„Dar wglądu historycznego jest jednym z najrzadszych zjawisk na świecie, choć niemal każdy odczuwa nasz tajemniczy, mistyczny związek ze zmarłymi, z zaginionymi. Zagłębiać się w przeszłość, żyć przez jakiś czas w interesie tych zmarłych to wielka przyjemność dla każdego... Jednak wskrzeszanie przeszłości, przedstawianie jej z całą ostrością i pewnością rzeczywistości jest udziałem bardzo nielicznych. To wymaga czegoś więcej niż tylko wiedzy”.
1. Anton Losenko „Władimir i Rogneda”, 1770
Założycielem rosyjskiego historycznego malarstwa rodzajowego jest zwykle Anton Losenko (1737-1773), artysta, który studiował we Francji i we Włoszech, pierwszy emeryt Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu. Płótno „Władimir i Rogneda” po raz pierwszy w ekspresyjny i zwięzły sposób przedstawiło rosyjską starożytność. Dzięki pracom Antona Losenko sceny z starożytna historia Rosji zaczęto uważać w akademii za nie mniej zasadne niż wątki z historii starożytnej i biblijnej.
„Przedstawiłem Władimira w ten sposób: kiedy po zwycięstwie i zdobyciu miasta Połock wkroczył do Rognedy i zobaczył ją po raz pierwszy, dlaczego można nazwać fabułę obrazu - pierwszą randkę Włodzimierza z Rognedą, w której Włodzimierz jest przedstawiony jako zwycięzca, a dumna Rogneda jako więzień.Władimir na Rogneda ożenił się wbrew jej woli, ale kiedy ją poślubił, to musiało być tak, że ją kochał, dlatego przedstawiłem go jako kochanka, który widząc swoją narzeczoną zhańbiony i pozbawiony wszystkiego, musiał ją pieścić i przepraszać, a nie jak inni dochodzą do wniosku, że on sam ją zhańbił, a potem się z nią ożenił, co wydaje mi się bardzo nienaturalne, ale jeśli tak było, to moje zdjęcie przedstawia jak najszybciej jako pierwsza randka.
Antoni Łosenko
2. Grigorij Ugryumow „Wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa do królestwa 14 marca 1613 r.” Nie później niż w 1800 r.
Malarze historyczni często odwoływali się do wydarzeń z historii narodowej, które odegrały znaczącą rolę w rozwoju państwa. Wśród nich jest wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa na tron w Soborze Zemskim na Kremlu, który zapoczątkował nową dynastię. Młody król jest przedstawiony jako młodzieniec podobny do anioła, który postrzega swój wybór jako ciężki ciężar nałożony na niego przez los. Wydaje się, że gestem próbuje odizolować się od woli Bożej, na co duchowny, podnosząc rękę, wskazuje na niego. Młodzieniec nawet nie patrzy na klęczącego, który podaje mu leżące na poduszce berło i czapkę Monomacha. Cała scena jest teatralna. Główni bohaterowie są podniesieni i jasno oświetleni. Ich gesty są celowo ekspresyjne. Ludzie wypełniający katedrę i wyciągający ręce w prośbie o objęcie wysokiej rangi i położenie kresu zamętowi w państwie wyglądają jak statyści, podkreślając i wzmacniając znaczenie głównych bohaterów.
3. Wasilij Sazonow „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo”, 1824 r.
© Foto: ru.wikipedia.org W pierwszych dziesięcioleciach swojego istnienia (koniec XVIII - początek XIX wieku) Akademia Sztuk Pięknych przywiązywała dużą wagę do linii rosyjskiej w malarstwie historycznym.
Program dla akademików, za który Wasilij Kondratiewicz Sazonow otrzymał małe srebrne i złote medale (1811), nosił nazwę „Car Jan Wasiljewicz podaje wodę przyniesioną mu przez żołnierzy w hełmie prostemu wojownikowi, który topnieje z pragnienia, któremu on sam napoje."
Nie mniej patriotycznie brzmiał program „Lojalność wobec Boga i suwerena obywateli rosyjskich, którzy rozstrzelani w Moskwie w 1812 r. Poszli na śmierć z mocnym i szlachetnym duchem, nie zgadzając się na wykonanie rozkazu Napoleona”, za który V. Sazonov otrzymał w 1813 r. duży złoty medal i prawo do wyjazdu emeryta za granicę, przesuniętego na 1818 r. z powodu wydarzeń wojennych w Europie. Podróż V.K. Sazonova zakończyła się sukcesem: przywiózł kopie z Włoch obrazy Caravaggia i Tycjan. Za nich i za swoje oryginalne dzieło „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” malarz otrzymał tytuł akademika w 1830 roku.
4. Nikołaj Ge „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja w Peterhofie”, 1871
© Foto: ru.wikipedia.org "Wszędzie i we wszystkim czułem wpływ i ślad reformy Piotra. Uczucie było tak silne, że mimowolnie zainteresowałem się Piotrem i pod wpływem tej pasji narodził się mój obraz "Piotr I i Carewicza Aleksieja” .
Nikolai Ge „Teraz trudno sobie wyobrazić scenę przesłuchania inaczej niż na płótnie Ge”.… Każdy, kto widział te dwie proste, wcale nie spektakularnie ustawione postacie, pisał Saltykov-Shchedrin, był świadkiem jednego z tych niesamowitych dramatów, które nigdy Artysta ponownie wybiera na obraz moment, w którym wszystko jest już przesądzone w relacji między ojcem a synem.Piotr wpatruje się w żałosną, bezradną postać syna.Spojrzenie spuszczonych oczu Aleksieja zdradza upór i nadzieję na odwrócenie wszystkiego. Krwawoczerwony obrus z wyraźnym wzorem spada na podłogę, na zawsze oddzielając ojca od syna. Osobisty dramat na obrazie Ge jest jednocześnie dramatem historycznym”.
Władimir Sklarenko, historyk sztuki
5. Ilya Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”, 1880–1891
© Foto: ru.wikipedia.org Według legendy list został napisany w 1676 roku przez atamana Iwana Sirko „z całym koszem Zaporoża” w odpowiedzi na ultimatum sułtana Imperium Osmańskie Mehmed (Mahomet) IV. Oryginał listu nie zachował się, ale w latach 70. XIX wieku etnograf-amator z Jekaterynosława Jakowa Nowickiego znalazł kopię wykonaną w XVIII wieku. Podarował go słynnemu historykowi Dmitrijowi Jawornickiemu, który kiedyś czytał go jako ciekawostkę swoim gościom, wśród których był w szczególności Ilja Repin. Artysta zainteresował się fabułą iw 1880 roku rozpoczął pierwszą serię szkiców.
„Pracowałem nad ogólną harmonią obrazu. Co to za praca! Potrzebujesz każdego miejsca, koloru, linii - aby wyrazić razem ogólny nastrój fabułę i byłby spójny oraz charakteryzowałby każdy temat na obrazie. Musiałem wiele poświęcić i wiele zmienić, zarówno pod względem kolorów, jak i osobowości… Czasami po prostu pracuję do upadłego… Jestem bardzo zmęczony”.
Ilja Repin
6. Wasilij Surikow „Rano egzekucja łucznicza", 1881
© Foto: ru.wikipedia.org „Dostojewski powiedział, że nie ma nic bardziej fantastycznego niż rzeczywistość. Potwierdzają to zwłaszcza obrazy Surikowa. Jego egzekucja łuczników wśród zmarszczonego Placu Czerwonego, ze złowieszczą sylwetką św. Bazylego Błogosławionego w tle, z nędznymi świecami migoczącymi w porannej mgle, z procesją kalekich ludzi, brnących pod potężnym spojrzeniem cara Antychrysta, znakomicie oddaje całą nadprzyrodzoną grozę początku tragedii Piotra.
Aleksander benoit artysta, krytyk
7. Wasilij Perow „Nikita Pustosvyat. Spór o wiarę”, 1881
© Foto: ru.wikipedia.org Wasilij Perow wybrał temat religijny schizma XVII wieku, który powstał w wyniku reform kościelnych patriarchy Nikona. Nikita Pustosvyat (prawdziwe nazwisko – Dobrynin Nikita Konstantinovich; przydomek „Pustosvyat” nadali zwolennicy oficjalnego kościoła), suzdalski ksiądz, jeden z ideologów schizmy. Sobór kościelny w latach 1666-1667 potępił go i pozbawił funkcji kapłańskich. W 1682 r. schizmatyka wykorzystała powstanie łuczników w Moskwie i wystąpiła z żądaniem powrotu kościoła do „starej wiary”. Na Kremlu odbyła się „debata o wierze”, której głównym mówcą był Nikita Pustosvyat.
