- toto je jeden z hlavných typov výtvarné umenie; predstavuje umelecký obraz objektívny svet farebné nátery na povrchu. Maľba sa delí na: stojanovú, monumentálnu a dekoratívnu.

- zastúpené najmä prácami robenými olejovými farbami na plátne (kartón, drevené dosky alebo holé). Predstavuje najviac masový vzhľad maľovanie. Práve tento typ sa zvyčajne používa na výraz „ maľovanie".

je technika maľby na steny pri zdobení budov a architektonických prvkov v budovách. Časté najmä v Európe freska - monumentálna maľba na mokrú omietku vodou riediteľnými farbami. Táto technika kreslenia je známa už v staroveku. Neskôr bola táto technika použitá pri navrhovaní mnohých kresťanských náboženských kostolov a ich klenieb.

Dekoratívna maľba - (od Latinské slovo from decoro - to decoro) je spôsob kreslenia a aplikácie obrázkov na predmety a detaily interiéru, steny, nábytok a iné dekoratívne predmety. Vzťahuje sa na dekoratívne a úžitkové umenie.

možnosti obrazové umenie Zvlášť zreteľne prezrádza stojanová maľba z 15. storočia, od momentu masového používania olejových farieb. Práve v ňom je k dispozícii špeciálna rozmanitosť obsahu a hlboko rozvinutá forma. V srdci malebného umeleckými prostriedkami farby (možnosti farieb) ležia v nerozlučnej jednote so šerosvitom a líniou; farba a šerosvit sa rozvíjajú a rozvíjajú maliarskymi technikami s úplnosťou a jasom neprístupným iným druhom umenia. Je to spôsobené inherentným realistická maľba dokonalosť objemového a priestorového modelovania, živé a presné zobrazenie reality, možnosť realizácie umelcom koncipovaných zápletiek (a metódy výstavby kompozícií) a ďalšie vizuálne výhody.

Ďalším rozdielom v rozdieloch medzi typmi maľby je technika prevedenia podľa druhov farieb. Nie vždy dosť spoločné znaky na určenie. Hranica medzi maľbou a grafikou v každom jednotlivom prípade: napríklad diela vytvorené akvarelom alebo pastelom môžu patriť do oboch oblastí, v závislosti od prístupu umelca a úloh, ktoré si stanoví. Kresby na papieri síce súvisia s grafikou, ale s využitím rôzne techniky Maľba niekedy stiera rozdiely medzi maľbou a grafikou.

Je potrebné vziať do úvahy, že samotný sémantický výraz „maľovanie“ je slovo v ruskom jazyku. Bol použitý ako termín počas formovania výtvarného umenia v Rusku počas barokovej éry. Používanie slova „maľba“ sa v tom čase vzťahovalo len na určitý typ realistickej maľby. Pôvodne však pochádza z cirkevnej techniky maľovania ikon, ktorá používa slovo „písať“ (súvisiace s písmom), pretože toto slovo je prekladom významu v gréckych textoch (tie sa „stratia v preklade“). Vlastný vývoj v Rusku umelecká škola a dedičstvo európskych akademických vedomostí v oblasti umenia, rozvinuli rozsah ruského slova „maľba“ a začlenili ho do vzdelávacej terminológie a spisovný jazyk. Ale v ruskom jazyku sa v súvislosti s písaním a kreslením obrázkov vytvorila zvláštnosť významu slovesa „písať“.

Žánre maľby

V priebehu vývoja výtvarného umenia sa sformovalo niekoľko klasických žánrov maľby, ktoré nadobudli svoje vlastné charakteristiky a pravidlá.

Portrét- Toto realistický obraz osoba, v ktorej sa umelec snaží dosiahnuť podobnosť s originálom. Jeden z najpopulárnejších žánrov maľby. Väčšina zákazníkov využila talent umelcov na zvečnenie vlastného imidžu alebo v túžbe získať imidž milovaný, príbuzný atď. Zákazníci sa snažili získať podobizeň portrétu (alebo ju dokonca skrášliť) a zanechať tak vizuálne stelesnenie v histórii. Portréty rôznych štýlov sú najobľúbenejšou súčasťou expozície väčšiny umeleckých múzeí a súkromných zbierok. Tento žáner zahŕňa taký typ portrétu ako autoportrét - obraz samotného umelca, ktorý sám namaľoval.

Scenéria- jeden z obľúbených maliarskych žánrov, v ktorom sa umelec snaží zobraziť prírodu, jej krásu či zvláštnosť. Rôzne druhy prírody (nálada sezóny a počasie) majú jasný emocionálny vplyv na každého diváka - to je psychologická črta človeka. Túžba získať emocionálny dojem z krajiny urobila tento žáner jedným z najpopulárnejších v umeleckej tvorivosti.

- tento žáner je v mnohom podobný krajine, ale má kľúčovú vlastnosť: obrazy zobrazujú krajinu s účasťou architektonických objektov, budov alebo miest. Špeciálnym zameraním sú pohľady z ulíc na mestá, ktoré sprostredkujú atmosféru miesta. Ďalším smerom tohto žánru je zobrazenie krásy architektúry konkrétnej budovy – jej vzhľadu či obrazov jej interiérov.

