech; J. Fouquet ( cm. FOUQUET Jean), F. Clouet ( cm. KLUET), J. Goujon ( cm. GOUJON Jean) - we Francji.

Architektura XVII wieku Lorenzo Bernini (1598-1680) - został dyrygentem oficjalnej linii papieży w sztuce okresu baroku, pozycjonował się jako mistrz uniwersalny, potrafiący równie owocnie zajmować się malarstwem, architekturą i rzeźbą. Ale okazał się słabym artystą, aw architekturze pozostał utalentowanym amatorem, zdolnym do opracowania pomysłu, programu pracy, pozostawiając wszelkie kłopoty z obliczeniami, wsparciem inżynierskim i rzeczywistą realizacją licznej armii rzeźbiarzy i asystentów architektów własnego rzymskiego warsztatu. Zostawił sobie ogromne opłaty i sławę.

· Francesco Borromini (1599-1667) – zajmował się wyłącznie architekturą. Jest architektem-praktykiem-wirtuozem i mistrzem rysunku, którym owocnie zajmował się w Mediolanie. Rysunki Borrominiego nie miały sobie równych pod względem profesjonalnej doskonałości w XVII-wiecznych Włoszech. Zepchnięty na margines praktyki architektonicznej Rzymu zostaje architektem zakonów. Dlatego jego praca jest nieuzasadniona skromna. Ale znaczące wartość artystyczna a popularność dzieł Borominiego przekroczy granice Włoch i znajdzie prawdziwych następców i potomków w osobowościach twórczych, m.in. Nicolo Michetti (Pałac Konstantynowskich, Strelna, Imperium Rosyjskie) czy Jan Blazhey Santini Aichl (Czechy).

·

Plan kościoła Sant'Ivo alla Sapienza

·

Dziedziniec Sant Ivo alla Sapienza

św iwo, Grawerowanie rocznika 1695

Kompozycja pałacu i kościoła Sant Ivo.

Włoski ogród barokowy

Willa Aldobrandini.

Ogród barokowy typu włoskiego jest logiczną kontynuacją ogrodu renesansowego. Ogrody renesansowe były jeszcze niewielkich rozmiarów, pozbawione przepychu. Korzystali z fontanny z rzeźbą, ławek, donic z drzewkami cytrynowymi. Nad wszystkim dominował pałac lub willa. Tarasy nie podlegają jeszcze jednemu zamiar artystyczny, sobą i pałacem. Szczelność zabudowy w murach miejskich nie pozwalała na tworzenie ogrodów w miastach, a pojawiają się one na obrzeżach (Ogrody Boboli we Florencji) lub na wsi.

Sztuka Włoch w XVIII wieku

[edytować] późny barok

Barok, który narodził się i dojrzał we Włoszech, przetrwał sztuka narodowa dłużej niż w innych krajach europejskich. Stopniowo gromadzi się w nim cechy kryzysowe i zmęczenie. Już w twórczości Carla Maratty (1625-1713) malarstwo barokowe traci swoją dostojność, prawdziwość, na rzecz brawury i nieszczerego patosu. Badacz J. Argan z goryczą zauważył: „Jego malarstwo w służbie władców symbolizuje rzeczy banalne, ukrywające się za autorytetem Rafaela i Tycjana”. Ale włoskie malarstwo barokowe nie straciło jeszcze zdolności do odnawiania się i opowiadania o przyrodzie, historii i świecie ludzkich uczuć, zarówno w dziełach prowincjonalnych mistrzów (Crespi, Vittore Gislandi), jak i w malarstwo dekoracyjne(Giovanni Battista Tiepolo). Zanikający barok jeszcze długo utrzyma się w sztuce teatralnej i dekoracyjnej Włoch i wielu krajów europejskich (Andrea Pozzo, Ferdinando Bibiena, Giuseppe Valeriani).

Ale centrum artystycznych poszukiwań w Europie trafia ostatecznie do Francji.

·

Crespi. Sybila Kuma, Eneasz i przewoźnik Charon, 1705

Giacomo Cheruti. „Trzej żebracy”, 1736

Lorenzo Tiepolo. Portret Cecylii Guardi

·

Vittore Ghislandiego. Młody artysta , 1732

BILET NR 17

Caravaggio i karawagizm

Caravaggio (Caravaggio; właściwie Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) Michelangelo (28 września 1573, Caravaggio, Lombardia, - 18 lipca 1610, Porto Ercole, Toskania), włoski malarz. Założyciel realistyczny kierunek w malarstwie europejskim XVII wieku.

Studiował w Mediolanie (1584-88) u S. Peterzano. W latach 1589-1593 przybył do Rzymu, gdzie działał do 1606, następnie - w Neapolu (1607 i 1609-10), na Malcie i na Sycylii (1608-09). Twórczość K., nienależącego do żadnej konkretnej uczelni artystycznej, powstała jako przeciwieństwo dominujących nurtów w sztuce sztuka włoska koniec XVI - początek XVII wieku (manieryzm i akademizm).

Wczesne prace K. (lata 1592-1598) o dźwięcznej barwie i przejrzystym światłocieniu ujawniają związek z tradycjami malarstwa północnowłoskiego XVI wieku. (J. Savoldo, L. Lotto, A. Moretto i inni). Jednocześnie pojawia się w nich już szereg zasadniczo nowych funkcji. K. kontrastuje zasadę idealizacji obrazu z indywidualną ekspresją konkretnego modelu („Mały chory Bachus”, Galeria Borghese, Rzym), alegoryczną interpretacją fabuły - bezstronnym studium natury w prostym codziennym motywie („ Młody człowiek z koszem owoców”, Galeria Borghese, Rzym). Spierając się z koncepcje artystyczne manieryzmu i akademizmu, wciela się K. starożytna historia odświętny i zabawny, ludowy początek („Bachus”, 1592-93, Galeria Uffizi, Florencja), dochodzi do zaprzeczenia dominującego systemu gatunków i przyczynia się do powstania nowych rodzajów malarstwa – martwej natury („Kosz z owocami”, ok. 1596, Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan) i gatunek domowy(„Wróżka”, Luwr, Paryż). malarstwo religijne otrzymuje od niego nową, intymną interpretację psychologiczną („Odpoczynek podczas lotu do Egiptu”, Galeria Doria-Pamphilj, Rzym). Pod koniec lat 90. kształtuje się oryginalny układ obrazkowy K. Pierwszy plan obrazu, jasno oświetlony wiązką światła, wyróżnia się na tle pogrążonym w gęstym cieniu, co daje podkreśloną przejrzystość optyczną obrazu i stwarza wrażenie jego bezpośrednia bliskość widza („Lute Player”, Ermitaż, Leningrad). dojrzałe prace K. (1599-1606) - są to płótna monumentalne w rozwiązaniu kompozycyjnym, posiadające wyjątkową siłę dramatyczną. Mocne kontrasty światła i cienia, wyrazista prostota gestów, energetyczny model plastyczny i dźwięczna, bogata kolorystyka oddają napięcie emocjonalne, jakie rodzi się z nieoczekiwanej manifestacji idealnie wzniosłego w życie codzienne ludzi lub w chwilach duchowego sprzeciwu człowieka wobec wrogiego środowiska („Powołanie Mateusza Apostoła” i „Męka Mateusza Apostoła”, 1599-1600, kościół San Luigi dei Francesi, „Ukrzyżowanie Apostoł Piotr” i „Nawrócenie Szawła”, 1600-01, kościół Santa Maria del Popolo, Madonna di Loreto, ok. 1603-06, kościół Sant'Agostino, wszystko w Rzymie; Złożenie do grobu, 1602-04 (patrz ilustracja) , Pinakoteka, Watykan; Śmierć Marii ”, około 1605-06, Luwr, Paryż). Akcentowana powszechność typu, stanowczość głoszenia demokratycznych ideałów artystycznych w obrazach K. wywołała ostry sprzeciw zwolenników sztuki oficjalnej. Szereg prac artysty zostało odrzuconych przez klientów. W później działa K., powstały w latach tułaczki po południowej Italii (1606-10), dalszy rozwój tendencjom realistycznym, poszerzeniu zakresu zjawisk życiowych („Siedem aktów miłosierdzia”, 1607, kościół Pio Monte della Misericordia, Neapol) towarzyszy pogłębienie tragizmu światopoglądowego. Wraz z nutami żałobnego dystansu przejawia się w nich duch wzniosłego stoicyzmu („Egzekucja Jana Chrzciciela”, 1609, katedra San Giovanni, La Valletta; „Pogrzeb św. Łucji”, 1608, kościół Santa Lucia w Syrakuzach). K. nawiązuje do tematu samotności ludzi w rozległym świecie, pociąga go obraz zgranego zespołu ludzkiego, którego łączy atmosfera rodzinnej bliskości i ciepła. światło w późne obrazy K. staje się miękki i wibrujący, kolorystyka skłania się ku jedności tonalnej („Adoracja pasterzy”, 1609, Muzeum Narodowe, Mesyna). Sposób wykonania nabiera cech swobodnej improwizacji. Nowatorska sztuka K. znalazła naśladowców we Włoszech i innych krajach europejskich, wpływając na dodanie realistycznych nurtów w wielu europejskich szkoły artystyczne(karawagizm).

karawagizm:

1) układ środki artystyczne, charakterystyczne dla etap początkowy kształtowanie się realizmu w malarstwie europejskim XVII wieku. i otrzymał najbardziej żywe wcielenie w dziele włoski malarz Caravaggio. K. charakteryzuje się demokracją
ideał artystyczny, zainteresowanie bezpośrednią reprodukcją natury, zwiększone poczucie rzeczywistej obiektywności obrazu, aktywna rola kontrastów światła i cienia w malarskim rozwiązaniu obrazu, chęć monumentalizacji motywów rodzajowych. Ważnym krokiem było odwołanie się do technik K. twórczy rozwój wielu czołowych mistrzów XVII wieku. (P. P. Rubene, Rembrandt), choć w niektórych przypadkach nie było to wynikiem bezpośredniego wpływu sztuki Caravaggia i jego naśladowców (F. Ribalt, D. Vslaskes, Georges de Latour).

