Różnica między barokiem a klasycyzmem. Barok i klasycyzm w architekturze

15.02.2019

Wstęp……………………………………………………………………

    Barokowy……………………………………………………………

    Klasycyzm………………………………………………………..

    Romantyzm…………………………………………………………

    Realizm…………………………………………………………….

Bibliografia………………………………

Wstęp.

Historia sztuki charakteryzuje się zmianą różnych stylów i nurtów.

Pod styl artystyczny rozumieć całokształt wszystkich środków wyrazu artystycznego, wszystkich technik twórczych, które jako całość tworzą pewien system figuratywny.

Styl jako jeden system figuratywny oparty na jedności treści ideologiczne, która generuje jedność wszystkich elementów formy artystycznej, wszystkich środków artystycznych i wyrazowych. Słowo „styl” oznacza więc tę widzialną, namacalną oryginalność, która przede wszystkim rzuca się w oczy i dzięki której można od razu określić różnicę między jednym zjawiskiem w sztuce a innymi.

Same te zjawiska są nieskończenie różnorodne: możemy mówić o stylu pojedynczego dzieła lub grupy dzieł, o stylu jednostki, autora, o stylu niektórych krajów, ludów, regionów geograficznych.

Jednak najczęściej pojęcie „styl artystyczny” oznacza duże, „historyczne” style pewnych epok, w których jedność treści społeczno-historycznych określa stałą jedność artystycznych i figuratywnych zasad, środków i technik.

W dziedzinie sztuki w druga połowa XVII wieku. nastąpił rozkwit stylu barokowy, który był ściśle związany z ówczesną kulturą kościelną i arystokratyczną. Przejawiało to tendencje do gloryfikowania życia, całego bogactwa prawdziwego życia. Malarstwo, rzeźba, architektura, muzyka barokowa gloryfikowały i gloryfikowały monarchów, kościół i szlachtę.

Odmienny rodzaj estetyki, przeciwstawny artystycznym środkom baroku, został kanonizowany w sztuce i literaturze europejskiej. klasycyzm. Ściśle związany z kulturą renesansu klasycyzm zwracał się do starożytnych norm sztuki jako doskonałych wzorców, cechowała go racjonalistyczna klarowność i rygor.

Pierwsza połowa XIX wieku stał się czasem intensywnego rozwoju kultury duchowej. Wśród jego różnorodnych przejawów najbardziej zauważalna była dystrybucja romantyzm z wyjątkową wszechstronnością. Na polu twórczości artystycznej wyraźnie odcisnął swoje piętno w postaci nurtu w literaturze, plastyce, muzyce, teatrze. Jednocześnie romantyzm był pewnym światopoglądem: powstał romantyczny nurt rozwinięty w dziedzinie idei filozoficznych i estetycznych, nauk historycznych typ romantyczny osobowość i zachowanie.

W latach 30-40 XIX wieku. wraz z romantyzmem w fikcji i malarstwie, realizm. Dzieła pisarzy realistów, Balzaca, Stendhala, Dickensa, Thackeraya i innych, wyróżniają się wyjątkowo szerokim ujęciem rzeczywistości i przewagą problemów społecznych. Życie społeczeństwa w jego najróżniejszych przejawach, życie, zwyczaje, psychologia ludzi należących do różne klasy, nigdy nie spotkały się w literaturze z tak wieloaspektową refleksją.

Procesy historyczne i kulturowe New Age – rozwój kapitalizmu, postęp naukowy i technologiczny, system społeczny zbudowany na zasadach liberalnej demokracji, idee i wartości Oświecenia i pozytywizmu, estetyka wielkich stylów XVII- Wiek XIX (barok, rokoko, sentymentalizm, klasycyzm, romantyzm, realizm) - miał decydujący wpływ na kształtowanie się współczesnego świata.

    Barokowy.

Barokowy (włoski barocco - „złośliwy”, „rozwiązły”, „nadmierny”, port. perola barroca - „perła o nieregularnym kształcie” (dosłownie „perła z występkiem”); istnieją inne założenia dotyczące pochodzenia tego słowa) - charakterystyczny kultury europejskiej XVII-XVIII wieku, której centrum były Włochy. Styl barokowy pojawił się w XVI-XVII wieku w miastach włoskich: Rzymie, Mantui, Wenecji, Florencji. Epokę baroku uważa się za początek triumfalnego pochodu „zachodniej cywilizacji”. Barok charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamicznymi obrazami, afektacją, dążeniem do wielkości i przepychu, łączenia rzeczywistości z iluzją, fuzji sztuk (zespoły miejskie i pałacowo-parkowe, opera, muzyka kultowa, oratorium); jednocześnie - tendencja do autonomizacji poszczególnych gatunków (concerto grosso, sonata, suita w muzyce instrumentalnej).

Podstawy ideowe stylu powstały w wyniku szoku, podobnie jak w XVI wieku. Reformacja i Kopernik. Zmieniło się ugruntowane w starożytności pojęcie świata jako racjonalnej i niezmiennej jedności, a także renesansowa idea człowieka jako istoty najbardziej racjonalnej. Człowiek zaczął rozpoznawać siebie jako „coś pomiędzy wszystkim i niczym” według słów Pascala, „tego, który wyłapuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Epoka baroku rodzi ogromną ilość czasu na rozrywkę: zamiast pielgrzymek - promenada (spacery po parku); zamiast turniejów rycerskich – „karuzele” (przejażdżki konne) i gry karciane; zamiast zagadek – teatr i bal maskowy. Możesz dodać wygląd huśtawek i "ognistej zabawy" (fajerwerki). We wnętrzach portrety i pejzaże zajęły miejsce ikon, a muzyka z uduchowionej zmieniła się w przyjemną grę dźwięków.

Epoka baroku odrzuca tradycję i autorytet jako przesądy i uprzedzenia. Wszystko, co jest „jasne i wyraźne”, jest pomyślane lub ma matematyczny wyraz, jest prawdziwe, oświadcza filozof Kartezjusz. Dlatego barok jest nadal wiekiem Rozumu i Oświecenia. To nie przypadek, że słowo „barok” jest czasami wznoszone na określenie jednego z typów wnioskowania w średniowiecznej logice - baroku. Pierwszy europejski park pojawia się w Wersalu, gdzie idea lasu została wyrażona w najbardziej matematyczny sposób: lipowe aleje i kanały wydają się być rozciągnięte wzdłuż linijki, a drzewa przycięte na wzór figur stereometrycznych. Ubrany po raz pierwszy w barokowe mundury wojskowe duże skupienie płacą "wiertło" - geometryczną poprawność konstrukcji na placu apelowym.

barokowy mężczyzna odrzuca naturalność utożsamianą z dzikością, arogancją, tyranią, brutalnością i ignorancją – wszystko to w dobie romantyzmu stanie się cnotą. Barokowa kobieta pielęgnuje bladość skóry, nosi nienaturalną, falbaniastą fryzurę, gorset i sztucznie przedłużoną spódnicę na fiszbinowym stelażu. Ona jest na obcasach.

A dżentelmen staje się ideałem mężczyzny w epoce baroku - od Anglików. łagodny: „miękki”, „delikatny”, „spokojny”. Początkowo wolał golić wąsy i brodę, perfumować się i nosić pudrowane peruki. Po co zmuszać, skoro teraz zabijają, pociągając za spust muszkietu. W epoce baroku naturalność jest synonimem brutalności, dzikości, wulgarności i ekstrawagancji. Dla filozofa Hobbesa stan natury to stan charakteryzujący się anarchią i wojną wszystkich ze wszystkimi.

Barok charakteryzuje się ideą uszlachetniania natury na podstawie rozumu. Potrzeba nie jest tolerowana, ale „dobrze jest ofiarować w miłych i uprzejmych słowach” (Młodzież, uczciwe zwierciadło, 1717). Według filozofa Spinozy popędy nie stanowią już treści grzechu, ale „samą istotę człowieka”. Dlatego apetyt kształtuje się wyśmienicie etykieta stołu(w epoce baroku pojawiły się widelce i serwetki); zainteresowanie płcią przeciwną - w uprzejmym flircie, kłótniach - w wyrafinowanym pojedynku.

Barok charakteryzuje się ideą śpiącego Boga - deizmem. Bóg nie jest pojmowany jako Zbawiciel, ale jako Wielki Architekt, który stworzył świat, tak jak zegarmistrz tworzy mechanizm. Stąd taka cecha barokowego światopoglądu jak mechanizm. Prawo zachowania energii, absolutność przestrzeni i czasu są gwarantowane przez słowo Boże. Jednak stwarzając świat, Bóg odpoczął od swoich prac i w żaden sposób nie ingeruje w sprawy Wszechświata. Nie ma sensu modlić się do takiego Boga - można się tylko od Niego uczyć. Dlatego prawdziwymi strażnikami Oświecenia nie są prorocy i kapłani, ale przyrodnicy. Isaac Newton odkrywa prawo powszechnego ciążenia i pisze fundamentalne dzieło „Zasady matematyczne filozofia naturalna"(1689), a Karol Linneusz systematyzuje biologię "System natury" (1735). Akademie Nauk i towarzystwa naukowe powstają wszędzie w europejskich stolicach.