- žáner, v ktorom je hlavný námet obrazov historickej udalosti alebo jeho interpretácia umelcom. Zaujímavé je, že do tohto žánru patrí veľké množstvo obrazov na biblickú tému. Keďže v stredoveku boli biblické výjavy považované za „historické“ udalosti a hlavnými zákazníkmi týchto obrazov bola cirkev. „Historické“ biblické námety sú prítomné v dielach väčšiny umelcov. K druhému zrodu historickej maľby dochádza počas neoklasicizmu, keď sa umelci obracajú na slávnych historické predmety, udalosti z antiky či národné povesti.

- odráža scény vojen a bitiek. Zvláštnosťou je nielen túžba reflektovať historickú udalosť, ale aj sprostredkovať divákovi emocionálne pozdvihnutie výkonu a hrdinstva. Následne sa tento žáner stáva aj politickým, čo umožňuje umelcovi sprostredkovať divákovi svoj pohľad (svoj postoj) na to, čo sa deje. Podobný efekt politického dôrazu a silu umelcovho talentu môžeme vidieť aj v diele V. Vereščagina.

je žáner maľby s kompozíciami z neživé predmety, pomocou kvetov, produktov, riadu. Tento žáner je jedným z najnovších a vznikol v r Holandská škola maľovanie. Možno je jeho vzhľad spôsobený zvláštnosťou holandskej školy. Ekonomický rozmach v 17. storočí v Holandsku viedol k túžbe po cenovo dostupnom luxuse (obrazoch) u značného počtu obyvateľstva. Táto situácia priťahovala veľké množstvo umelcov, čo medzi nimi vyvolalo intenzívnu konkurenciu. Modelky a dielne (ľudia v primeranom oblečení) neboli dostupné pre chudobných umelcov. Pri maľovaní obrazov na predaj využívali na komponovanie obrazov improvizované prostriedky (predmety). Táto situácia v histórii holandskej školy je dôvodom rozvoja žánrovej maľby.

Žánrová maľba - námetom obrazov sú každodenné scény Každodenný život alebo prázdniny, zvyčajne s účasťou Obyčajní ľudia. Rovnako ako zátišie sa medzi holandskými umelcami rozšírilo v 17. storočí. V období romantizmu a neoklasicizmu sa tento žáner znovu rodí, maľby sa ani tak nesnažia reflektovať každodenný život ako veľmi to romantizovať, uviesť do deja určitý význam alebo morálka.

Marína- typ krajiny, ktorý zobrazuje výhľady na more, pobrežné krajiny s výhľadom na more, východy a západy slnka na mori, lode alebo dokonca námorné bitky. Aj keď existuje aj samostatná bojový žáner, ale námorné bitky stále patria do žánru „marína“. Rozvoj a popularizáciu tohto žánru možno pripísať aj holandskej škole 17. storočia. V Rusku bol populárny vďaka dielu Aivazovského.

— črtou tohto žánru je tvorba realistické maľby, zobrazujúci krásu zvierat a vtákov. Jeden z zaujímavé funkcie Tento žáner je prítomnosť obrazov zobrazujúcich neexistujúce alebo mýtické zvieratá. Umelci, ktorí sa špecializujú na obrázky zvierat, sú tzv zvieračov.

História maľby

Potreba realistických obrazov existovala už od staroveku, mala však množstvo nevýhod v dôsledku nedostatku techniky, systematických škôl a vzdelávania. V dávnych dobách možno častejšie nájsť príklady aplikovaných a monumentálna maľba s technikou maľby na omietku. V dávnych dobách sa prikladal väčší význam talentu umelca, umelci boli obmedzení v technológii výroby farieb a v možnosti získať systematické vzdelanie. Ale už v staroveku sa formovali špecializované poznatky a diela (Vitruvius), ktoré budú základom pre nový rozkvet európske umenie počas renesancie. Dekoratívne maliarstvo zaznamenalo výrazný rozvoj v období gréckej a rímskej antiky (škola zanikla v stredoveku), ktorej úroveň dosiahla až po 15. storočí.

Maľba rímskej fresky (Pompeje, 1. storočie pred n. l.), ukážka úrovne technológie starovekej maľby:

"Temný vek" stredoveku, militantné kresťanstvo a inkvizícia vedú k zákazom štúdia umeleckého dedičstva staroveku. Obrovské skúsenosti starých majstrov, znalosti v oblasti proporcií, kompozície, architektúry a sochárstva sú zakázané a mnohé umeleckých hodnôt zničené kvôli ich oddanosti starovekým božstvám. Návrat k hodnotám umenia a vedy v Európe nastáva až počas renesancie (znovuzrodenia).

Pre umelcov raná renesancia(revival) musíme vynahradiť a oživiť výdobytky a úroveň starých umelcov. Čo obdivujeme na dielach umelcov ranej renesancie, bola úroveň majstrov Ríma. Jasný príklad straty niekoľkých storočí vývoja európskeho umenia (a civilizácie) počas „ temné časy“ Stredovek, militantné kresťanstvo a inkvizícia – rozdiel medzi týmito maľbami 14. storočia!

Vznik a rozšírenie technológie výroby olejových farieb a techniky maľovania nimi v 15. storočí podnietil rozvoj maliarskeho stojana a špeciálny druh produkty umelcov - farebné olejomaľby na základnom plátne alebo dreve.