W centrum znajduje się sam Nikita, obok niego mnich Sergiusz z petycją, na podłodze Atanazy, arcybiskup Kholmogory, na którego policzku Nikita „odcisnął krzyż”. W głębinach - przywódca łuczników, książę I. A. Khovansky. W gniewie księżniczka Zofia wstała z tronu, zirytowana zuchwałością schizmatyków. Następnego dnia Nikita i jego zwolennicy zostali ścięci pod zarzutem podżegania ludu.
„Artysta musi być poetą, marzycielem, a przede wszystkim czujnym pracownikiem… Kto chce być artystą, musi stać się kompletnym fanatykiem – człowiekiem, który żyje i żywi się jedną sztuką i tylko sztuką”.
Wasilij Perow
8. Konstantin Makovsky „Uczta weselna bojarów w XVII wieku”, 1883 r
© Foto: ru.wikipedia.org „Konstantin Makovsky pozostanie, jeśli nie artystycznie, to przynajmniej historycznie ciekawy przykład. W nim ... odzwierciedlono wyższą społeczną stronę rosyjskiego życia i gusta wyższych sfer lat 70. i 80. XX wieku.
Zamieszanie rosyjskiej opinii publicznej w ocenie dzieła sztuki najbardziej uderzający był fakt, że K. Makovsky długi czas był generalnie ulubieńcem.
Szczególnie ciekawy jest szczery i hałaśliwy entuzjazm dla niego w naszej postępowej prasie, która ogłosiła Ucztę bojarów i wybór panny młodej jako pierwszorzędne przykłady najnowszego malarstwa.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
© Foto: ru.wikipedia.org „Pewnego wieczoru w Moskwie, w 1881 roku, słuchałem Nowa rzecz Rimskiego-Korsakowa „Zemsta”. Zrobiła na mnie niezatarte wrażenie. Te dźwięki mnie zawładnęły i zastanawiałem się, czy da się w obrazie oddać nastrój, który powstał we mnie pod wpływem tej muzyki. Przypomniałem sobie cara Iwana”.
„Napisałem - salwami, cierpiałem, martwiłem się, raz po raz poprawiałem to, co już było napisane, ukrywałem to z bolesnym rozczarowaniem moimi umiejętnościami, ponownie wydobywałem i ponownie przechodziłem do ataku. Bałem się przez kilka minut. Odwróciłem się od to zdjęcie, ukryłem je. Zrobiła to samo wrażenie. Ale coś mnie skłoniło do tego zdjęcia i znów nad nim pracowałem. ”
Ilja Repin
10. Wasilij Surikow „Bojar Morozowa”, 1887
© Foto: ru.wikipedia.org „Surikow stworzył teraz taki obraz, który moim zdaniem jest pierwszym ze wszystkich naszych obrazów przedstawiających wątki rosyjskiej historii. Ponad tym obrazem jest nasza sztuka, która podejmuje się zadania przedstawiającej dawną rosyjską historię, jeszcze nie zniknął”.
Władimir Stasow, krytyk
„… Techniczna strona obrazów Surikowa jest nie tylko zadowalająca, ale wręcz piękna, ponieważ w pełni oddaje intencje autora, a to w zasadzie wszystkie… wady, a raczej zalety, a nie wady. To znowu wydaje się jego związek z geniuszem Dzięki brakowi głębi perspektywy w Morozowej Surikow potrafił podkreślić typową i w tym przypadku symboliczną ciasnotę moskiewskich ulic, nieco prowincjonalny charakter całej sceny, która tak monstrualnie kontrastuje z entuzjastycznym wrzaskiem główny bohater. Ten obraz został nazwany, z myślą o potępieniu go tym, dywanem, ale tak naprawdę to dzieło, niesamowite w harmonii kolorowych i jasnych kolorów, zasługuje na miano pięknego dywanu przez sam ton, już przez bardzo barwną muzykę, która zabierze Cię do starożytnej, wciąż oryginalnej i pięknej Rusi”.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
11. Wasilij Vereshchagin „Napoleon na wzgórzach Borodino”, 1897
© Foto: ru.wikipedia.org „Przed Vereshchaginem wszystko obrazy bitewne, które można było zobaczyć tylko w naszych pałacach, na wystawach, w istocie przedstawiały szykowne parady i manewry ... Sama przyroda, która otaczała te sceny, została wyczesana i wygładzona w taki sposób, że w rzeczywistości nie mogło to być nawet na najcichszym i najbardziej spokojne dni , a jednocześnie wszystkie takie obrazy i obrazy były zawsze wykonywane w ten słodki sposób, który został nam przywieziony za czasów Mikołaja Pierwszego ...
Wszyscy byli tak przyzwyczajeni do przedstawiania wojny wyłącznie w formie zabawnego, wygładzonego i różowego święta, jakiejś zabawy z przygodami, że nikomu nie przyszło do głowy, że w rzeczywistości tak to nie wygląda. Tołstoj w swoim „Sewastopolu” oraz w „Wojnie i pokoju” obalił te iluzje, a następnie Vereshchagin powtórzył w malarstwie to, co Tołstoj zrobił w literaturze. Kiedy ... rosyjska publiczność zobaczyła obrazy Vereshchagina, który nagle tak prosto, cynicznie zdemaskował wojnę i pokazał ją jako brudną, obrzydliwą, ponurą i kolosalną nikczemność, publiczność krzyknęła na wszystkie sposoby i zaczęła nienawidzić i kochać takie śmiałek z całą mocą.
© Foto: ru.wikipedia.org "Goście o północy płyną. jasny pasek rozciąga się łagodnie opadające wybrzeże Zatoki Fińskiej. Woda wydawała się nasycona błękitem czystego wiosennego nieba; wiatr faluje wzdłuż niej, odpędzając matowe fioletowe paski i koła. Stado mew wylądowało na falach, kołysało się na nich beztrosko i dopiero pod samym kilem dziobowej łodzi błysnęło skrzydłami - coś nieznanego, niespotykanego, obudziło ich spokojne życie. Nowy potok toruje sobie drogę przez stojące wody, wpada w wielowiekowe słowiańskie życie, przepływa przez lasy i bagna, toczy się po szerokim polu, budzi słowiańskie klany – zobaczą rzadkich, nieznanych gości, zachwycą się ich stricte militarnymi , według ich zagranicznego zwyczaju. Wieże idą długim rzędem! Jasne zabarwienie pali się na słońcu. Boki dziobowe słyną z zawijania, zakończone wysokim, smukłym nosem.
Mikołaj Roerich
14. Valentin Serov „Piotr I”, 1907
© Zdjęcie: www.wikipaintings.org Obraz został zamówiony przez wydawcę i księgarza Iosifa Nikołajewicza Knebla do reprodukcji w serii „ szkolne zdjęcia» o historii Rosji.
„Przerażająco, konwulsyjnie, jak automat, Piotr chodzi… Wygląda jak Bóstwo Skały, prawie jak śmierć; wiatr szumi mu w skroniach i wciska się w pierś, w oczy. Doświadczone, zahartowane „pisklęta” z który umył i ostatni najazd pańskiego sybarytyzmu, którego zamienił w batmanów i posłańców. Patrząc na to dzieło, czujesz, że… potężny, straszny bóg, zbawiciel i karzący, geniusz o tak gigantycznej mocy wewnętrzna siłaże cały świat, a nawet żywioły muszą być mu posłuszne.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
15. Wasilij Efanow " Niezapomniane spotkanie. Liderzy Partii i Rządu na Prezydium Ogólnozwiązkowej Konferencji Żon Dyrektorów Biznesowych i Pracowników Inżynierii i Techniki Przemysłu Ciężkiego na Kremlu, 1936-1937
© Foto: www.school.edu.ru Pomysł zdjęcia podsunął Efanowowi ludowy komisarz przemysłu ciężkiego Grigorij Ordżonikidze, który jest przedstawiony na zdjęciu wśród innych przywódców. W tej pracy Efanov po raz pierwszy łączy popularne w socrealizm elementy portret grupowy oraz obraz historyczny, komponujący kompozycję jako teatralne zwieńczenie sceny z charakterystycznymi „zainscenizowanymi” detalami – rytmem oklaskujących dłoni, kwiatem, który spadł na papiery prezesa, niestabilnym przechylonym krzesłem.
