jest jednym z głównych typów Dzieła wizualne; reprezentuje obraz artystyczny obiektywny świat kolorowe farby na powierzchni. Malarstwo dzieli się na: sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

- reprezentowana głównie przez prace wykonane farbami olejnymi na płótnie (kartonowym, drewnianym lub gołym). Reprezentuje najwięcej widok masowy obraz. To właśnie ta forma jest zwykle stosowana do terminu „ obraz".

to technika rysunku na ścianach w projektowaniu budynków i elementów architektonicznych w budynkach. Szczególnie pospolity w Europie fresk - malowanie monumentalne na mokrym tynku farbami wodorozcieńczalnymi. Ta technika rysunkowa znana jest od starożytności. Później technika ta została wykorzystana przy projektowaniu wielu chrześcijańskich świątyń religijnych i ich sklepień.

malarstwo dekoracyjne - (od łacińskie słowo od decoro - dekorować) to sposób rysowania i rysowania obrazów na przedmiotach i detalach wnętrz, ścianach, meblach i innych. elementy dekoracyjne. Odnosi się do sztuki i rzemiosła.

Możliwości Sztuka obrazowa Malarstwo sztalugowe ujawnia się szczególnie wyraziście od XV wieku, od momentu masowego użycia farb olejnych. To w nim dostępna jest szczególna różnorodność treści i głębokie opracowanie formy. W sercu malowniczego środki artystyczne leżą kolory (możliwości kolorów), w nierozerwalnej jedności z światłocieniem i linią; kolor i światłocień są rozwijane i rozwijane technikami malarskimi z pełnią i jasnością niedostępną dla innych form sztuki. Wynika to z wrodzonej malarstwo realistyczne perfekcja modelowania wolumetrycznego i przestrzennego, żywe i dokładne oddanie rzeczywistości, możliwość realizacji wymyślonych przez artystę wątków (i metod konstruowania kompozycji) oraz inne walory malarskie.

Kolejną różnicą w różnicach w rodzajach malarstwa jest technika wykonania według rodzajów farb. Nie zawsze wystarczy wspólne cechy do ustalenia. Granica między malarstwem a grafiką w każdym indywidualnym przypadku: np. prace wykonane akwarelą lub pastelą mogą należeć do obu dziedzin, w zależności od podejścia artysty i postawionych mu zadań. Chociaż rysunki na papierze są klasyfikowane jako grafika, aplikacja różne techniki rysowanie farbami czasami zaciera różnicę między malarstwem a grafiką.

Należy wziąć pod uwagę, że sam termin semantyczny „malarstwo” jest słowem języka rosyjskiego. Został użyty jako termin podczas formowania się sztuk pięknych w Rosji w epoce baroku. Używanie słowa „malarstwo” odnosiło się wówczas tylko do pewnego rodzaju realistycznego przedstawiania farbami. Ale pierwotnie wywodzi się z cerkiewnej techniki malowania ikon, w której używa się słowa „pisać” (odnoszącego się do pisma), ponieważ słowo to jest tłumaczeniem znaczenia w tekstach greckich (tutaj pojawiają się takie „trudności w tłumaczeniu”). Rozwój w Rosji własny Szkoła Artystyczna i dziedzictwo europejskiej wiedzy akademickiej w dziedzinie sztuki, rozwinął zakres rosyjskiego słowa „malarstwo”, wpisując je do terminologii edukacyjnej i język literacki. Ale w języku rosyjskim powstała cecha znaczenia czasownika „pisać” w odniesieniu do pisania i rysowania obrazów.

Gatunki malarstwa

W toku rozwoju sztuk pięknych ukształtowało się kilka klasycznych gatunków malarstwa, które uzyskały własne cechy i reguły.

Portret- to jest realistyczny obraz osoba, w której artysta stara się osiągnąć podobieństwo do oryginału. Jeden z najpopularniejszych gatunków malarstwa. Większość klientów wykorzystywała talent artystów do uwiecznienia własnego wizerunku lub chcąc uzyskać wizerunek kochany, krewny itp. Klienci dążyli do uzyskania podobieństwa do portretu (a nawet upiększenia go), pozostawiając wizualne ucieleśnienie w historii. Portrety w różnych stylach stanowią najbardziej masywną część ekspozycji większości muzeów sztuki i kolekcji prywatnych. Ten gatunek obejmuje taki rodzaj portretu jak autoportret - wizerunek samego artysty, napisany przez niego samego.

Sceneria- jeden z popularnych gatunków malarskich, w którym artysta stara się ukazać naturę, jej piękno lub osobliwość. Różne rodzaje przyrody (nastrój pory roku i pogoda) mają jasny wpływ emocjonalny na dowolnym widzu - jest to psychologiczna cecha osoby. Chęć uzyskania emocjonalnego wrażenia z krajobrazów uczyniła ten gatunek jednym z najpopularniejszych kreatywność artystyczna.

- ten gatunek jest pod wieloma względami podobny do pejzażu, ale ma kluczową cechę: obrazy przedstawiają pejzaże z udziałem obiektów architektonicznych, budynków lub miast. Szczególnym kierunkiem są uliczne widoki miast oddające klimat miejsca. Innym kierunkiem tego gatunku jest obraz piękna architektury konkretnego budynku – jego wyglądu lub obrazu jego wnętrz.