2) Kierunek w malarstwie europejskim XVII wieku, reprezentowany przez kontynuatorów Caravaggia. We Włoszech, gdzie tendencje malarskie zachowały swoje znaczenie do końca XVII wieku, przeniknęły one do wszystkich znaczących ośrodków artystycznych i wywarły szczególnie silny wpływ na malarstwo Rzymu, Genui i Neapolu. Dziedzictwo Caravaggia otrzymało najbardziej oryginalne i niezależne odzwierciedlenie w twórczości O. Borjanniego, O. Geptileschiego, C. Saraceniego, G. B. Caracciolo. Dla wielu mistrzów k. wyrażało się w powierzchownym zapożyczaniu technik formalnych i motywy fabularne sztuka Caravaggia (dzieła L. Spady, B. Manfrediego i in.). Wśród zagranicznych przedstawicieli C. najbardziej znaczącymi są: w Holandii - H. Terbruggen, G. Honthorst, D. van Baburen, we Flandrii - T. Rombouts, A. Jansens, we Francji - J. Valentin, S. Vuz , w Hiszpanii - X Ribera, w Niemczech - A. Elsheimer.

BILET NR 18

Sztuka Francji. Architektura.Architekturę XVIII wieku we Francji tradycyjnie dzieli się na dwa okresy, które odpowiadają dwóm stylom architektonicznym: w pierwszej połowie XVIII wieku. dominującą pozycję zajmuje rokoko, w drugiej neoklasycyzm. Style te są pod każdym względem sobie przeciwstawne, dlatego przejście od rokoka do neoklasycyzmu często nazywane jest „buntem”.

Styl rokoko odszedł od surowych zasad klasycyzmu XVII wieku; jej mistrzów bardziej pociągały zmysłowe, swobodne formy. Architektura rokoka, silniejsza nawet od baroku, dążyła do zdynamizowania sylwetek budowli, a ich dekoracji bardziej dekoracyjna, odrzucając jednak powagę baroku i jego ścisły związek z Kościołem katolickim.

Samo słowo „neoklasycyzm” w XVIII wieku. jeszcze nie istniał. Krytycy i artyści posługiwali się innymi określeniami – „prawdziwy styl” czy „odrodzenie sztuki”. zainteresowanie starożytnością XVIII wiek nabrał charakteru naukowego: archeolodzy rozpoczęli metodyczne wykopaliska starożytnych zabytków, architekci zaczęli dokonywać dokładnych pomiarów i rysunków ocalałych fragmentów i ruin. Dla neoklasyków architektura była sposobem na odbudowę świata. Pojawiły się utopijne projekty ucieleśniające ideały Oświecenia; później nazwano je „architekturą mówiącą”.

ARCHITEKTURA ROKOKOWA

Rokoko powstało w ostatnich latach panowania króla Ludwik XIV(1643-1715), ale w przeciwieństwie do wszystkich poprzedzających ją stylów francuskiej architektury, nie była to sztuka dworska. Większość budynków rokokowych to prywatne domy francuskiej arystokracji: bogate miejskie rezydencje (zwane we Francji „hotelami”) i wiejskie pałace.

Z reguły wysoki płot oddzielał dwór od miasta, ukrywając życie właścicieli domu. Pokoje hotelowe często miały zarysy krzywoliniowe; nie znajdowały się one w amfiladzie, jak to było w zwyczaju w XVII-wiecznych rezydencjach, ale tworzyły bardzo eleganckie asymetryczne kompozycje. Główna sala, tzw. salon, była zwykle umieszczana pośrodku. Pokoje były znacznie mniejsze niż sale klasycznych pałaców i miały niższe sufity. A okna w tych rezydencjach były bardzo duże, prawie z podłogi. Wnętrza rokokowych budowli zdobiły dekoracje rzeźbiarskie i snycerskie, malowidła o tematyce fantastycznej oraz liczne lustra.

Hotel Soubise w Paryżu został zbudowany dla księcia de Soubise w latach 1705-1709. zaprojektowany przez Pierre'a Alexisa Delamere (1675-1745). Podobnie jak inne rezydencje odgrodzony jest od przylegających do niego ulic wysokim murem z luksusowymi bramami wjazdowymi.

Numer biletu 19

Architektura i sztuka Hiszpanii w XVII wieku Arabowie wnieśli do sztuki hiszpańskiej rozwiniętą kulturę zdobniczą i pozostawili po sobie szereg wspaniałych zabytków architektury w stylu mauretańskim, między innymi meczet w Kordobie (VIII w.) i pałac Alhambra w Granadzie (XIII-XV w.). W XI-XII wieku. rozwija się w Hiszpanii Styl rzymski w architekturze, której niezwykłym zabytkiem jest majestatyczna katedra w mieście Santiago de Compostela. W XIII - pierwszej połowie XV wieku. w Hiszpanii, jak we wszystkich Zachodnia Europa, powstaje styl gotycki. Hiszpański gotyk często zapożycza cechy mauretańskie, o czym świadczą majestatyczne katedry w Sewilli, Burgos i Toledo (jedne z największych w Europie). Szczególnym zjawiskiem artystycznym jest tzw. styl<мудехар>, powstały w wyniku fuzji elementów gotyckich w architekturze, a później renesansu wraz z Arabami mauretańskimi wniósł do sztuki hiszpańskiej rozwiniętą kulturę zdobniczą i pozostawił po sobie szereg wspaniałych zabytków architektury w stylu mauretańskim, wśród nich meczet w Kordobie ( VIII wiek) i pałac Alhambra w Granadzie (XIII-XV wiek). W XI-XII wieku. Na terenie Hiszpanii rozwija się styl romański w architekturze, którego godnym uwagi zabytkiem jest majestatyczna katedra w mieście Santiago de Compostela. W XIII - pierwszej połowie XV wieku. w Hiszpanii, podobnie jak w całej Europie Zachodniej, kształtuje się styl gotycki. Hiszpański gotyk często zapożycza cechy mauretańskie, o czym świadczą majestatyczne katedry w Sewilli, Burgos i Toledo (jedne z największych w Europie). Szczególnym zjawiskiem artystycznym jest tzw. styl<мудехар>, który powstał w wyniku fuzji elementów gotyku w architekturze, a później renesansu z dziedzictwem mauretańskim.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

w XVI wieku pod wpływem sztuki włoskiej w Hiszpanii kształtuje się szkoła manieryzmu: jej wybitnymi przedstawicielami byli rzeźbiarz Alonso Berruguete (1490-1561), malarze Luis de Morales (ok. 1508-1586) i wielki El Greco (1541 -1614). Założycielami sztuki portretu dworskiego byli znani malarze Alonso Sanchez Coelho (ok. 1531-1588) i jego uczeń Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). W architekturze świeckiej XVI w. ukształtował się styl zdobniczy<платереск>, który pod koniec wieku został zastąpiony stylem zimnym<эрререско>, czego przykładem jest klasztor-pałac Escorial pod Madrytem, ​​zbudowany w latach 1563-1584 jako rezydencja królów hiszpańskich.

<Золотым веком>Malarstwo hiszpańskie nazywane jest XVII wiekiem, kiedy pracowali wielcy artyści Jusepe Ribera (1588-1652), Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), Francisco Zurbaran (1598-1664) i Diego de Silva Velazquez (1599-1660). Dyskretny w architekturze<эрререско>w drugiej połowie XVII wieku. zastąpiony zbyt dekoracyjnym stylem<чурригуреско>.

Okres 18-19 wieków. generalnie charakteryzuje się spadkiem sztuka hiszpańska, zamknięty w naśladowczym klasycyzmie, a później w powierzchownym kostiumbryzmie. Na tym tle szczególnie wyraźnie wyróżnia się twórczość Francisco Goya (1746-1828).

Odrodzenie wielkiej tradycji hiszpańskiej następuje w pierwszej połowie XX wieku. Nowe ścieżki w sztuce światowej wytyczył oryginalny architekt Antonio Gaudi (1852-1926), który nazywał się<гением модерна>Salvador Dali (1904-1989), jeden z twórców kubizmu Juan Gris (1887-1921), abstrakcjonista Juan Miro (1893-1983) i Pablo Picasso (1881-1973), którzy przyczynili się do rozwoju kilku nurtów we współczesnej sztuka.

w XVII wieku tradycja artystyczna sztuki niderlandzkiej była kontynuowana we Flandrii i Holandii. Na ich podstawie pokrewne, ale charakterystyczne flamandzkie i szkoła holenderska obraz. Powodem tego podziału było dramatyczna historia Niderlandy w drugiej połowie XVI wieku.