Różnorodność percepcji podnosi poziom świadomości - coś jak mówi filozof Leibniz. Galileusz po raz pierwszy kieruje teleskop na gwiazdy i udowadnia obrót Ziemi wokół Słońca (1611), a Leeuwenhoek odkrywa pod mikroskopem maleńkie żywe organizmy (1675). Ogromne żaglówki przemierzają bezkresy oceanów świata, wymazując białe plamy na geograficznych mapach świata. Literackimi symbolami epoki są podróżnicy i poszukiwacze przygód: ​​kapitan Guliwer i baron Munchausen.

Atenais de Montespan

Styl barokowy w malarstwie charakteryzuje się dynamizmem kompozycji, „płaskością” i przepychem form, arystokracją i oryginalnością wątków. Najbardziej charakterystycznymi cechami baroku są chwytliwa ekstrawagancja i dynamizm; uderzającym przykładem jest twórczość Rubensa i Caravaggia.

Michelangelo Merisi (1571-1610), któremu od miejsca urodzenia pod Mediolanem nadano przydomek Caravaggio, uważany jest za najważniejszego mistrza wśród włoskich artystów tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy, malowane o tematyce religijnej, przypominają realistyczne sceny z ówczesnego życia autora, tworząc kontrast między późnym antykiem a czasami nowożytnymi. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wyrywają ekspresyjne gesty postaci, kontrastowo wypisując ich specyfikę. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia, których początkowo nazywano karawagigistami, oraz sam nurt karawagizmu, jak Annibale Carracci (1560-1609) czy Guido Reni (1575-1642), przejęli burzę uczuć i charakterystyczną manierę Caravaggia , a także jego naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń.

Peter Paul Rubens (1577-1640) początek XVII w. studiował we Włoszech, gdzie poznał styl Caravaggia i Carraciego, choć przybył tam dopiero po ukończeniu kursu w Antwerpii. Z radością łączył najlepsze cechy szkół malarskich Północy i Południa, łącząc w swoich płótnach to, co naturalne i nadprzyrodzone, rzeczywistość i fantazję, naukę i duchowość. Oprócz Rubensa międzynarodowe uznanie zdobył inny mistrz baroku flamandzkiego, van Dyck (1599-1641). Wraz z twórczością Rubensa nowy styl dotarł do Holandii, gdzie został przejęty przez Fransa Halsa (1580/85-1666), Rembrandta (1606-1669) i Vermeera (1632-1675). W Hiszpanii w stylu Caravaggia pracował Diego Velasquez (1599-1660), a we Francji Nicolas Poussin (1593-1665), który niezadowolony ze szkoły barokowej położył podwaliny pod nowy nurt w swojej twórczości - klasycyzm .

Dla architektury barokowej(L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, B. F. Rastrelli w Rosji, Jan Christoph Glaubitz w Rzeczypospolitej) charakteryzują się rozmachem przestrzennym, fuzją, płynnością złożonych, najczęściej krzywoliniowych form. Często spotyka się wielkoformatowe kolumnady, obfitość rzeźby na elewacjach i we wnętrzach, woluty, dużą liczbę uskoków, elewacje łukowe z uskokiem pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły przybierają złożone formy, często są wielopoziomowe, jak w katedrze św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale baroku - telamon (atlas), kariatyda, maszkaron.

W architekturze włoskiej najwybitniejszym przedstawicielem sztuki barokowej był Carlo Maderna (1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu datowane są na około 1620 rok. Bernini jest także architektem. Jest właścicielem dekoracji placu katedry św. Piotra w Rzymie oraz wnętrz i innych budynków. Znaczący wkład wnieśli D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sycylii, po wielkim trzęsieniu ziemi w 1693 roku, pojawił się nowy styl późnego baroku - barok sycylijski.

Kwintesencją baroku, imponującą fuzją malarstwa, rzeźby i architektury jest kaplica Coranaro w kościele Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Styl barokowy rozprzestrzenia się w Hiszpanii, Niemczech, Belgii (wówczas Flandrii), Holandii, Rosji, Francji, Rzeczypospolitej. hiszpańskiego baroku, czyli miejscowego churrigueresco (na cześć architekta Churriguera), które rozpowszechniło się także w Ameryka Łacińska. Jego najpopularniejszym zabytkiem jest katedra w Santiago de Compostela, będąca jednocześnie jednym z najbardziej czczonych przez wierzących kościołów w Hiszpanii. W Ameryce Łacińskiej barok miesza się z lokalnymi tradycjami architektonicznymi, jest to jego najbardziej pretensjonalna wersja i nazywana jest ultrabarokiem.

We Francji styl barokowy wyraża się skromniej niż w innych krajach. Wcześniej uważano, że styl ten w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki baroku uznawano za pomniki klasycyzmu. Czasami termin „klasycyzm barokowy” jest używany w odniesieniu do francuskiej i angielskiej wersji baroku. Teraz Pałac Wersalski wraz z regularnym parkiem, Pałacem Luksemburskim, budynkiem Akademii Francuskiej w Paryżu i innymi dziełami są uważane za francuski barok. Naprawdę mają pewne cechy klasycyzmu. charakterystyczna cecha Styl barokowy jest regularnym stylem w sztuce krajobrazu, czego przykładem jest park wersalski.

Później, na początku XVIII w. Francuzi rozwinęli własny styl, rodzaj baroku - rokoko. Przejawiało się to nie w zewnętrznym projekcie budynków, ale tylko we wnętrzach, a także w projektowaniu książek, odzieży, mebli i malarstwa. Styl był dystrybuowany w całej Europie i Rosji.

W Belgii wybitny zabytek baroku to Grand Place Ensemble w Brukseli. Dom Rubensa w Antwerpii, zbudowany według własnego projektu artysty, ma cechy barokowe.

Barok pojawił się w Rosji już w XVII wieku („barok Naryszkina”, „barok Golicyna”). W XVIII wieku, za panowania Piotra I, rozwinął się w Petersburgu i na jego przedmieściach w dziele D. Trezziniego - tzw. „Baroku Piotrowego” (bardziej powściągliwy), a rozkwit za panowania Elżbiety Petrovna w pracach S. I. Chevakinsky'ego i B. Rastrelli.

W Niemczech wybitnym zabytkiem baroku jest Nowy Pałac w Sanssouci (autorzy - I. G. Bühring, H. L. Manter) oraz Pałac Letni w tym samym miejscu (G. W. von Knobelsdorff). Największe i najsłynniejsze zespoły barokowe na świecie: Versailles (Francja), Peterhof (Rosja), Aranjuez (Hiszpania), Zwinger (Niemcy), Schönbrunn (Austria). W Wielkim Księstwie Litewskim rozpowszechnił się barok sarmacki i barok wileński, którego największym przedstawicielem był Jan Christoph Glaubitz. Do jego słynnych projektów należą odbudowany kościół Wniebowstąpienia Pańskiego (Wilno), sobór św. Zofii (Połock) itp.

Carlo Maderna Kościół św. Zuzanny w Rzymie

    Klasycyzm.

Klasycyzm (klasycyzm francuski, od łac. classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które powstały równolegle z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, odsłaniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe pojedyncze znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epicka) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie jest niedozwolone.

Jako pewien kierunek ukształtował się we Francji w XVII wieku. Francuski klasycyzm potwierdzał osobowość osoby jako najwyższa wartość bycie, uwalniając go od wpływów religijno-kościelnych. Rosyjski klasycyzm nie tylko przejął teorię zachodnioeuropejską, ale także wzbogacił ją o cechy narodowe.

Główna cecha architektury klasycyzmu odwołano się do form architektury antycznej jako wzorca harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej. Porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności, stał się podstawą architektonicznego języka klasycyzmu. Klasycyzm charakteryzuje się symetryczno-osiowymi kompozycjami, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladio i jego następcę Scamozziego. Wenecjanie absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​stosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy przestrzegali wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

Najbardziej znaczące wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który wrócił do ojczyzny z Rzymu w 1758 roku. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i architektonicznych fantazji Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokokowi pod względem wyrafinowania wnętrz, co przysporzyło mu popularności nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społeczeństwa, ale także wśród arystokracji. Adam, podobnie jak jego francuscy koledzy, głosił całkowite odrzucenie detali pozbawionych funkcji konstrukcyjnej.

Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Saint-Genevieve w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromna wielkość jego projektów zapowiadała megalomanię imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji zmierza w tym samym kierunku co Soufflet Bażenow. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet poszli jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnie wizjonerskiego stylu z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny patos obywatelski ich projektów na niewiele się zdawał; Innowacyjność Ledoux została w pełni doceniona dopiero przez modernistów XX wieku.

Teatr Bolszoj w Warszawie.

Muzyka okresu klasycznego lub muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu rozwoju muzyki europejskiej w przybliżeniu między 1730 a 1820 rokiem. Pojęcie klasycyzmu w muzyce trwale kojarzone jest z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, którzy nazywani są klasykami wiedeńskimi i wyznaczyli kierunek dalszy rozwój kompozycja muzyczna.

Impuls do rozwoju rzeźby klasycznej w połowie XVIII wieku pisma Winckelmanna i wykopaliska archeologiczne starożytnych miast służyły poszerzaniu wiedzy współczesnych o rzeźbie antycznej. Na pograniczu baroku i klasycyzmu tacy rzeźbiarze jak Pigalle i Houdon oscylowali we Francji. Klasycyzm osiągnął swoje najwyższe wcielenie w dziedzinie sztuk plastycznych w heroicznej i idyllicznej twórczości Antonia Canovy, który czerpał inspiracje głównie z posągów epoki hellenistycznej (Praksiteles). W Rosji Fedot Szubin, Michaił Kozłowski, Borys Orłowski, Iwan Martos skłaniali się ku estetyce klasycyzmu.

Pomniki publiczne, które rozpowszechniły się w epoce klasycyzmu, dały rzeźbiarzom możliwość idealizowania waleczności i mądrości mężów stanu. Lojalność wobec antycznego modelu wymagała od rzeźbiarzy przedstawiania modeli nagich, co było sprzeczne z przyjętymi normami moralnymi. Aby rozwiązać tę sprzeczność, postacie nowoczesności były początkowo przedstawiane przez rzeźbiarzy klasycyzmu w postaci nagich starożytnych bogów: Suworowa - w postaci Marsa i Poliny Borghese - w postaci Wenus. Za czasów Napoleona problem rozwiązano, przechodząc do wizerunku współczesnych postaci w antycznych togach (takie są postacie Kutuzowa i Barclaya de Tolly'ego przed soborem kazańskim).

Antonio Canova. Kupidyn i Psyche (1787-1793, Paryż, Luwr)

architektoniczny klasycyzm barokowy urbanistyka

Charakterystyka każdego rozwinięty styl nie przedstawia szczególnych trudności metodologicznych. Kolejną rzeczą jest analiza punktu zwrotnego między dwoma specyficznymi stylami, co jest w swej istocie sprzeczne. Jak dochodzi do takiego złamania? Nas nie tyle interesuje pytanie, co tzw ogólny sens wynika to z doprecyzowania głównych wzorców zmiany stylów. W poszukiwaniu takich prawidłowości świadomie pozwolimy na polemiczne wyostrzenie sformułowań, aby ostrzej wydobyć proponowany punkt widzenia. Przejście od baroku do klasycyzmu było jednym z najszybszych w zmieniających się stylach architektury krajowej. Koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku to wciąż okres rozkwitu baroku. Połowa lat sześćdziesiątych XVIII wieku to już czas szerokiego rozpowszechnienia się klasycyzmu. Przez niezwykle krótki okres pięciu do siedmiu lat następuje całkowita zmiana upodobań estetycznych. Rosyjska architektura barokowa XVIII wieku. była historycznie uwarunkowanym, złożonym i osobliwym zjawiskiem, które pochłonęło wiele tradycji architektury rosyjskiej XVII wieku oraz szereg cech architektury rodzimej okresu bezpośrednio poprzedzającego, czyli początku XVIII wieku, oraz wpływy współczesna architektura głównego kraje europejskie. Te bardzo różne składniki tworzyły jednak mocny stop, który posiadał cechy wyjątkowej oryginalności. Oba kierunki nie znały jeszcze wówczas swoich przyszłych nazw, jednak istotę różnic stylistycznych, ich granic wyraźnie widać na przykładach najlepszych budowli powstałych lub zaprojektowanych niemal w tych samych latach. Dobitnie soczystej dekoracyjności i dynamizmowi barokowych form przeciwstawia się nieco sucha racjonalistyczna architektura wczesnego klasycyzmu. Najwybitniejsze budowle rosyjskiego baroku - Zimowy pałac B. F. Rastrelli i katedra morska św. Mikołaja S. I. Chevakinskrgo, tak typowa w swej przepełnionej brawurą, zostały ukończone do 1762 r. W tym samym czasie, już w 1760 r., A. F. Kokorinow projektował Dom Rozrywki pod Oranienbaumem – dzieło, w którym zasady dominuje nowy kierunek w architekturze. Plan, sylwetka, cała bryła konstrukcji są bardzo zwarte, z podkreśloną dominacją. linie poziome. Detale wykonane są w klasycznych formach i proporcjach. W tym samym roku A.F. Kokorinov wraz z Zh.B. M. Wallen Delamotte tworzy pierwszy szkic Bolszoj Gostiny Dwor w Petersburgu. W tej wersji, która stała się podstawą ostatecznej decyzji podjętej dwa lata później, zarysowana została już idea majestatycznego budynku biznesowego w swej prostocie z wyważonym rytmem dwukondygnacyjnych arkad rozciętych skromnymi pilastrami porządku toskańskiego . W latach 1763-1764. opracowywane są projekty dla Akademii Sztuk (A. F. Kokorinov i J.-B. Vallin Delamotte), sierocińców w Moskwie (K. I. Blank) i St. Petersburgu (Yu. M. Felten) - pierwsze obiekty specjalnie zaprojektowane do celów edukacyjnych. Spośród nich budynek Akademii Sztuk Pięknych jest najlepsza praca okres początkowy rosyjski klasycyzm. Zlokalizowany w odpowiedzialnym miejscu, z główną fasadą zwróconą w stronę głównej arterii wodnej stolicy - rzeki Newy, przyczynia się do organizacji architektonicznej znacznego odcinka wału. Plan budynku opiera się na dobrze przemyślanym procesie treningu funkcjonalnego dla artystów: główne obszary pracy znajdują się wzdłuż zewnętrznego obwodu budynku i wokół ogromnego okrągłego dziedzińca, który zapewnia im dobre oświetlenie. Powierzchnia ścian jest obficie rozczłonkowana, ale artykulacje o wyraźnie określonych proporcjach rzędowych mają głównie charakter płaski. Okres upadku, stopniowej degradacji nie poprzedził zmiany stylu. Wręcz przeciwnie, właśnie w momencie największego rozkwitu barok okazał się niezdolny do rozwiązywania nowych problemów, a budynki w stylu klasycystycznym natychmiast pojawiły się z zaskakującą szybkością. Taka szybkość w zmianie stylów nie jest typowa. Jest to, jak już wspomniano, cecha charakterystyczna tego właśnie przełomu – od baroku do klasycyzmu – a spowodowana została ogólną sytuacją, gdy sztucznie spowolniony rozwój historyczny zaczął mozolnie nadrabiać stracony czas. Pojęcie baroku jako integralnego stylu przestało nie tylko dominować w architekturze, ale w ogóle mieć znaczący wpływ na jej dalszy rozwój. Odrębne cechy starego systemu, choć pojawiały się przez pewien czas w niektórych elementach struktur wczesnego klasycyzmu, były jedynie pozostałościami, które stopniowo ulegały dezaktualizacji. Tylko na prowincji formy barokowe istniały przez inercję prawie do końca XVIII wieku. Historycznymi przesłankami zmiany stylu są czynniki materialne i ideologiczne. Jako najważniejsze należy wymienić znaczny wzrost potęgi militarnej i politycznej Rosji, któremu towarzyszy szybki wzrost jej potencjału gospodarczego.

Nie mniej ważnymi przesłankami zmiany stylu były idee oświecenia, humanizmu, ideały człowieka naturalnego, charakterystyczne dla całej postępowej myśli XVIII wieku. Coraz głośniej słychać było wezwanie do rozsądku jako głównego kryterium i miary wszystkich dokonań. Idee racjonalizmu były szeroko rozwijane od drugiej połowy wieku.

W architekturze wszystkie te czynniki doprowadziły do ​​poważnych zmian. Dobra koniunktura gospodarcza kraju spowodowała szybki rozwój budownictwa we wszystkich dziedzinach. Zmiany porządku ideowego wymagały znacznego poszerzenia wątków architektonicznych, innej treści figuratywnej. Ciągle pojawiały się niespotykane wcześniej tematy i zadania.