Veľký kvalitatívny skok zaznamenalo maliarstvo počas renesancie, najmä vďaka dielu Leona Battistu Albertiho (1404-1472). Bol prvým, kto položil základy perspektívy v maľbe (pojednanie „O maľbe“ z roku 1436). Európska umelecká škola mu (za jeho prácu na systematizácii vedeckých poznatkov) vďačí za vznik (oživenie) realistickej perspektívy a prirodzených proporcií v maľbách umelcov. Slávna a známa kresba Leonarda da Vinciho "Vitruviánsky muž"(ľudské proporcie) z roku 1493, venovaný systematizácii Vitruviových starovekých vedomostí o proporciách a kompozícii, vytvoril Leonardo o pol storočia neskôr ako Albertiho pojednanie „O maľbe“. A Leonardova práca je pokračovaním rozvoja európskej (talianskej) umeleckej školy renesancie.

Ale svetlé a masový rozvoj maľba sa dostala od 16. do 17. storočia, keď sa táto technika rozšírila olejomaľba Objavili sa rôzne technológie výroby farieb a vznikli maliarske školy. Práve systém vedomostí a umeleckého vzdelávania (techniky kreslenia) spojený s dopytom po umeleckých dielach medzi aristokraciou a panovníkmi viedol k prudkému rozkvetu výtvarného umenia v Európe (obdobie baroka).

Neobmedzené finančné možnosti európskych monarchií, aristokracií a podnikateľov sa stali výborným základom pre ďalší vývoj maliarstvo v 17.-19. storočí. A slabnúci vplyv cirkvi a svetského životného štýlu (znásobený rozvojom protestantizmu) umožnil zrodenie mnohých námetov, štýlov a smerov v maliarstve (baroko a rokoko).

V priebehu vývoja výtvarného umenia si umelci vytvorili mnoho štýlov a techník, ktoré vedú k na najvyššiu úroveň realizmus v dielach. Koncom 19. storočia (s nástupom modernistických hnutí) sa v maliarstve začali zaujímavé premeny. Dostupnosť umeleckého vzdelávania, masová konkurencia a vysoké nároky verejnosti (a kupujúcich) na zručnosti umelcov dávajú vznik novým smerom vyjadrovacích metód. Výtvarné umenie už nie je limitované len úrovňou techniky, umelci sa snažia prinášať špeciálne významy, spôsoby „hľadania“ a filozofia. To, čo často prichádza na úkor úrovne výkonu, sa stáva špekuláciou alebo metódou šokovania. Rozmanitosť vznikajúcich štýlov, živé diskusie a dokonca aj škandály vedú k rozvoju záujmu o nové formy maľby.

Moderné technológie počítačového (digitálneho) kreslenia patria ku grafike a nemožno ich nazvať maľbou, hoci mnohé počítačové programy a vybavenie vám umožní úplne zopakovať akúkoľvek maliarsku techniku ​​s farbami.

V druhej polovici 18. storočia sa v ruskom umení sformoval štýl klasicizmu, ktorý sa vyznačuje prísnosťou dizajnu, dodržiavaním určitých pravidiel v kompozícii, konvenčnosťou farieb, používaním scén z Biblie, dávna história a mytológie. Originalita ruského klasicizmu spočívala v tom, že sa jeho majstri obrátili nielen k staroveku, ale aj k rodná históriaže sa snažili o jednoduchosť, prirodzenosť a ľudskosť. Klasicizmus ako smer v ruštine umeleckej kultúry nerozdielne založená v koniec XVIII - začiatkom XIX storočia. Toto obdobie rozkvetu klasicizmu v ruských dejinách maľby sa zvyčajne nazýva vrcholný klasicizmus. Charakteristické pre maliarov tejto doby bolo romantické potvrdenie krásy jedinečného, ​​individuálneho, nezvyčajného, ​​no za najvyšší úspech tejto éry výtvarného umenia v Rusku možno považovať nie historickú maľbu, ale portrét (A. Argunov, A. Antropov, F. Rokotov, D. Levický, V. Borovikovský, O. Kiprensky).

O.A.Kiprensky (1782-1836) objavil nielen nové ľudské vlastnosti, ale aj nové možnosti maľby. Každý jeho portrét má svoju osobitú obrazovú štruktúru. Niektoré sú postavené na ostrom kontraste svetla a tieňa. V iných je hlavným obrazovým prostriedkom jemná gradácia farieb, ktoré sú blízko seba. Obrazy K. P. Bryullova (1799-1852) charakterizuje fúzia akademického klasicizmu s romantizmom, novosť námetov, divadelná efektivita plastu a osvetlenia, zložitosť kompozície, brilantná virtuozita štetca. Obraz „Posledný deň Pompejí“ (1830-1833) bol všeobecne známy. Vznešená krása človeka a nevyhnutnosť jeho smrti sa v obraze odráža v tragickom rozpore. Romantický charakter je tiež súčasťou väčšiny Bryullovových portrétov. Najväčším majstrom historickej maľby bol A.A. Ivanov dal svojej maľbe charakter obetavej služby myšlienke a podarilo sa mu prekonať mnohé šablóny charakteristické pre akademickú techniku.

Vo svojich dielach predvídal mnohé hľadania ruskej realistickej maľby nasledujúcich desaťročí.