W tym czasie protestantyzm był szeroko rozpowszechniony w Holandii - wyznanie, które zaprzeczało kultowi ikon jako bałwochwalstwa i porzuciło sztukę kościelną. W 1566 r. przez kraj przetoczyła się fala obrazoburstwa. W ciągu kilku dni zniszczono wiele świątyń i klasztorów, zniszczono posągi świętych, ołtarze i ikony. Hiszpański król Filip II, który wówczas rządził Niderlandami, wysłał do kraju dużą armię, aby przywrócić dominującą pozycję Kościoła katolickiego. Hiszpanie brutalnie stłumili zamieszki, podczas gdy dziesiątki tysięcy Holendrów zginęło. W odpowiedzi na przemoc wybuchło zbrojne powstanie.

Na północy kraju, gdzie protestanci stanowili większość ludności, w 1581 roku proklamowano nowe państwo - Republikę Zjednoczonych Prowincji. Wiodąca rola należała do Holandii i wkrótce zaczęto tak nazywać cały kraj.

Na południu Holandii zwyciężyli Hiszpanie. W 1585 roku poddała się ostatnia twierdza powstańców, Antwerpia.

Filip II w 1598 roku przekazał Niderlandy Południowe swojej ukochanej córce Infante Isabelli (1566-1633). Nowo utworzone państwo w oficjalnych dokumentach nazywało się Katolicką Holandią, w pismach naukowych - Belgią, w mowie potocznej - Flandrią, a także najbardziej rozwiniętą z wchodzących w jej skład prowincji. Był całkowicie zależny od Hiszpanii.

W walce o idee religijne kultura poniosła klęskę: protestanci zniszczyli wiele pięknych zabytków sztuki, ale nawet na katolickich prowincjach musieli zapomnieć o pierwowzorze tradycja artystyczna. Kościół katolicki był podejrzliwy wobec bajecznej różnorodności sztuki staroniderlandzkiej. Artyści, którzy próbowali interpretować na swój własny sposób historie biblijne groziło oskarżenie o herezję. sztuka kościelna zmienił się. Odtąd miała nie tylko wyjaśniać parafianom Pismo Święte, ale dosłownie oczarowywać, podporządkowywać ich świadomość autorytetowi Kościoła. To było serwowane muzyka organowa, przedziwna architektura świątyń, malarstwo religijne. Jeśli w średniowieczu świątynia była pomyślana jako szkoła, to w XVII wieku. to było bardziej jak teatr.

Podobne informacje.

Federalna Agencja Edukacji

Petersburski Państwowy Uniwersytet Architektury i Inżynierii Lądowej

Katedra Historii

Dyscyplina: kulturoznawstwo

Tytani i arcydzieła kultury renesansu

Grupa 1 uczeń ES 2

E. Yu Nalivko

Kierownik:

do. i. n., nauczyciel

I Yu Lapina

Sankt Petersburg

Wstęp………………………………3

Sztuka wczesnego renesansu………………………..4

Okres pełnego renesansu…………………………….5

Sandro Botticelli……………………………………….5

Leonardo Da Vinci…………………………………………7

Michał Anioł Buonarroti …….…………………………10

Raffaello Santi…………....……………………………….13

Zakończenie…………………………..15

Spis wykorzystanej literatury……………………..16

Wstęp

Renesans to ważny okres w kulturze światowej. Początkowo nowe zjawisko w Europie życie kulturalne wyglądał jak powrót do zapomnianych osiągnięć kultury antycznej w dziedzinie nauki, filozofii, literatury. Fenomen renesansu polega na tym, że antyczne dziedzictwo stało się orężem do obalenia kościelnych kanonów i zakazów. Zasadniczo musimy mówić o wielkiej rewolucji kulturalnej, która trwała dwa i pół wieku i zakończyła się stworzeniem nowego typu światopoglądu i nowego typu kultury. Nic takiego nie zaobserwowano wówczas poza regionem europejskim. Dlatego ten temat wzbudziły moje duże zainteresowanie i chęć dokładniejszej analizy tego okresu.

W moim eseju chcę się na nich skupić prominentni ludzie jak Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. To oni stali się najwybitniejszymi przedstawicielami głównych etapów włoskiego renesansu.

1. Sztuka wczesnego renesansu

W pierwszych dziesięcioleciach XV wieku nastąpił decydujący zwrot w sztuce Italii. Pojawienie się we Florencji potężnego ośrodka renesansu doprowadziło do odnowy całej włoskiej kultury artystycznej.

Dzieło Donatella, Masaccia i ich współpracowników oznacza zwycięstwo realizmu renesansowego, który znacznie różnił się od „realizmu detali” charakterystycznego dla sztuki gotyckiej późnego trecenta. Dzieła tych mistrzów są przesiąknięte ideałami humanizmu. Wychwalają i wychwalają osobę, wznoszą ją ponad poziom codziennego życia.

W zmaganiach z tradycją gotycką artyści wczesnego renesansu szukali oparcia w starożytności i sztuce protorenesansu. To, czego mistrzowie protorenesansu szukali intuicyjnie, dotykiem, teraz opiera się na dokładnej wiedzy.

Sztuka włoska XV wieku wyróżnia się dużą różnorodnością. Nowa sztuka, która zwyciężyła na początku XV wieku w rozwiniętej Florencji, nie od razu zyskała uznanie i rozpowszechnienie w innych rejonach kraju. Podczas gdy Bruneleschi, Masaccio, Donatello pracowali we Florencji, tradycje sztuki bizantyjskiej i gotyckiej wciąż żyły w północnych Włoszech, tylko stopniowo zastępowane przez renesans.

Florencja była głównym ośrodkiem wczesnego renesansu. Kultura florencka pierwszej połowy i połowy XV wieku jest zróżnicowana i bogata. Od 1439 roku, od ekumenicznego soboru kościelnego, który odbył się we Florencji, na który przybył cesarz bizantyjski Jan Paleolog i patriarcha Konstantynopola w towarzystwie wspaniałej orszaku, a zwłaszcza po upadku Bizancjum w 1453 roku, kiedy to wielu naukowców, którzy uciekli z Wschód znalazł schronienie we Florencji, miasto to staje się jednym z głównych ośrodków we Włoszech do nauki języka greckiego, a także literatury i filozofii starożytnej Grecji. A przecież wiodącą rolę w życiu kulturalnym Florencji w pierwszej połowie i połowie XV wieku niewątpliwie odgrywała sztuka. jeden

2. Okres Wielkiego Renesansu

Ten okres czasu reprezentuje apogeum renesansu. To był krótki okres, trwający około 30 lat, ale ilościowo i jakościowo ten okres jest jak wieki. Sztuka Wielkiego Renesansu jest podsumowaniem dorobku XV wieku, ale jednocześnie jest nowym skokiem jakościowym, zarówno w teorii sztuki, jak iw jej realizacji. Niezwykłe „zagęszczenie” tego okresu można wytłumaczyć faktem, że liczba jednocześnie (w jednym okresie historycznym) pracujących genialnych artystów jest swoistym rekordem nawet w całej historii sztuki. Wystarczy wymienić takie nazwiska jak Leonardo da Vinci, Rafael czy Michał Anioł.

3. Sandro Botticellego

Nazwisko Sandro Botticelli jest znane na całym świecie jako nazwisko jednego z najwybitniejszych artystów włoskiego renesansu.

Sandro Botticelli urodził się w 1444 (lub 1445) w rodzinie garbarza, obywatela Florencji Mariano Filippepi. Sandro był najmłodszym, czwartym synem Philippepiego. Niestety, prawie nic nie wiadomo o tym, gdzie i kiedy Sandro był szkolony jako artysta i czy, jak mówią stare źródła, naprawdę najpierw studiował biżuterię, a potem zaczął malować. W 1470 roku posiadał już własny warsztat i samodzielnie realizował otrzymane zamówienia.

Urok sztuki Botticellego zawsze pozostaje trochę tajemniczy. Jego prace wywołują wrażenie, którego nie wywołują dzieła innych mistrzów.

Botticelli był gorszy od wielu artystów XV wieku, niektórzy odważną energią, inni prawdziwą autentycznością szczegółów. Jego obrazy (z nielicznymi wyjątkami) pozbawione są monumentalności i dramatyzmu, ich przesadnie kruche formy są zawsze nieco arbitralne. Ale jak żaden inny malarz XV wieku, Botticelli był obdarzony zdolnością do najlepszego poetyckiego rozumienia życia. Po raz pierwszy był w stanie przekazać subtelne niuanse ludzkich doświadczeń. Radosne podniecenie ustępuje w jego obrazach melancholijnej zadumie, wybuchom zabawy - bolesnej melancholii, spokojnej kontemplacji - nieokiełznanej namiętności.