Tymczasem architekturę baroku wyróżniała wąskość tematyczna. Sfera architektury jako sztuki ograniczała się głównie do budownictwa pałacowego i sakralnego. Jeśli trzeba było tworzyć budowle o innym przeznaczeniu, to rozwijano je w tych samych, zbliżonych do pałacu, ceremonialnych, bardzo uroczystych formach, czego przykładem jest projekt Gostiny Dvor w Petersburgu, zaproponowany przez F. B. Rastrellego w 1757 r.

Rozwój form barokowych na drodze ich dalszego komplikowania mógłby trwać dość długo, ale sam zakres stosowania tych form nie mógł być w żaden sposób rozszerzony. Możliwości stylu zderzyły się z rzeczywistością. To zadecydowało o jego losie.

w kierunku środka XVIII wiek istniała potrzeba tworzenia różnego rodzaju nowych budynków użyteczności publicznej lub takich, których nie było wartość artystyczna-- na przykład budynki przemysłowe, magazynowe, handlowe. Nowe zadania pojawiły się także w budownictwie mieszkaniowym. Ostatecznie miasto jako całość jako jednostka społeczna otrzymało istotnie inną charakterystykę niż dotychczas i wymagało w tym zakresie innego rozwiązania planistycznego i kubaturowego.

Cały ten wzrost wymagań miał miejsce w skali gigantycznego kraju.

Tradycyjne metody twórcze nie radziły sobie z takimi zadaniami. Ale tego rodzaju, choć prostsze, zadania stanęły przed architektami już na początku XVIII wieku. Architektura czasów Piotra Wielkiego charakteryzuje się jasnymi i praktycznymi decyzjami opartymi na jasnych racjonalistycznych zasadach. Tradycje racjonalizmu pojawiły się w architekturze rosyjskiej na początku XVIII wieku, oczywiście nie po raz pierwszy. Tradycje te żyły od dawna, ale były epoki szczególnie sprzyjające ich rozwojowi i takie czasy, kiedy racjonalizm istniał w architekturze utajony jako zjawisko szczątkowe okresu poprzedniego. Rosyjski barok II kwartał XVIII w. nie ustrzegła się też wpływu poprzedzającej ją architektury Piotrowej, a racjonalizm tej ostatniej wpisał odrębne elementy w cechy stylistyczne merytorycznie przeciwnego mu kierunku.

Nawet w twórczości czołowego mistrza baroku Rastrelli widać elementy racjonalizmu. Na przykład fantastycznie bogata i złożona w formie dekoracja budynków pałacowych tego architekta nie narusza prostoty i przejrzystości planów.

W pracach D. V. Ukhtomsky'ego i S. I. Chevakinsky'ego tendencje racjonalistyczne są jeszcze bardziej zauważalne. Warto przypomnieć projekt Uchtomskiego Domu Inwalidów w Moskwie czy dzwonnicę Katedry Marynarki Wojennej św. uznać ją za dzieło Czewakinskiego. Obaj architekci byli uczniami I.K. Korobowa, którego działalność częściowo pokrywała się z okresem baroku. Jednak wśród ówczesnych mistrzów Korobow, jeden ze chwalebnych emerytów Piotra Wielkiego, zachował najbardziej racjonalistyczną orientację swojej pracy. To za sprawą Korobowa tradycje racjonalizmu były kontynuowane w twórczości jego licznych uczniów, a w twórczości najmłodszego z nich, A.F. kierunek architektoniczny.

Racjonalizm jako dążenie do jasności, zrozumiałości, logiki obrazu architektonicznego - wszystkiego jako całości i poszczególnych jego składników - stał się głównym czynnikiem kształtowania nowego stylu. Jej zasady domagały się szczególnie harmonijnej, logicznie spójnej koncepcja artystyczna. Koncepcja taka powstała już wcześniej w klasycznych szkołach architektury starożytności i renesansu. Architekci zaczęli wnikliwie studiować dziedzictwo starożytności (w jedynej wtedy dostępnej interpretacji rzymskiej) i renesansu. Ścisła uwaga na klasykę stała się niejako drugorzędnym czynnikiem w kształtowaniu architektury wczesnego klasycyzmu rosyjskiego.

Oczywiście w rosyjskich warunkach tamtych lat badanie klasycznych tradycji kształtowania mogło odbywać się tylko poprzez znajomość prac teoretycznych Witruwiusza, Andrei Palladio, Vignoli i uwraza, w których mierzono rysunki lub szkice zabytków architektury umieszczony. Niewystarczalność tej metody znajomości zdała sobie sprawę bardzo szybko. Charakterystyczne jest, że jeśli młody B. F. Rastrelli wyjechał swego czasu za granicę nie dalej niż do Niemiec, gdzie zapoznał się dopiero z doświadczeniami współczesnej architektury niemieckiej, to już w pierwszej połowie lat 50. do Włoch w celu studiowania architektury starożytności i renesansu. Od 1760 roku nowo powstała Akademia Sztuk Pięknych zaczęła regularnie wysyłać swoich najlepszych uczniów za granicę, zobowiązując ich do zapoznania się z zabytkami klasyki architektury.

Wreszcie kolejnym czynnikiem wpływającym na kształtowanie się nowego stylu w Rosji było powiązanie architektury rosyjskiej ze współczesną architekturą innych krajów, wśród których Francja była wówczas krajem wiodącym we wszystkich dziedzinach ideologii.

Dla architektury rosyjskiej powiązania z architekturą francuską stały się bardzo znaczące już w pierwszej ćwierci XVIII wieku, kiedy to zaproszony do Rosji J.-BA Leblon stworzył tu nie tylko jeden z fundamentalnych projektów planistycznych dla św. młodej stolicy Rosji.

Tendencje racjonalizmu charakterystyczne dla tej gałęzi architektury francuskiej, której Leblon był przedstawicielem, zbiegły się z głównym kierunkiem architektury rosyjskiej początku XVIII wieku. Zmiana orientacji architektury w okresie postpiotrowym doprowadziła także do zmiany charakteru związków z architekturą francuską. Sukcesem zaczęły cieszyć się rokokowe sztuczki, które w samej Francji do tego czasu poniosły poważną klęskę. Konkurs na projekt elewacji głównej kościoła św. Sulpicja w Paryżu zwiastowała zwrot w rozwoju idei architektonicznych. To właśnie na tym konkursie odrzucono zasady rokokowego dekoratyzmu, doprowadzonego przez J. O. Meissoniera do najwyższego stopnia wyrafinowania, i preferowano ścisłą i klasycznie przejrzystą kompozycję J. N. Servandoniego, która została wówczas w zasadzie wdrożona w 1733 r. -- 1745

Rozwój życia społecznego w latach 50. XVIII wieku skłonił architekturę rosyjską do skupienia się na zaawansowanych osiągnięciach architektów francuskich. Ważnym etapem zwycięstwa klasycyzmu we Francji był konkurs na utworzenie Placu Ludwika XV w Paryżu. W wyniku kilku kolejnych rund konkursu (koniec lat czterdziestych – początek lat pięćdziesiątych XVIII wieku) zwyciężył projekt J.A. Gabriela, co oznaczało zatwierdzenie nowych poglądów na zasady urbanistyczne. Po raz pierwszy w historii świata plac miejski postanowione w korelacji i powiązaniu z całą przestrzenią miasta.

Sukces J.-J. Suflet przy kościele św. Genevieve w Paryżu i budowa przez Gabriela kameralnej rezydencji pałacowej Petit Trianon w Wersalu oznaczały już ostateczne zwycięstwo nowego nurtu w architekturze francuskiej.

W Rosji z zainteresowaniem i uwagą studiowano prace teoretyków architektury M. A. Laugiera, J. F. Blondela i innych. Pomysł Blondela był zbyt oczywistym francuskim posmakiem narodowym i daleki był jeszcze od konsekwentnej realizacji klasycznych form, co między innymi przyczyniło się do odrzucenia projektu. Ale to już był przypadek w ogólnym biegu historii. Od końca lat 50. XVIII wieku to zaawansowana architektura francuska zbliżała się pod względem celów i aspiracji do architektury rosyjskiej.

Na przykładzie przejścia od baroku do klasycyzmu można pokusić się o wydedukowanie pewnych ogólnych prawidłowości w zmianie stylów architektonicznych.

Nowo powstający styl spełnia nowe wymagania iw tym sensie jego droga jest zawsze oryginalna i niezbadana. Im bardziej innowacyjny jest ten neofita, tym szersze muszą być tradycje, na których się opiera. Ale jednocześnie wyłaniający się kierunek odnosi się z całkiem zrozumiałym antagonizmem do metod swojego poprzednika, który w pewnym momencie ujawnił swoją niekonsekwencję. Dlatego każdy nowy styl szuka oparcia w tradycjach sztuki nie okresu bezpośrednio poprzedzającego, ale bardziej odległego, a przede wszystkim tradycji „dziadów”. Wszak poprzedni styl również zaprzeczył kierunkowi, który istniał przed nim, dlatego za każdym razem tradycje „dziadkowe” stają się głównym źródłem zapożyczeń.