Vedomý obrat novej ruskej maľby smerom k demokratickému realizmu sa objavil koncom 50. rokov spolu s revolučným osvietením Černyševského, Dobroľubova, Saltykova-Ščedrina. 9. novembra 1863 14 absolventov Akadémie umení pod vedením I. Kramskoya odmietlo namaľovať promočný obraz na navrhovanú tému „Sviatok vo Valhale“ a žiadali, aby si sami vybrali predmety. Boli odmietnutí a vzdorovito opustili akadémiu a vytvorili nezávislý Artel umelcov. Druhou udalosťou bolo v roku 1870 vytvorenie „Asociácie putovných výstav“, ktorej dušou bol ten istý I. Kramskoy. Wanderers boli jednotní v odmietnutí „akademizmu“ jeho mytológiou, dekoratívne krajinky a pompéznou teatrálnosťou. Popredné miesto v ich tvorbe zaujímali žánrové (každodenné) scény. Roľníci sa tešili zvláštnemu súcitu s Tulákmi. V tom čase - v 60-70 rokoch. XIX storočia - ideologická stránka umenia bola hodnotená vyššie ako estetická. Azda najväčšiu poctu ideológii vzdal V. G. Perov (1834-1882). Dôkazom toho sú jeho obrazy ako „Príchod náčelníka na vyšetrovanie“, „Čajový večierok v Mytišči“, „Trojka“, „Starí rodičia pri hrobe svojho syna“. Perov namaľoval množstvo jeho portrétov slávnych súčasníkov(Turgenev, Dostojevskij). Hlavné miesto v Kramskoyovej tvorbe zaujímalo portrétovanie. Napísal Gončarov, Saltykov-Ščedrin. Vlastní jeden z najlepších portrétov Leva Tolstého. Pohľad spisovateľa neopúšťa diváka, nech sa na plátno pozerá z akéhokoľvek uhla.

Jeden z najviac silné diela Kramskoy - obraz "Kristus v púšti".

Ale nedá sa povedať, že Akadémia umení nepresadzuje talent. Najlepšie tradície akademizmu našli rozvoj vo veľkolepom historické maľby G. Semiradského, diela skorého zosnulého V. Smirnova („Smrť Nera“), nádherné obrazy morského maliara, predstaviteľa romantizmu Ivana Aivazovského. V skutočnosti sa zo stien Akadémie vynorilo mnoho vynikajúcich umelcov. Sú to Repin a Surikov a Polenov a Vasnetsov a neskôr Serov a Vrubel.

Peredvizhniki urobili skutočné objavy v krajinomaľbe. A.K. Savrasov dokázal ukázať krásu a jemnú lyriku jednoduchej ruskej krajiny. Jeho obraz „The Rooks Have Arrived“ (1871) prinútil mnohých súčasníkov pozrieť sa naň novým spôsobom. pôvodná príroda. Spevákom ruského lesa, epickej šírky ruskej prírody, sa stal I. I. Šiškin (1832-1898). A. I. Kuindzhi (1841-1910) upútala malebná hra svetla a vzduchu. Tajomné svetlo mesiaca vo vzácnych oblakoch, červené odlesky úsvitu na bielych stenách ukrajinských chát, šikmo ranné lúče, predierať sa hmlou a hrať sa v kalužiach na blatistej ceste – tieto a mnohé ďalšie malebné objavy sú zachytené na jeho plátnach.

Ruština na vrchole krajinomaľba V diele Savrasovho študenta sa dosiahlo XIX

I. I. Levitan (1860-1900). Levitan je majstrom pokojnej, tichej krajiny, plachý a zraniteľný muž, vedel relaxovať iba sám s prírodou, presiaknutý náladou svojej obľúbenej krajiny.

Provinčné mesto Plyos na hornej Volge sa pevne zakorenilo v Levitanovej práci. V týchto častiach vytvoril svoje plátna: „After the Rain“, „Gloomy Day“.

Boli tam namaľované aj pokojné večerné krajiny: „Večer na Volge“, „Večer. Zlatý dosah“, „Večerné zvony“, „Tichý príbytok“.

V druhej polovici 19. stor. označuje kreatívny rozkvet I. E. Repina, V. I. Surikova a V. A. Serova.

I. E. Repin (1844-1930) bol veľmi všestranný umelec. K jeho štetcu patrí množstvo monumentálnych žánrových malieb. Možno nie menej grandiózne ako "Barge Haulers na Volge" - plátno " Sprievod v provincii Kursk." Jasná modrá obloha, oblaky cestného prachu preniknuté slnkom, zlatá žiara krížov a rúch, polícia, obyčajní ľudia a mrzáci - všetko sa hodí na toto plátno: veľkosť, sila a slabosť , a bolesť Ruska. V mnohých obrazoch sa Repin dotkol revolučných tém („Odmietnutie priznania“, „Nečakali“, „Zatknutie propagandistu“). Viaceré Repinove plátna boli napísané v r. historické témy(„Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“, „Kozáci píšu list tureckému sultánovi"a ďalších). Repin vytvoril celú galériu portrétov. Maľoval portréty vedcov (Pirogov a Sechenov), spisovateľov Tolstého, Turgeneva a Garšina, skladateľov Glinku a Musorgského, umelcov Kramskoja a Surikova. Začiatkom 20. storočia dostal objednávku na obraz" Slávnostné stretnutieŠtátna rada". Umelec dokázal nielen umiestniť takúto kompozíciu na plátno veľké číslo prítomných, ale aj poskytnúť psychologické charakteristiky mnohým z nich.