Nazwa: Dzieje malarstwa rosyjskiego - XVIII wiek.
Szybki rozwój Rosji w epoce Piotrowej częściowo wiąże ją z zachodnią Europą renesansu. Sztuka portretowania zaczęła się szybko rozwijać; do połowy wieku, dzięki ogólnemu rozwojowi kultury, rosyjska sztuka plastyczna stała się profesjonalna. Po Piotrze popularnym tematem malarstwa stały się martwe natury i desudeportes. Klasycyzm stał się symbolem panowania Katarzyny w sztuce. Rozwój malarstwo historii a sztuka portretowania przestaje być elitarna. Pod koniec wieku następuje wyłonienie się gatunku codzienności i wydzielenie krajobrazu na odrębny kierunek.
Nazwa: Dzieje malarstwa rosyjskiego - pierwsza połowa XIX wieku.
Nazwa: Dzieje malarstwa rosyjskiego - pierwsza połowa XIX wieku.
Dla sztuk pięknych pierwsze dekady XIX wieku to początek złotego wieku. To było w tym czasie rosyjscy artyści osiągnęli najwyższy poziom umiejętności, który pozwolił im stanąć na równi z najlepszymi mistrzami sztuki europejskiej. Prace zebrane w tym tomie odzwierciedlają powstanie klasycyzmu, rozprzestrzenianie się romantyzmu i narodziny realizmu we wszystkich aspektach malarstwa rosyjskiego.
Pobierz i przeczytaj Historia malarstwa rosyjskiego - Pierwsza połowa XIX wieku - Mayorova N., Skokov G.
Nazwa: Dzieje malarstwa rosyjskiego - przełom XIX i XX wieku.
Układ sił poszedł w zapomnienie życie artystyczne Rosja drugiej połowy XIX wieku: z jednej strony sztuka rutynowa Akademii Sztuk Pięknych, z drugiej Wędrowcy.
Pod koniec XIX wieku młodzi artyści zaczęli szukać własnych dróg w malarstwie. W tym samym czasie powstał krąg Abramcewa, który przedstawił nowe zadania, które nie były wpisane w program Partnerstwa. A potem - w latach 1900 - po raz pierwszy w rosyjskim życiu artystycznym powstało mnóstwo różnych stowarzyszeń: wszystkie wyszły ze swoimi programami, manifestami, platformami.
HISTORIA SZTUKI ROSYJSKIEJ
OBRAZ
Historia malarstwa rosyjskiego jest ostro podzielona na dwa główne okresy. W pierwszym okresie, który trwał do XVIII wieku, malarstwo rosyjskie zawsze zachowywało ściśle religijny charakter i koncentrowało się prawie wyłącznie na malarstwie ikon, które wyróżnia się skrajnym niedorozwojem artystycznym. W drugim okresie malarstwo rosyjskie traci swój wyłącznie religijny charakter, staje się świeckie, stopniowo posuwa się naprzód w swoim rozwoju i asymiluje niemal ten stopień doskonałości, jaki osiągnęło malarstwo zachodnioeuropejskie pod koniec XIX wieku.
Historia starożytnego malarstwa rosyjskiego rozpoczyna się wraz z erą przyjęcia chrześcijaństwa przez Rosję, od końca X wieku, kiedy to z Bizancjum przeniesiono do nas pierwsze próbki malarstwa. Charakter bizantyjski był głównie niesiony przez sztukę na Rusi od XI do XV wieku. Malarze ikon, mistrzowie spraw muzycznych, byli początkowo imigrantami z Grecji, spokrewnionymi z nami Grekami i Słowianami oraz kilkoma studentami z Rosji. W XI wieku spotykamy imię pierwszego rosyjskiego malarza ikon - mnicha Alympiusa z jaskiń, który studiował u greckich mistrzów. Ale próbki przywiezione przez mistrzów z Bizancjum nie były ani liczne, ani nie miały dużej wartości artystycznej, ponieważ sama sztuka bizantyjska zaczęła zauważalnie podupadać od XI wieku. Po odtworzeniu próbki te w Rusi nadal podlegały uszkodzeniom i zniekształceniom. Niewielka ludność Rusi, rozrzucona na rozległych przestrzeniach oddzielonych lasami i bagnami, powoli dostrzegająca początki oświecenia politycznego i religijnego, odznaczała się skrajną biedą i powolnym rozwojem estetycznym. najlepsi ludzie byli zajęci ciężką pracą tworzenia życie publiczne wśród rozproszonych mas, nawracając je na chrześcijaństwo i, naturalnie, mógł poświęcać niewiele czasu umysłowemu wypoczynkowi i sztuce, gdy życie wymagało cięższej i ważniejszej pracy.
W rezultacie, przy przewadze zainteresowań religijnych, mogła pojawić się wyłącznie sztuka religijna, przywieziona z Bizancjum sztuka kościelna mógł rozprzestrzeniać się tylko geograficznie, bez ulepszania i nie zawsze pozostając na poziomie doskonałości obrazów.
Czas kwitnienia sztuka bizantyjska na Rusi przypadł na XI i XII wiek. Jego pomnikami są freski i mozaiki w Kijowie. Potem sztuka ta upada, gdy stosunki z Bizancjum stają się trudne i rozpoczyna się era pogromów tatarskich.
Sztuka cerkiewna po ruinach Kijowa znajduje schronienie we Włodzimierzu, Suzdalu, Rostowie, Pskowie i Nowogrodzie. Mniej dotknięty najazdami Nowogród staje się obecnie ośrodkiem artystycznym na Rusi, w którym nie tylko zachowane są podstawy stylu bizantyjskiego, ale także podejmuje się próby kultywowania w pewnym stopniu niezależnej sztuki kościelnej. Stosunki z Niemcami, ożywiające życie społeczne, dają tu ruch na polu umysłowym, rzemieślniczym i artystycznym. Ale zachodnie wpływy, niewątpliwie odzwierciedlona w sztuce nowogrodzkiej, nie mogła zagłuszyć głównej sztuki bizantyjskiej, gdyż nie była systematyczna i stała, a wyroby przywozili do Nowogrodu artyści przyjezdni z miejsc, które nie miały rozwiniętego życia artystycznego.
Centra sztuki w Kijowie, Rostowie, Suzdalu, Włodzimierzu, z ich krótkotrwałością rola historyczna, nie miał czasu na opracowanie czegoś niezależnego. Nowogród i Psków utraciły niepodległość w połowie XVI wieku, dokładnie wtedy, gdy na podstawie tradycji bizantyjskich wydawało się możliwe rozpoczęcie rozwoju własnej, niezależnej sztuki. Aż do XVI wieku Moskwa, zajęta pracą polityczną, nie miała na to ani czasu, ani środków rozwój artystyczny: najlepsze obrazy w XV i XVI wieku wykonane w nim przez malarzy ikon z Pskowa i Nowogrodu. Dlatego Moskwa w XVI wieku musiała nie kontynuować, ale prawie zacząć działalność artystyczna na Rusi, a sztuka w XVI wieku w Moskwie nie była lepsza od tego, co znajdujemy w mozaikach i freskach z Kijowa, Włodzimierza i Nowogrodu.
Jednak dopiero w XVI wieku, w związku z ekspansją potrzeb, liczba mistrzów znacznie wzrosła, a malowanie ikon od Greków i ich bezpośrednich uczniów, mnichów i duchownych, przeszło w ręce osób świeckich, wieśniaków i mieszczan, i stał się rzemiosłem. Aby uchronić sztukę cerkiewną przed zniszczeniem, Stoglav oddał malowanie ikon pod bezpośredni nadzór i nadzór władz kościelnych, a ponieważ sztuka nie rozwijała się ani na Rusi, ani w Bizancjum, ani na Athosie, zalecił zamiast niezależna praca, kopiując najlepsze próbki starożytnej Grecji. Tak więc w XVI wieku, kiedy sztuka uzyskała samodzielne prawa w Europie Zachodniej i w dziełach Rafaela, Albrechta Dürera, Holbeina, Michała Anioła i innych mistrzów, w oparciu o dogłębne studia nad antykami i naturą, osiągnęła wysoki stopień rozwój, - sztuka na Rusi została usunięta z natury na mocy przepisu kopiowania. Zakaz samodzielności, poddanie się monastycznemu zwierzchnictwu – sztuka została pozbawiona wolności i nabrała charakteru czysto kościelnego, bez domieszki elementów świeckich.