Nowy kierunek sztuki Botticellego znajduje swój skrajny wyraz w ostatnim okresie jego twórczości, w dziełach z lat 90. i początku XVI wieku. Tutaj środki przesady i dysonansu stają się prawie nie do zniesienia (na przykład „Cud św. Zenobiusza”). Następnie artysta pogrąża się w otchłani beznadziejnego smutku („Pieta”), po czym poddaje się oświeconemu uniesieniu („Komunia św. Hieronima”). Jego maniera malarska jest uproszczona niemal do konwencji malowania ikon, odznaczająca się pewnego rodzaju naiwnym skrępowaniem języka. Płaski, liniowy rytm całkowicie podporządkowuje się zarówno doprowadzonemu do granic prostoty rysunkowi, jak i kolorystyce z ostrymi kontrastami lokalnych barw. Obrazy niejako tracą swoją prawdziwą, ziemską powłokę, pełniąc rolę mistycznych symboli. A jednak w tej na wskroś religijnej sztuce zasada ludzka toruje sobie drogę z wielką siłą. Nigdy wcześniej artysta nie włożył w swoje prace tyle osobistego uczucia, nigdy wcześniej jego obrazy nie miały tak wysokiego znaczenia moralnego.

Wraz ze śmiercią Botticellego kończy się historia malarstwa florenckiego wczesnego renesansu – tej prawdziwej wiosny włoskiej kultury artystycznej. Współczesny Leonardo, Michałowi Aniołowi i młodemu Rafaelowi, Botticelli pozostawał obcy ich klasycznym ideałom. Jako artysta należał całkowicie do XV wieku i nie miał bezpośrednich następców w malarstwie Wysokiego Renesansu. Jednak jego sztuka nie umarła razem z nim. Była to pierwsza próba odsłonięcia duchowego świata człowieka, próba nieśmiała i zakończona tragicznie, ale przez pokolenia i stulecia znalazła swoje nieskończenie wieloaspektowe odbicie w twórczości innych mistrzów.

Sztuka Botticellego to poetyckie wyznanie wielkiego artysty, które podnieca i zawsze będzie podniecać serca ludzi. 2

4. Leonarda da Vinci

W historii ludzkości niełatwo znaleźć drugą osobę tak genialną jak twórca sztuki Wielkiego Renesansu, Leonardo da Vinci (1452-1519). Kompleksowy charakter działalności tego wielkiego artysty i naukowca stał się jasny dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów z jego spuścizny. Kolosalna literatura jest poświęcona Leonardowi, jego życie zostało szczegółowo zbadane. Niemniej jednak wiele w jego twórczości pozostaje tajemniczych i nadal ekscytuje umysły ludzi.

Leonardo da Vinci urodził się w wiosce Anchiano niedaleko Vinci: niedaleko Florencji. Był nieślubnym synem bogatego notariusza i prostej wieśniaczki. Dostrzegając niezwykłe zdolności malarskie chłopca, ojciec oddał go warsztatowi Andrei Verrocchio. Na obrazie nauczyciela „Chrzest Chrystusa” postać uduchowionego blond anioła należy do pędzla młodego Leonarda.

Wśród jego wczesnych dzieł jest Madonna z kwiatem (1472), namalowana w malarstwie olejnym, wówczas rzadka we Włoszech.

Około 1482 roku Leonardo wstąpił na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Mistrz polecał się przede wszystkim jako inżynier wojskowy, architekt, specjalista w dziedzinie hydrotechniki, a dopiero potem jako malarz i rzeźbiarz. Najbardziej owocny okazał się jednak pierwszy mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Mistrz stał się najsłynniejszym artystą we Włoszech, studiował architekturę i rzeźbę, zwrócił się ku freskom i malarstwu ołtarzowemu.

Do naszych czasów zachowały się malownicze obrazy Leonarda z okresu mediolańskiego. Pierwszym ołtarzem Wielkiego Renesansu była Madonna w grocie (1483-1494). Malarz odszedł od tradycji XV wieku: w obrazach religijnych dominowała uroczysta sztywność. Na ołtarzu Leonarda jest kilka postaci: kobieca Maryja, Dzieciątko Chrystus błogosławiące małego Jana Chrzciciela i klęczący anioł, jakby wyjrzał z obrazu. Obrazy są idealnie piękne, naturalnie związane z otoczeniem. To rodzaj groty wśród ciemnych bazaltowych skał z wyrwą w głębi - krajobraz typowy dla Leonarda jako całość jest fantastycznie tajemniczy. Postacie i twarze spowite są zwiewną mgiełką, która nadaje im szczególnej miękkości. Włosi nazwali tę technikę Deonardo sfumato.

Najwyraźniej w Mediolanie mistrz stworzył płótno „Madonna z Dzieciątkiem” („Madonna Lita”). Tutaj, w przeciwieństwie do Madonny z kwiatem, dążył do większego uogólnienia idealności obrazu. Nie jest przedstawiony konkretny moment, ale pewien długotrwały stan spokoju i radości, w którym pogrążona jest młoda, piękna kobieta. Zimne, przejrzyste światło oświetla jej szczupłą, delikatną twarz z na wpół spuszczoną miną i lekkim, ledwie zauważalnym uśmiechem. Obraz jest namalowany temperą, nadając dźwięczności tonacji niebieskiego płaszcza i czerwonej sukni Marii. Puszyste ciemnozłote kręcone włosy Dzieciątka są niesamowicie pomalowane, jego uważne spojrzenie skierowane na widza nie jest dziecinnie poważne.

Kiedy Mediolan został zajęty przez wojska francuskie w 1499 roku, Leonardo opuścił miasto. Rozpoczął się czas jego wędrówek. Przez pewien czas pracował we Florencji. Tam dzieło Leonarda zdawało się być oświetlone jasnym błyskiem: namalował portret Mony Lisy, żony bogatego Florentyńczyka Francesco di Giocondo (ok. 1503). Portret znany jako „Gioconda” stał się jednym z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego.

Niewielki portret młodej kobiety, spowitej zwiewną mgiełką, siedzącej na tle niebiesko-zielonego pejzażu, jest pełen tak żywego i delikatnego drżenia, że ​​według Vasariego można dostrzec bicie pulsu w głębi Mony szyi Lisy. Wydawałoby się, że obraz jest łatwy do zrozumienia. Tymczasem w obszernej literaturze poświęconej Monie Lisie zderzają się najbardziej przeciwstawne interpretacje obrazu stworzonego przez Leonarda.

W ostatnich latach życia Leonardo da Vinci niewiele pracował jako artysta. Otrzymawszy zaproszenie króla francuskiego Franciszka I, w 1517 wyjechał do Francji i został nadwornym malarzem. Wkrótce Leonardo zmarł. Na autoportrecie - rysunku (1510-1515) siwobrody patriarcha o głębokim żałobnym spojrzeniu wyglądał na znacznie starszego niż jego wiek.

Skalę i wyjątkowość talentu Leonarda można ocenić po jego rysunkach, które zajmują jedno z honorowych miejsc w historii sztuki. Nie tylko rękopisy poświęcone naukom ścisłym, ale także prace z zakresu teorii sztuki są nierozerwalnie związane z rysunkami Leonarda da Vinci, szkicami, szkicami, diagramami. Dużo miejsca poświęcono zagadnieniom światłocienia, modelowania objętościowego, perspektywy liniowej i lotniczej. Leonardo da Vinci jest właścicielem wielu odkryć, projektów i badań eksperymentalnych w dziedzinie matematyki, mechaniki i innych nauk przyrodniczych.

Sztuka Leonarda da Vinci, jego badania naukowe i teoretyczne, wyjątkowość jego osobowości przeszły przez całą historię światowej kultury i nauki i wywarły ogromny wpływ. 3

5 Michał Anioł Buonarroti

Wśród półbogów i tytanów Wielkiego Renesansu Michał Anioł zajmuje szczególne miejsce. Jako twórca nowej sztuki zasługuje na miano Prometeusza XVI wieku

Przepiękna marmurowa statua, znana jako Pieta, do dziś pozostaje pomnikiem pierwszego pobytu w Rzymie i pełnej dojrzałości XXIV wieku. letni artysta. Najświętsza Dziewica siedzi na kamieniu, na jej kolanach spoczywa martwe ciało Jezusa, zdjęte z krzyża. Wspiera go ręką. Pod wpływem starożytnych dzieł Michał Anioł odrzucił wszystkie tradycje średniowiecza w przedstawianiu tematów religijnych. Dał harmonię i piękno ciału Chrystusa i całemu dziełu. To nie śmierć Jezusa miała budzić przerażenie, a jedynie uczucie pełnego czci zdziwienia wobec wielkiego cierpiącego. Piękno nagiego ciała w dużym stopniu korzysta z efektu światła i cienia wytwarzanego przez kunsztownie ułożone fałdy sukni Maryi. W twarzy Jezusa przedstawionej przez artystę dostrzegli nawet podobieństwa do Savonaroli. Pieta pozostała wiecznym świadectwem walki i protestu, wiecznym pomnikiem ukrytych cierpień samego artysty.