V. I. Surikov (1848-1916) sa narodil v Krasnojarsku v kozáckej rodine. Rozkvet jeho tvorby nastal v 80. rokoch, kedy vytvoril svoje tri najznámejšie historické obrazy: „Ráno Streltsy prevedenie", "Menshikov v Berezove" a "Boyaryna Morozova". Surikov dobre poznal život a zvyky minulých období a dokázal podať živé psychologické charakteristiky. Okrem toho bol vynikajúci kolorista. Stačí si spomenúť na oslnivo svieže, šumivý sneh vo filme "Boyaryna Morozova". Ak sa priblížite k plátnu, zdá sa, že sneh sa „rozpadne“ do modrých, modrých, ružových ťahov. malebná technika, kedy dva alebo tri rôzne ťahy splývajú na diaľku a dávajú požadovanú farbu, bol široko používaný francúzskymi impresionistami.

V. A. Serov (1865-1911), syn skladateľa, maľoval krajiny, plátna na historické námety, pracoval ako divadelný umelec. Slávu mu však priniesli predovšetkým jeho portréty. V roku 1887 bol 22-ročný Serov na dovolenke v Abramceve, dači filantropa S.I. Mamontova neďaleko Moskvy. Jedného dňa po obede sa v jedálni náhodou zdržali dvaja ľudia - Serov a 12-ročná Vera Mamontová. Sedeli pri stole, na ktorom boli broskyne, a počas rozhovoru si dievča nevšimlo, ako umelec začal kresliť svoj portrét. Práce trvali mesiac. Začiatkom septembra bola dokončená „Dievča s broskyňami“. Napriek svojej malej veľkosti sa obraz namaľovaný v ružovo-zlatých tónoch zdal veľmi „priestranný“. Bolo v nej veľa svetla a vzduchu. Dievča, ktoré sa na minútu posadilo za stôl a uprelo pohľad na diváka, očarilo svojou jasnosťou a duchovnosťou.

A celé plátno bolo pokryté čisto detským vnímaním každodenného života, keď šťastie nepozná seba, ale dopredu - Celý život. Čas zaradil „Dievča s broskyňami“ medzi najlepšie portrétne diela v ruskej a svetovej maľbe.

Odvolajte sa na národné témy viedli k nebývalému rozkvetu historických a bojové maľovanie. Skutočné majstrovské diela v týchto žánroch vytvorili V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereščagin, F. Roubaud. V týchto rokoch prvý národný umelecké galérie; diela ruských umelcov sa začínajú pravidelne objavovať na medzinárodných výstavách a v zahraničí umelecké salóny. Mnoho obrazov Repina, Surikova, Levitana, Serova a ďalších Peredvizhniki skončilo v zbierke Tretyakov. P. M. Treťjakov (1832-1898), predstaviteľ starovekej Moskvy kupecká rodina, bol nezvyčajný človek. Tenký a vysoký, s hustá brada a tichým hlasom znel skôr ako svätec než obchodník. So zbieraním obrazov ruských umelcov začal v roku 1856. Jeho hobby prerástlo do hlavného biznisu jeho života. Začiatkom 90. rokov. zbierka dosiahla úroveň múzea, pohltila takmer celý majetok zberateľa. Neskôr sa stal majetkom Moskvy. Tretiakovská galéria sa stala celosvetovou slávne múzeum Ruská maľba, grafika a sochárstvo. V roku 1898 bolo v Petrohrade otvorené Ruské múzeum v Michajlovskom paláci (výtvor K. Rossiho). Dostala diela ruských umelcov z Ermitáže, Akadémie umení a niektorých cisárskych palácov. Zdá sa, že otvorenie týchto dvoch múzeí korunovalo úspechy Ruska maľby 19. storočia storočí. Koncom 90. rokov 19. storočia poprední majstri ešte plodne pracovali kritický realizmus- I. E. Repin,

V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky, ale v tomto čase sa v umení objavila iná tendencia. Mnohí umelci sa teraz snažili nájsť v živote predovšetkým jeho poetické stránky, teda aj v žánrové maľby zahŕňali krajinu. Často sa obracali staroveká ruská história. Tieto trendy v umení možno jasne vidieť v dielach takých umelcov ako A.P. Ryabushkin a M.V. Nesterov.

Významný umelec tejto doby B. M. Kustodiev (1878-1927) zobrazuje jarmoky s rôznofarebnými lyžicami a hromadami farebného tovaru, ruskú Maslenicu s jazdou na trojkách, výjavy z kupeckého života.

IN skorá práca M. V. Nesterov najplnšie odhalil lyrické stránky svojho talentu. V jeho obrazoch je vždy veľkú rolu Krajina hrala: umelec sa snažil nájsť radosť v tichu večne krásnej prírody. Rád zobrazoval brezy s tenkými kmeňmi, krehké steblá trávy a lúčne kvety. Jeho hrdinami sú útli mladíci, obyvatelia kláštorov či milí starci, ktorí v prírode nachádzajú pokoj a mier. Obrazy venované osudu ruskej ženy sú plné hlbokého súcitu („Na horách“, 1896, „Veľká tonzúra“, 1897-1898).