Rosyjskie malarstwo ikonowe zyskało (w odniesieniu do religii) na nienaruszalnym zachowaniu tradycji chrześcijańskich, ale wiele straciło w stosunku do sztuki. Artysta stał się kopistą-rzemieślnikiem. Im bardziej ikonografia stawała się częścią potrzeb narodu rosyjskiego, im bardziej stawała się narodowa, im bardziej zmniejszano rozmiar ikon, tym bardziej zbliżali się do miniatury. Kolosalne freski i mozaiki w majestatycznym stylu bizantyjskim zostały teraz zastąpione misternie malowanymi ikonami niewielkich rozmiarów z dziesiątkami i setkami małych figurek. Takie zmniejszenie rozmiarów było konieczną konsekwencją rozprzestrzeniania się chrześcijaństwa w odległych rejonach Rusi. Małe drewniane cerkwie, komnaty i kaplice zamożnych domów, gdzie lubili montować cały ikonostas kościelny na jednej małej ścianie, potrzebowały małych ikon. A same próbki, z których kopiowali rosyjscy malarze ikon, nie mogły być duże, ponieważ zostały przeniesione najpierw z Grecji, a następnie z centrów starożytnego rosyjskiego życia na odległe obrzeża.
Wszystko to wymusiło zmniejszenie rozmiarów i przyzwyczajenie oka do miniaturowego pisma, które zdominowało rosyjskie malarstwo ikonowe XVI i XVII wieku. Ta miniaturowa litera, która ukrywała wady rysunku, grupowania i ekspresji, była wygodna dla rosyjskiego malarstwa ikonowego, które było ograniczone środkami artystycznymi i bardzo dobrze nadawała się do wizualnego wyrażania idei religijnych i nauk teologicznych. Takie wielopłaszczyznowe ikony, jak „Wierzę”, wyjaśniające modlitwę w twarzach, zastąpiły listy dla analfabetów, nauczały jak książka i w pełni odpowiadały religijnemu kierunkowi potrzeb narodu rosyjskiego, który przy braku prawie wszystkich rozwój estetyczny szukali w ikonie nie artystycznej przyjemności, ale religijnego zbudowania, pożytku dla duszy.
Do XV wieku na Rusi istniała tylko jedna szkoła – grecka lub korsuńska. Wspierali ją odwiedzający greccy mistrzowie, którzy malowali ikony, jednak technicznie niewiele lepsi niż ich rosyjscy uczniowie. Rosyjskie miniatury z XV wieku niewiele różnią się od późnych greckich, ale czasami świadczą o pewnej znajomości Styl romański, co wskazuje na wpływy Zachodu. Wpływ ten przedostał się przez Nowogród i Litwę i nasilił się od XV wieku. Od czasu upadku Konstantynopola i rozpowszechnienia się na Rusi zachodnich druków z rycinami i politypami w XVI wieku korsuńska szkoła malarstwa ikon zaczęła się zmieniać. W Nowogrodzie i Pskowie pod wpływem Zachodu powstaje szkoła nieco odmienna od konserwatywnej szkoły św. Sergiusza z Radoneża, z którego wywodził się słynny malarz ikon Andriej Rublow. W XVI wieku z Ustiugu wywodziła się szkoła Stroganowa, w której kwitło malarstwo miniaturowe, odznaczające się największym kunsztem.
Moskwa mogła tworzyć własne szkoły malowania ikon dopiero w XVII wieku. Jako centrum ziemi rosyjskiej rekrutowała do swojej szkoły królewskiej rzemieślników z różnych miast i klasztorów. Wszystkie te szkoły, z całkowitym powściągliwością osobistej samowolki, były zdecydowane nie osobisty charakter mistrzów i przez przypadek - mniej więcej duży rozmiar ikony, ich mniej lub bardziej staranne wykończenie itp.
Ikona była przeznaczona do modlitwy i podobnie jak modlitwa nie powinna być zmieniana przez osobistą dowolność. Dlatego rosyjskie szkoły malowania ikon różniły się nie kierunkiem, ale technikami rękodzieła znanymi malarzom ikon pod nazwą „poshibov”. Różne style nie naruszają jednolitości ogólnego stylu bizantyjskiego. Fantazja rosyjskiego malarza ikon, który nie znał ani opowiadań, ani powieści, ani dramatów duchowych, ograniczona Prologiem i świętym kalendarzem, - która miała tak potężny wpływ na twórczość Zachodni artysta, - utrzymywany przez wieki w pewnym kręgu monotonnie powtarzających się ikonograficznych wątków biblijnych i żywotów świętych. Nasi ikonopisarze z nabożnym lękiem nie odważyli się zmienić pozostawionych przez starożytność wizerunków i ściśle trzymali się tego, co wskazują „oryginały”, gdzie zostały zebrane, w starannie przemyślanym systemie, wszystkie niezbędne dla malarza ikon informacje, zarówno techniczne, i teologiczne.
Dążąc wyłącznie do wyrażania idei religijnych, wyrzekając się rzeczywistości, rosyjski malarz ikon nie uważał za konieczne uciekania się do studiowania natury. Wychowany w kierunku ascetycznym, unika nagości, wszystkiego zbyt delikatnego, odprężającego. Nie studiowanie natury, brak znajomości świat starożytny, rosyjski malarz ikon nie korzystał z pomocy rzeźby, która bardzo pomogła malarstwu zachodniemu, a która w Polsce nie istniała starożytna Ruś. A te elementy plastyczne, które weszły do naszej ikonografii według legendy sztuki bizantyjskiej, takie jak umieszczanie postaci na monochromatycznym tle, jak płaskorzeźby, spiętrzanie obrazów z różnych czasów na jednej płaszczyźnie, przyczyniły się, przy niedorozwoju sztuki rosyjskiej, tylko do zakorzenienie złego smaku i błędów. . W rezultacie rosyjskie malarstwo ikonowe wyróżniało się nieprawidłowym rysunkiem, niewłaściwą perspektywą, brakiem koloru i światłocieniem.
Ta nierozwinięta, artystycznie prymitywna sztuka ma jednak swoją cenę i bardzo ważne w dziedzinie religii. W dziełach rosyjskiego malarstwa ikonowego widzimy, jak słaby, niedoświadczony w środki techniczne sztuka odważnie dąży do osiągania wzniosłych celów, do wyrażania bogactwa idei.
Przy całej niezdarności wielu postaci, z oczywistymi błędami przeciw naturze, obrazy tchną autentyczną szlachetnością charakteru, którą opowiedział im malarz ikon, przepojony świadomością świętości przedstawionych przez siebie osób. Ci święci są artystycznymi ideałami, w których nard rosyjski wyrażał swoje koncepcje godności człowieka i do których, wraz z modlitwą, zwracał się jako wzór i przewodnik swojego życia. Postacie męskie są bardziej zróżnicowane i lepiej rozwinięte niż postacie kobiece, które są mniej powszechne i monotonne. Spośród postaci męskich najlepsze są twarze surowe, starcze lub dojrzałe, postacie w pełni rozwinięte, twarze z brodą, o ostrych rysach. Mniej udane postacie to młodzieńcze i dziecięce.
Dzięki odwiecznemu przywództwu kościelnemu rosyjskie malowanie ikon w sposób święty zachowało starożytne tradycje chrześcijańskie, wierność typów malowania ikon i chęć idealnego odtworzenia fabuły, bez zaciemniania ich przez wprowadzanie niepotrzebnych drobiazgów z rzeczywistości. Surowe twarze bezinteresownych ascetów, brak jakiejkolwiek czułości i pokusy kobiecego piękna w pełni odpowiadają i przyczyniają się do pełnego szacunku nastroju czciciela. To jest oryginalność i oryginalność malarstwa rosyjskiego.