Michał Anioł powrócił do Florencji w 1501 roku, w trudnym dla miasta momencie, gdzie z ogromnego bloku marmuru karraryjskiego, który miał ozdobić kopułę katedry kolosalny posąg biblijnego Dawida, postanowił stworzyć integralną i doskonałe dzieło, bez pomniejszania jego rozmiarów, i to był Dawid. W 1503 roku, 18 maja, posąg został zainstalowany na Piazza Senoria, gdzie stał przez ponad 350 lat.

W długim i ponurym życiu Michała Anioła był tylko jeden okres, kiedy szczęście się do niego uśmiechało – wtedy pracował dla papieża Juliusza II. Michał Anioł na swój sposób kochał tego niegrzecznego ojca wojownika, który wcale nie miał papieskich ostrych manier. Grób papieża Juliusza nie okazał się tak wspaniały, jak zamierzał Michał Anioł. Zamiast katedry św. Piotra umieszczono ją w małym kościółku św. Piotra, do którego nawet nie weszła w całości, a poszczególne jego części rozproszyły się wzdłuż różne miejsca. Ale nawet w tej formie jest słusznie jednym z najsłynniejszych dzieł renesansu. Jego centralną postacią jest biblijny Mojżesz, wyzwoliciel swego ludu z niewoli egipskiej (artysta liczył na to, że Juliusz wyzwoli Włochy od najeźdźców). Pochłaniająca namiętność, nieludzka siła nadwyręża potężne ciało bohatera, jego twarz odzwierciedla wolę i determinację, żarliwe pragnienie działania, jego wzrok skierowany jest ku ziemi obiecanej. W majestacie olimpijskim zasiada półbóg. Jedna jego ręka spoczywa potężnie na kamiennej tablicy na jego kolanach, druga spoczywa tutaj z niedbałością godną człowieka, który potrzebuje tylko ruchu brwi, aby wszyscy byli posłuszni. Jak powiedział poeta: „Przed takim bożkiem naród żydowski miał prawo kłaniać się w modlitwie”. Według współczesnych „Mojżesz” Michała Anioła rzeczywiście widział Boga.

Na prośbę papieża Juliusza Michał Anioł namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie freskami przedstawiającymi stworzenie świata. W jego obrazach dominują linie i bryły. 20 lat później na jednej ze ścian tej samej kaplicy Michał Anioł namalował fresk Sądu Ostatecznego – oszałamiającą wizję pojawienia się Chrystusa na Sądzie Ostatecznym, na fali którego ręki grzesznicy wpadają w otchłań piekielną. Muskularny, herkulesowy olbrzym nie wygląda jak biblijny Chrystus, który poświęcił się dla dobra ludzkości, ale uosobienie zemsty starożytnej mitologii, fresk odsłania straszliwą otchłań zdesperowanej duszy, duszę Michała Anioła.

W dziełach Michała Anioła wyraża się ból spowodowany tragedią Włoch, połączony z bólem z powodu własnego smutnego losu.Piękno, które nie miesza się z cierpieniem i nieszczęściem, Michał Anioł znalazł w architekturze. Michał Anioł przejął budowę bazyliki św. Piotra po śmierci Bramantego. Godny następca Bramantego, stworzył kopułę i do dziś nie ma sobie równych pod względem wielkości i wielkości,

Michał Anioł nie miał uczniów, żadnej tak zwanej szkoły. Ale był cały świat stworzony przez niego. 4

6. Rafał

Twórczość Rafaela Santiego należy do tych fenomenów kultury europejskiej, które nie tylko okryły się światową sławą, ale także zyskały specjalne znaczenie- najwyższe punkty orientacyjne w życiu duchowym ludzkości. Od pięciu wieków jego sztuka postrzegana jest jako jeden z przykładów estetycznej doskonałości.

Geniusz Rafaela objawił się w malarstwie, grafice, architekturze. Dzieła Rafaela są najbardziej kompletnym, żywym wyrazem klasycznej linii, klasycznego początku w sztuce Wysokiego Renesansu (Dodatek 3). Rafał stworzył „uniwersalny obraz” osoby pięknej, doskonałej fizycznie i duchowo, ucieleśniającej ideę harmonijnego piękna bytu.

Raphael (dokładniej Raffaello Santi) urodził się 6 kwietnia 1483 roku w mieście Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał od swojego ojca, Giovanniego Santiego. Kiedy Raphael miał 11 lat, Giovanni Santi zmarł, a chłopiec został sierotą (stracił chłopca 3 lata przed śmiercią ojca). Podobno przez następne 5-6 lat studiował malarstwo u Evangelista di Piandimeleto i Timoteo Viti, pomniejszych mistrzów prowincjonalnych.

Pierwsze znane nam dzieła Rafaela wykonano około 1500 - 1502 roku, kiedy miał 17-19 lat. Są to miniaturowe kompozycje „Trzy gracje”, „Sen rycerza”. Te prostoduszne, wciąż nieśmiałe, studenckie rzeczy odznaczają się subtelną poezją i szczerością uczuć. Od pierwszych kroków twórczości ujawnia się talent Rafaela w całej jego oryginalności, zarysowany jest jego własny temat artystyczny.

Do najlepszych dzieł wczesnego okresu należy Conestabile Madonna. Szeroką sławę i popularność przyniosły Rafałowi kompozycje przedstawiające Madonnę z Dzieciątkiem. Kruche, potulne, marzycielskie Madonny z okresu Umbrii zostały zastąpione bardziej ziemskimi, pełnokrwistymi obrazami, ich wewnętrzny świat stał się bardziej złożony, bogaty w emocjonalne odcienie. Rafał stworzył nowy typ przedstawień Madonny z Dzieciątkiem – monumentalny, surowy i jednocześnie liryczny, nadał temu tematowi niespotykane dotąd znaczenie.

Gloryfikował ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych na obrazach strof (sal) Watykanu (1509-1517), osiągając nienaganne wyczucie proporcji, rytmu, proporcji, harmonii koloru, jedności postaci i majestat architektonicznych teł. Istnieje wiele obrazów Matki Bożej („Madonna Sykstyńska”, 1515-19), zespołów artystycznych na malowidłach ściennych Villa Farnesina (1514-18) i loggiach Watykanu (1519, ze studentami). Na portretach tworzy idealny wizerunek człowieka renesansu (Baldassare Castiglione, 1515). Zaprojektował katedrę św. Piotra, zbudował kaplicę Chigi w kościele Santa Maria del Popolo (1512-20) w Rzymie.

Malarstwo Rafaela, jego styl, zasady estetyczne odzwierciedlały światopogląd epoki. Do trzeciej dekady XVI wieku sytuacja kulturowa i duchowa we Włoszech uległa zmianie. Rzeczywistość historyczna zniszczyła iluzje renesansowego humanizmu. Odrodzenie dobiegało końca. pięć

Wniosek

W okresie renesansu wzrosło zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu, co skłoniło Europę do przemian, które oznaczały koniec średniowiecza i początek nowego czasu. Okres ten był nie tylko czasem „odrodzenia” dawnej przeszłości, był to czas odkryć i badań, czas nowych idei. Klasyczne przykłady inspirowały nowe myślenie, kładące nacisk na osobowość człowieka, rozwój i manifestację zdolności, a nie ich ograniczeń, co było charakterystyczne dla średniowiecza. Ćwiczenie i Badania naukowe nie były już wyłącznie dziełem Kościoła. Powstawały nowe szkoły i uniwersytety, prowadzono eksperymenty przyrodnicze i medyczne. Artyści i rzeźbiarze dążyli w swojej twórczości do naturalności, do realistycznego odtworzenia świata i człowieka. Badano klasyczne posągi i anatomię człowieka. Artyści zaczęli posługiwać się perspektywą, porzucając planarny obraz. Przedmiotem sztuki było ciało ludzkie, tematy klasyczne i współczesne, a także tematyka religijna. We Włoszech powstawały stosunki kapitalistyczne, a dyplomacja zaczęła być wykorzystywana jako narzędzie w stosunkach między miastami-państwami. Odkrycia naukowe i technologiczne, takie jak wynalezienie prasy drukarskiej, przyczyniły się do rozpowszechnienia nowych idei. Stopniowo nowe idee zawładnęły całą Europą.

(XIV-XVI/XVII w.) ... to wielki wkład w sztukę renesans.TYTANI WYSOKRENESANSOWY WYPRZEDAŻ ARDO DA VINCI koniec... jego wyjątkowy wkład w era renesansu i stworzyli własne arcydzieła. W kultura XV-XVI wiek ...

Przez sto lat po śmierci Giotta nie było we Florencji ani jednego artysty tak utalentowanego jak on. Najlepsi z późniejszych mistrzów byli świadomi swojej niższości, ale nie widzieli innego wyjścia, jak tylko wzmocnić kopiowanie i zniekształcanie Giotta. Giotto wyprzedził swoją epokę, a już sto lat później inny Florentczyk - Masaccio (1401-1428) - podniósł sztukę na jeszcze wyższy poziom.

Los wydał mu mniej niż dziesięć lat twórczości. Ale nawet w tak krótkim czasie udało mu się dokonać, zdaniem współczesnych, „prawdziwej rewolucji w malarstwie”. We Florencji namalował dwie największe katedry – kościół Santa Maria Novella i kaplicę Brancacci w kościele Santa Maria del Carmine.