Symbolizmus, neoklasicizmus a modernizmus majú výrazný vplyv na M.A. Vrubel, umelci zo „Sveta umenia“ (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobužinskij, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) a „Modrá ruža“ (S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatov). Činnosť týchto skupín bola veľmi všestranná, umelci vydávali vlastný časopis „World of Art“, organizovali zaujímavé umelecké výstavy za účasti mnohých vynikajúcich umelcov.

V 10. rokoch 20. storočia Ruská avantgarda sa rodí ako túžba po prebudovaní základov umenia, dokonca až po popretie umenia samotného. Množstvo umelcov a tvorivé združenia vytvárať nové školy a smery, ktoré mali rozhodujúci vplyv na vývoj svetového výtvarného umenia - suprematizmus (K. Malevich), „improvizačný“ štýl a abstrakcionizmus (W. Kandinskij), rayonizmus (Larionov) atď. Všetky smery avant- garde umenie sa vyznačujú substitúciou duchovného obsahu pragmatizmom, emocionalitou – triezvou vypočítavosťou, výtvarnou obraznosťou – jednoduchou harmonizáciou, estetikou foriem, kompozíciou – dizajnom, veľkými myšlienkami – utilitarizmom. Nové umenie uchvacuje svojou nespútanou slobodou, uchvacuje a uchvacuje, no zároveň svedčí o degradácii, deštrukcii celistvosti obsahu a formy. Atmosféra irónie, hry, karnevalu a maškarád, ktoré sú súčasťou niektorých hnutí avantgardného umenia, ani tak nezakrýva, ako skôr odhaľuje hlboký vnútorný nesúlad v duši umelca. Pojem „avantgarda“ konvenčne spája rôzne umelecké smery 20. storočia. (konštruktivizmus, kubizmus, orfizmus, op art, pop art, purizmus, surrealizmus, fauvizmus). Hlavnými predstaviteľmi tohto hnutia v Rusku sú V. Malevič, V. Kandinskij, M. Larionov, M. Matjušin, Jakulov, A. Ekster, B. Ender a ďalší.

V 10. rokoch 20. storočia Oživenie zaznamenalo aj záujem o maľbu ikon. Umelecké princípy Ikonomaľbu tvorivo využívali jednotliví ruskí (V. Vasnetsov, M. Nesterov, K.S. Petrov-Vodkin) i zahraniční (A. Matisse) umelci, ako aj celé hnutia a školy avantgardy.

Od konca 20. rokov sa tento princíp zaviedol v Rusku socialistický realizmus. Ideológia sa stáva hlavnou určujúcou silou v umeleckej tvorivosti. Napriek silnému vplyvu ideológie vznikli skutočné umelecké diela svetového formátu. Dielo krajinárov S.V. Gerasimova, V.N. Baksheeva, A.A. Plastov, kreativita P.D. Korina, A.N. Witty-Lebedeva, I. Glazunov, K. Vasiliev, A. Shilov, A. Isacheva sú toho presvedčivým dôkazom. Od 60. rokov 20. storočia Prichádza obroda ruskej avantgardy. „Povolená“, ale nie oficiálna súčasť sovietskeho umenia v 60. rokoch. prezentované dielami majstrov“ drsný štýl"(T. Salakhov, S. Popkov). V 70. – 80. rokoch 20. storočia sa kreativite dostalo uznania Sovietski umelci- R. Bichunas, R. Tordia, D. Žilinskij, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leis, V. Kalinin a ďalší, predstavitelia nielen „oficiálne povoleného umenia“. Ruský postmodernizmus 90. rokov dvadsiateho storočia je príkladom kreativity skupiny „SVOI“ (Hyper-Pupper-Kuznetsov V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Maksa-Maksyutina, Menus A., Nosová S., Podobed A. , Tkachev M.). Samotný fakt spájania rôznorodých umelcov do jediného živého organizmu, neobmedzeného koncepčnými či štýlovými hranicami, najviac zodpovedá základnému princípu postmoderny o paralelizme a rovnocennosti umeleckých smerov.

umelecká maľba klasicizmu

História ruskej maľby začína Kyjevská Rus. Pravda, ako mnohé iné javy, ani maľba sa nestala originálnym ruským výdobytkom. Vzhľad maľby v Rusku je spojený s menom kniežaťa Vladimíra a Byzancie. Spolu s kresťanstvom priniesol ruský princ do Ruska maliarske tradície. Prvé diela výtvarného umenia boli spojené s chrámami. Ide o tradičné, ktoré sa používali na výzdobu stien kostolov.

Ruské maliarstvo prekvitalo v 15. storočí. To je presne ten čas, kedy sa objaví. Tento typ kreativity je neoddeliteľne spojený s dedičstvom Ruska a menami mnohých pôvodných majstrov. Mnohí tvorcovia zostali neznámi, ale meno veľkého maliara ikon Andreja Rubleva sa stalo štandardom v technike maľovania ikon na mnoho storočí.

Prvé realistické maľby sa objavili v Rusku v sedemnástom storočí. Ruskí umelci, ale aj európski maliari sa začínajú obracať k určitým žánrom -,. Svoju úlohu v tom zohrali aktivity Petra I., ktorý otvoril „okno do Európy“ a urobil európske tradície dostupné v Rusku.