Ale wierność typów, przejrzystość tradycyjnych tematów i pobożna ekspresja mogą być w pełni osiągnięte tylko wtedy, gdy artysta ma główny środek do wyrażenia tego - wiedzę o naturze. Rosyjscy malarze ikon jej nie znali i to była słaba strona rosyjskiego malarstwa ikon.
W połowie XVII wieku samo rosyjskie malarstwo ikonowe zrealizowało swój cel słaba strona i znalazł zdecydowaną chęć poprawy. Car Aleksiej Michajłowicz nie zadowalał się rosyjskimi malarzami ikon, ale do dekoracji swoich pałacowych komnat powołał mistrzów z Zachodu, wychowanych na zupełnie innych zasadach artystycznych, którzy umieli malować pejzaże, perspektywy i portrety z życia w sposób zupełnie odmienny od ikonicznego. malarstwo – styl malarski. Najlepszy Reprezentant Rosyjski obraz ikonowy XVII wieku królewski malarz ikon Szymon Uszakow starał się przenieść tę technikę i koloryt życia, udoskonaloną na Zachodzie, do malarstwa ikon, aby połączyć je z tradycją bizantyjską.
Ten nowy styl malowania ikon jest znany jako Fryazhsky. Przeszły do niego szkoły Stroganowa i Carskaja. Rosyjscy mistrzowie chciwie rzucili się na zagraniczne ryciny, zaczęli je przerabiać po swojemu, najwyraźniej zaczęli doskonalić technikę i smak: kolor stał się bogatszy, bardziej kolorowy, pędzel - śmielszy. Ze szkoły Uszakowa, który oprócz ikon zaprojektował i tematy mitologiczne, pojawili się zręczni rytownicy, którzy w licznych egzemplarzach zaczęli szerzyć wśród Rosjan nowy, bardziej elegancki styl. Tak więc, wraz z malarstwem duchowym - malowaniem ikon, stało się malarstwo świeckie, które zaczęło nabierać bardziej eleganckiego smaku przywiezionego z Zachodu, wychowanego przez studiowanie przyrody i antyków.
Od tego czasu od koniec XVII wieku rozpoczyna się drugi okres historii malarstwa rosyjskiego, którego zainteresowanie koncentruje się głównie na kształtowaniu się i stopniowym rozwoju sztuki rosyjskiej. życie świeckie. Pierwsze solidne podstawy dla wpojenia tego świeckiego malarstwa położył Piotr, który stanowczo postawił sobie za cel przyswojenie sztuka zachodnia przez samych Rosjan poprzez podróże zagraniczne i przez ich szkołę.
Ale ani utalentowani Rosjanie, którzy studiowali we Włoszech i Holandii, bracia Nikitin, Zacharow, Matwiejew, ani zagraniczni artyści nie zostali zwolnieni, ani klasa rysunku i rytownictwa otwarta w Akademii Nauk pod Katarzyną I, zgodnie z projektem Piotra, mogła przynieść dobre owoce, gdyż nie była przygotowana gleba pod rozwój nowej, świeckiej sztuki. Społeczeństwo, które nie miało rozwoju estetycznego, nie rozumiało potrzeb artystycznych, było obce implantowanym sztuka europejska i ograniczył swoje zapotrzebowanie do bardziej znanego portretu i miniatury. Bardziej przydatni byli rytownicy wykształceni ze skromnych funduszy Akademii Nauk, którzy licznymi kopiami słynnych obrazów wprowadzali społeczeństwo w dzieła dobrego smaku, przyczyniając się do rozbudzenia zainteresowania sztuką świecką.
Za panowania Elżbiety żądza luksusu i wygody, podsycana niezwykłym przepychem dworu, rozwinęła się w klasach wyższych i zrodziła nowe potrzeby estetyczne.
Podążając za modą przywiezioną z Zachodu, szlachta zaczęła, obok portretów, zamawiać do swoich komnat plafony i obrazy z mitologii klasycznej. Kompozycje w stylu francuskim stały się ulubionym i niezbędnym dodatkiem każdej uroczystości. Ze względu na brak Rosjan, a czasem z powodu upodobania do wszystkiego, co obce, wszystko to wykonywali zarejestrowani cudzoziemcy. Spośród nich tylko Giuseppe Valeriani po 14 latach działalności pozostawił kilku utalentowanych rosyjskich studentów, którzy awansowali za panowania Katarzyny II. Reszta pozostała kolonią, sztucznie sąsiadującą z dworem i arystokracją, i niewiele zrobiła dla ugruntowania zachodniej sztuki w Rosji.
Decydujący krok w kierunku wzmocnienia tej sztuki został podjęty w 1757 r., Kiedy według projektu I. Szuwałowa wyodrębniono niezależne „trzy najszlachetniejsze sztuki„Akademii Sztuki, gdzie zostali zaproszeni przez ówczesnego ustawodawcę w dziedzinie sztuki, Francji, znany artysta, niektórzy członkowie Akademii Paryskiej, którzy położyli podwaliny pod właściwe nauczanie sztuki.
Dobrze umieszczona pod przywództwem Kokorinowa i Łosenko Akademia Katarzyny II otrzymała bardziej solidne urządzenie. Zgodnie z projektem Betsky założyła zamkniętą szkołę oświatową, której celem było przygotowanie artystycznie rozwiniętych uczniów do Akademii od wczesnego dzieciństwa. W tym samym celu wpajania gustów artystom Akademia przyjęła zwyczaj wysyłania najlepszych studentów za granicę na doskonalenie. Jest oczywiste, że ta Akademia, która miała pieczołowicie zaszczepić i chronić sztukę w Rosji, stworzona na wzór francuski, powołana do życia nie potrzebami społeczeństwa, ale pragnieniem władzy państwowej, żyła przez długi czas imitacją i nie miały narodowej ziemi. Tworzeni przez nią artyści przez długi czas pracowali na zlecenie dworu i szlachty. Głównymi rodzajami malarstwa w tej epoce były historyczne i warunkowe heroiczne malarstwo pejzażowe w stylu Poussinsa i Claude'a Lorraina. Ale wśród bezbarwnych imitacji wzorów francuskich już pod koniec XVIII i na początku XIX wieku można dostrzec pewne cechy rosyjskiej szkoły malarstwa.
W historycznych obrazach Kozłowa, Sokołowa, Akimowa i Ugryumowa mocno zachowany jest prawidłowy rysunek odziedziczony po Losenko. W krajobrazach Siemiona Szczedrina, Aleksiejewa, Martynowa, Matwiejewa pierwszy słabe próby przenieść na obraz otaczającą Rosję rzeczywistość, ale w kolorystyce zwykłej umowności. Dotykowe dążenie do prawdziwości znajduje się w najlepsi portreciści w tym samym czasie - Levitsky, Rokotov, Antropov, Borowikowski i Kiprensky.
Do połowy XIX wieku główny nurt malarstwa rosyjskiego wciąż wywodził się ze źródeł zachodnioeuropejskich. Tak jak poprzednio, próbowali naśladować albo Francuzów, albo Włochów, a przede wszystkim Bolończyków. Tak pojawili się rosyjscy Poussins, Caracci, Rafaeli, Guido-Reni. Obrazy Jegorowa, Szebujewa, Andrieja Iwanowa, wyróżniające się klasycznie surowym rysunkiem, antycznymi formami, głębokim namysłem, dostojną kompozycją, a nawet mistrzowskim wykonaniem, pokazały, że artyści ci otrzymali dobre wykształcenie formalne i opanowali dominujący styl. Ale te same obrazy pokazywały chłód, naciąganie, brak świeżości kreatywności i niezależności. Przyczyną tych ostatnich braków był zarówno dominujący styl, jak i organizacja kształcenia akademickiego nastawiona na formalny rozwój i naśladownictwo. Do tego dochodziła szczególna pozycja sztuki w społeczeństwie rosyjskim.
Za Aleksandra I i na początku panowania Mikołaja I tylko dwór i arystokracja wspierali i patronowali malarstwu rosyjskiemu. To wsparcie i mecenat zmuszały malarzy do dostosowywania się do gustów mecenasów. Zdobione portrety, zimne obrazy do kościołów, obrazy historyczne, alegoryczne plafony, panegiryki batalistyczne - tym zajmowali się rosyjscy artyści, pracowicie tworząc swoje zimne, oficjalne i bez własnego wyglądu, eklektyczne obrazy z warunkowym suchym wzorem. Pierwsze próby dokonania wyłomu w tej suchej sztuce, ożywienia rysunku poprzez odwzorowywanie żywej natury bez wyuczonych technik – te pierwsze kroki ku samodzielności – podejmowali Varnek, Basin, Bruni.