- gatunek, w którym znajduje się główna fabuła obrazów wydarzenie historyczne lub jego interpretacji przez artystę. Co ciekawe, gatunek ten obejmuje ogromną liczbę obrazów o tematyce biblijnej. Od średniowiecza sceny biblijne uważano za wydarzenia „historyczne”, a głównym odbiorcą tych obrazów był kościół. „Historyczne” sceny biblijne są obecne w twórczości większości artystów. Odrodzenie malarstwa historycznego następuje w okresie neoklasycyzmu, kiedy artyści stają się sławni tematy historyczne, wydarzenia ze starożytności czy legendy narodowe.

- odzwierciedla sceny wojen i bitew. Cechą charakterystyczną jest nie tylko chęć odzwierciedlenia wydarzenia historycznego, ale także przekazanie widzowi emocjonalnego uniesienia wyczynu i bohaterstwa. Następnie gatunek ten staje się również polityczny, pozwalając artyście przekazać widzowi swój pogląd (swój stosunek) do tego, co się dzieje. Podobny efekt politycznego akcentu i siły talentu artysty widzimy w twórczości V. Vereshchagina.

to gatunek malarstwa z kompozycjami z przedmioty nieożywione, używając kwiatów, produktów, potraw. Ten gatunek jest jednym z najnowszych i powstał w szkoła holenderska obraz. Być może jego pojawienie się wynika ze specyfiki szkoły holenderskiej. Rozkwit gospodarczy XVII wieku w Holandii doprowadził do pragnienia niedrogiego luksusu (obrazy) u znacznej części populacji. Ta sytuacja przyciągnęła Holandię duża liczba artystów, wywołując między nimi ostrą rywalizację. Modelki i warsztaty (ludzie w odpowiednich strojach) nie były dostępne dla biednych artystów. Rysując obrazy na sprzedaż, używali improwizowanych środków (przedmiotów) do komponowania obrazów. Ta sytuacja w dziejach szkoły niderlandzkiej jest przyczyną rozwoju malarstwa rodzajowego.

Malarstwo rodzajowe - fabuła obrazów jest domowe sceny Życie codzienne lub święta, zwykle z udziałem zwykli ludzie. Podobnie jak martwa natura, rozpowszechniła się wśród artystów holenderskich w XVII wieku. W okresie romantyzmu i neoklasycyzmu gatunek ten odradza się, obrazy nie tyle odzwierciedlają życie codzienne jak bardzo to romantyzować, dodawać do fabuły pewne znaczenie lub moralność.

przystań- rodzaj krajobrazu, który przedstawia widoki na morze, nadmorskie krajobrazy z widokiem na morze, wschody i zachody słońca na morzu, statki, a nawet bitwy morskie. Chociaż jest osobny gatunek bitewny, ale bitwy morskie nadal należą do gatunku marin. Rozwój i popularyzację tego gatunku można również przypisać szkole holenderskiej XVII wieku. Był popularny w Rosji dzięki pracy Aiwazowskiego.

- cechą tego gatunku jest kreacja obrazy realistyczne przedstawiający piękno zwierząt i ptaków. Jeden z ciekawe funkcje Ten gatunek to obecność obrazów przedstawiających nieistniejące lub mityczne zwierzęta. Nazywa się artystów specjalizujących się w obrazach zwierząt animaliści.

Historia malarstwa

Potrzeba realistycznego obrazu istniała od czasów starożytnych, ale miała szereg wad wynikających z braku technologii, systematycznej szkoły i edukacji. W starożytności często można znaleźć przykłady stosowanych i malarstwo monumentalne z techniką malowania na tynku. W starożytności większą wagę przywiązywano do talentu wykonawcy, artyści byli ograniczeni w technologii wykonywania farb i możliwości otrzymania systematycznej edukacji. Ale już w starożytności ukształtowała się specjalistyczna wiedza i dzieła (Witruwiusz), które będą podstawą nowego rozkwitu sztuka europejska w okresie renesansu. Znaczący rozwój malarstwa dekoracyjnego nastąpił w starożytności greckiej i rzymskiej (szkoła zaginęła w średniowieczu), którego poziom osiągnięto dopiero po XV wieku.

Malarstwo rzymskiego fresku (Pompeje, I wpne), przykład stanu techniki malarstwa antycznego:

„Ciemne wieki” średniowiecza, wojujące chrześcijaństwo i inkwizycja doprowadziły do ​​zakazu badania dziedzictwa artystycznego starożytności. Ogromne doświadczenie starożytnych mistrzów, wiedza z zakresu proporcji, kompozycji, architektury i rzeźby są zakazane i wiele walory artystyczne zniszczone z powodu ich oddania starożytnym bóstwom. Powrót do wartości sztuki i nauki w Europie następuje dopiero w okresie renesansu (odrodzenia).

Artyści wczesny renesans(odrodzenie) muszą dogonić i wskrzesić dorobek i poziom starożytnych artystów. Co podziwiamy w pracach artystów wczesny renesans, był poziomem mistrzów Rzymu. Wyraźny przykład utraty kilku wieków rozwoju sztuki europejskiej (i cywilizacji) w okresie „ średniowiecze„Średniowiecze, wojujące chrześcijaństwo i inkwizycja - różnica między tymi obrazami z XIV wieku!