Następca Giotta, Masaccio, zawsze starał się budować przestrzeń zgodnie z prawami perspektywy, oddając realne objętości na płaszczyźnie. Ale jego innowacja nie ograniczała się do rozwoju perspektywy. Przyciągał go obraz otaczającego świata, imitacja natury. Krytyk sztuki A.K. Dzhivelegov zwrócił uwagę na nowatorski charakter jego twórczości: „Malowanie przed Masaccio i malowanie po Masaccio to dwie zupełnie różne rzeczy, dwie różne epoki. Giotto odkrył sekret przekazywania doznań człowieka i tłumu. Masaccio uczył przedstawiać człowieka i naturę... Całkowicie uwolnił się od stylizacji. Góry nie są już spiczastymi kamykami, ale prawdziwymi górami. Albo przybierają miękkie kontury ostrog Apeninów… albo układają się w surowy skalisty krajobraz… Ziemia, na której stoją ludzie, to prawdziwa płaszczyzna, na której naprawdę można stanąć i którą można prześledzić okiem do tła. Drzewa i roślinność w ogóle to już nie rekwizyty, to stylizowane, to po prostu wymyślone, ale sama natura... rozpada się. Masaccio zaczął widzieć, jak wszystko dzieje się w rzeczywistości. Potem uwarunkowane pozy, nienaturalne fakty i fikcyjny pejzaż same odpadły.

Głównymi tematami obrazów Masaccio były życie i czyny apostołów, Jezusa Chrystusa, sceny stworzenia świata. Takimi są freski „Wypędzenie Adama i Ewy z Raju” (1427-1428) [Dodatek 3] i „Cud z państwem” (1427-1428) [Dodatek 4] w kościele Santa Maria del Carmine. Jeden z wczesnych obrazów Masaccio, Madonna z Dzieciątkiem i Aniołami [Dodatek 5], został pomyślany jako centralny element dużego ołtarza kościoła Santa Maria del Carmine. Na wysokim tronie, umieszczonym w głębokiej niszy, siedzi Maryja z dzieckiem na ręku. Złote tło, aureole na głowach, kaskadowe przeceny na ubrania nadają przedstawionemu obrazowi szczególną powagę. Na zdjęciu uderzająca jest nowość rozwiązania artystycznego. Żaden z mistrzów XV wieku. takiej wyrazistości nie ma w przekazie głębi przestrzeni”, osiągniętym dzięki geometrycznie precyzyjnemu zmniejszeniu rozmiarów tronu. Postacie w naturalny sposób wpisane są w przestrzeń architektoniczną gotyckim łukiem i klasycznymi kolumnami tronu.

„Trójca” [Dodatek 6] to jedna z ostatnich i doskonałych kreacji Masaccia, w której zaproponowano zupełnie nową interpretację fabuły starotestamentowej Trójcy. Artysta ukazuje w trójwymiarowej przestrzeni prawdziwe postacie Boga Ojca, Chrystusa i Ducha Świętego, symbolicznie ucieleśniając obraz świata wykreowany przez ludzki umysł. W umiejętności rozprowadzania światła i cienia, w tworzeniu wyraźnej kompozycji przestrzennej, w objętości i namacalności postaci, Masaccio pod wieloma względami przewyższa swoich współczesnych. Ukazując nagie ciało Chrystusa, nadaje mu rysy idealne, heroiczne, wywyższa Jego moc i piękno, gloryfikuje siłę ludzkiego ducha. Wewnątrz kaplicy u stóp krzyża znajdują się Maryja Panna i Apostoł Jan. Twarz Matki Chrystusa, pozbawiona zwykłego piękna, zwrócona jest ku widzowi. Będąc łącznikiem między Bogiem a człowiekiem, powściągliwym gestem ręki wskazuje na ukrzyżowanego Syna. W tej generalnie statycznej kompozycji gest Marii jest jedynym ruchem symbolicznie porządkującym przestrzeń. Przed łukiem, przy wejściu do kaplicy, ukazani są z profilu klęczący mężczyzna i kobieta – komisarze malowideł ściennych do kościoła.

Jedność artystyczna Masaccia, podobnie jak wielkiego Giotta, twórcy nowego malarstwa włoskiego, nie była tożsama z rzeczywistością, ale była czymś, co ją przewyższało, czymś, co nie powinno być kopią tej rzeczywistości. Zjawisko to staje się wyraźniejsze przy analizie wizerunku poszczególnych postaci niż całej kompozycji jako całości. I freski Kaplicy Brancaccich pod tym względem przede wszystkim odzwierciedlają Nowa era. Gigantyczna przepaść oddziela potężne postacie Chrystusa i jego uczniów od zgrabnych kostiumowych marionetek dzieł z okresu bezpośrednio poprzedzającego. Zniknęły nie tylko drogocenne szaty mody i zabawne detale, ale także wszelkie próby wpływania na widza za pomocą wiarygodności w przekazywaniu rzeczywistych obiektów zaczerpniętych z rzeczywistości: fresk oddaje ponadczasową, wiecznie ludzką egzystencję, która pojawia się przed nami w tak samo jak u Giotta i znowu – zupełnie inaczej niż u niego. Zwykle tę różnicę definiuje się jako odmienne poczucie formy. To, co widać na freskach Masaccio, to typowość, wywyższona intensywnymi studiami nad naturą. Prawdziwe formy leżące u podstaw dawnych schematów ikonograficznych okazały się tak wzbogacone o nową wiedzę, że nie wydają się już martwymi formułami, ale żywymi postaciami. Daleko od smukłych i pełnych wdzięku obrazów przedstawianych w żywym ruchu późnego okresu trecento, postacie te przypominają nam potężne postacie Giotta. Podobnie jak w sztuce antycznej, tak i tu ciężar i martwotę ciała pokonuje się za pomocą energia życiowa, a równowaga ta jest źródłem nowego poczucia formy i źródłem tego, co powinno być najważniejszą treścią artystycznego przedstawienia postaci ludzkiej. A jednocześnie jest to przezwyciężenie gotyku.

Postacie Masaccia są znacznie bardziej niezależne od postaci Giotta, dlatego też są pełne nowego rozumienia ludzkiej godności, wyrażającej się w całym swoim wyglądzie. Rozumienie to opiera się na odzwierciedleniu pewnej siły duchowej, opiera się także na świadomości bohaterów Masaccio własnej mocy i wolnej woli. Na tym polega moment ich izolacji. Do jakiego stopnia wszystkie te postacie uczestniczą święta historia w ukazanych wydarzeniach, ale odznaczają się nie tylko swoim stosunkiem do tych wydarzeń, ale także własnym indywidualnym znaczeniem, które nadaje im charakter podniosłości. Ale ta izolacja wyraża się także w kompozycyjnej roli poszczególnych postaci. Giotto rozczłonkował na osobne postacie tradycyjną średniowieczną masową grupę uczestników w jakimś wydarzeniu; w Masaccio przeciwnie, grupy zbudowane są z oddzielnych, całkowicie niezależnych postaci. Każda z tych figur wydaje się być absolutnie swobodna w swojej pozycji w przestrzeni iw swojej plastycznej objętości. Cały proces artystyczny przebiega u Masaccia inaczej niż w sztuce poprzedzającego go okresu. Giotto, podobnie jak artyści średniowieczni, w swoich kompozycjach wychodzi od ogólnej koncepcji, w której poszczególnym postaciom przypisuje się określone funkcje treści i formy, które określają ich charakter. Kompozycje Masaccio odznaczają się szczególną oryginalnością – charakterystyczne jest to, że mimo wszelkich osiągnięć w przedstawianiu postaci i przestrzennego otoczenia ich wzajemne powiązanie nie stało się bliższe niż wcześniej, a wręcz przeciwnie – osłabło.

Obraz krajobrazowego wycinka przestrzeni stał się bardziej spójny z doznaniami zmysłowymi. Te sporadyczne postępy w perspektywie w okresie trecento są zastępowane przez uniwersalny i dokładniejszy system perspektywy. U Giotta wszystko – zarówno przestrzeń, jak i figury – składa się z jednego kawałka i jest zbudowane jako swoista jedność, tutaj płaszczyzna i przestrzeń są ze sobą nierozerwalnie splecione. Tę absolutną jedność, zamykającą wszystkie elementy kompozycji i tworzącą solidną strukturę dzieła, Masaccio (a tym bardziej jego następcy) zastępuje powiązaniami nieco warunkowymi. Widać to po podziale obrazu na trzy sceny. W efekcie powstaje dualizm figury i przestrzeni. Ten dualizm jest jeszcze bardziej uderzający u późniejszych mistrzów okresu Quattrocento niż u Masaccio, u którego kompozycja Giotty wyczuwalna jest nieco mocniej; u późniejszych mistrzów ten dualizm prowadzi do przeciwstawienia tła krajobrazowego i postaci na płaszczyźnie. Ten dualizm opiera się na fakcie, że ciało i przestrzeń jawią się jako odrębne zespoły środków wizualnych. W rezultacie obrazy stają się zestawieniem przestrzeni i poszczególnych postaci, a figury jako najważniejszy składnik tej złożonej całości mają przewagę.