Rzeczywiście, rosyjska architektura barokowa drugiej tercji XVIII wieku jest znacznie bliższa duchem zabudowie Rusi końca XVII wieku niż architekturze epoki Piotra I.

Z tego samego powodu dążenie do oświecenia, utylitaryzm i wszechogarniający racjonalizm, charakterystyczne dla architektury Piotrowej, znalazły samodzielną kontynuację w architekturze klasycyzmu. Taki oryginalny budynek dla kompleksu instytucje naukowe jako Kunstkamera, wymyślona za czasów Piotra I, nie doczekała się dalszego rozwoju w okresie baroku jako nowego typu budowli, ani nawet powtórzeń, nawet uproszczonych. Tymczasem architektura klasycyzmu rozpoczęła się właśnie od stworzenia tego rodzaju obiektu: budynek Akademii Sztuk łączył w sobie najwyższy ośrodek sztuki, muzeum, instytucja edukacyjna„trzech najszlachetniejszych” sztuk z internatem, a nawet przy nim teatrem, pracowniami plastycznymi i mieszkaniami dla kadry nauczycielskiej.

Na epokę Piotrową nie zwracano większej uwagi zabudowania pałacowe, ale dał bardzo ważne budownictwo użytkowe, podnosząc je do poziomu prawdziwej architektury. Admiralicja w Petersburgu została zdecydowana nie tylko jako przedsiębiorstwo przemysłowe połączone z budowlą obronną, ale jako zabytek siła morska Rosja. Budynek był bardzo niski, a materiał - szachulcowy - nie był wcale monumentalny, ale sama idea szerokiej, rozpiętej na 400 metrów konstrukcji, zaznaczonej pośrodku wieżą z iglicą, była ideą wspaniałej architektury.

Jeden z wielkich mistrzów rosyjskiego baroku, S. I. Chevakinsky, jako architekt kolegiów admiralicji, zaprojektował i zbudował wiele użytkowych konstrukcji dla floty krajowej. Ale wśród tych jego dzieł nie ma budynków podobnych do Admiralicji, znaczących w ich projekcie architektonicznym. Po zbudowaniu Katedry Marynarki Wojennej św. Mikołaja Czewakinski stworzył za pomocą architektury radosny, radosny hymn. Niemniej jednak w budownictwie użytkowym epoka nie wymagała od niego niczego poza siłą i użytecznością.

Charakterystyczne jest, że na początku lat 60. XVIII wieku, rozpoczynając projekt budowy składu drewna na wyspie New Holland w Petersburgu, Chevakinsky rozwinął Nowa technologia składowania lasu, a także stworzył plan budynku, ale nie poradził sobie z graficznym rozwiązaniem elewacji i tę część prac powierzono architektowi nowego kierunku – Wallenowi Delamotte.

Racjonalizm, który stanowi podstawę koncepcji klasycyzmu, odbił się także echem w tradycjach architektury początku XVIII wieku, choć, jak już wspomniano, sama rosyjska architektura barokowa w pewnym stopniu korzystała z tych tradycji.

W tym miejscu chciałbym podkreślić, że najważniejsze tradycje nigdy nie umierają. Rozwijają się spiralnie w górę. Z każdym kolejnym obrotem część ruchu, relatywnie rzecz biorąc, przechodzi w cień. Panujący wówczas styl jedynie toleruje taką „zacienioną” tradycję, a często wykorzystuje ją nawet w odwrotnym znaczeniu.

barok i klasycyzm

pałac wersalski kultura artystyczna

W XVII wieku, w warunkach aktywnego rozwoju gospodarki i sztuki, Francja uzyskała status wzorcowego kraju absolutystycznych form rządów i praktycznej polityki gospodarczej. Dzięki ruchowi kontrreformacyjnemu Rzym w r przestrzeń kulturalna podzielone terytorialnie Włochy nabrały nowego znaczenia. W rezultacie budowa obiektów sakralnych nabrała silnego rozmachu. Rozpoczęła się w tych warunkach pod koniec XVII wieku Nowa scena budownictwo przyczyniło się do tego, że książęta niemieccy kierowali się w swoich potrzebach wzorami zagranicznymi. W dużym stopniu pozostawali pod wpływem francuskiego absolutyzmu Ludwika XIV. Każdy pan feudalny – bez względu na to, jak małe było jego terytorium – kopiował swoją rezydencję z Wersalu, tej perły królewskich posiadłości.

Chociaż dla Europejczyka architektura XVII- XVIII wiek nie charakteryzuje się jednolitością i integralnością, zwyczajowo łączy się to z ogólną koncepcją „baroku”. Książęce zamki i miejsca kultu stały się głównymi obiektami budowlanymi i ucieleśniały opór wobec reformacji. W latach trzydziestych XVIII wieku zaczęto odczuwać wpływy oświecenia, co od razu znalazło odzwierciedlenie we wzroście intymności zabudowy. Małe eleganckie zamki otoczone parkami stały się ulubionym miejscem pobytu książąt. Jest to jeden z najbardziej uderzających znaków rozpoznawczych baroku.

Nowy styl odwoływał się do piękna otoczenia, czy prościej krajobrazu, do pomocy w prowadzeniu działań urbanistycznych. Krajobraz stał się jednym z głównych elementów zespołu miejskiego. Plac, który utracił swoją funkcjonalną i demokratyczną treść, stał się frontową częścią miasta, jego ozdobą. Architektura baroku wyróżnia się rozmachem, przepychem i dynamiką, widowiskowością oraz silnym kontrastem skal i rytmów.

Dzięki dziwacznej plastyczności fasad, skomplikowanym krzywoliniowym planom i zarysom, barokowe pałace i kościoły nabrały malowniczości i dynamizmu. Wydawały się wrastać w otaczającą ich przestrzeń. Wnętrza barokowe zdobiono wielobarwną rzeźbą, sztukaterią i płaskorzeźbami; lustra i malowidła ścienne były niezbędne do iluzorycznego poszerzenia przestrzeni, a malowanie plafonów tworzyło iluzję sklepień otwierających się nad widzem.

W malarstwie i rzeźbie baroku dominującą pozycję zajmowały dekoracyjne wieloaspektowe kompozycje o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym oraz portrety ceremonialne. Przy przedstawianiu osoby preferowane były stany napięcia, egzaltacji i wzmożonego dramatyzmu. W malarstwie duże znaczenie nabierała emocjonalna, rytmiczna i kolorystyczna jedność całości, często nieskrępowana swoboda kreski; w rzeźbie - malownicza płynność formy, bogactwo aspektów i wrażeń.

Cechami charakterystycznymi baroku są złożoność planów, bogata aranżacja wnętrz z nieoczekiwanymi i efektownymi rozwiązaniami przestrzennymi i świetlnymi, liczne krzywizny, plastycznie zakrzywione linie i powierzchnie, kontrast, napięcie i dynamika obrazów, afektacja, pragnienie luksusu i przepychu, do łączenia rzeczywistości i iluzji, do fuzji sztuk. Styl barokowy kontrastował prostotę klasycznych form z wyrafinowaniem w kształtowaniu. Elementy malarstwa i rzeźby, malowane powierzchnie ścian znalazły szerokie zastosowanie w architekturze.

Podstawy ideowe baroku ukształtowały się w warunkach reformacji i nauki Kopernika. Zmieniła się idea świata jako racjonalnej i trwałej jedności, charakterystyczna dla filozofii starożytności i renesansowego poglądu na człowieka jako koronę stworzenia. Człowiek zaczął sobie uświadamiać, że jest „czymś pomiędzy wszystkim a niczym” słowami Pascala, „tym, który wyłapuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Narodzinom baroku w pewnym stopniu sprzyjał brak funduszy na budowę palazzo ze strony przedstawicieli szlachty. Szukając wyjścia z tej sytuacji, zwrócili się ku sztuce, by stworzyć iluzję władzy i bogactwa. Częściowo z tego powodu barok powstał we Włoszech w XVI wieku.

Formy architektoniczne baroku były wzorowane na włoskim renesansie, ale przewyższały go złożonością, różnorodnością i malowniczością. Elewacje z profilowanymi gzymsami, kolumnami, półkolumnami i kolosalnymi na kilka pięter pilastrami, luksusowe detale rzeźbiarskie, często przechodzące od wypukłych do wklęsłych, nadają samej konstrukcji ruchu i rytmu. Ani jeden szczegół takiej konstrukcji nie był niezależny, w przeciwieństwie do okresu renesansu. Wszystkie części zespołu objęte są wspólnym projektem architektonicznym, którego dopełnieniem jest projekt i dekoracja wnętrz, a także ogrodnictwo krajobrazowe i urbanistyczne środowisko architektoniczne.