Pojawienie się i rozpowszechnienie technologii wykonywania farb olejnych oraz techniki ich rysowania w XV wieku daje początek rozwojowi malarstwa sztalugowego i specjalny rodzaj wyroby artystyczne - kolorowe obrazy olejne na zagruntowanym płótnie lub drewnie.

Malarstwo przeszło ogromny skok jakościowy w renesansie, głównie dzięki twórczości Leona Battisty Albertiego (1404-1472). Jako pierwszy położył podwaliny perspektywy w malarstwie (traktat „O malarstwie” z 1436 r.). Jemu (jego pracy nad systematyzacją wiedzy naukowej) europejska szkoła artystyczna zawdzięcza pojawienie się (odrodzenie) realistycznej perspektywy i naturalnych proporcji w obrazach artystów. Słynny i znajomy rysunek Leonarda da Vinci "Człowiek witruwiański"(proporcje ludzkie) z 1493 r., poświęcony systematyzacji starożytnej wiedzy Witruwiusza o proporcjach i kompozycji, został stworzony przez Leonarda pół wieku później niż traktat Albertiego „O malarstwie”. A dzieło Leonarda jest kontynuacją rozwoju europejskiej (włoskiej) szkoły artystycznej renesansu.

Ale jasne i masowy rozwój malarstwo otrzymało, począwszy od XVI-XVII wieku, kiedy to stało się powszechną techniką obraz olejny pojawiły się różne technologie wytwarzania farb i powstały szkoły malarstwa. To właśnie system wiedzy i edukacji artystycznej (techniki rysunkowej) w połączeniu z zapotrzebowaniem na dzieła sztuki ze strony arystokracji i monarchów, prowadzi do szybkiego rozkwitu sztuk plastycznych w Europie (okres baroku).

Nieograniczone możliwości finansowe europejskich monarchii, arystokracji i przedsiębiorców stały się doskonałym gruntem do tego dalszy rozwój malarstwo XVII-XIX wieku. A osłabienie wpływów kościoła i świeckiego stylu życia (pomnożone przez rozwój protestantyzmu) pozwoliło na narodziny wielu tematów, stylów i nurtów w malarstwie (barok i rokoko).

W toku rozwoju sztuk plastycznych artyści ukształtowali wiele stylów i technik, które prowadzą do najwyższy poziom realizm w pracach. Pod koniec XIX wieku (wraz z nadejściem nurtów modernistycznych) w malarstwie rozpoczęły się ciekawe przemiany. Dostępność edukacji artystycznej, masowa konkurencja i wysokie wymagania stawiane artystom przez publiczność (i nabywców) wyznaczają nowe kierunki w środkach wyrazu. Sztuk pięknych nie ogranicza już tylko poziom techniki wykonania, jaki artyści starają się wnieść do dzieł specjalne znaczenia, sposobów „spojrzenia” i filozofii. To, co często idzie ze szkodą dla poziomu wykonania, staje się spekulacją lub sposobem na skandal. Różnorodność kształtujących się stylów, ożywione dyskusje, a nawet skandale powodują rozwój zainteresowania nowymi formami malarstwa.

Nowoczesne technologie rysowania komputerowego (cyfrowego) są związane z grafiką i nie można ich nazwać malarstwem, chociaż jest ich wiele programy komputerowe i sprzęt pozwalają całkowicie powtórzyć dowolną technikę malowania farbami.

W drugiej połowie XVIII wieku w sztuce rosyjskiej ukształtował się styl klasycyzmu, który charakteryzuje się surowością rysunku, przestrzeganiem pewnych zasad kompozycji, umownością koloru, wykorzystywaniem scen biblijnych, Historia starożytna i mitologia. Osobliwością rosyjskiego klasycyzmu było to, że jego mistrzowie zwrócili się nie tylko do starożytności, ale także do rodzima historiaże dążyli do prostoty, naturalności i człowieczeństwa. Klasycyzm jako nurt w języku rosyjskim kultura artystyczna mocno ugruntowany w koniec XVIIIw - początek XIX wieki. Ten okres rozkwitu klasycyzmu w rosyjskiej historii malarstwa jest zwykle nazywany wysokim klasycyzmem. Charakterystyczne dla ówczesnych malarzy było romantyczne stwierdzenie piękna niepowtarzalnego, indywidualnego, niezwykłego, ale za najwyższe osiągnięcie tej epoki sztuk pięknych w Rosji można uznać nie malarstwo historyczne, ale portret (A. Argunov, A. Antropow, F. Rokotow, D. Lewicki, W. Borowikowski, O. Kiprensky).

OA Kiprensky (1782-1836) odkrył nie tylko nowe cechy człowieka, ale także nowe możliwości malarstwa. Każdy z jego portretów ma swoją specyficzną strukturę malarską. Niektóre zbudowane są na ostrym kontraście światła i cienia. W innych głównym środkiem obrazowym jest subtelna gradacja kolorów, które są blisko siebie. Obrazy K. P. Bryullova (1799-1852) charakteryzują się połączeniem akademickiego klasycyzmu z romantyzmem, nowatorstwem fabuły, teatralnym efektem plastyczności i oświetlenia, złożonością kompozycji, genialną wirtuozerią pędzla. Powszechnie znany był obraz „Ostatni dzień Pompei” (1830-1833). Wzniosłe piękno człowieka i nieuchronność jego śmierci odbijają się w obrazie w tragicznej sprzeczności. Romantyczny charakter jest również nieodłącznym elementem większości portretów Bryulłowa. Największym mistrzem malarstwa historycznego był A.A. Iwanow, nadał swemu obrazowi charakter ofiarnej służby idei i zdołał przezwyciężyć wiele wzorców tkwiących w technice akademickiej.