Bez tego faktu niemożliwe jest zrozumienie istoty rozwoju sztuki w okresie Quattrocento. Reguły kompozycyjne w ciągu całego XV wieku zmieniają się w niewielkim stopniu – zachowało się więc bardzo niewiele szkiców kompozycji – ale z drugiej strony w przedstawianiu postaci i w przedstawianiu przestrzeni następuje ciągły intensywny postęp, który jest świadczą o tym nie tylko gotowe prace, ale – w znacznie większym stopniu – liczne szkice i rysunki. Wielkim czynem renesansu nie było „odkrycie świata i człowieka”, ale odkrycie wzorców materialnych. Wychodząc z tego odkrycia, które pozostaje w ścisłym związku z antycznym rozumieniem świata, sens i treść całego późniejszego rozwoju sztuki polegały teraz na zadaniu nowego rozumienia obrazu i nowego podboju świata. Wizerunek człowieka jako najważniejszego i odpowiedzialnego kompleksu powinien był wysunąć się na pierwszy plan zainteresowań artystycznych i to właśnie w tym obszarze można zaobserwować dalsze doskonalenie nowego stylu. Jak krótki jest czas, jaki Masaccio wyznaczył na stworzenie fresków w kaplicy Brancacciego, jak wielki jest postęp, jaki dokonał się w tym okresie.

Na wąskim fresku „Św. Piotr uzdrawia swoim cieniem” [Dodatek 7] Piotr pogrążony w myślach w towarzystwie św. Jana przechodzi przez dzielnicę ubogich, a jego cień uzdrawia chorych, znajdujący się pod murem domu. Podniecenie chorego - jest reprezentowane przez różne odcienie, jest tak piękne w projektowaniu, jak piękny jest majestatyczny krok świętego. Szaty świętego – podobnie jak szaty Giotta – wciąż dotykają ziemi, czego jednak Masaccio zazwyczaj unikał. wyraźniej scharakteryzować motywy odpoczynku i ruchu. Ale także workowate ubrania, na obrazie których tylko rzadkie fałdy w granicach dużych płaszczyzn tworzą plastyczną animację, przypominają Giotta. Oznaki realizmu późnej sztuki trecento odnaleźć można także w drugiej scenie, przedstawiającej świętych Piotra i Jana rozdających jałmużnę. Tym razem ukazane są obrzeża miasta: tutaj kończą się ulice, a przed polem znajduje się tylko kilka budynków. Ubodzy gromadzili się tutaj, aby otrzymać od świętych skromne dary. Czegoś takiego oczywiście jeszcze nie było we włoskim malarstwie: swoją wielkością i swobodnym stylem przypominają klasycznie ubrane postacie i świadczą o tym, że chęć ukazania ubioru w jego naturalnej funkcji skłoniła artystę nie tylko do naśladowania modele antyczne, ale także zrozumienie artystycznego znaczenia starożytnych strojów. I nie tylko tej wielkości, ale także leżącej u jej podstaw koncepcji piękna i doskonałości – tego może nas nauczyć znajdujący się nad opisanym powyżej fresk przedstawiający św. Piotra dokonującego obrzędu chrztu. Wydarzenie to rozgrywa się na pustynnym terenie górskim, którego potężne formy podkreślają wagę sceny. Nawróceni zgromadzili się półkolem wokół świętego, który miał być ochrzczony w wodzie klęczącego mężczyzny. Już w całym XV wieku wśród świadków chrztu podziwiano postać nagiego, pozornie drżącego młodzieńca, jednak na większą uwagę zasługuje grupa św. Piotra i klęczącego. Giotto w „Chrzcie Chrystusa” [Dodatek 8] przedstawiał nagiego Zbawiciela: postać stojącego wynędzniałego mężczyzny; na fresku Masaccio ponownie wprowadza do sztuki piękne męskie ciało, podobne do antyczny posąg wprowadził klasyczny ideał cielesnego piękna i doskonałości. Wydaje się, że przy przedstawianiu ciała Masaccio posługiwał się antycznym modelem – a jednak, mimo pewnych sprzeczności, które ujawniają się dopiero po uważnym zbadaniu, cała postać klęczącej jawi się jako całość jako swobodna konkurencja z antycznym przedstawieniem nagości ciało. Aby jednak z równymi siłami przystąpić do takiego współzawodnictwa, ciągle jednak brakowało - czego dowodem jest "Wygnanie z raju" [Dodatek 3] - dokładnej wiedzy o żywym organizmie. Ciężkie, beznadziejne stąpanie ludzi zostawiających za bramami utracone szczęście wydaje się niezdarne; przezwyciężenie tego ograniczenia było problemem, który należało rozwiązać. Masaccio zdobył wiedzę o anatomii ludzkiego ciała, pracując z naturą i studiując dzieła rzeźby klasycznej; porzucił w swojej twórczości dekoracyjność i konwencjonalność właściwą sztuce gotyckiej. Postacie, których trójwymiarowość oddana została dzięki efektownemu modelowaniu światła i cienia, skorelowane są skalą z otaczającym je pejzażem, malowanym z uwzględnieniem perspektywy światło-powietrze.

Można zatem wnioskować, że Masaccio był wielkim mistrzem, który rozumiał istotę malarstwa, odznaczał się wielkim darem umiejętności oddania walorów dotykowych w artystycznych obrazach.

Masaccio był godnym następcą Giotta, którego sztukę znał dobrze i uważnie studiował. Giotto wprowadził go w formy monumentalne, nauczył przedstawiać to, co ważne i znaczące z punktu widzenia wysokiej jedności artystycznej. Sztuka Masaccia zawiera w sobie cały program nowego malarstwa renesansowego – człowieka jako centrum wszechświata

W przeciwieństwie do Giotta cechą charakterystyczną twórczości Masaccio jest dokładniejsze studium natury. Jest także pierwszym w malarstwie, który przedstawia nagie ciało i nadaje osobie cechy heroiczne. W malarstwie późniejszych można znaleźć większą doskonałość detalu, ale nie będzie ono miało dawnego realizmu, siły i perswazji. Masaccio zdobył wiedzę o anatomii ludzkiego ciała, pracując z naturą i studiując dzieła rzeźby klasycznej; porzucił w swojej twórczości dekoracyjność i konwencjonalność właściwą sztuce gotyckiej.

Masaccio charakteryzuje się racjonalną, trójwymiarową przestrzenią zbudowaną zgodnie z zasadami perspektywy, światłocieniowym przetwarzaniem formy, nadając jej wypukłości i objętości, wzmacniając plastyczność formy poprzez kolor. Postacie, których trójwymiarowość oddana została dzięki efektownemu modelowaniu światła i cienia, skorelowane są skalą z otaczającym je pejzażem, malowanym z uwzględnieniem perspektywy światło-powietrze.

Masaccio był wielkim mistrzem, który rozumiał istotę malarstwa, był bardzo oświecony umiejętnością przekazywania walorów dotykowych w artystycznych obrazach. Koncepcję artysty wyraża stwierdzenie jednego z jego współczesnych: fresk czy obraz to okno, przez które patrzymy na świat.

Wniosek

W renesansie od malarstwa oczekiwano przedstawiania nowych ludzi, przeznaczonych do wielkich celów. Obiektem szczególnej uwagi historyków jest nadal jeden z głównych ośrodków kultury renesansu – Florencja. Przecież to w nim wcześniej niż w innych miastach-państwach ukształtowały się przesłanki zmiany epok kulturowych, narodziły się renesansowe idee humanistyczne, a pisarze, artyści, architekci, rzeźbiarze stworzyli swoje największe dzieła. A w nim życie towarzyskie pulsowało niezwykle intensywnie, skupiając niemal całą dorosłą populację mężczyzn, dla których troski o oświatę, wychowanie i kulturę były dalekie od ostateczności.

Psychologiczny klimat miejskiego życia wpłynął na światopoglądowe wytyczne kultury włoskiego renesansu. W moralności kupieckiej zorientowanej na sprawy świeckie zaczęły dominować nowe maksymy – ideał ludzkiej aktywności, energicznych wysiłków osobistych, bez których niemożliwe było osiągnięcie sukcesu zawodowego, a to krok po kroku odchodziło od kościelnej etyki ascetycznej, która ostro potępiała pragnienie za gromadzenie. Dolne środowisko miejskie było najbardziej konserwatywne, to w nim mocno zachowały się tradycje średniowiecznej kultury ludowej, co miało pewien wpływ na kulturę renesansu.

Innowacyjność Giotta przejawiała się w trzech głównych cechach jego pracy, którą następnie rozwijali jego zwolennicy. Z jednej strony poprawiono piękno linii, zastosowano różne fuzje kolorów. Z drugiej strony element narracyjny ma ogromne znaczenie. Podobnie figury i sceny zapożyczone z życia kojarzą się z poetyckim rozumieniem całości, a więc i wiele realistycznych motywów wypływa z tego źródła, jak prawdziwość w przedstawianiu natury itp. Samo rozumienie człowieka przez Giotta pozostawało w zgodzie z naturą . Dla Giotta ważny jest obraz ruchu i akcji. Grupowanie postaci i ich gesty są całkowicie podporządkowane znaczeniu przedstawionego. Giotto kreską i światłocieniem oddającym pełne znaczenie wydarzenia, spojrzeniami zwróconymi ku niebu lub spuszczonymi, gestami mówiącymi bez słów, opartymi na najprostszej technice malarskiej, bez znajomości anatomii, Giotto daje obraz ruchu.