We Francji styl barokowy wyraża się nieco skromniej niż w innych krajach. Kiedyś uważano, że styl barokowy w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uważano za pomniki klasycyzmu. Czasami właściwe jest użycie terminu „klasycyzm barokowy” w odniesieniu do języka francuskiego i warianty angielskie barokowy. Teraz Pałac Wersalski wraz z regularnym parkiem, Pałacem Luksemburskim, budynkiem Akademii Francuskiej w Paryżu i innymi dziełami architektury są uważane za francuski barok. Naprawdę mają pewne cechy klasycyzmu. Cechą charakterystyczną stylu barokowego jest styl regularny sztuka krajobrazu, czego najlepszym przykładem jest Versailles Park, szczyt kreatywności utalentowanego mistrza Andre Le Nôtre.

Niemiecki krytyk i historyk sztuki starożytna sztuka Johann Joachim Winckelmann napisał w 1755 r.: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy i, jeśli to możliwe, niepowtarzalni, jest naśladowanie starożytnych”. Tym hasłem wzywał współczesnych do odnowienia sztuki, wykorzystując piękno starożytności, postrzegane jako ideał, jako podstawę i znalazł aktywne poparcie w społeczeństwie europejskim. Antyczną architekturę postrzegał jako wzorzec harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Postępowa publiczność postrzegała klasycyzm jako konieczną opozycję do dworskiego baroku. Powstanie klasycyzmu zbiegło się w czasie z okresem rewolucji burżuazyjnych - angielskiej w 1688 r. i francuskiej - 101 lat później. Tak więc odwołanie się do sztuki starożytnej jako najwyższego przykładu i oparcie się na tradycjach wysokiego renesansu stało się jedną z najważniejszych cech klasycyzmu.

Sztuki piękne klasycyzmu starały się ucieleśnić ideę harmonijnej struktury społeczeństwa. O złożoności sztuk plastycznych klasycyzmu wyraźnie świadczą konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczucia i rozumu. Formy artystyczne klasycyzmu charakteryzują się cechami ścisłej organizacji, równowagi, prostoty i harmonii obrazów.

chęć ucieleśnienia szlachetna prostota a spokojna wielkość starożytnej sztuki budowlanej skłoniła mistrzów epoki do dążenia do całkowitego skopiowania starożytnej budowli. Tak więc to, co niemiecki architekt Gilly miał na etapie projektowania pomnika Fryderyka II, na polecenie Ludwika I Bawarskiego, zostało przeprowadzone na zboczach Dunaju w Regensburgu i otrzymało nazwę Valhalla - „Sala Umarłych ”.

W Niemczech ośrodkiem budownictwa w stylu klasycystycznym stały się książęce pałace - rezydencje, wśród nich szczególną sławę zyskały Marktplatz (plac handlowy) w Karlsruhe, Maximilianstadt i Ludwigstrasse w Monachium oraz budownictwo w Darmstadt. Pruscy królowie w Berlinie i Poczdamie również sprzyjali klasycyzmowi podczas budowy. Jednak do tego czasu pałace straciły już status głównych obiektów budowlanych, wille i domy wiejskie wyglądały nie mniej imponująco i imponująco. Sfera budownictwa państwowego obejmowała budynki socjalne – szpitale, domy dla niewidomych i głuchoniemych, a także więzienia i koszary. Wkrótce dodano do nich budynki użyteczności publicznej, takie jak teatry, muzea, uniwersytety i biblioteki. Obrazu dopełniały wiejskie posiadłości arystokracji i burżuazji, ratusze i budynki mieszkalne miast i wsi.Budowa kościołów nie była już zadaniem nadrzędnym, ale godne uwagi budowle pojawiły się w Karlsruhe, Darmstadt i Poczdamie, choć dyskusja, czy pogańskie formy architektoniczne były odpowiednie dla chrześcijańskiego klasztoru.

W malarstwie dominującą rolę odgrywało logiczne rozwinięcie akcji, wyraźny balans kompozycyjny, wyraźne oddanie bryły i światłocieniowego modelowania formy, użycie lokalnej kolorystyki.

Jasny opis planów w pejzaż został również ujawniony za pomocą koloru: pierwszy plan musi być koniecznie napisany na brązowo, drugi na zielono, a trzeci na niebiesko.

Architekturę klasycyzmu charakteryzuje regularność rozplanowania i wyrazistość bryłowej formy. Podstawą języka architektonicznego stylu klasycznego był porządek zbliżony proporcjami i formą do starożytności. Klasycyzm wyróżnia się kompozycjami symetryczno-osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Wielki wenecki mistrz Palladio i jego następca Scamozzi sformułowali architektoniczny język klasycyzmu pod koniec renesansu. Wenecjanie absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​wykorzystywano je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones przeniósł palladianizm do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy przestrzegali wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W tym czasie wśród intelektualistów Europy kontynentalnej zaczęło kumulować się nasycenie luksusem późnego baroku i rokoka. Ta estetyka baroku i rokoka była zdecydowanie mało przydatna do rozwiązywania głównych problemów urbanistycznych. Już za Ludwika XV w Paryżu wzniesiono zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnym”, między innymi Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI takie „ szlachecki lakonizm” stał się głównym nurtem architektonicznym.

Podczas budowy kościoła Saint-Genevieve w Paryżu francuski architekt Jacques-Germain Soufflot wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. W Rosji Bażenow podążał w tym samym kierunku co Soufflet. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet byli w stanie posunąć się jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnie wizjonerskiego stylu z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny, obywatelski patos ich projektów nie był pożądany.

Architekci napoleońskiej Francji szukali inspiracji w zachowanych z czasów cesarskiego Rzymu obrazach militarnej chwały, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera czy kolumna Trajana. Z rozkazu cesarza przeniesiono je do Paryża w postaci łuku triumfalnego Carruzel i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej epoki wojen napoleońskich zwyczajowo używa się terminu „styl imperialny” - imperium. W Rosji wybitnymi mistrzami stylu Empire byli tacy mistrzowie jak Karl Rossi, Andriej Woronikhin i Andriej Zacharow.

Najbardziej znaczące klasycystyczne wnętrza zostały ukończone przez szkockiego architekta Roberta Adama po powrocie do domu z Rzymu w 1758 roku. Ogromne wrażenie wywarły na nim badania archeologiczne włoskich uczonych i architektoniczne fantazje Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym wyrafinowaniem wnętrzom rokokowym. Przyniosło mu to sławę zarówno wśród demokratycznie nastawionych kręgów społeczeństwa, jak i wśród arystokracji. Adam, podobnie jak jego francuscy koledzy, wolał całkowite odrzucenie detali pozbawionych funkcji konstrukcyjnej. Estetyka klasycyzmu przyczyniła się do realizacji wielkoskalowych projektów urbanistycznych i w pewnym stopniu przyczyniła się do uporządkowania urbanistyki w skali całych miast.

W Rosji większość miast prowincjonalnych i prawie wszystkie miasta powiatowe zostały przeplanowane zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu. Oryginalne muzea klasycyzmu pod otwarte niebo takie miasta jak Sankt Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i kilka innych uległy zmianie. Na całej przestrzeni od Minusińska po Filadelfię ustanowiono jeden język architektoniczny, którego początki sięgają Palladio. Zwykłą zabudowę wykonano zgodnie z albumami projektów standardowych.

W okresie następującym po wojnach napoleońskich klasycyzm współistniał z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza z odrodzeniem zainteresowania średniowieczem i modą na architektoniczny neogotyk. W związku z odkryciem przez Champolliona Tablicy z Rosetty popularność zyskały motywy egipskie. Zainteresowanie starożytną architekturą rzymską zostało stopniowo zastąpione szacunkiem dla wszystkiego, co starożytnej Grecji, co było szczególnie widoczne w Niemczech i Stanach Zjednoczonych. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują odpowiednio Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeami i innymi budynkami publicznymi w duchu Partenonu. We Francji czystość klasycyzmu została rozrzedzona przez swobodne zapożyczenia z architektonicznego repertuaru renesansu i baroku.

Wnioski do rozdziału 1

Style baroku i klasycyzmu rozwinęły się w kultura artystyczna Zachodnia Europa w XVII-XVIII wieku. Te dwa nurty w sztuce z powodzeniem współistniały przez dwa stulecia, rozwijając się równolegle i na przemian zajmując czołową pozycję lub schodząc na dalszy plan.

Styl klasyczny w kulturze artystycznej odwoływał się do posługiwania się sztuką świata antycznego jako standardem. Geneza klasycyzmu nastąpiła na etapie rewolucji burżuazyjnych - angielskiej i francuskiej - co wpłynęło na charakter jego powstania i znalazło odzwierciedlenie w charakterystyce cech w ramach stylu narodowego.