W swoich pracach przewidział wiele poszukiwań rosyjskiego malarstwa realistycznego w następnych dziesięcioleciach.

Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w stronę demokratycznego realizmu zaznaczył się pod koniec lat 50. wraz z rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa, Saltykowa-Szczedrina. 9 listopada 1863 r. 14 absolwentów Akademii Sztuk Pięknych pod przewodnictwem I. Kramskoja odmówiło namalowania obrazu dyplomowego na proponowanej działce „Uczta w Walhalli” i poprosiło o wybór dla nich działek. Odmówiono im i wyzywająco opuścili Akademię, tworząc niezależny Artel Artystów. Drugim wydarzeniem było utworzenie w 1870 r. Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych, którego duszą był sam I. Kramskoj. Wędrowcy byli zjednoczeni w odrzuceniu „akademizmu” przez jego mitologię, dekoracyjne krajobrazy i pompatyczne przedstawienia teatralne. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Chłopstwo cieszyło się szczególną sympatią dla „Wędrowców”. W tym czasie - w latach 60-70. 19 wiek - ideowa strona sztuki była ceniona wyżej niż estetyczna. Być może największy hołd dla ideologii złożył W. G. Perow (1834-1882). Dowodem na to są jego obrazy, takie jak „Przybycie policjanta na śledztwo”, „Picie herbaty w Mytiszczi”, „Trojka”, „Starzy rodzice przy grobie syna”. Pędzel Perowa należy do wielu jego portretów sławni współcześni(Turgieniew, Dostojewski). W twórczości Kramskoja główne miejsce zajmowały portrety. Malował Goncharov, Saltykov-Szczedrin. Jest właścicielem jednego z najlepszych portretów Lwa Tołstoja. Wzrok pisarza nie opuszcza widza, z któregokolwiek punktu patrzy na płótno.

Jeden z najbardziej mocne prace Kramskoy - obraz „Chrystus na pustyni”.

Ale nie można powiedzieć, że Akademia Sztuk Pięknych nie wystawia talentów. Najlepsze tradycje akademizmu rozwinęły się w majestacie płótna historyczne G. Semiradsky, dzieła zmarłego wcześnie V. Smirnova („Śmierć Nerona”), wspaniałe płótna malarza morskiego, przedstawiciela romantyzmu Iwana Aiwazowskiego. Właściwie z murów Akademii wyszło wielu wybitnych artystów. To Repin, Surikow, Polenow i Wasniecow, a później - Serow i Wrubel.

„Wędrowcy” dokonali prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. A. K. Savrasovowi udało się pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzima natura. I. I. Shishkin (1832-1898) został śpiewakiem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości geograficznej rosyjskiej natury. AI Kuindzhi (1841-1910) pociągała malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone refleksy świtu na białych ścianach ukraińskich chat, poranne promienie, przedzieranie się przez mgłę i zabawa w kałużach na błotnistej drodze - te i wiele innych malowniczych odkryć zostało uwiecznionych na jego płótnach.

rosyjski szczyt pejzaż XIX wiek osiągnął w twórczości studenta Savrasova

I. I. Lewitan (1860-1900). Lewitan to mistrz spokojnych, zacisznych krajobrazów.Człowiek nieśmiały i wrażliwy, potrafił wypocząć tylko sam na sam z naturą, przesiąknięty nastrojem ukochanego przez siebie krajobrazu.

Prowincjonalne miasto Ples nad górną Wołgą mocno wkroczyło w dzieło Lewitana. W tych stronach tworzył swoje płótna: „Po deszczu”, „Ponury dzień”.

Malowano tam także spokojne wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór. Złoty zasięg”, „Wieczór dzwoni”, „Cicha siedziba”.

W drugiej połowie XIXw. wyjaśniają twórczy rozkwit I. E. Repina, V. I. Surikowa i V. A. Serowa.

IE Repin (1844-1930) był artystą bardzo wszechstronnym. Jego pędzlem jest wiele monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniej imponujący niż „Wozidła barkowe na Wołdze” - płótno ” Procesja na kurskim guberni". Jasnoniebieskie niebo, przebite słońcem obłoki pyłu drogowego, złoty blask krzyży i szat liturgicznych, policja, zwykli ludzie i kalecy - wszystko mieściło się na tym płótnie: wielkość i siła , słabość i ból Rosji.W wielu obrazach Repin poruszał tematy rewolucyjne („Odmowa spowiedzi”, „Nie czekali”, „Aresztowanie propagandysty”). wątki historyczne(„Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy układają list sułtan turecki"itd.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety - naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), - pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, - kompozytorów Glinkę i Musorgskiego, - artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku wieku otrzymał zamówienie na obraz Uroczyste spotkanie Rady Państwa”. Artystce udało się nie tylko umieścić kompozycyjnie na płótnie m.in duża liczba teraźniejszości, ale także dać opis psychologiczny wielu z nich.