Ale tylko utalentowanemu Karlowi Bryullovowi udało się zrobić wyłom i wdychać życie. Swoim kolosalnym, szeroko malowanym, efektownym obrazem „Ostatni dzień Pompejów” natychmiast przełamał monotonną, nudną monotonię, zimny spokój klasycyzmu, wprowadził poczucie koloru i wezwał do prób samodzielnej twórczości. Bryullov wprowadził zainteresowanie sztuką do społeczeństwa, witalność i romantyzm do sztuki. Jego akwarele, a zwłaszcza portrety, były prekursorami realizmu. Realizm utorował też drogę głębokiemu, poważnemu A. Iwanowowi, który dał bardzo swojego życia, aby stworzyć „Pojawienie się Chrystusa ludowi” w celu ucieleśnienia wydarzenia z możliwą rzeczywistością, oraz Sylwester Szczedrin, który w swoich pejzażach porzucił konwencje Poussina, oraz energiczny wyznawca Szczedrina – Lebiediew.
W sekundę kwartał XIX wieku znacznie wzrosła liczba artystów, wyraźnie wzrosło zainteresowanie malarstwem iz wąskiej sfery, dworskiej i arystokratycznej, zaczęło szerzej rozprzestrzeniać się w społeczeństwie. Wystawy sztuki zaczął przyciągać jeszcze goście. W społeczeństwie zaczęli pojawiać się amatorzy, którzy chętnie kupowali obrazy rodzimych artystów, a nawet robili z nich galerie. Potrzeba edukacji artystycznej rozwinęła się tak bardzo, że samo społeczeństwo zaczęło pomagać Akademii. Na prowincji powstało wiele prywatnych szkół rysunku i malarstwa; zajęcia ze sztuki, w Petersburgu - stowarzyszenie wspierania artystów, które zrobiło wiele dla wspierania sztuki i szerzenia edukacji i sztuki. Krąg amatorów, który założył klasę plastyczną w 1833 r., wkrótce rozszerzył się na Towarzystwo Miłośników Sztuki, w ramach którego w 1843 r. klasa plastyczna przekształciła się w szkołę malarstwa i rzeźby (później architekturę), która wydała wielu utalentowanych artystów. Cesarz Mikołaj I aktywnie wspierał i patronował malarstwu rosyjskiemu. W 1825 roku w Ermitażu, otwartym między innymi szkołami, pojawił się wydział malarstwa rosyjskiego, choć nie bogaty w liczbę obrazów, ale Mikołaj I nabył do swojego pałacu wiele obrazów artystów rosyjskich. Wszystko to przyspieszyło pojawienie się rosyjskiej sztuki narodowej.
Przez długi czas pod głównym nurtem sztuki oficjalnej płynął żywy, stopniowo rozszerzający się nurt realizmu i narodowości. Powstanie ducha narodowego, rozwój samoświadomości, zapoczątkowany za czasów Aleksandra I, dojrzałość sztuki, wyzwolenie się z naśladownictwa, w którym zawsze mija pierwszy okres istnienia każdej sztuki, przejawiały się w fakt, że malarze zaczęli podejmować próby zobrazowania ich najbliższej rzeczywistości, aby zbliżyć się do ludzi. Główny prekursor narodowości i realizmu, po Orłowskim, który czynił pierwsze energiczne, ale płytkie próby w tym kierunku, nie był byłym członkiem Akademii Weneckiej, który na początku XIX wieku odważnie zwrócił się w stronę niskiego rodzaju ówczesnego malarstwa – do gatunku, obrazu życie chłopskie. Nie mając na celu wyrażania głębokich myśli, Venetsianov szukał piękna w otaczającą rzeczywistość i był zadowolony z prostego renderowania natury. To sumienne przekazywanie natury było konieczne i miało ogromne znaczenie, ponieważ wykształciło umiejętność widzenia i rozumienia rzeczywistości taką, jaka jest, bez upiększeń, a tym samym utorowało drogę do narodowego kierunku.
Wenecjanow miał wielu uczniów, ale niewielu poszło w jego ślady. Ci ostatni, nie wyróżniający się silnym talentem, nie mogli się ruszyć Malarstwo rodzajowe do przodu, zwłaszcza w czasie, gdy grzmiał K. Bryullov. Historyczni malarze okresu Bryulłowa - Basin, Szamszyn, Nef, Moller, Flawicki - zajmowali się zimnymi, efektownymi, melodramatycznymi, mistrzowskimi obrazami. Sauerweid, Kotzebue, Villewald malowali panegiryczne obrazy bitewne. Ale wraz z upiększonymi portretami na wystawach od końca lat trzydziestych XIX wieku zaczęły pojawiać się prawdziwe portrety Bryulłowa, Tyranowa, Zaryanko; wraz z widokami Konstantynopola i zdjęciami z życia Włochów - zdjęciami z życia Rosjan. Gatunki Sternberga, Czernyszewa, Sokołowa, mające na celu afiszowanie się ze zwycięstwem nad trudnościami technicznymi, wykazały zrozumienie rosyjskiego życia. Po utalentowanych i humorystycznych obrazach gatunkowych Fiedotowa, w latach 60. gatunek ten zwrócił na siebie uwagę: Timm, Andr. Popow, Trutowski działają z obrazami z przemyślanej rosyjskiej rzeczywistości.To nowy kierunek dalszy rozwój przeszedł obok Akademii, która trzymała się z dala od tego ruchu. Utrwalił pogląd, że związek między sztuką a życiem to bluźnierstwo, że rysunek, technika, odwieczne uniwersalne ideały to jedyne zadanie artysty.
Wraz z wstąpieniem na tron Aleksandra II szeroko rozwinął się wyłaniający się nurt realnonarodowy. Sprzyjał temu wzrost świadomości społecznej, całkowita wolność sztuki, która nie jest już ograniczana przez kierownictwo rządu, oraz zmiana organizacji szkolnictwa artystycznego w Akademii. Zamiast zabijającej niezależność uczniów szkoły beckiej, Akademię wypełniła młodzież z różnych stron Rusi, bliska życiu, przepojona tożsamość narodowa, bardziej świadomi i wykształceni artystycznie, bardziej samodzielni.
Nie mogli pogodzić się z konwencją programy klasyczne Akademii i wśród 13 z Kramskojem na czele, opuścił Akademię w 1863 roku. W 1872 r. utworzyli „towarzystwo wystaw objazdowych”, które stało się głównym ośrodkiem rosyjskiej szkoły narodowej. Towarzyszyły mu niemal wszystkie wybitne talenty lat 70. i 80. Wystawy, objeżdżające corocznie najważniejsze miasta Rosji, przyczyniły się do rozwoju szkolnictwa artystycznego i zainteresowania rosyjskiego społeczeństwa.
Wzrost i poszerzenie artystycznego rozumienia i potrzeb znajduje odzwierciedlenie w powstawaniu wielu stowarzyszeń artystycznych, szkół, wielu prywatnych galerii (Galeria Trietiakowska) i muzeów nie tylko w stolicach, ale także na prowincji, we wprowadzaniu do szkoły wykształcenie rysunkowe, w zbiorach kongresu sztuki w Moskwie w 1894 roku.
Wszystko to, w połączeniu z pojawieniem się wielu genialnych dzieł rosyjskich artystów, pokazuje, że sztuka zakorzeniła się na rosyjskiej ziemi i stała się narodową. Nowy rosyjski sztuka narodowa różnił się ostro tym, że wyraźnie i mocno odzwierciedlał główne nurty rosyjskiego życia społecznego. Najwyraźniej widać to na polu gatunku. Po pierwszej galaktyce malarzy gatunkowych z lat 50., którzy przedstawiali wesołe scenki, w latach 60. pojawili się malarze gatunkowi o społecznie tendencyjnym kierunku.