Peter Prvý

História ruského ľudu je plná hrdinských a pulzujúcich spoločenských udalostí. Ruská duša sa vyznačovala osobitnou citlivosťou, vnímavosťou a predstavivosťou. Preto v Ruská maľba sleduje rozmanité témy, zápletky, obrazy. Boli to ruskí umelci pokrokových ľudí, a v ich dielach možno nájsť odraz všetkých zmien, ktoré sa odohrávajú v spoločnosti.

Ruskí maliari dosiahli vynikajúce výsledky v zobrazovaní človeka a jeho vnútorný stav. Obrazy často obsahujú výjavy zo života obyčajných ľudí, ich utrpenie, nádeje a túžby. Ruská príroda v celej svojej kráse bola inšpiračnou témou aj pre ruských umelcov. Navyše, ak boli krajiny spočiatku len obrazmi prírodných krás, neskôr sa umelci naučili sprostredkovať svoje pocity cez prírodu.

Marc Chagall

Začiatkom 20. storočia prišiel do ruského maliarstva modernizmus. Ani tu nebolo Rusko v žiadnom prípade horšie ako iné krajiny a dalo svetu svetlé diela avantgardných umelcov - Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Kazimir Malevich.

Je ťažké vymenovať všetkých vynikajúcich ruských umelcov, ale najviac slávnych mien sú to I. Šiškin, V. Savrasov, I. Repin, V. Surikov, K. Bryullov a mnohí ďalší. Sú pýchou ruského maliarstva, ich dielam sa dostalo celosvetového uznania.

názov: Dejiny ruského maliarstva - XVIII storočie.

Rýchly rozvoj Ruska za čias Petra Veľkého ho robí čiastočne podobným západná Európa renesancie. Umenie portrétu sa začalo rýchlo rozvíjať; Do polovice storočia sa vďaka všeobecnému vzostupu kultúry sprofesionalizovalo ruské výtvarné umenie. Po Petrovi sa stali obľúbenými námetmi v maľbe zátišia a desudeportes. Klasicizmus sa stal symbolom Kataríny v umení. Rozvíjanie historické maľovanie a umenie portrétovania prestáva byť elitárske. Na konci storočia sa rodí každodenný žáner a zvýraznenie krajiny v samostatnom smere.

názov: Dejiny ruského maliarstva - Prvá polovica 19. storočia.

názov: Dejiny ruského maliarstva - Prvá polovica 19. storočia.

Pre výtvarné umenie prvé desaťročia XIX storočia- začiatok zlatého veku. Bolo to v tomto čase ruských umelcov dosiahli najvyššiu zručnosť, čo im umožnilo postaviť sa na roveň najlepším majstrom európskeho umenia. Diela zhromaždené v tomto zväzku odrážajú vzostup klasicizmu, šírenie romantizmu a vznik realizmu vo všetkých aspektoch ruskej maľby.

názov: Dejiny ruského maliarstva - Prelom 19. a 20. storočia.

Rovnováha síl upadala do zabudnutia umelecký život Rusko v druhej polovici 19. storočia: na jednej strane rutinné umenie Akadémie umení, na druhej Wanderers.
IN koniec XIX storočí si mladí umelci začali hľadať vlastné cesty v maľbe. Zároveň sa vytvoril kruh Abramtsevo, ktorý predložil nové úlohy, ktoré neboli súčasťou programu partnerstva. A potom – v roku 1900 – po prvýkrát v ruskom umeleckom živote vzniklo množstvo rôznych združení: všetky vyšli s vlastnými programami, manifestami a platformami.

V dejinách ruského umenia bolo 17. storočie obdobím boja medzi dvoma maliarske školy a formovanie nových žánrov. Pravoslávna cirkev mal stále veľký vplyv kultúrny život osoba. Určité obmedzenia vo svojej činnosti zaznamenali aj umelci.

Ikonografia

Počas doby neskorého stredoveku Centrom koncentrácie umelcov a remeselníkov v Rusku bol Kremeľ, či skôr zbrojnice. Pracovali tam najlepších majstrov architektúra, maliarstvo a iné druhy kreativity.

Napriek rýchlemu rozvoju umenia v celej Európe mala maľba v Rusku v 17. storočí iba jeden žáner - maľbu ikon. Umelci boli nútení tvoriť pod bedlivým dohľadom cirkvi, ktorá sa ostro stavala proti akýmkoľvek inováciám. Ruská ikonopisecká maľba sa formovala pod vplyvom obrazových tradícií Byzancie a v tom čase už mala jasne vytvorené kánony.

Maliarstvo, podobne ako kultúra v Rusku v 17. storočí, bolo celkom samostatné a rozvíjalo sa veľmi pomaly. Jedna udalosť však znamenala úplnú reformu žánru maľby ikon. Počas požiaru v roku 1547 zhorelo v Moskve veľa starovekých ikon. Bolo potrebné obnoviť to, čo sa stratilo. A v tomto procese bol hlavným kameňom úrazu spor o povahu tvárí svätých. Názory boli rozdelené, prívrženci starých tradícií verili, že obrazy by mali zostať symbolické. Zatiaľ čo umelci modernejších názorov boli za to, aby svätí a mučeníci mali väčší realizmus.