W sztuki piękne klasycyzm dążył do ucieleśnienia idei harmonijnego ułożenia społecznej strony bytu. Formy artystyczne klasycyzmu odznaczają się cechami ścisłej organizacji, równowagi, prostoty i harmonii obrazów.

Charakterystycznymi cechami stylu barokowego była złożoność planów, bogata dekoracja wnętrz z efektownymi rozwiązaniami przestrzennymi i świetlnymi, liczne krzywizny, plastycznie zakrzywione linie i powierzchnie, kontrast i żywa dynamika obrazów, pragnienie luksusu, połączenie iluzji i rzeczywistości oraz fuzji sztuk. wbrew formy klasyczne styl barokowy sprzyjał wyrafinowaniu w kształtowaniu. W architekturze powszechne było stosowanie elementów malarstwa i rzeźby, malowanych powierzchni ścian.

W ideologii barokowej człowiek jawił się jako „coś między wszystkim a niczym”, mówiąc słowami Pascala, „ten, który wychwytuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Mają one zarówno cechy wspólne, jak i różnice, ponieważ każdy z kierunków architektonicznych ma swoje unikalne właściwości.

W epoce Oświecenia i New Age w krajach Europy - okresie od XVII do XIX wieku pojawiły się jasne i bogate trendy stylistyczne w sztuce. Barok, rokoko, klasycyzm, imperium – to tylko niektóre ze stylów, które były wówczas znane. Tak wysoki rozwój sztuki architektonicznej wynikał z faktu, że następowały po sobie dynastie królewska, cesarska i arystokratyczna, a każda z nich chciała wychwalać siebie i okres swojego panowania prawdziwymi arcydziełami sztuki i wspaniałymi dziełami architektury.

Jaka jest różnica między stylem empirowym (późny klasycyzm) a zwykłym klasycyzmem

Dwa popularne nurty – imperium i klasycyzm w architekturze odcisnęły wielkie piętno na historii. W swej istocie Imperium jest jednym z etapów rozwój historyczny klasycyzm, jeden z jego odgałęzień, więc mówić o tych stylach jako całkowicie różne kierunki to jest zabronione.

Jeśli zapytać architektów, czym Empire różni się od klasycyzmu, nawet specjalistom trudno będzie odpowiedzieć na to pytanie. Imperium jest ostatnim etapem rozwoju klasycyzmu, było popularne w pierwszych trzech dekada XIX stulecie. Imperium, czyli późny klasycyzm – tak określa się ten kierunek w sztuce, został powołany na służbę państwową za panowania Napoleona, aby gloryfikować jego osobowość i dokonane przez niego wyczyny.

Klasycyzm zaczął stopniowo przenikać do Cesarstwa w okresie Cesarstwa Napoleońskiego, nurty te skupiały się na obrazie sztuki okresu starożytności. Ówcześni architekci wykorzystali elementy, które pozwoliły jak najdokładniej oddać waleczność militarną i majestatyczną potęgę państwa.

W tym celu wykorzystano takie techniki zdobnicze, jak wiązki liktorów, zbroje wojskowe, wieńce laurowe, lwy i orły. Takie elementy stosowano również w dobie rozwoju klasycyzmu w architekturze, jednak istotną różnicą jest to, że imperium zapożyczało formy architektoniczne, które były w przeważającej mierze nieodłączne od starożytnego Rzymu, a klasycyzm stosował głównie dziedzictwo Starożytna Grecja. Doskonały przykład budowlą w stylu klasycyzmu jest Villa Rotonda we Włoszech, której autorem był architekt A. Palladio.

Jaka jest różnica między stylem Empire a klasycyzmem, jeśli mówimy o wyborze zabarwienie przy urządzaniu lokalu? Wnętrze, urządzone zgodnie z prawami klasycyzmu, było ściśle utrzymane w jasnych i bogatych odcieniach wanilii, szeroko stosowany był jasnoniebieski i kolor młodych liści.

Niemal niemożliwe było zobaczenie obiektów o jasnych nasyconych kolorach, podczas gdy w okresie Imperium, wręcz przeciwnie, projektanci umiejętnie łączyli jaskrawe jasne kolory z delikatnymi i miękkimi odcieniami. Przewaga nasyconych odcieni zieleni i fioletu oraz złocenia to kolejna technika charakterystyczna wyłącznie dla epoki cesarstwa.

Różnica między neoklasycyzmem a klasycyzmem i imperium

Inną wspólną cechą tych dwóch obszarów jest wykorzystanie w wystroju wnętrz drogiego drewna i luksusowych tkanin. Często można było spotkać meble, zdobione intarsjami z innych gatunków drewna, kamień naturalny lub kości słoniowej.

Wśród ogólna charakterystyka kierunków, nie sposób nie zauważyć, że równie często wykorzystują jako dekorację ozdoby kwiatowe. Szczególną uwagę zwrócono na dobór tkanin do dekoracji wnętrz w epoce klasycyzmu i empiru. Luksusu i przepychu można było nadać pomieszczeniu dzięki zastosowaniu naturalnego jedwabiu i gobelinów z różnymi motywami. Tutaj należy od razu zauważyć różnicę między neoklasycyzmem a klasycyzmem i stylem empirowym - wykorzystuje wyłącznie sztuczny jedwab, który wygląda tak drogo jak naturalny materiał.

Różnice między cesarstwem a klasycyzmem polegają na tym, że ten pierwszy charakteryzował się wyraźnym przepychem i przepychem. Klasycyzm został obdarzony mniejszą monumentalnością, bardziej charakteryzuje go powściągliwość form i linii podczas budowy. konstrukcje architektoniczne i projektowanie wnętrz. Jest jeszcze jeden cecha wyróżniająca Imperium, charakterystyczne wyłącznie dla tego kierunku - powszechne stosowanie luster.

Klasycyzm, neoklasycyzm i imperium rosyjskie: podobieństwa i różnice

Klasycyzm, imperium rosyjskie i neoklasycyzm, a także wiele innych style architektoniczne, miał wiele wspólnego.

Przede wszystkim należy wymienić takie podobieństwo kierunków:

1. Luksus. Style miały zdobić wnętrza przedstawicieli arystokracji, dlatego wielu nazywa je „pałacowymi” i „królewskimi”. Jeśli zwrócisz uwagę na wszystkie style, które zadeklarowały się w okresie od XVII do XIX wieku, to najskromniejszymi były klasycyzm i neoklasycyzm, choć w rzeczywistości wnętrza wyróżniały się niespotykanym luksusem.

2. Duże i przestronne pokoje. Dla pomieszczeń tych epok charakterystyczne były pomieszczenia o dużej przestrzeni i wysokich sufitach. Dla stylu rokoko było to najmniej charakterystyczne, jeśli porównamy ze sobą wszystkie ówczesne trendy architektoniczne.

3. Sposoby dekoracji. Do dekoracji pomieszczeń, których celem było nadanie wnętrzom luksusu i bogactwa, wykorzystano elementy takie jak sztukaterie, malowidła ścienne i obrazy ze scenami klasycznymi, snycerki.

Neoklasycyzm różni się od klasycyzmu i imperium tym, że był popularny pod koniec XVIII - początek XIX wieku, odziedziczył tradycje nie tylko okresu starożytności, ale także można w nim prześledzić sztukę renesansu. W zasadzie neoklasycyzm jest z natury kontynuacją klasycyzmu, jego nowoczesnym uzupełnieniem.

Secesja, barok, imperium, klasycyzm: cechy charakterystyczne

Barok, klasycyzm i secesja to kierunki, które mają wiele cech charakterystycznych. Art Nouveau jest „cytowaniem” wszystkich trzech z tych klasycznych stylów. Powstał pod silnym wpływem kultury Japonii, starożytnego Egiptu i krajów innych starożytnych cywilizacji.

Różnica między barokiem, imperium i klasycyzmem z jednej strony a secesją z drugiej polega na tym, że wraz z nadejściem tego drugiego nurtu sztuka architektoniczna porzucili dziedzictwo poprzednich epok. W tym okresie następuje odrzucenie linii prostych i wyraźnych geometrycznych kształtów, konserwatyzmu i patosu na rzecz bardziej naturalnych zakrzywionych, zaokrąglonych linii i asymetrii.

Jaka jest różnica między eklektycznym a nowoczesnym od Empire

Na początku XIX wieku majestatyczny styl empirowy został zastąpiony eklektyzmem.

Eklektyzm i modernizm różnią się od imperium i klasycyzmu tym, że są mieszanką i „cytowaniem” wszystkich poprzednich stylów jednocześnie.

Z reguły eklektyzm łączy sąsiednie, a nie przeciwne kierunki. Elementy wnętrz o różnych stylach muszą mieć ze sobą coś wspólnego - kolor, fakturę, ogólny projekt. Na meblach widać wzory takie jak paski, zygzaki, koła. Orientalne narzuty i dywany, wzorzyste tapety, nisze, zaokrąglone rogi – to wszystko jest typowe dla eklektyzmu.