Malarstwo, a zwłaszcza gatunek, uważały się za powołane do działania wychowawczego, do walki, do głoszenia kazań, do denuncjowania. najbardziej główny przedstawiciel ten kierunek literacki w malarstwie był Perow, za nim stali Pukirev, Korzukhin, Pryanishnikov, Savitsky, Zhuravlev, Myasoedov, Yaroshenko, częściowo M. Kłodt. Ta konstelacja podążała za oskarżycielską literaturą, stosując rysunek dobrze wyuczony w starej szkole, aby wyrazić idee. Kierunek literacki znalazł odzwierciedlenie w przewadze idei, treści, osłabieniu elementów czysto obrazowych - plastyczności i koloru.
Kiedy emocje opadły, a uczucia opadły, obraz zaczął tracić pouczający ton. Tendencyjny kierunek zaczął schodzić na dalszy plan i pojawiła się nowa generacja malarzy rodzajowych, w których bardzo mocno zaczęły mówić malownicze plastyczne instynkty formy i koloru, pragnienie nie przekazania idei, ale oddania nastroju. Takimi są Arkhipov, Baksheev, Bogdanov-Belsky, Kasatkin, Pasternak, Tvorozhnikov i inni.Zwolennicy tego nurtu czasami dążą do nastroju i koloru, nawet ze szkodą dla pomysłu i rysunku.
Na styku jednego i drugiego pokolenia stoją najwybitniejsi malarze gatunkowi: subtelny, wszechstronny obserwator i żywy malarz Wołkow. Najnowsza generacja malarzy batalistów - Samokisz, Kiwszenko, Kowalewski - zajmuje się głównie codzienną stroną życia wojskowego, jego odmianami.
Malarstwo religijne również podążało tą samą ścieżką prawdziwego gatunku i nurtu, później przyjmując nurt narodowy później niż inne rodzaje malarstwa. Skrajnym wyrazem nurtu literackiego w dziedzinie malarstwa religijnego był obraz Ge „Ostatnia wieczerza”.
Za początek historii malarstwa rosyjskiego uważa się epokę przyjęcia chrześcijaństwa - koniec X wieku. Wraz z ideologią chrześcijaństwa na Rusi rozpowszechniły się tradycje malarstwa bizantyjskiego, które będą dominować aż do XV wieku. Obrazy Musiy (musiy - wykonane na farbującym drzewie) są najpierw wykonywane przez przyjezdnych mistrzów z Grecji, którzy szkolą utalentowaną rosyjską młodzież. Jednym z nich jest mnich Alympius z jaskiń, pierwszy rosyjski malarz ikon.
Ścisły nadzór władz kościelnych, pozwalający jedynie na kopiowanie greckich wzorców i tłumienie wszelkich prób odstępstw od kanonu, na długo spowalnia rozwój sztuki malarskiej. Do XV wieku istniała tylko jedna szkoła malarstwa – korsuńska (grecka). Jednak w XV wieku sytuacja uległa zmianie w związku z rozpowszechnieniem się europejskich, ozdobionych politypami i rycinami. Okres ten obejmuje twórczość Andrieja Rublowa, przedstawiciela szkoły bizantyjskiej, autora malowideł ściennych moskiewskiej katedry Zwiastowania, katedr Ławry Świętej Trójcy Sergiusza itp.
W XVII wieku zacofanie rosyjskiej szkoły ikonograficznej stało się oczywiste nawet dla władz kościelnych. Suwerenny Aleksiej Michajłowicz zaprasza zachodnich mistrzów, którzy potrafią malować z życia, do malowania komnat pałacowych - takiej umiejętności absolutnie nie było w szkole domowej. Szymon Uszakow, królewski malarz ikon, próbuje połączyć techniki bizantyjskie i europejskie, tworząc nowy styl malowania ikon - Fryażski.
XVII wiek. Początek rozwoju malarstwa świeckiego
Od XVII wieku Ruś zaczęła się rozwijać i malarstwo świeckie, szczególnie zdecydowanie – za panowania Piotra Wielkiego. We Włoszech i Holandii bracia Matwiejew, Zacharow i Nikitin studiują zachodni styl pisania, w Akademii Nauk otwierane są zajęcia z grawerowania i rysunku.
Moda, pragnienie luksusu stały się przyczyną dużego popytu na malarstwo w czasach Elżbiety Pietrowna. Ale prace zagranicznych artystów są poszukiwane - rosyjscy malarze są daleko w tyle pod względem umiejętności.
W 1757 roku w Petersburgu powstała Akademia Sztuk Pięknych z 5 wydziałami: malarstwa, rzeźby i rzeźby, rytownictwa, medalierstwa (wyrób monet i medali) oraz architektury. Przyjmowano do niej ludzi wszystkich warstw społecznych, a nawet kobiety (za zgodą ojca lub męża) - taka była potrzeba talentów domowych. Jednak francuskie kierownictwo pedagogiczne przez długi czas określało główne rodzaje malarstwa - pejzaż historyczny i heroiczny w stylu Poussinsa i Claude'a Lorraina, co powodowało monotonię i wysoką konwencjonalność obrazów.
Ale rozwój, choć powolny, postępuje. W portretach najlepsi artyści W tym czasie Lewicki, Borowikowski, Rokotow, Kiprenski prawdziwość natury stawała się coraz bardziej wyraźna. D. G. Levitsky staje się najmodniejszym portrecistą czasów Katarzyny II. Jego ceremonialne, bardzo piękne prace są bardzo poszukiwane w środowisku arystokratycznym, charakterystycznym przykładem manier Lewickiego jest pełnometrażowy portret Katarzyny II. Orest Kiprensky zaliczany jest do najlepszych rosyjskich portrecistów. Jego najlepsze prace to portret Thordvalsena, obrazy „Sybil Tiburtinskaya”, „Dziewczyna z owocami” itp.
Przez bardzo długi czas, aż do pierwszej połowy XIX wieku, malarstwo rosyjskie pozostawało głównie imitacyjne. Malarze kopiowali techniki i tematy mistrzów francuskich, włoskich (bolońskich). Powodem było wykształcenie akademickie i świecka prośba, która podobnie jak władze kościelne zaszczepiła idee naśladownictwa.
Pierwszymi artystami, którzy zrobili krok w stronę samodzielności i ożywienia obrazu byli Basin, Warnek, Bruni. Zasadniczego zerwania z tradycją klasycyzmu dokonuje jednak Karl Bryullov, który napisał Ostatni dzień Pompejów. Bryullovowi udało się wzbudzić zainteresowanie żywą sztuką w społeczeństwie, a jego romantyczny styl pisania stał się zwiastunem rosyjskiego realizmu.
XIX wiek. Powstanie malarstwa narodowego
Druga połowa XIX wieku charakteryzuje się ciągłym wzrostem miłości i prostego zainteresowania sztuką. Jest wiele wystaw. Pojawiają się bogaci koneserzy, skupują płótna i tworzą prywatne galerie. Istnieją prywatne szkoły rysunku.
W 1825 r otwarty dostęp Ermitaż organizuje dział malarstwa rosyjskiego. Zerwanie z naśladowczym akademizmem wyraża się w odwoływaniu się do życia codziennego i chłopskiego, wątków prostej rzeczywistości. I choć w obrazach Wenecjanowa jest to raczej poszukiwanie piękna niż poszukiwanie piękna, mają one ogromne znaczenie dla kształtowania się rosyjskiej szkoły realistycznej.
W 1863 r. Grupa artystów kierowana przez Kramskoja, potępiająca politykę Akademii Sztuk, opuściła swój skład, aw 1872 r. Utworzyli „stowarzyszenie wystaw objazdowych”, w przyszłości - centrum narodowej rosyjskiej szkoły malarstwa . Z czasem dołączają do nich najbardziej utalentowani i oryginalni artyści.
W tych latach pojawiła się Galeria Trietiakowska, wiele muzeów nie tylko w obu stolicach, ale także w prowincjonalne miasta. Dominującym kierunkiem staje się społecznie tendencyjny, mający na celu portretowanie, wywieranie wpływu, walkę, potępianie i głoszenie kazań. Idee literatury i myśli społecznej inspirowały obrazy Perowa, Pukirewa, Pryanisznikowa, Korzuchina, Sawickiego, Miasojedowa, Kłodta.