Masaccio jest jak Giotto, ale Giotto urodził się sto lat później i znalazł się w sprzyjających warunkach artystycznych. Pokazał malarstwu florenckiemu drogę, którą podążało aż do upadku. Ta ścieżka leży w umiejętności rozprowadzania światła i cienia, w tworzeniu wyraźnej kompozycji przestrzennej, w sile, z jaką przekazuje objętość, Masaccio jest znacznie lepszy od Giotta. W malarstwie późniejszych można znaleźć większą doskonałość detalu, ale nie będzie ono miało dawnego realizmu, siły i perswazji.

Masaccio zrobił kolejny, po Giotcie, decydujący krok w tworzeniu zbiorowego wizerunku osoby, która jest teraz uwolniona od religijnego i etycznego tła i przesiąknięta nowym, prawdziwie świeckim światopoglądem. Wykorzystał możliwości światłocienia w nowy sposób, symulując formę plastyczną.

Ogólnie rzecz biorąc, zjawisko renesansu jest zjawiskiem bardzo wielopłaszczyznowym w rozwoju kulturalnym Europy, którego rdzeniem był nowy światopogląd, nowa samoświadomość człowieka. W tym okresie sztuka rozwija się tak szybko, jak nigdy wcześniej. Każdy artysta wnosi do rozwoju malarstwa tego okresu coś własnego, swoją unikalną cechę. Dlatego wielkie dzieła sztuki, powstałe nawet w odległej epoce, nie tylko nie tracą na znaczeniu, ale nabierają nowych odcieni w rozumieniu ich treści, kwestii moralnych i etycznych. Formy artystyczne, rozumiane z punktu widzenia współczesności, zawarte w nich wartości uniwersalne, zawsze wzbudzają zachwyt.

Bibliografia:

arganowy dis. K. Historia sztuki włoskiej Per. z tym. za 2 tyg. W ramach naukowych wyd. V.D. Daisina - M: wyd. Tęcza, 1990.- 319 s.

Berestovskaya D.S. Kultura artystyczna renesansu. - Simf., 2002.- 143 s.

Bernson B. Malarze włoskiego renesansu, przeł. z angielskiego. Belousova N. A., Teplyakova I. P. - M.; wyd. BSG-Press, 2006.-

Bragina LM humanizm włoski- M.: Wyżej. Szkoła, 1977.- 252 s.

Burkhard J. Kultura Włoch w okresie renesansu.

Gukowski MA włoski renesans. - L.: LSU, 1990.-618 s.

Dvorak M., Historia sztuki włoskiej w okresie renesansu. T.1. – M.: wyd. Sztuka, 1971. - 392 s.

Dmitrieva I. A., Krótka historia sztuki. – M.: wyd. Sztuka. - 1991. - 318 s.

Lazarev V.N., Ogólna historia sztuki. - T. 3. - M.: Wyd. Art. - 1962. - 510 s.

Łazariew V.N. Początek wczesnego renesansu w sztuce włoskiej. - M.: wyd. Sztuka, 1979. - 200 s.

Longhi R., Od Cimabue do Morandiego. – M.: wyd. Tęcza. - 1984 r. - 352 s.

Nesselshtraus G. Ts., Historia sztuki obcych krajów. Średniowiecze. Renesans. – M.: wyd. Sztuka, 1982. - 418 s.

Stiepanow AV, Sztuka renesansu. Włochy XIV-XV wiek. -SPb.: wyd. Alfabet to klasyka. - 2003 r. - 500 str.

Rotenberg E.I. Sztuka Włoch. Środkowe Włochy w okresie renesansu.-M., 1974. - 310 s.

Dodatek 1. Giotto „Pocałunek Judasza”.

Fresk.

Dodatek 2. Giotto „Opłakiwanie Chrystusa”

Fresk.
Kaplica Scrovegnich (Capella del Arena), Padwa

Dodatek 3. Masaccio „Wypędzenie Adama i Ewy z Raju”.

Fresk.

Dodatek 4. Masaccio „Cud ze staterem”

Fresk.
Kościół Santa Maria del Carmine (kaplica Brancacci), Florencja

www.szkoła.edu.ru

Dodatek 5. Masaccio „Madonna z Dzieciątkiem i Aniołami”

Drewno, tempera.
Galeria Narodowa, Londyn

www.szkoła.edu.ru

Dodatek 6. Masaccio „Trójca”

Fresk.
Kościół Santa Maria Novella we Florencji

www.szkoła.edu.ru

Dodatek 7. Masaccio „Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem”

Fresk.
Kościół Santa Maria del Carmine (kaplica Brancacci), Florencja

www.szkoła.edu.ru

Dodatek 8. Giotto „Chrzest Chrystusa”

Fresk.
Kaplica Scrovegnich (Capella del Arena), Padwa

www.szkoła.edu.ru

1. Sztuka era renesans (4)

   Streszczenie >> Kultura i sztuka

   Streszczenie na ten temat: „ Sztuka era Renesans" Wykonywany przez ucznia grupy EK - ... - XIII - XIII-XIV w.), Wczesny odrodzenie(quattrocento XIV-XV w.), Wysocy… surrealiści. Największy mistrz Północy renesans w obrazowym sztuka był Albrecht Dürer. ...

2. Kultura epoki renesans renesans

   Test >> Kultura i sztuka

   Giovanniego Pisano. do początku SZTUKA WCZESNY ODRODZENIE W pierwszych dziesięcioleciach XV w. sztuka Włochy rosną w siłę... , prawie portret. Ten typowa cecha sztuka wczesny renesans uwarunkowane pragnieniem artysty uwolnienia się od...

3. Kultura epoki renesans XIV-XVI wiek XVII.

   Streszczenie >> Kultura i sztuka

   ... sztuka Wczesny renesans była złożona, sprzeczna i ta sprzeczność prowadziła go do przodu. W sztuka Wczesny renesans, ... ulepszona technika olejna wenecka sztuka kończy rozwój sztuka wczesny

Wszyscy wiedzą, że to Włochy były sercem całego okresu renesansu. Wielcy mistrzowie słowa, pędzla i myśli filozoficznej pojawili się w każdej kulturze we Włoszech świadczy o powstawaniu tradycji, które będą się rozwijać w kolejnych wiekach, okres ten stał się punktem wyjścia, początkiem wielka epoka rozwój kreatywności w Europie.

Krótko o głównym

Sztuka wczesnego renesansu we Włoszech obejmuje okres od około 1420 do 1500 roku, poprzedzający i uzupełniający protorenesans. Jak każdy okres przejściowy, te osiemdziesiąt lat charakteryzują zarówno idee poprzedzające, jak i nowe, które jednak są zapożyczone z odległej przeszłości, z klasyków. Stopniowo twórcy pozbywali się średniowiecznych koncepcji, przenosząc swoją uwagę na sztukę antyczną.

Jednak pomimo tego, że w większości dążyli do powrotu do ideałów zapomnianej sztuki, zarówno w ogóle, jak iw szczególności, tradycje starożytne przeplatały się jednak z nowymi, ale w znacznie mniejszym stopniu.

Architektura włoska okresu wczesnego renesansu

Głównym nazwiskiem w architekturze tego okresu jest oczywiście Filippo Brunelleschi. Stał się uosobieniem architektury renesansu, organicznie urzeczywistniając swoje idee, potrafił zamienić projekty w coś urzekającego, a nawiasem mówiąc, do tej pory jego arcydzieła były pieczołowicie strzeżone przez wiele pokoleń. Jeden z jego głównych osiągnięcia twórcze Zwyczajowo bierze się pod uwagę budynki położone w samym centrum Florencji, z których najbardziej niezwykłe to kopuła florenckiej katedry Santa Maria del Fiore i Pałac Pitti, który stał się punktem wyjścia włoskiej architektury wczesnego renesansu.

Do innych ważne osiągnięcia dotyczy również włoskiego renesansu, który znajduje się w pobliżu głównego placu Wenecji, pałaców w Rzymie z rąk Bernarda di Lorenzo i innych. W tym okresie architektura Włoch stara się organicznie łączyć cechy średniowiecza i klasyki, dążąc do logiki proporcji. Doskonałym przykładem tego stwierdzenia jest Bazylika San Lorenzo, ponownie autorstwa Filippo Brunelleschiego. W innych krajach europejskich wczesny renesans nie pozostawił tak uderzających przykładów.

Artyści wczesnego renesansu

Wyniki

Kultura wczesnego renesansu we Włoszech, choć dąży do tego samego – ukazania klasyki przez pryzmat naturalności, to jednak twórcy podążają różnymi drogami, pozostawiając swoje nazwiska w kulturze renesansu. Wiele wspaniałych nazwisk pomysłowe arcydzieła i całkowite przemyślenie nie tylko kultury artystycznej, ale także filozoficznej - wszystko to przyniósł nam okres, który zapowiadał inne etapy renesansu, w których ustalone ideały znalazły swoją kontynuację.