Ogólnie rzecz biorąc, klasycyzm ma wiele wspólnego, podczas gdy nowoczesność i eklektyzm są ich całkowitym przeciwieństwem.

W epoce klasycyzmu, która nastąpiła po baroku, rola kontrapunktu zmalała (choć rozwój sztuki kontrapunktu nie ustał), a do głosu doszła homofoniczna struktura utworów muzycznych. W muzyce jest mniej ornamentów. Utwory zaczęły skłaniać się ku wyraźniejszej strukturze, zwłaszcza te pisane w formie sonatowej. Modulacje (zmiana tonacji) stały się elementem strukturyzującym; utwory zaczęto odbierać jako pełną dramatyzmu podróż przez sekwencję tonacji, serię odjazdów i przyjazdów do toniki. Modulacje występowały również w muzyce barokowej, nie pełniły jednak funkcji strukturalnej. W utworach epoki klasycznej wiele emocji ujawniało się często w obrębie jednej części utworu, podczas gdy w muzyce baroku jedna partia niosła jedno, wyraźnie zarysowane uczucie. I wreszcie w dzieła klasyczne zwykle osiągano emocjonalny punkt kulminacyjny, który rozwiązywał się pod koniec utworu. W utworach barokowych po osiągnięciu tej kulminacji do ostatniej nuty pojawiało się lekkie wyczucie głównego wzruszenia. Mnogość form barokowych stała się punktem wyjścia do rozwoju formy sonatowej, rozwijając wiele wariantów podstawowych kadencji.

Gatunki Barok

Kompozytorzy baroku pracowali w różnych gatunkach muzycznych. Opera, która pojawiła się w okresie późnego renesansu, stała się jedną z głównych form muzycznych baroku. Przywołać można twórczość takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i innych. Gatunek oratoryjny osiągnął swój szczyt w twórczości JS Bacha i Haendla; opery i oratoria często wykorzystywały podobne formy muzyczne.

Formy muzyki sakralnej, takie jak msza i motet, stały się mniej popularne, ale na formę kantatową zwróciło uwagę wielu kompozytorów protestanckich, w tym Johann Bach. Rozwinęły się takie wirtuozowskie formy kompozytorskie jak toccatas i fugi. Sonaty i suity instrumentalne powstawały zarówno na pojedyncze instrumenty, jak i na orkiestry kameralne. Gatunek koncertu występował w obu postaciach: na jeden instrument z orkiestrą oraz jako Concerto grosso, w którym mała grupa instrumenty solowe kontrastują z pełnym zespołem. Splendoru i splendoru wielu dworom królewskim dodawały także utwory w formie uwertury francuskiej, z kontrastowymi częściami szybkimi i wolnymi.

Utwory klawiszowe były dość często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takimi utworami są dojrzałe kompozycje J. S. Bacha, powszechnie uznawane arcydzieła intelektualne epoki baroku: Dobrze temperowany klawesyn, Wariacje Goldbergowskie i Sztuka fugi.

Muzykę baroku dzieli się na trzy okresy: muzykę wczesnobarokową (1600-1654), muzykę dojrzałego baroku (1654-1707) i muzykę późnego baroku (1707-1760).

Muzyka wczesnego baroku

Warunkowy punkt przejściowy między epokami baroku i renesansu można uznać za stworzenie przez włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego (1567-1643) jego stylu recytatywnego i konsekwentny rozwój włoska opera. Początek przedstawień operowych w Rzymie, a zwłaszcza w Wenecji, oznaczał już uznanie i rozpowszechnienie nowego gatunku w całym kraju. Wszystko to było tylko częścią większego procesu, który obejmował wszystkie sztuki, a szczególnie wyraźnie przejawiał się w architekturze i malarstwie. Kompozytorzy renesansu zwracali uwagę na opracowanie każdej części utworu muzycznego, zwracając niewielką lub żadną uwagę na zestawienie tych części. Osobno każda partia mogła brzmieć znakomicie, ale harmonijny efekt dodania był raczej kwestią przypadku niż regularności. Pojawienie się generała basu wskazywało na istotną zmianę myślenie muzyczne- mianowicie ta harmonia, która jest "dodawaniem części w jedną całość", jest równie ważna jak same w sobie partie melodyczne (polifonia). Myślenie harmoniczne istniało również wśród niektórych kompozytorów poprzedniej epoki, takich jak Carlo Gesualdo, ale w epoce baroku stało się powszechnie akceptowane. Dodać należy, że termin „harmonia” jest tu użyty w znaczeniu „łączenia dźwięków w współbrzmienia i ich regularnego następowania po sobie”, czyli harmonii hierarchicznej, akordowej, tonalnej. Znacząca postać wczesnego baroku, opowiadająca się po stronie katolicyzmu, przeciwstawiająca się narastającym ideologiom, kulturom i wpływ opinii publicznej Protestantem był Giovanni Gabrieli. Jego prace należą do stylu wysokie odrodzenie„(rozkwit renesansu). Jednak niektóre jego innowacje w zakresie instrumentacji (przypisanie określonych zadań do określonego instrumentu) jednoznacznie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na powstanie nowego stylu.

Dojrzała muzyka baroku

Okres centralizacji władzy zwierzchniej w Europie często nazywany jest absolutyzmem. Absolutyzm osiągnął apogeum za panowania francuskiego króla Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Zwiększona dostępność instrumentów muzycznych (zwłaszcza klawiszowych) dała impuls do rozwoju muzyki kameralnej. Dojrzały barok różni się od wczesnego baroku wszechobecnością nowego stylu i zwiększoną separacją form muzycznych, zwłaszcza w operze. W teorii muzyki dojrzały barok definiuje skupienie się kompozytorów na harmonii i próbach stworzenia spójnych systemów. szkolenie muzyczne. W kolejnych latach doprowadziło to do powstania wielu prac teoretycznych.

Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „kompozytora nadwornego”. muzyka instrumentalna". Od samego początku twórczość Lully'ego była ściśle związana z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i komponowaniu „airs de cour” zaczął pisać muzykę baletową. Ale najważniejsze w twórczości Lully'ego wciąż było pisanie oper.

Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli (1653-1713) znany jest ze swojej pracy nad rozwojem gatunku Concerto Grosso. Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie.

Muzyka późnego baroku

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; leży gdzieś między 1680 a 1720 rokiem. Wiele trudności w ustaleniu tego polega na tym, że w różnych krajów style zmienione niezsynchronizowane; innowacje już przyjęte jako reguła w jednym miejscu były świeżymi odkryciami w innym. Włochy, dzięki Arcangelo Corellemu i jego uczniom Francesco Geminiani i Pietro Locatelli, stają się pierwszym krajem, w którym barok przechodzi z okresu dojrzałego do późnego. Za ważny kamień milowy można uznać niemal absolutną dominację tonalności jako strukturyzującej zasady komponowania muzyki. Jest to szczególnie zauważalne w prace teoretyczne Jean Philippe Rameau, który zajął miejsce Lully'ego jako głównego kompozytora francuskiego. Formy odkryte w poprzednim okresie osiągnęły dojrzałość i wielką zmienność; koncert, suita, sonata, Concerto grosso, oratorium, opera i balet nie miały już ostro wyrażonych cech narodowych.

Antonio Vivaldiego (1678-1741) - włoski kompozytor, urodził się w Wenecji. Sława Vivaldiego nie została przyniesiona występy koncertowe lub znajomości na dworze, ale publikacje jego twórczości, w tym sonaty triowe, sonaty skrzypcowe i koncerty. Zostały one opublikowane w Amsterdamie i szeroko rozpowszechnione w całej Europie. Właśnie do tych, dopiero wówczas rozwijających się gatunków instrumentalnych (sonata barokowa i koncert barokowy), Vivaldi wniósł największy wkład.

Jan Sebastian Bach urodził się 21 marca 1685 roku w Eisenach w Niemczech. W swoim życiu skomponował ponad 1000 utworów. różne gatunki oprócz opery. Ale za życia nie osiągnął żadnego znaczącego sukcesu. W ostatnie latażycia i po śmierci Bacha jego sława jako kompozytora zaczęła podupadać: jego styl uznano za staromodny w porównaniu z rozkwitającym klasycyzmem. Był bardziej znany i zapamiętany jako wykonawca, nauczyciel i ojciec Bachs Jr., przede wszystkim Carla Philippa Emmanuela, którego muzyka była bardziej znana.

Dopiero wykonanie Pasji według Mateusza przez Mendelssohna, 79 lat po śmierci J.S. Bacha, ożywiło zainteresowanie jego twórczością. Obecnie J.S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów wszechczasów.



Podobne artykuły