Czas nazmianę
Koniec XIX - początek XX wieku to czas rewolucyjnych przemian i oczekiwania na odrodzenie Rosji. W tym okresie pojawili się słynni „Bogatyrowie” Wasniecowa i „Kozacy” Repina, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa. Obrazy wyrażają patriotyczne idee wielkości narodowej i najgłębszą myśl o jej odrodzeniu.
Ale nie tylko odwoływanie się do wielkich stron historii jest charakterystyczne dla tego czasu duże zmiany. Młodsi Wędrowcy - S. Korovin, S. Ivanov, N. Kasatkin i inni - zwracają się ku życiu głuchych, tworząc ostro społeczne, rewolucyjne w swojej prawdomówności płótna.
Skarbiec malarstwa rosyjskiego:
historia Muzeum Rosyjskiego
Można dokładnie poznać ekspozycje Ermitażu, można się w nich doskonale zorientować Galerii Trietiakowskiej, możesz być gotowy w każdej chwili na zaimprowizowane zwiedzanie Muzeum Puszkina, ale nadal nie uważaj się za znawcę sztuki rosyjskiej.
A wszystko dlaczego? Bo bez Muzeum Rosyjskiego w tym przypadku nigdzie! Dziś przypominamy sobie historię muzeum, w którym mieści się jeden z najliczniejszych duże kolekcje Malarstwo rosyjskie na świecie.
Miłośnik sztuki Aleksander III
13 kwietnia 1895 r. cesarz Mikołaj II wydał dekret, na mocy którego w Petersburgu miało powstać „Muzeum Rosyjskie im. Cesarza Aleksandra III”. A muzeum zostało oficjalnie otwarte dopiero 8 marca 1898 roku. Ale pomysł stworzenia muzeum przyszedł do głowy Aleksandra III na długo przed tym.
W młodym wieku przyszły cesarz Aleksander III lubił sztukę, a nawet sam studiował malarstwo u profesora Tichobrazowa. Nieco później jego żona Maria Fiodorowna podzielała jego pasję i oboje kontynuowali naukę pod ścisłym kierunkiem akademika Bogolubowa.
Dekret o utworzeniu Muzeum Rosyjskiego
opublikowane przez Mikołaja II
Po objęciu władzy cesarz zdał sobie sprawę, że nie da się połączyć rządu i malarstwa, i dlatego porzucił swoją sztukę. Ale nie stracił zamiłowania do sztuki i roztrwonił znaczne sumy ze skarbca na zakup dzieł sztuki, które nie były już umieszczane ani w Gatczynie, ani w Pałacu Zimowym, ani w Pałacu Aniczkowa.
Wtedy Aleksander postanowił stworzyć państwowe muzeum, w którym można by przechowywać obrazy rosyjskich malarzy, które odpowiadałoby prestiżowi kraju, budziło patriotyczny nastrój i tak dalej. Uważa się, że po raz pierwszy cesarz wyraził tę myśl po XVII wystawie Towarzystwa Wędrowców w 1889 r., na której nabył obraz Repina „Mikołaj z Myry ratuje trzech niewinnie skazanych od śmierci”.
Ilya Repin „Mikołaj z Mirlikiy ratuje trzech niewinnie skazanych od śmierci”
Specjalny status Muzeum Rosyjskiego
Do 1895 r. Udało im się stworzyć projekt budowy budynku Muzeum Sztuki Rosyjskiej przy Akademii Sztuk Pięknych, a nawet zakończyć kosztorys, ale 21 października 1894 r. Zmarł Aleksander III i wydawało się, że muzeum nigdy nie stać się rzeczywistością. Ale Mikołaj II zabrał się do roboty. Kupiony Pałac Michajłowski postanowił przekazać skarbowi na potrzeby muzeum.
Inspirowane malarstwem Repina
Aleksandra III do stworzenia muzeum
Zarządzenie o muzeum z 1897 r. podkreślało jego szczególny status. Ustalono specjalne zasady tworzenia kolekcji, np. dzieła artystów współczesnych musiały znajdować się najpierw w muzeum Akademii Sztuk Pięknych przez 5 lat, a dopiero potem, za zgodą kierownika, mogły być umieszczane w rosyjskim Muzeum.
Umieszczone w muzeum dzieła sztuki miały tam pozostać na zawsze – to znaczy nie można ich było zabrać ani przenieść w inne miejsce. Kierownik był mianowany najwyższym osobistym dekretem i musiał koniecznie należeć do Domu Cesarskiego.
Dyrektor Muzeum Rosyjskiego
powinien należeć do Domu Cesarskiego
Pałac Michajłowski
Ze światem na włosku - zbiórka do muzeum
Początkowo zbiory muzeum składały się z zebrane przez Aleksandra III obrazy, które zostały przeniesione z Akademii Sztuk Pięknych, Ermitaż, na przykład słynny obraz Karla Bryullova „Ostatni dzień Pompejów”. Pałace Winter, Gatchina i Alexander. Część kolekcji zakupiono ze zbiorów prywatnych.
Jak zdecydował Mikołaj II, w przyszłości zbiory miały być uzupełniane kosztem skarbu, który wprowadził nawet osobny paragraf dla muzeum, a także dzięki ewentualnym darowiznom.
O dziwo, było ich dużo, wielkość kolekcji szybko rosła i prawie się podwoiła w porównaniu z oryginalnymi 1,5 tysiąca dzieł i 5000 eksponatów z Muzeum Starożytności Chrześcijańskich. „Kolor narodu” został zapisany do pierwszego personelu muzeum - najwybitniejszych naukowców, krytyków sztuki i historyków, na przykład A.P. Benois, P.A. Bryullov, M.P. Botkin, N.N. Punin i inni.
Życie muzealne w XX wieku
Dzięki Państwowemu Funduszowi Muzealnemu, który działał w pierwszych latach po Rewolucji Październikowej, po 1917 roku zbiory muzeum szybko się rozrosły. Uzupełniono duże luki w zbiorach, np. niektóre nurty malarstwa rosyjskiego nie były przez jakiś czas prezentowane w muzeum, a niektóre zbiory były niezwykle skąpe.
W 1922 roku ekspozycja muzeum została zbudowana po raz pierwszy zgodnie z zasadą naukową i historyczną, co wyniosło muzeum na jakościowo nowy poziom. Ale sam budynek Pałacu Michajłowskiego nie wystarczył do powiększenia kolekcji i stopniowo muzeum zaczęło „podbijać terytorium”.
W latach 30-tych zamieszkiwany do tej pory przez najemców Korpus Benois Skrzydło Rossiego w Pałacu Michajłowskiego zostało zwolnione i przeniesione do Muzeum Rosyjskiego, a nieco później dział etnograficzny „wyprowadził się” z macierzystego gniazda Muzeum Rosyjskiego, które stało się Państwowym Muzeum Etnografii Narodów ZSRR. W latach 40. budynek Benois i Pałac Michajłowski połączono nawet specjalnym przejściem.
Skrzydło Benois na kanale Gribojedowa
Gdzie iść i co zobaczyć?
W początek XXIw wieków, Ogród Letni z kolekcją m.in marmurowe rzeźby(tak, tak, w ogródek letni teraz są tylko kopie!), a także Pałac Letni Piotra I, mieszczące się w nim Kawiarnie i Herbaciarnie. Dom Piotra I na Nabrzeżu Pietrowskim, który również należy do Muzeum Rosyjskiego, został najpierw zbudowany z bali, ale po pewnym czasie został pokryty kamieniem, a nieco później ceglaną osłoną.
Sierow Walentin Aleksandrowicz.
„Portret Idy Rubinstein”
Wśród najbardziej znane prace sztuki przechowywanej w Muzeum Rosyjskim można wymienić ikony Andrieja Rublowa i Szymona Uszakowa, płótna Bryulłowa „Włoskie południe” i „Ostatni dzień Pompei”, „Dziewiąta fala” i „Fala” Aiwazowskiego, „Barka” Aiwazowskiego Woźnicy nad Wołgą” Repina, „Witiaź na rozdrożu” Waniecowa, „Suworow przez Alpy” Surikowa, „Portret Idy Rubinstein” i „Porwanie Europy” Serowa, „Portret F.I. Chaliapina” Kustodiewa.
Ale to tylko niewielka część tych pięknych obrazów rosyjskich malarzy, które są przechowywane w Muzeum Rosyjskim.