VI Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w rodzinie kozackiej. Rozkwit jego twórczości przypada na lata 80., kiedy to powstały trzy jego najsłynniejsze obrazy historyczne: „Poranek egzekucja łucznicza”,„ Mienszykow w Berezowie ”i„ Bojar Morozowa ”. Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok, wiedział, jak nadać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był doskonałym kolorystą. Wystarczy przypomnieć olśniewająco świeży, lśniący śnieg na obrazie„ Boyar Morozova ”. Jeśli zbliżysz się do płótna, śnieg jakby „kruszy się” w niebieskie, niebieskie, różowe pociągnięcia. malowniczy odbiór, kiedy dwa lub trzy różne pociągnięcia łączą się na odległość i dają pożądany kolor, francuscy impresjoniści szeroko stosowali.

V. A. Serov (1865-1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej, pracował jako artysta teatralny. Ale sława przyniosła mu przede wszystkim portrety. W 1887 roku 22-letni Serow spędzał wakacje w Abramcewie, podmoskiewskiej daczy filantropa S. I. Mamontowa. Pewnego razu po obiedzie dwie osoby przypadkowo zatrzymały się w jadalni - Serov i 12-letnia Vera Mamontova. Siedzieli przy stole, na którym pozostały brzoskwinie, a podczas rozmowy dziewczyna nie zauważyła, jak artysta zaczął szkicować jej portret. Prace trwały ponad miesiąc. Na początku września Dziewczyna z brzoskwiniami została ukończona. Mimo niewielkich rozmiarów obraz, utrzymany w tonacji różowego złota, sprawiał wrażenie bardzo „przestronnego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która jakby na chwilę usiadła przy stole i utkwiła wzrok w widzu, oczarowała wyrazistością i duchowością.

Tak, a całe płótno było pokryte czysto dziecinnym postrzeganiem codzienności, kiedy szczęście nie jest świadome siebie, ale przed sobą - całe życie. Czas umieścił „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych dzieł portretowych w sztuce rosyjskiej i światowej.

Odwołaj się do motywy narodowe doprowadziło do bezprecedensowego rozkwitu historii i kultury malarstwo bojowe. Prawdziwe arcydzieła w tych gatunkach stworzyli V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereshchagin, F. Roubaud. W tych latach pierwszy krajowy galerie sztuki; prace rosyjskich artystów zaczynają regularnie pojawiać się na wystawach międzynarodowych i zagranicznych salony artystyczne. Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa i innych Wędrowców trafiło do kolekcji Tretiakowa. P. M. Trietiakow (1832-1898), przedstawiciel starej Moskwy rodzina kupiecka był niezwykłą osobą. Szczupły i wysoki, z krzaczasta broda i cichym głosem brzmiał bardziej jak święty niż kupiec. Zaczął kolekcjonować obrazy rosyjskich artystów w 1856 roku. Hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. kolekcja osiągnęła poziom muzeum, pochłaniając prawie cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galerii Trietiakowskiej stał się światowy słynne muzeum Rosyjskie malarstwo, grafika i rzeźba. W 1898 r. W Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twór K. Rossi), otwarto Muzeum Rosyjskie. Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk Pięknych i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów niejako ukoronowało osiągnięcia Rosjan obraz XIX wiek. Pod koniec lat 90. XIX wieku czołowi rzemieślnicy nadal owocnie pracowali. krytyczny realizm- I. E. Repin,

V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, V. E. Makovsky, ale w tym czasie pojawił się także inny nurt w sztuce. Wielu artystów starało się teraz znaleźć w życiu przede wszystkim jego poetyckie strony, a więc nawet w obrazy rodzajowe obejmowały krajobraz. Często cytowany starożytna historia Rosji. Te trendy w sztuce są wyraźnie widoczne w twórczości takich artystów jak A.P. Ryabushkin i M.V. Nesterov.

Wybitny artysta tego czasu - B. M. Kustodiew (1878-1927) przedstawia jarmarki z różnokolorowymi łyżkami i stosami kolorowych towarów, rosyjskie karnawały z jazdą na trojkach, sceny z życia kupieckiego.

W wczesna praca M. V. Nesterov najpełniej ujawnił liryczne aspekty swojego talentu. Zawsze w swoich obrazach duża rola odtwarzany pejzaż: artysta szukał ukojenia w ciszy wiecznie pięknej przyrody. Lubił przedstawiać brzozy o cienkich pniach, kruche źdźbła traw i polne kwiaty. Jego bohaterami są szczupli młodzieńcy, mieszkańcy klasztorów lub poczciwi starcy, którzy odnajdują spokój i ciszę w przyrodzie. Obrazy poświęcone losom Rosjanki („W górach”, 1896, „Wielka tonsura”, 1897-1898) wzbudzają głębokie współczucie.