Rozdelenie na dve školy

V dôsledku toho sa maľba v Rusku v 17. storočí rozdelila na dva tábory. V prvej boli zástupcovia školy „Godunov“ (v mene Borisa Godunova). Snažili sa oživiť tradície maľby ikon Andreja Rubleva a ďalších stredovekých majstrov.

Títo majstri pracovali na zákazkách pre kráľovský dvor a reprezentovali oficiálnu stránku umenia. Charakteristika pre túto školu boli kanonické tváre svätých, zjednodušené obrazy davu ľudí v podobe mnohých hláv, zlatých, červených a modrozelených tónov. Zároveň si možno všimnúť snahu umelcov sprostredkovať materialitu niektorých predmetov. Godunovská škola je známa najmä svojimi nástennými maľbami v komnatách Kremľa, v Smolenskej katedrále a v katedrále Najsvätejšej Trojice.

Protichodnou školou bola škola Stroganov. Názov je spojený s obchodníkmi Stroganov, pre ktorých bol vyrobený väčšina rádov a ktorí pôsobili ako „sponzori“ vo vývoji maliarstva v Rusku v 17. storočí. Práve vďaka majstrom z tejto školy sa začal prudký rozvoj umenia. Ako prví vyrobili miniatúrne ikony pre domáce modlitby. To prispelo k ich rozšíreniu medzi radových občanov.

Stroganovskí majstri čoraz viac prekračovali rámec cirkevných kánonov a začali venovať pozornosť detailom prostredia, vzhľad svätých Krajina sa teda pomaly začala rozvíjať. Ich ikony boli farebné a dekoratívne a interpretácia biblických postáv bola bližšie k obrazom skutočných ľudí. Najznámejšie zachované diela sú ikony „Nicetas the Warrior“ a „John the Baptist“.

Jaroslavľské fresky

Jedinečná pamiatka v dejinách maliarstva 17. storočia v Rusku sú fresky v kostole proroka Eliáša v Jaroslavli, na ktorých pracovali umelci zo Zbrojových komôr. Zvláštnosťou týchto fresiek sú výjavy z skutočný život, ktoré prevažujú nad biblické príbehy. Napríklad v liečebnej scéne hlavnú časť kompozície zaberá obraz roľníkov počas žatvy. Toto bolo prvé monumentálny obraz v každodennom žánri.

Medzi týmito freskami nájdete rozprávkové a mytologické výjavy. Ohromujú svojimi svetlé farby A komplexná architektúra.

Simon Ušakov

V každej fáze kultúrneho rozvoja krajiny sa objavujú jej vlastné významné osobnosti. Muž, ktorý posunul maliarstvo v Rusku v 17. storočí novým smerom a prispel k jeho čiastočnému oslobodeniu od náboženskej ideológie, bol Simon Ushakov.

Bol nielen dvorným maliarom, ale aj vedcom, učiteľom, teológom a človekom s otvorenou mysľou. Simon bol unesený západné umenie. Zaujímal sa najmä o realistické zobrazenie ľudská tvár. Je to jasne viditeľné v jeho diele „Spasiteľ nevyrobený rukami“.

Ushakov bol inovátor. Bol prvým ruským umelcom, ktorý použil olejové farby. Vďaka nemu sa začalo rozvíjať umenie medirytia. Ako hlavný umelec zbrojnice tridsať rokov namaľoval mnoho ikon, rytín, ako aj niekoľko pojednaní. Medzi nimi je „Slovo pre milovníka ikonopisu“, v ktorom vyjadril svoje myšlienky, ktoré by mal umelec pravdivo odrážať ako zrkadlo. svet. Toho sa držal vo svojich dielach a učil to aj svojich študentov. Jeho poznámky obsahujú odkazy na anatomický atlas, ktorý chcel napísať a ilustrovať rytinami. Zrejme však nebol publikovaný alebo sa nezachoval. Hlavná zásluha majstra v tom, že položil základy portrétna maľba 17. storočie v Rusku.

Parsuna

Po významných premenách v ikonomaľbe sa v portrétny žáner. Spočiatku sa to robilo v štýle maľovania ikon a nazývalo sa „parsuna“ (z latinčiny - osoba, osobnosť). Umelci čoraz viac pracujú so živou prírodou a parsuny sa stávajú realistickejšími, ich tváre naberajú na objeme.

V tomto štýle boli namaľované portréty Borisa Godunova, cárov Alexeja Michajloviča, Fjodora Alekseeviča, cárov Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova.

Je známe, že na dvore pôsobili aj zahraniční umelci. Významne prispeli aj k rozvoju ruského maliarstva.

Grafika knihy

Aj do ruských krajín sa tlač dostala dosť neskoro. Paralelne s jeho vývojom si však obľubu získavali aj rytiny, ktoré sa používali ako ilustrácie. Obrazy boli náboženského aj každodenného charakteru. Knižné miniatúry toho obdobia sa vyznačujú zložitými ornamentmi, ozdobnými začiatočnými písmenami, nechýbajú ani portrétne obrazy. Majstri školy Stroganov výrazne prispeli k rozvoju knižných miniatúr.

Maliarstvo v Rusku v 17. storočí sa zmenilo z vysoko duchovného na svetskejšie a bližšie k ľuďom. Napriek opozícii cirkevných predstaviteľov umelci obhajovali svoje právo tvoriť v žánri realizmu.