Symbolizm, neoklasycyzm, nowoczesność mają zauważalny wpływ na M.A. Vrubel, artyści ze „World of Art” (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) i „Blue Rose” (S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatow). Działalność tych grup była bardzo wszechstronna, artyści wydawali własne czasopismo „The World of Art”, organizowali ciekawie wystawy sztuki z udziałem wielu wybitnych mistrzów.

w latach 1910 Rodzi się rosyjska awangarda - jako chęć odbudowy podstaw sztuki aż do zaprzeczenia samej sztuki. Szereg artystów i skojarzenia twórcze tworzyć nowe szkoły i nurty, które w decydujący sposób wpłynęły na rozwój światowej sztuki plastycznej – suprematyzm (K. Malewicz), styl „improwizacyjny” i abstrakcjonizm (V. Kandinsky), rajonizm (Łarionow) itp. Scharakteryzowano wszystkie nurty w sztuce awangardowej przez zastąpienie treści duchowych pragmatyzm, emocjonalność - trzeźwa kalkulacja, obrazowość artystyczna - prosta harmonizacja, estetyka form, kompozycja - konstrukcja, wielkie idee - utylitaryzm. Nowa sztuka podbija z nieokiełznaną swobodą, urzeka i urzeka, ale jednocześnie świadczy o degradacji, niszczeniu integralności treści i formy. Atmosfera ironii, zabawy, karnawału i maskarady, charakterystyczna dla niektórych nurtów sztuki awangardowej, nie tylko maskuje, ale ujawnia głęboką wewnętrzną niezgodę w duszy artysty. Pojęcie „awangardy” umownie łączy najróżniejsze nurty w sztuce XX wieku. (konstruktywizm, kubizm, orfizm, op-art, pop-art, puryzm, surrealizm, fowizm). Głównymi przedstawicielami tego nurtu w Rosji są V. Malewicz, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, Yakulov, A. Exter, B. Ender i inni.

w latach 1910 następuje również odrodzenie zainteresowania malarstwem ikon. Zasady artystyczne malarstwo ikonowe było twórczo wykorzystywane zarówno przez pojedynczych artystów rosyjskich (V. Vasnetsov, M. Nesterov, K.S. Petrov-Vodkin), jak i zagranicznych (A. Matisse), a także przez całe nurty i szkoły awangardy.

Od końca lat dwudziestych obowiązuje zasada socrealizm. Ideologia staje się główną siłą determinującą twórczość artystyczną. Mimo silnego wpływu ideologii powstały prawdziwe dzieła sztuki światowej klasy. Twórczość malarzy krajobrazu S.V. Gerasimova, V.N. Baksheeva, A.A. Plastov, kreatywność P.D. Korina, A.N. Ostroumoma-Lebedeva, I. Glazunov, K. Vasiliev, A. Shilov, A. Isachev są tego przekonującym dowodem. Od lat 60 nadchodzi odrodzenie rosyjskiej awangardy. „Dozwolona”, ale nie oficjalna część sztuki radzieckiej lat 60. reprezentowane przez dzieła mistrzów” surowy styl„(T. Salakhov, S. Popkov). W latach 70. i 80. uznano kreatywność sowieccy artyści- R. Bichunas, R. Tordia, D. Zhilinsky, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leis, V. Kalinin i inni, przedstawiciele nie tylko „sztuki oficjalnie dozwolonej”. Rosyjski postmodernizm lat 90. XX wieku jest przykładem twórczości grupy „SVOI” (Hyper-Pupper-Kuzniecow V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Max-Maksyutina, Menus A., Nosowa S., Podobed A., Tkaczow M.). Już sam fakt łączenia różnych artystów w jeden żywy organizm, nieograniczony ramami pojęciowymi czy stylistycznymi, najtrafniej odpowiada podstawowej zasadzie postmodernizmu o równoległości i ekwiwalencji nurtów artystycznych.

malarstwo klasycyzmu artystycznego

Historia malarstwa rosyjskiego zaczyna się od Ruś Kijowska. To prawda, podobnie jak wiele innych zjawisk, malarstwo nie stało się rodzimym rosyjskim osiągnięciem. Pojawienie się malarstwa na Rusi wiąże się z imieniem księcia Włodzimierza i Bizancjum. Wraz z chrześcijaństwem książę rosyjski sprowadził do Rosji tradycje malarstwa. Pierwsze dzieła sztuki związane były ze świątyniami. To te tradycyjne, które zdobiły ściany kościołów.

Rozkwit malarstwa rosyjskiego przypada na XV wiek. To jest dokładnie czas, kiedy się pojawia. Ten rodzaj twórczości jest nierozerwalnie związany z dziedzictwem Rosji i nazwiskami wielu oryginalnych mistrzów. Wielu twórców pozostało nieznanych, ale nazwisko wielkiego malarza ikon Andrieja Rublowa stało się standardem w technice malowania ikon na wiele stuleci.

Pierwsze realistyczne płótna pojawiają się w Rosji w XVII wieku. Rosyjscy artyści, a także malarze europejscy, zaczynają zwracać się ku pewnym gatunkom -,. Odgrywała to działalność Piotra I, który otworzył „okno na Europę” i uczynił europejskie tradycje dostępne w Rosji.

Piotr Wielki

Historia narodu rosyjskiego jest pełna heroicznych i jasnych wydarzeń społecznych. Rosyjską duszę wyróżniała szczególna wrażliwość, podatność i fantazja. Dlatego w malarstwo rosyjskie obserwuje różnorodność tematów, wątków, obrazów. Rosyjscy artyści byli postępowi ludzie, aw ich pracach można znaleźć odzwierciedlenie wszystkich zmian zachodzących w społeczeństwie.

Rosyjscy malarze osiągnęli wybitne wyniki w przedstawianiu człowieka i jego stan wewnętrzny. Na płótnach bardzo często pojawiają się sceny z życia zwykłych ludzi, ich cierpienia, nadziei i aspiracji. Rosyjska przyroda w całej okazałości była także przedmiotem inspiracji dla rosyjskich artystów. Co więcej, jeśli początkowo krajobrazy były po prostu obrazami naturalnego piękna, później artyści nauczyli się przekazywać swoje uczucia poprzez naturę.

Marca Chagalla

Na początku XX wieku do malarstwa rosyjskiego wkroczył modernizm. Tutaj Rosja również w niczym nie ustępowała innym krajom, dając światu jasne dzieła awangardowych artystów - Wassily'ego Kandinsky'ego, Marca Chagalla, Kazimierza Malewicza.

Trudno wymienić wszystkich wybitnych rosyjskich artystów, ale najbardziej znane nazwiska są to I. Shishkin, V. Savrasov, I. Repin, V. Surikov, K. Bryullov i wielu innych. Są dumą rosyjskiego malarstwa, ich prace zyskały światowe uznanie.

Imię: Dzieje malarstwa rosyjskiego - XVIII wiek.

Szybki rozwój Rosji w epoce Piotrowej częściowo wiąże się z tym Zachodnia Europa renesans. Sztuka portretowania zaczęła się szybko rozwijać; do połowy wieku, dzięki ogólnemu rozwojowi kultury, rosyjska sztuka plastyczna stała się profesjonalna. Po Piotrze popularnym tematem malarstwa stały się martwe natury i desudeportes. Klasycyzm stał się symbolem panowania Katarzyny w sztuce. Rozwój malarstwo historii a sztuka portretowania przestaje być elitarna. Pod koniec wieku narodziny gatunek domowy i podkreślając krajobraz w osobnym kierunku.

Imię: Dzieje malarstwa rosyjskiego - pierwsza połowa XIX wieku.

Imię: Dzieje malarstwa rosyjskiego - pierwsza połowa XIX wieku.

Dla sztuk pięknych pierwsze dziesięciolecia 19 wiek- początek złotego wieku. To było w tym czasie rosyjscy artyści osiągnęli najwyższy poziom umiejętności, który pozwolił im stanąć na równi z najlepszymi mistrzami sztuki europejskiej. Prace zebrane w tym tomie odzwierciedlają powstanie klasycyzmu, rozprzestrzenianie się romantyzmu i narodziny realizmu we wszystkich aspektach malarstwa rosyjskiego.

Imię: Dzieje malarstwa rosyjskiego - przełom XIX i XX wieku.

Układ sił poszedł w zapomnienie życie artystyczne Rosja drugiej połowy XIX wieku: z jednej strony sztuka rutynowa Akademii Sztuk Pięknych, z drugiej Wędrowcy.
W koniec XIXw wieku młodzi artyści zaczęli szukać własnych dróg w malarstwie. W tym samym czasie powstał krąg Abramcewa, który przedstawił nowe zadania, które nie były wpisane w program Partnerstwa. A potem - w latach 1900 - po raz pierwszy w rosyjskim życiu artystycznym powstało mnóstwo różnych stowarzyszeń: wszystkie wyszły ze swoimi programami, manifestami, platformami.

W historii sztuki rosyjskiej XVII wiek był okresem walki między dwoma szkoły malarstwa i powstawanie nowych gatunków. Sobór nadal miał ogromny wpływ życie kulturalne osoba. Artyści również doświadczyli pewnych ograniczeń w swojej działalności.

ikonografia

Czasami późne średniowiecze centrum koncentracji artystów i rzemieślników w Rosji był Kreml, a raczej Zbrojownia. Tam pracowali najlepsi mistrzowie architektura, malarstwo i inne rodzaje twórczości.

Pomimo szybkiego rozwoju sztuki w całej Europie, malarstwo w Rosji w XVII wieku miało tylko jeden gatunek - malarstwo ikon. Artyści zmuszeni byli tworzyć pod czujnym nadzorem kościoła, który stanowczo sprzeciwiał się wszelkim innowacjom. Rosyjskie malarstwo ikonowe ukształtowało się pod wpływem malarskich tradycji Bizancjum i miało już wówczas wyraźnie ukształtowane kanony.

Malarstwo, podobnie jak kultura w Rosji w XVII wieku, było raczej samoistne i rozwijało się bardzo powoli. Jednak jedno wydarzenie doprowadziło do całkowitej reformy gatunku malowania ikon. W pożarze w 1547 roku w Moskwie spłonęło wiele starożytnych ikon. Trzeba było przywrócić utracone. A przy tym główną przeszkodą był spór o charakter twarzy świętych. Zdania były podzielone, zwolennicy dawnych tradycji uważali, że obrazy powinny pozostać symboliczne. Artyści o bardziej nowoczesnych poglądach opowiadali się natomiast za nadaniem świętym i męczennikom większego realizmu.

Podzielony na dwie szkoły

W rezultacie malarstwo w Rosji w XVII wieku podzieliło się na dwa obozy. W pierwszej znaleźli się przedstawiciele szkoły „Godunow” (w imieniu Borysa Godunowa). Starali się ożywić tradycje malowania ikon Andrieja Rublowa i innych średniowiecznych mistrzów.

Mistrzowie ci pracowali na zlecenia dla dworu królewskiego i reprezentowali oficjalną stronę sztuki. charakterystyczne cechy dla tej szkoły były kanoniczne twarze świętych, uproszczone obrazy tłumu ludzi w postaci wielu głów, złote, czerwone i niebiesko-zielone odcienie. Jednocześnie można zauważyć próby oddania przez artystów materialności niektórych obiektów. Szkoła Godunowa jest najbardziej znana z malowideł ściennych w komnatach Kremla, w katedrze smoleńskiej, katedrze Świętej Trójcy.

Szkołą przeciwną był „Stroganow”. Nazwa jest związana z kupcami Stroganowami, dla których większość zakonów i którzy pełnili rolę „sponsorów” rozwoju malarstwa w Rosji w XVII wieku. To dzięki mistrzom z tej szkoły rozpoczął się szybki rozwój sztuki. Jako pierwsi wykonali miniaturowe ikony do domowych modlitw. Przyczyniło się to do ich rozpowszechnienia wśród zwykłych obywateli.

Mistrzowie Stroganowa coraz bardziej wychodzili poza kanony kościelne i zaczęli zwracać uwagę na szczegóły otoczenia, wyglądświęci. I tak krajobraz powoli zaczął się rozwijać. Ich ikony były kolorowe i ozdobne, a interpretacja postaci biblijnych była bliższa wizerunkom prawdziwych ludzi. Najbardziej znanymi z zachowanych dzieł są ikony „Wojownik Nikita”, „Jan Chrzciciel”.

freski w Jarosławiu

Unikalny pomnik w historii malarstwa XVII wieku w Rosji są freski w cerkwi proroka Eliasza w Jarosławiu, nad którymi pracowali artyści ze Zbrojowni. Cechą tych fresków są sceny z prawdziwe życie które przeważają historie biblijne. Na przykład w scenie z uzdrowieniem główną część kompozycji zajmuje wizerunek chłopów podczas żniw. To było pierwsze monumentalny obraz w rodzimym gatunku.

Wśród tych fresków można znaleźć sceny baśniowe i mitologiczne. Uderzają swoimi żywe kolory oraz złożona architektura.

Szymon Uszakow

Na każdym etapie rozwoju kulturalnego kraju pojawiają się znaczące postaci. Osobą, która wypromowała w Rosji w XVII wieku malarstwo w nowym kierunku i przyczyniła się do jego częściowego wyzwolenia od ideologii religijnej, był Szymon Uszakow.

Był nie tylko nadwornym malarzem, ale także naukowcem, nauczycielem, teologiem, człowiekiem otwarty. Szymon był uzależniony sztuka zachodnia. W szczególności interesował go realistyczny obraz ludzka twarz. Widać to wyraźnie w jego dziele „Zbawiciel nie ręką uczyniony”.

Uszakow był innowatorem. Był pierwszym rosyjskim artystą, który użył farby olejnej. Dzięki niemu zaczęła się rozwijać sztuka grawerowania na miedzi. Będąc głównym artystą Zbrojowni przez trzydzieści lat, napisał wiele ikon, rycin, a także kilka traktatów. Wśród nich jest „Słowo do miłośnika malarstwa ikonowego”, w którym zarysował swoje przemyślenia, jakie artysta powinien, jak lustro, rzetelnie pokazywać świat. Śledził to w swoich pismach i nauczał tego swoich uczniów. W jego notatkach pojawiają się odniesienia do atlasu anatomicznego, który chciał napisać i zilustrować rycinami. Ale najwyraźniej nie został opublikowany lub nie został zachowany. Główna zasługa mistrzami w tym, że położył fundamenty malarstwo portretowe XVII wieku w Rosji.

Parsuna

Po znaczących przemianach w malarstwie ikon zaczęło nabierać kształtu gatunek portretowy. Początkowo wykonywano go w stylu malarstwa ikonowego i nazywano „parsuna” (z łac. osoba, osobowość). Artyści coraz częściej pracują z żywą naturą, a plebanie stają się bardziej realistyczne, twarze na nich nabierają objętości.

W tym stylu malowano portrety Borysa Godunowa, carów Aleksieja Michajłowicza, Fiodora Aleksiejewicza, carycy Jewdokii Łopuchiny, Praskowej Saltykowej.

Wiadomo, że na dworze pracowali także artyści zagraniczni. Przyczynili się również w znacznym stopniu do ewolucji malarstwa rosyjskiego.

grafika książkowa

Druk również dość późno pojawił się na ziemiach rosyjskich. Jednak równolegle z jej rozwojem popularność zyskały ryciny, które służyły jako ilustracje. Obrazy miały charakter zarówno religijny, jak i domowy. Książkowa miniatura z tego okresu wyróżnia się rozbudowaną ornamentyką, spotyka się także ozdobne litery, a także wizerunki portretowe. Wielki wkład w rozwój miniatur książek wnieśli mistrzowie szkoły Stroganowa.

Malarstwo w Rosji w XVII wieku zmieniło się z wysoce duchowego w bardziej świeckie i bliskie ludziom. Mimo sprzeciwu przywódcy kościelni, artyści bronili swojego prawa do tworzenia w gatunku realizmu.